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Commissioned by VideoGram International, Ltd., for a videodisc of music by Jimi Hendrix, Fire! uses the stylized visuals and pacing of a music video to critique the representational economies of sexuality and consumerism. Translating the psychedelic fervor of the Hendrix song into a contemporary visual vernacular, Birnbaum similarly recasts the lyrics' meaning. A young woman is the "protagonist" of a fragmented narrative in which Birnbaum re-frames images of American consumerism and commodities — fast food, cars, the exchange of money. Birnbaum calls attention to the woman's relation to the advertising image: she is consumed as she is consuming.

For four decades, Dara Birnbaum's pioneering works in video, media and installation have questioned the ideological and aesthetic character of mass media imagery, and are considered fundamental to our understanding of the history of media practices and contemporary art. Dara Birnbaum was born in New York City in 1946 where she continues to live and work. Dara Birnbaum received a B.A. in architecture from Carnegie Mellon University in Pittsburgh, a B.F.A. in painting from the San Francisco Art Institute, and a certificate in video and electronic editing from the Video Study Center at the New School for Social Research in New York. Dara Birnbaum was one of the first artists to develop complex and innovative installations that juxtapose images from multiple sources while incorporating three-dimensional elements - large-scale photographs, sculptural or architectural elements - into the work. She is known for her innovative strategies and use of manipulated television footage. Birnbaum's work has been exhibited widely at MoMA PS1, New York (2019); National Portrait Gallery, London (2018); Cleveland Museum of Art, Ohio (2018); South London Gallery, UK (2011); major retrospectives at Serralves Foundation, Porto, Portugal (2010) and S. M.A.K. Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Ghent, Belgium (2009); Center for Contemporary Art, CCA Kitakyushu (2009); Museum of Modern Art, New York (2008); Kunsthalle Wien, Vienna, Austria (2006); and The Jewish Museum, New York (2003). His work has been exhibited at Documenta 7, 8 and 9. Birnbaum has won several prestigious awards including: John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship (2021); The Rockefeller Foundation Bellagio Center Arts Residency (2011); the Pollock-Krasner Foundation Grant (2011); and the prestigious United States Artists Fellowship (2010). In 2016, she was recognized and honored for her work by The Kitchen, New York, at their annual gala. She was the first woman in video to receive the prestigious Maya Deren Award from the American Film Institute in 1987. In February 2017, Carnegie Mellon University's School of Art established the Birnbaum Award in her honour.

Neuland - 7min 22sec - 4:3 - dv_pal - 2009 A dutch landscape. The video-work `Neuland` (Virgin Soil, Unknown Territory) belongs to a series of landscape studies. The definition of the `Argument` and the `By-work` is questioned. It remains unclear if the `Argument` refers to the subject aimed by the camera or the one passing by. The attention is turned to an artificial landscape which stands for modernity and progress. Routine reveals itself as mechanical ritual. Seen from this perspective there is no place for the individual.

Biography José Miguel Biscaya, born in Lisbon in 1973, is a Mixed-Media Artist and Curator living and working in Amsterdam. He graduated at the Sandberg Institute where he received his Master-degree in Fine Arts (MFA). His work has been shown in numerous international festivals and group-exhibitions. He co-curated and produced several shows, including Volume and Hiscox Art Award. In 2007, he created in association with Jonathan Sullam and Tom Hillewaere the Mobile Institute in Brussels. As a jury member of the Media Art Friesland commission in 2009, José co-curated and lined up the Friesland International Media Art Competition program. Currently he is working on a new series of video-works.

Quelques habitants de New Crossroads (Cape Town), tentent de transformer un lieu par une intervention non fonctionnelle. Dans un espace public, ils construisent une tour de cinq mètres en empilant des poutres en bois peintes en vert vif. Quand la structure atteint son sommet, d'autres résidents sont invités à venir la démanteler et à prendre les matériaux pour leur usage personnel. La tour prend ainsi tout son sens une fois détruite et fragmentée. L'image de la tour comme symbole unique et point de référence de la ville disparaît dans l'horizontalité du quartier.

La collaboration entre les deux artistes Rossella Biscotti (Molfetta, Italie, 1978) et Kevin van Braak (Warnsveld, Pays-Bas, 1975) a commencé avec le projet de New Crossroads à Cape Town (Afrique du Sud). L'oeuvre est basée sur leur intérêt commun pour la relation entre l'environnement réel, pur ou idéaliste et le contexte fictionnel, créé par l'homme dans la société contemporaine. Les deux artistes ont également collaboré à différents projets impliquant la photographie, les installations et la sculpture. En 2006, ils ont réalisé un deuxième film, "The renovation of the empty bath", sur la rénovation d'une piscine à Rome, construite pendant la période fasciste. Ensemble, ils ont exposé au Fonds BKVB à Amsterdam, à l'American Academy de Rome et à la Fondazione Adriano Olivetti à Rome. Séparément, ils ont aussi exposé dans différents galleries et musées.

L?agent du FBI Joseph D. Pistone, alias Donnie Brasco, est interrogé par l'artiste sur ses six années d?opération au sein de la mafia américaine (1976-1982). Pistone a été le premier agent du FBI à avoir réussi à infiltrer la mafia new-yorkaise, et à livrer au FBI des informations internes sans jamais être découvert. Il a réussi à la fois à impliquer certains membres de la mafia dans des activités criminelles entièrement mises en place par le FBI et à introduire d'autres agents du FBI en tant qu?« associés criminels ». Le film est tourné dans un décor, spécialement dessiné et construit à l?occasion, qui revisite l'esthétique du film noir des années 1940. Le mythe de la pègre, la double face de la réalité (la tombée de la nuit et la lumière, l'enquêteur et le suspect), relie l'histoire de Joseph D. Pistone à celle des gangsters ainsi qu?à la connaissance que nous en avons à travers le cinéma américain.

Rossella Biscotti est née à Molfetta (Italie) en 1978. Elle vit et travaille actuellement à Rotterdam (Pays-Bas). Elle est devenue célèbre grâce à ses vidéos sur les traces de la vie des autres, généralement des anonymes de l'histoire. Ils constituent des sources stimulantes pour mener une réflexion sur la situation (collective et personnelle) de l'identité et de la mémoire aujourd?hui. En 2007, sa vidéo « The Sun Shines in Kiev » a remporté le Grand Prix de la Ville de Genève lors de la 12e Biennale de l'Image en Mouvement du Centre pour l'Image Contemporaine de Genève, et la Vache d'Or du Gstaadfilm de Gstaad (Suisse).

Interweaving stories inside a multi-storey car park.

Dans un grand palais abandonné, hors du monde, des anciens sans-abris de Porto font le récit de leur expérience de vie dans la rue.

Christophe Bisson, né en 1969, vit et travaille à Caen. Arpès un parcrs universitaire en philosophie, il se consacre ensuite aux arts plastiques. Jusqu’en 2009, il participle à de nombreuses expositions personnelles en France et dans le monde (Paris, Budapest, Barcelone, Kiev, Vilius, New York, Moscou…). En 2007, il co-réalise avec la réalisatrice Maryann De Leo le documentaire White Horse, très remarqué dans les festivals internationaux et nominé pour l’Ours d’Or à la Berlinale. Il se consacre progressivement entièrement au cinéma à partir de 2010. Ses films (Description d’un combat, Road Movie, Liquidation, Au Monde, etc.) oscillent entre documentaire et art vidéo. Ils connaissent un franc succès dans les grands festivals internationaux (FID Marseille, Cinéma du Réel) et internationaux (Viennale, Curta Cinema, Karlovy Vary International Film Festival). Son premier long métrage documentaire Sfumato reçoit une Mention Spéciale à l’édition 2016 du festival Cinéma du Réel et un an après avoir été lauréat du FID Lab son dernier film Silêncio reçoit le prix des lycéens au dernier FID Marseille. Il travaille actuellement sur son prochain film (Un souvenir d’archives), toujours produit par Triptyque Films.

This is a film poem about love. A Lebanese-American filmmaker photographs a woman in Paris: as a trapeze artist, a model, a lover, and a child. The film attempts to capture that moment between wakefulness and dream. It carries within it melancholy and loneliness, sadness and joy, adulthood and childhood. It evolves out of the metaphor that life is a circular journey whose end is "to arrive where we started / And know that place for the first time" (T.S. Eliot, Little Gidding).

Hisham Bizri is a Lebanese-American filmmaker born in Beirut. He has made several short films and has had retrospectives and screenings at Anthology Film Archives and MOMA in NYC, Centre Georges Pompidou and the Cinémathèque Française (Paris), Cairo Opera House (Egypt), among others. He has worked with Raùl Ruiz and Miklós Jancsó and was a jury member at several international film festivals, including the Chicago International Film Festival. Hisham has won several awards such as the Guggenheim and the American Academy Rome Prize. He is currently working on his feature "Until Morning" with producer Andrew Fierberg.

Asmahan est une méditation visuelle et filmique au motif avant-gardiste. Le film est fondé sur Gharam Wa Intiqam (Passion et vengeance, 1944) le dernier film d?Asmahan, une chanteuse Egypto-syrienne née en 1912 et morte en 1944. Sa forme filmique mélange les chansons d?Asmahan avec une intrigue et de l?action pour montrer un aperçu de la relation entre la vie tragique de la star dans l?Egypte coloniale et la nature du cinéma.

Hisham est un réalisateur libanais. Il a étudié aux Etats Unis avec les réalisateurs Raoul Ruiz et Miklós Jancsó et a donné des cours sur la réalisation aux Etats-Unis, au Liban, en Irlande, en Corée, en France et au Japon. La plupart de son travail peut être vu comme des méditations sur les thèmes de l?exile et de la mélancolie. Ces méditations visuelles sont forgées sur le mélange qu?il a lui-même expérimenté entre le Moyen Orient et son éducation arabo-musulmane et l?art et la culture anglo-européenne. Son travail, qui prend son inspiration de ce contexte personnel, est le reflet de préoccupations politiques et sociales vis-à-vis de la politique arabe contemporaine et de la culture ainsi que de préoccupations esthétiques vis-à-vis des valeurs picturales et de la poétique de la vie moderne. Son travail a été montré dans le monde arabe ainsi qu?à l?échelle internationale, comme par exemple au Louvre, au Cairo Opera House en Egypte, à la Biennale Des Cinéma Arabes à Paris, au Milan Film Festival en Italie, au Walker Art Center à Minneapolis, à l?Institut du Monde Arabe à Paris, aux Harvard Film Archives à Cambridge, et au Museum of Modern Art à New York.

Asmahan est l`histoire d`une femme qui prend la vengeance sur l`homme qu`elle pense a tué son mari, mais tombe amoureuse de lui pendant l'opération. Pendant le pelliculage, l`actrice dans le film qui chante les deux belles chansons sur la bande sonore, meurt dans un accident de voiture et la fin a dû être changée de sorte que son personnage meure également. Asmahan est une vraie personne qui était la figure quintessencielle du péché et de la liberté aux femmes dans le monde arabe. Elle a laissé sa maison et mari en Syrie dans les années 30 pour poursuivre la renommée en Egypte. Elle a été assassinée en 1944 et son meurtre demeure un mystère, on dit qu'elle était un agent double, travaillant pour les gouvernements britanniques et égyptiens. La vie d`Asmahan a été enveloppée dans le mythe, l`intrigue et plusieurs histoires au sujet de son attitude moderne dans la vie. Elle fumait et buvait, et ses liaisons romantiques continuent à produire une aura autour d`elle-même après sa mort. Mon film montre son aura par un langage cinématographique inspiré de sa chanson, de sa vie.

Hisham est un réalisateur libanais. Il a étudié aux USA avec des réalisateurs Raoul Ruiz et Miklós Jancsó et a enseigné réalisation aux Etats-Unis, au Liban, en Irlande, en Corée, en France, et au Japon. Beaucoup de son travail peut être vu comme des méditations sur les thèmes de l`exil et de la mélancolie. Ces méditations visuelles sont formées par son expérience personnelle à l`intersection entre le Moyen-Orient de son éducation d`Arabo-Musulmane et son art et culture Anglon-Européenne. Émergeant de ce contexte personnel, son travail reflète des soucis politiques et sociaux envers la politique et culture arabe contemporaine et une inquiétude esthétique envers le mantra des valeurs et de la poésie de la vie moderne. Son travail a été montré dans le monde arabe et internationalement, y compris et entre autres au musée du Louvre (France), la Biennale Des Cinéma Arabes (Paris, France), au festival du film de Milan (Italie), au Walker Art Museum (Minneapolis), à l'Institut du Monde Arabe (Paris), au Museum of Modern Art (New York).

« Song for the Deaf Ear » est une méditation cinématographique sur la folie de la guerre et la violence au Liban, le pays de l?auteur.

Hisham est un cinéaste libanais. Il a étudié aux Etats-Unis avec les réalisateurs Raoul Ruiz et Miklos Jancso et donné des conférences sur le cinéma aux Etats-Unis, au Liban, en Irlande, en Corée, en France et au Japon. Une grande partie de son ?uvre peut être considérée comme une méditation sur les thèmes de l'exil et de la mélancolie. Son ?uvre a été montrée dans le monde arabe ainsi qu?à l?échelle internationale, notamment au Musée du Louvre de Paris (France), à la Biennale du Cinéma Arabe de Paris, au Festival du Film de Milan (Italie), au Walker Art Center de Minneapolis (USA), à l'Institut du Monde Arabe de Paris, aux Harvard Film Archives de Cambridge (USA), au Reina Sofia de Madrid (Espagne), au Museum of Modern Art de New York (USA), à la Cinémathèque Française de Paris, au Centre Pompidou de Paris, à l?Opéra du Caire (Égypte), entre autres.

Andrea Giordano electronics and voice - Kjell Bjørgeengen Dave Jones VideoSynth and Flood Coil Excerpt from performance at Surnadal Billag, Norway 2024

Kjell Bjørgeengen looks upon his art as an investigation of a reality which needs to be worked upon and changed in both artistic and political ways. His video work began in association with The Experimental Television Center in Owego, New York, which specialized in the development of new video technology for artists. Since 2000, he has worked exclusively with audio-generated video using the Jones VideoSynth and Flood Coil—a device which mimics a CRT monitor where the debris of the magnetic fallout is picked up and turned into sound. Bjørgeengen has exhibited widely including a series of large scale video installations at Kunstnernes Hus, The National Museum of Art, Bergen Art Museum, Stavanger Art Museum, Kristiansand Art Museum, Kristiansand Arthall and Gallery K, Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo, The Ludwig Forum, Aachen, Dundee Contemporary Arts, and the Pori Art Museum. For his audio generated video performances Kjell has worked with Jon Balke, Joëlle Léandre, Okkyung Lee, Uchihashi Kazuhisa, Jin Hi Kim, Otomo Yoshihide, MIMEO, Evan Parker Electro Acoustic Ensemble, Aernoudt Jacobs, Streifenjunko, MURAL, Lasse Marhaug, Marc Ribot, Kim Myhr, Toshimaru Nakamura, Thomas Lehn, Rick Reed, Jim Denley, Chris Cogburn, Inga Margrete Aas, John Tilbury and Keith Rowe. https://bjorgeengen.com/ https://vimeo.com/kjellbjorgeengen

Land Bodies, Decomposing Mass is an audiovisual collaboration between Ingrid Bjørnaali, Maria Simmons and Fabian Lanzmaier, focusing on preserved peatlands and their interpretation through various recording and 3D computing technologies. Through the use of photogrammetry, a technology that relates to satellite mapping and archiving of anthropocentric spaces and monuments, the biotope is interpreted bit by bit in an intimate, close-up interaction. The work explores specific peatlands in Finland, Norway and Canada from various perspectives, focusing on the idea of natural landscapes as sources as opposed to resources, and their capability or not to be translated to binary code.

Ingrid Bjørnaali is a multidisciplinary artist based in Oslo who records specific biotopes in various states of their ongoing world-building processes. Her works explore the omnipresence of the digital in our experience of the world as well as the inability of technology to articulate matter’s complexity. Recent exhibitions include Screen City Biennial, Berlin, Fabbrica Del Vapore, Milan, Charles Street Video, Toronto and Contemporary Art Museum of Estonia (EKKM). Fabian Lanzmaier is a musician and sound artist living in Vienna. In his practice he explores perception and ideas of natural / artificial sounds, fluid and ambiguous environments. He works with real-time audio synthesis utilizing digital/analog physical modeling techniques and feedback networks to explore aspects of texture and structure of sound as well as its presence within space. Recent projects include: Artist in Residency at Wave Farm – NY, composition commission through INA - grm - Paris, AV - Performance at Fridman Gallery - NYC and Artist in Residency at EMS – Stockholm. Maria Simmons is a Canadian symbiontic artist who investigates potentialized environments through the creation of hybrid sculptures and installations. Her work embraces contamination as an act of collaboration. She collects garbage, grows yeast, ferments plants, and nurtures fruit flies. She makes art that eats itself. Recent solo exhibitions include the Visual Art Centre of Clarington, Trinity Square Video, and Centre3.

A journey through the years of counterculture and attempted revolution, through archive footage, guided by the memory of a retired revolutionary, Vittorio Alfieri, former head of the Milanese column of the Red Brigades. From factory initiatives, through armed struggle and half a life in prison, a glimpse of a forgotten history, which we still keep hidden, especially from ourselves.

Mario Blaconà is a cinema programmer at the San Fedele Cultural Center in Milan and is editor of the online magazines Lo Specchio Scuro and Filmidee. In 2018 he directed the documentary short film Which of you was not born here, winner of the Montelupo Fiorentino Film Festival, and in the same year he arrived among the finalists of the Solinas Award for documentary with the project Benq5, with which he won the Front Lab Aosta 2018 and participated in the international laboratory Balkan Documentary Center. In 2021 he directed the medium-length documentary Italia, theories for a home movie, with which he participated in the Milan Filmmaker Festival and in FIDBA at Buenos Aires. In 2022 he partecipated to the artistic residency U Stories with the project Domina. He is currently head programmer of the Bellaria Film Festival, is a member of the Sole Luna Doc pre-selection committee and collaborates with the Locarno Film Festival within the Locarno Filmmakers Academy and L'immagine e la Parola.

The short film UNCERTAINTY is like Ouroboros, has no beginning and no end. The important aspect of the plot is constant change of the perspective between the observer and the observed person. This endless inversion and slow close-ups create the atmosphere of uncanny epidemic. Uncertainty is the effect of being infected by a microbe which forced a victim to intense observation of the surrounding world. The final aim is to not get concentrated on any specific element or quality but to exceed the cognitive habits. The suspended certainty of the existence forces all observers to look through the images of so-called reality. Their behavior may look absurdly, although it’s based on the promise given by our culture: there must be something beyond the visible world.

Born in 1980 in Wroclaw, Poland where he lives and works. Since 2004 studied at The Academy of Fine Arts and Design in Wroclaw. Received MA Degree in Media Arts in 2011. Founder and director at EMDES gallery which existed between 2009 and 2011.

“Stitch the Ruin” is an experimental film that reflects on the conceptual, historical, and social concerns surrounding clothing production. In the film we see interconnected microscopic images of textiles gathered from Zagreb’s legendary flea market “Hreli?”, with lists of shut factories, some named after the partisan heroines of the Antifascist Women’s Front. By focusing closely on details like stitching and tags, this work explores knowledge of time and labor and reflects on the specific industrial structure of feeling established by workers in these socialist factories.

Željka Blakši? AKA Gita Blak is a visual artist, filmmaker, and educator invested in the moving image, performative archival practices, and countercultural histories. Her work has been exhibited at the Art Encounters Biennial 2025: Bounding Histories. Whispering Tales (Timi?oara), the 17th Gjon Mili Biennial at the National Gallery of Kosovo, the MoMA (New York), Kunsthalle Exnergasse (Vienna), Reading International Art Festival (UK), Anonymous Gallery (New York), AIR Gallery (New York), The Kitchen (New York), Framer Framed (Amsterdam), Gallery Augusta (Helsinki), Gallery of SESI (São Paulo). Her latest film Stitch the Ruin has been screened at over twenty international festivals and received multiple awards. She has participated in Interdisciplinary Art and Theory Program (NYC), the Visual Studies Workshop (Rochester, NY), the Fondazione Pistoletto Residency (Italy), MuseumsQuartier (Vienna), Recess Session (NYC), A.I.R. Gallery Fellowship Program (NYC), and Alserkal Avenue (Dubai). Awards include, Green DCP at the 25 FPS (Zagreb), the NYFA Film/Video Finalist, the Residency Unlimited & NEA Fellowship, the Paula Rhodes Award (NYC), and the 2024 Ruprecht Fellowship at the University of Vermont. Željka holds an MFA from the School of Visual Arts and a BFA from the Academy of Fine Arts in Zagreb.

Une exploration animée de la culture populaire et du fast-food nord-américains, mêlant l`absurde à l`obsessionnel et abordant entre autres les thèmes de la surcharge sensorielle et l`omniprésence de l`intéractivité dans les médias.

Formé en cinéma et beaux-arts à l`Université Concordia (Montréal, Canada), Philippe Blanchard a ensuite travaillé quelques années en Amérique Latine et au Moyen-Orient pour finalement suivre une formation en effets spéciaux numériques au College Seneca (Toronto). Il travaille présentement pour le studio d`animation Head Gear Animation à Toronto.

Le projet « The Proll Thing » comprend une vidéo d?animation sur deux écrans ainsi qu?une vidéo réalisée avec un téléphone portable. L?idée est de distribuer la narration entre différents médias, et de voir comment cette information s?articule en différents niveaux dans l?espace de projection. Le point de départ de l?auteur est le restaurant Kino International de Berlin-Est. L?actuelle « police de l?image » de ce bâtiment interdit qu?on prenne des photos à l?intérieur (même si le lieu est ouvert au public pendant la projection des films). L?auteur a pensé à l?animation comme moyen de représenter l?intérieur du bâtiment, car il lui semblait possible de recréer cet intérieur en mélangeant la réalité et la fiction. Pour réaliser ce montage, il a intégré différents éléments, réels ou imaginaires, qui créent des situations nouvelles. Les dessins pour les décors de la vidéo sont basés sur une série de cartes postales vendues comme souvenir à l?entrée du cinéma.

Vicente Blanco est né à Cee (Espagne) et est diplômé de l?Académie des Beaux-Art de la Faculté de Potevedra (Université de Vigo, Espagne). Il a bénéficié, entre autres, d?une bourse de perfectionnement à la Claremont Graduate University de Los Angeles (USA), de la subvention « Generation 2000 » de la part de Caja Madrid, ainsi que de la bourse de l?Unión Fenosa et Beca Endesa, qui lui a permis de vivre à Madrid. Il a participé à de nombreuses expositions collectives, notamment « Urbanitas » à MARCO (Vigo, Espagne), « ¿Viva pintura! » à Salzburg (Autriche) et « 16 x 16, 16 proyectos de arte español » pour ARCO?06. Ses expositions individuelles ont eu lieu au CGAC en 2003 (« Lo que se espera de nosotros »), à l?Espacio Uno du Musée Reina Sofía en 2004 (« Alguna vez pasa cuando estáis dormidos ») et à la galerie Elba Benitez Gallery en 2006 (« Otra vez algo nuevo »).

Empire of the Swamp (2023) begins with a figure wandering from the mangrove swamps surrounding the city edges of Singapore to Bukit Brown Cemetery in the heart of the island, overgrown and rich with biodiversity, once the final resting place for 100, 000 people. This green space is slowly being swallowed up, graves exhumed to make way for new roads and eventually new housing. A script, written by playwright Joel Tan, is a fable of nature and the repercussions of colonialism. A tale of a crocodile who comes upon the soul of a English soldier lost in the swamps. Empire of the Swamp was part of Atomic Light, David Blandy’s most ambitious solo project to date at John Hansard Gallery, Southampton, UK. Featuring four newly commissioned films, it builds upon his continued interest in history, the legacy of empire and the climate crisis. The tales interconnect through the story of Blandy’s grandfather, a British soldier interred in Singapore as a Japanese prisoner of war, who believed that the horrific atomic bombing of Hiroshima saved his life. Empire of the Swamp was commissioned by John Hansard Gallery, UK & Supported by Arts Council England

David Blandy (1976, UK, Lives & works in Brighton) makes work that slips between performance and video, digital and analogue, investigating the stories and cultural forces that inform and influence our lives. Collaboration is central to his practice, examining communal and personal heritage and interdependence. With research spanning multiple forms of archive, from fandoms to the archive of the body, historic texts to academic libraries, archaeology and ecological theory, twitch streams and film archives, Blandy weaves poetic works that explore the complexities of the contemporary subject. He is represented by Seventeen Gallery, London, UK. His films are distributed by LUX, London, UK.

"End of Level" est une oeuvre courte animée, fusionnant des pixels 2D avec l'animation 3D. La grande bataille entre un artiste de rue et un directeur artistique s'amplifie au son des beats obtenus avec une Gameboy Nintendo. Les hommes pixélisés se battent pour la suprématie, à travers la reproduction, la subversion, un convertisseur analogique-numérique et la réparation. Reconfigurer le système de signes de la ville est une bataille épique sans fin.

Victor Blanke est né à Stockholm, Suède, en 1980. Diplômé du Central Saint Martins College of Art and Design et de la Stockholm Filmschool, son travail a été présenté au Festival du Film de Stockholm, au Subörb Festival, et dans des publications telles que The Face et Adbusters Magazine. Parmi ses oeuvres publicitaires on trouve de nombreuses vidéos et publicités musicales pour des artistes tels que Paul McCartney, Shelly Poole, Håkan Lidbo et mutagene.

A traditional band plays in an abandoned hotel on an island in the middle of the Atlantic Ocean. Only in the final credits we understand that this is a political film.

Daniel Blaufuks uses mainly photography and video, presenting his work through books, installations and films. He has a predilection for issues such as the connection between time and space and the intersection between private and public memory.