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“Amazonia” is a "desktop cinema" essay on one of the key sites where the virtual world of e-commerce transforms physical space—and physical labor: the Amazon.com fulfillment centers where the millions of items available for purchase with the click of a mouse await our orders. The film visits the four cities where Amazon’s four original fulfillment centers were located to meditate on the impacts of our online purchases on the people and places “at the other end of the internet.”

Roger Beebe is a filmmaker whose work since 2006 consists primarily of multiple projector performances and essayistic videos that explore the world of found images and the "found" landscapes of late capitalism. He has screened his films around the globe at such unlikely venues as the CBS Jumbotron in Times Square and McMurdo Station in Antarctica as well as more likely ones including Sundance and the Museum of Modern Art. Beebe is also a film programmer: he ran Flicker, a festival of small-gauge film in Chapel Hill, NC, from 1997-2000 and was the founder and Artistic Director of FLEX, the Florida Experimental Film Festival from 2004-2014. He is currently a Professor in the Department of Art at the Ohio State University.

Une station service abandonnée affiche un curieux impératif : ?Save? (sauver). Cette énigme se pose sous une forme architecturale : qu?y a-t-il à sauver ? Un nouvel épisode dans l?histoire des Américains qui dirigent leurs caméras vers une station service ; une tentative pour comprendre ce que l?on a fait par le passé, ce que l?on va faire, et ce qu?on a laissé derrière nous. La première partie de S A V E a été entièrement montée sur caméra.

Roger Beebe est professeur de cinéma et de ?media studies? à l?université de Floride. Son travail a été montré un peu partout dans le monde dans des endroits aussi improbables que la McMurdo Station en Antarctique et le CBS Jumbotron à Times Square, mais aussi dans des endroits un peu plus convenus comme par exemple Ann Arbor, le New York Underground et Rotterdam. De 1997 à 2000 il s?est occupé de Flicker, un festival bimensuel de courts-métrages à Chapel Hill en Caroline du Nord et il est actuellement le directeur artistique de FLEX, le Festival du Film et de la Vidéo Expérimental de Floride (Florida Experimental Film/Video Festival).

L'arrière plan de l'image est fait d'un motif de points imprimés directement sur un patron clair. Cet arrière-plan se dédouble comme une bande sonore optique de différents tons créer par la différente densité des points. Les points sont inspiré des bas que Toni Basil (Antonia Christina Basilotta") portait dans le film de Bruce Conner "Breakaway" en 1966, qui servit aussi de source d'image pour le danseur dans le film. Toni Basil elle-même est une source d'inspiration pour tout les trentenaires n'ayant pas encore trouvé leur voie (Elle avait 39 ans quand "Mikey" devint un tube en 1982") Ce film a été commissionné à Cinematexas en 2005 pendant un déjeuner d'un plat de porc et d'une charlotte aux pêches. Le film e st aussi connu sous le nom de "32.37" (le prix du repas). De la série Lunchfilm: Mike Plante, conservateur, déjeune avec des réalisateurs et commande un film pour le prix du déjeuner. Certaines règles sont écrites sur une serviette. Voici les règles de cette commission: faire référence à la danse, faire référence au Texas, avoir un autographe, mentionner Toni Basil.

Roger Beebe est professeur de film et médias à l'université de Floride. Ses travaux ont été montré de part le monde dans des lieux aussi peu communs que la McMurdo Station en Antarctique et le CBS Jumbotron sur Times Square et aussi dans des lieux plus communs comme le Museum of Modern Art, Ann Arbor, NY Underground, et Rotterdam. De 1997 à 2000 il a été en charge de Flicker, un festival bi-mensuel de film de petit "calibre" à Chapel Hill, NC, et est maintenant directeur artistique de FLEX, Florida Experimental Film/Video Festival.

1. Covenant Transport, Move or Die in its original form is a multi-channel video installation, presented here as one screen from this format. The work speaks directly to the mutual fantasies of mobility and non-place that have occupied the capitalist liberal imaginary as well as the world of leftist politics and contemporary art. The work features five characters that occupy the site of a wasteland making up a workerist crew of manager, worker, programmer, consumer, and dealer. In this parallel reality, derived from and cluttered with the detritus of our life as we know it, they program and mobilize the unrelenting movements of economies, states, culture and people. Using game show style methods of consensus building they wade through the terrain of global capitalist power to transcend the political stagnation of technology, industry and the mire of our present.

Amanda Beech is an artist and writer. Her work entangles narratives of power, reason and cause from philosophical theory, literature and real political events, exploring how the myths that seem necessary for an account of human agency are lived with, but can also be supplanted by a realist politics. Through entangling narratives of power and agency from philosophical theory, noir-ish narratives of TV shows like 24, CSI, the hard-boiled writing of James Ellroy and real political events, her artwork, in video, print and sculpture manifest an argument for a propositional art that executes another form of force to surpass the notion that art simply reflects and reproduces the status quo. The work traverses the aesthetic and philosophical paradigms of institutional, individualistic, metaphysical, rational and mythological authorities to propose a new realist politics of the artwork itself that can surpass the tragic consciousness and the ideal skepticism that has mutually championed and debilitated the value of art in Modern and contemporary culture. In this hard critique of liberal and neo-liberal cultural politics her work examines and produces the condition of language as force and the force of language with the weight of a commitment to a future

Avalancha is the story of a group of people hidden in the woods, they start running out of it and try to trespass a fence with handmade ladders, they jump and run into the woods, and the loop starts, they are hidden in the woods? Based on the events that happened in the border of Morocco and Spain, when several big groups of people tried to trespass the border fence. The press called this event as "avalanche". The film was shot in Germany, in a former fence separating East and West Germany, with german actors, trying to mix equal situations but not being obvious, there is no information about all this in the video. This is just a choreography based on a situation. I filmed the action from 3 different points of view that we can see simultaneously in 3 screens, one for the fence, one for the woods and one for the whole action. The video is presented as a continuous loop as the real fences problem is also a loop.

Témoignages d?immigrés de la première génération : hommes et femmes maghrébins dans un regard croisé avec un immigré polonais et un prêtre catholique belge. Vie de l?immigration sous forme de récits personnels.

Premier film de Foued Bellali, Katty De Boeck, Nadia Remy. Réalisation & Montage: Foued Bellali, Katty De Boeck, Nadia Remy Caméra & Son: Yael André, Foued Bellali, Katty De Boeck, Nadia Remy Production: Vox Année: 2004 Durée: 52? Format: mini-DV Aussi disponible sur: beta SP et DVD (bientôt) Soutitres: VO avec soutitres en français. Texte transcription en FR disponible. Soutitres anglais disponibles bientôt (DVD).

Onze ans après le génocide, le film accompagne survivants et bourreaux avant et après les premiers procès populaires Gacaca où ils se retrouvent face à face. Il y a Obede, accusé d?avoir tué des enfants et dont la demande de pardon n?est qu?une stratégie cynique pour être libéré. Il y a Gahutu, qui n?a « aucun remords » et qui face à ses juges, parlent toujours de « serpent » pour parler de ceux qu?on exterminait. Enfin il y a François, obligé de tuer son propre frère pour pouvoir survivre et qui tente aujourd?hui de se réconcilier avec sa belle-s?ur. A travers ces trois histoires, le film tisse un portrait d?une société en guerre contre l?idéologie toujours présente du génocide.

Né en 1978 en Belgique, il poursuit des études de communication puis de réalisation cinéma à l?Insas jusqu?en 2002. Il termine en ce moment le développement de son premier long-métrage de fiction (lauréat du Prix Junior du meilleur scénario Sopadin) et développe un autre long-métrage sur le génocide rwandais.

"De 1870 à 1955 des millions d'Italiens émigrèrent en Argentine. Le 21 décembre 2001, l'Argentine bascule soudain dans le chaos. Dans le contexte des élections de 2003, le film revient sur l'histoire de l'immigration entre ces deux pays, celle d'un rêve brisé. Les souvenirs se mélangent aux aspirations du présent, relatant le voyage de ceux qui ont décidé de faire en sens inverse le chemin de leurs grands-pères..."

Piero Messina, né en Sicile (Caltagirone) en 1981, est en train de terminer sa thèse de Laurea en études cinématographiques à l`université de DAMS Roma Tre (Discipline art musique et spectacle). A 16 ans, il réalise son premier courtmétrage qui lui vaut le prix special du jury à Libere Visione. Successivement, il réalise `Ben Adam` et dix clips comiques `Melies e caramelle`. En 1999 il réalise et produit en amateur avec Fabio Cillia un long métrage `Una vista non basta` projeté au cinéma Politeama à Caltagirone. Succède un documentaire `Due esempi di sviluppo` et le spot publicitaire de l`AVIS (Association Italienne pour le don de sang). A 22 ans, il réalise `Stidda ca curri` avec lequel il remporte le prix du meilleur court métrage au 50ème Taormina film fest, le `Giglio D`Argento`au 55ème Festival de Valdarno, la mention speciale au Festival International de Fano et au Festival de l`Arcipelago (roma), Meilleur image 28° Recontres Internationales Henri Langlois et il est selectionné pour la 12ème Biennale des jeunes artistes de l`Europe et de la méditerranée (bjcem). D'autre part, il a à son actif des compositions musicales, les bandes sonores de ses propres films, et celle du film de Luca Bellino `Mate y moneda` et du court métrage produit par la Fandango `Due Sigarette`. Actuellement, il prépare un court métrage inspiré d'un poème de Cesare Pavese.

Bienvenu à Kempinski, Les habitants de ce lieu mystique et animiste nous le présentent. « Aujourd?hui nous disposons d?un centre spatial. Nous mettrons bientôt des fusées ainsi qu?un certain nombre de satellites sur orbite qui nous permettront d?avoir beaucoup plus d?informations sur les autres stations et sur les autres astres. » La vidéo n?a pas de scripte et son scénario est causé par une règle du jeu spécifique.

Neil Beloufa est né en 1985 à Paris. Étudiant en 4e année aux Beaux-Arts (ENSBA) et aux Arts Décoratifs (ENSAD) de Paris, il est actuellement en échange universitaire aux États-Unis.

Un décor en carton et photographies reconstitue une villa luxueuse type californienne en Algérie. Ses habitants, des voisins et d?autres protagonistes s?y projettent pour expliquer pourquoi et comment celle-ci aurait été occupée par des terroristes pour se cacher alors que, paradoxalement elle est entièrement vitrée. Ils l?auraient même entretenue jusqu`à ne pas y laisser de traces. Cette anecdote improbable et insolvable pousse les personnages à inventer les images d?une période médiatisée sans images ni histoire en manquant l?objet principal.

Dans un Hollywood imaginaire des cow-boys, des membres d’un gang, des militants, des hippies et des adolescentes rebelles élaborent un conte philosophique qui recycle les stéréotypes les plus forts de notre époque. Dans ce monde où documentaire et science- fiction s'entrechoquent, lutte des classes et invasion extra-terrestre cohabitent.

Neil Beloufa (1985, Paris) a étudié à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) et l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (ENSAD) de Paris, et à Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains. Il a reç̧u plusieurs prix, notamment le Prix Videoforme de Clermont-Ferrand en 2009, le Grand Prix IndieLisboa 2009, le Prix Arte du court métrage et le Prix du Jury au Festival de Oberhausen en 2011. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions solo à Francfort, Los Angeles, Paris et New York, et présenté dans le cadre de nombreuses expositions solo et collectives depuis 2007. Ses films ont été présentés dans des festivals internationaux de vidéo et documentaire. En 2012, il a reçu le talent Prix Audi pour son projet de long métrage TONIGHT AND THE PEOPLE, dont la première a eu lieu au FID Marseille en 2013. Cette même année, il a reçu le prix Meurice pour son prochain projet de film. Il vit à Paris.

Deux architectes espéraient construire la cité idéale: Oscar Niemeyer a créé Brasilia en plein mato (savane) brésilien, Le Corbusier s?est rendu en Inde pour y construire Chandigarh. Les deux villes s?élèvent dans le paysage, comme deux mémentos futuristes de béton, témoins de leurs bâtisseurs, les rares habitants qui nous sont donnés à voir semblent rapetissés. Les géométries respectives de Brasilia et Chandigarh construisent le film, tandis que le dialogue s?installe entre les deux cités.Brasilia 2.doc

Louidgi Beltrame, cinéaste, artiste, est né en 1971 à Marseille. Il a présenté son travail à l?Atelier du Jeu de Paume, au Palais de Tokyo ou au Musée André Malraux du Havre ainsi qu?au Festival du Film de Locarno ou au Festival Interntional du Documentaire à Marseille.

Située au large de Nagasaki au Japon, l?île de Gunkanjima est une colonie minière abandonnée depuis 1974. Objet d?une expérimentation urbaine verticale, extrême, et non planifiée, l?île rassemble aujourd?hui les vestiges archéologiques de l?architecture moderne japonaise. Ces formes vides, filmées comme des sculptures monumentales, sont néanmoins habitées par des histoires stratifiées - celles des conditions de production, des idéologies qui ont motivé ces chantiers et des hommes qui les ont bâti et exploités.

Louidgi Beltrame est un artiste français. Né à Marseille, il vit et travaille actuellement à Paris. Son travail se développe autour de la déconstruction des structures narratives et formelles du cinéma, considéré comme un médium avec sa syntaxe spécifique, mais également comme une force politique qui a influencé les développements du siècle passé, et qui constitue également une documentation de l?architecture moderniste et de ses vestiges. Le travail de Louidgi Beltrame est exposé dans des galeries, des musées et présenté dans des festivals de cinéma en France et à l?étranger, notamment au Musée d?Art Moderne et Contemporain de Strasbourg ; à Paris au Musée du Jeu de Paume, à la Fondation Ricard, au Palais de Tokyo, au centre d?art Le Plateau, au Centre Georges Pompidou. Ses films ont été diffusés au FID Marseille (festival international du documentaire), au festival international du film de Rotterdam, au festival du film de Locarno, à la Fondation Funarte de Rio de Janeiro, à LOOP, Barcelone ; au Japon à la Echigo Tsumari Art Triennal, à Niagata et à l?Hiroshima Art Document.

Louidgi Beltrame filme en 16 mm un grand banyan situé dans le jardin botanique de Calcutta. Cet arbre, qui a la particularité de s’étendre en rhizome sur plusieurs centaines de mètres, est approché comme une forêt de clones, un espace métaphysique où des histoires refont surface : l’histoire de l’invention et du développement parallèle de la photographie et de la télégraphie dans le contexte de l’Inde colonisée, le rêve de Linné selon Foucault, des réminiscences du cinéma Bengali de Ritwik Ghatak et de Satyajit Ray où réel et fiction se sont rencontrés.

Louidgi Beltrame est né à Marseille en 1971. Il vit et travaille à Paris. Le travail de Louidgi Beltrame se développe autour d’une documentation des modes d’organisation humaine dans l’histoire du 20ème siècle. Il se déplace sur des sites définis par une relation paradigmatique à la modernité : Hiroshima, Rio de Janeiro, Brasilia, Chandigarh, Tchernobyl ou encore la colonie minière de Gunkanjima au large de Nagasaki. Ses films - qui reposent sur l’enregistrement du réel et la constitution d’une archive - font appel à la fiction comme une manière possible d’envisager l’Histoire.

El Brujo, qui signifie “ le sorcier “ en espagnol est aussi le nom d’un site archéologique mochica. C’est sur cette plage de la côte péruvienne que l’artiste a tourné une partie de son film : le guérisseur José Levis Picón y rejoue la séquence finale du film de François Truffaut Les Quatre Cent Coups (1959) où le jeune héros Antoine Doinel, interprété par Jean-Pierre Léaud, s’enfuit vers le rivage. Le célèbre acteur français prend lui aussi part à l’oeuvre de Louidgi Beltrame, filmé à la dérive dans les rues de Paris. A travers ces transpositions, l’artiste orchestre une série de déplacements, une migration des personnages, des motifs et des époques : “Antoine Doinel est déplacé dans l’espace et dans le temps, mais aussi dans le langage. En Aymara, langue indienne vernaculaire, le passé se situe devant le locuteur et le futur derrièrere lui. “ Aux lignes géométriques du paysage péruvien fait de pyramides et d’excavations répond la structure du montage filmique composée de travellings et de plans panoramiques sur la musique modulaire et synthétique du morceau Triangle (1979) de Jacno.

Louidgi Beltrame est né en 1971 à Marseille. Il vit et travaille actuellement à Paris. Il a étudié à l’école supérieure d’art et de design à Marseille, au Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains et à la Villa Arson de Nice. Dans son travail salué par le prix SAM en 2014, Louidgi Beltrame examine les processus de constitution d’archives et de documentation de l’organisation humaine à travers le 20ème siècle, en utilisant la fiction comme une possible façon d’appréhender l’histoire. Le travail de Louidgi Beltrame se développe autour d’une déconstruction des structures formelles et narratives du cinéma, envisagé comme médium avec sa syntaxe spécifique mais aussi comme force politique qui a influencé le développement du siècle dernier et d’une documentation de l’architecture moderniste et de ses vestiges. Il filme ainsi dans des endroits définis par leur relation paradigmatique à la modernité : Hiroshima, Rio de Janeiro, Brasilia, Chandigarh, Tchernobyl, ou Gunkanjima, île abandonnée au large de Nagasaki, vestige d’une ancienne cité charbonnière. Son travail, récemment exposé au Palais de Tokyo (2016), a été montré au Centre d’art Contemporain de Chelles (2010), au Musée d’art Moderne et Contemporain de Strasbourg (2008), au Pinchuk Art Center de Kiev (2007), à l’Atelier du jeu de Paume (Paris, 2006), au Musée d’art contemporain du Val-de-Marne, (France, 2005), au Centre Georges Pompidou, (Paris, 2005).

A group of Cuban migrants use their mobile phones to record and transmit through social networks intimate moments of their passage through the jungle, gathering more than 100 hours of experiences. Immobilized in a makeshift camp by Cáritas in Panama City, the difficult passage through the Darien Jungle comes to life on their devices. In this migratory limbo, Cuban director Marcel Beltrán films the passing of the hours in the camp and gains access to this shocking archive.

Marcel Beltrán (b. 1985, Moa, Cuba) is a film director and producer currently living and working in São Paulo, Brazil. He is the founder of Mediocielo Films, a consultant for international development projects and a facilitator of sustainability practices within the arts, exploring environmentally and ecologically-focused issues. Beltrán’s work combines image degradation, memory and life experience creating a dialogue between the poetic and political / the intimate and public. Marcel has wrote, directed and produced “La música de las esferas” (2018) premiere at 35 MIFF and "La opción cero" (2020), a feature documentary with world premiere at IDFA, Hot Docs and DOC NYC, receiving, among other awards, Best International Feature Film at Miradasdoc (Spain), FIDBA (Argentina). His previous films were selected in film festivals around the world, such as MoMA Documentary Fortnight (New York), Busan International Short Film Festival, Documenta Madrid, DOK Leipzig, AmDocs (Palm Springs), Malaga, Biarritz, SANFIC (Santiago de Chile), Festival Latino (São Paulo), BIFF (Bogota), Havana Festival, among others.

Borderhole takes place on a mythical border area between Colombia and the United States. We investigate the relationship between North and South America through the lens of the American Dream and the illumination of multiple tensions in and around the border. The piece explores imperialism, globalization through pop music, gender mutation in an international context, and the choreography of women’s bodies in relation to sociopolitical and ecosystems.

Nadia Granados is originally from Bogotá, and currently based in Mexico City. Her work explores the relationships between traditional pornography and violence and is both performative and technological, art and activism, and a mix of cabaret, intervention, and streaming video. In all of her work, she uses her body to detonate, opening up new pathways of action and shift consciences. Among the many awards she has received are the Franklin Furnace Fund, the 3rd Visual Arts Biennial Bogotá Prize, and the FONCA award for Colombia-Mexico artist residencies. Her work has been presented extensively and internationally. Amber Bemak teaches filmmaking at Southern Methodist University in Dallas, Texas, and her creative work is based in experimental and documentary film, as well as performance art. Amber’s work focuses on themes of Buddhist culture, performative explorations of the body in relation to greater political systems, and cross-cultural encounters in the context of globalization. Her feature and short films have played in numerous festivals internationally, and have been seen at venues including the Brooklyn Museum’s Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, SculptureCenter, and Oberhausen Film Festival. She has taught film theory and practice in India, Nepal, Kenya, Mexico, and the United States.

Une femme queer est enceinte. La famille choisie, composée de deux lesbiennes et d'un homme trans, imagine une sorte de magie érotique qui permettra une procréation fondée uniquement sur le désir. Ensemble, ils mettent en place un rituel sexuel public pour symboliser leur espoir de multiplicité, reconnaissant leurs corps cyborgs comme des interventions technologiques. Lorsque la femme homosexuelle fait une fausse couche, ils commencent tous les trois à construire leur propre idée mythique de l'endroit où vivent les corps lorsqu'ils ne sont pas en nous. Ils créent une histoire pour retracer les mouvements du non-corps, d'un trou à une rivière, puis à une pièce. Les images d'une chambre blanche imaginaire, d’une chambre "ikeaesque" de torture par l’immobilité, les hantent. Comme un parallèle émerge entre le corps enceinte et le corps trans, l'acte techno-sexuel devient la clé, et une pyramide devient le portail pour accéder à cet autre monde d'existence non corporelle.

Angelo Madsen Minax travaille dans le cinéma documentaire et hybride. Il est lauréat du Samuel Edes Prize for Emerging Artists, Chicago (USA) [2017], de la bourse Tribeca Film Institute's All-Access Fellowship, New York (USA) [2019], du Sundance Institute's Documentary Production Fund (USA) [2019] et de la bourse Bay Area Video Coalition’s Media-maker Fellowship, San Francisco (USA) [2020]. Amber Bemak est réalisatrice, artiste et éducatrice. Son travail est basé sur le cinéma expérimental et documentaire. Ses œuvres primées ont été présentées dans des lieux tels que le Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art du Brooklyn Museum, New York (USA); le Museo Tamayo, Mexico (Mexique); et le SculptureCenter, New York (USA); ainsi qu'aux Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne); à DocLisboa, Lisbonne (Portugal); au Ann Arbor Film Festival (USA); au Festival internacional de cine de Morelia (Mexique); et au European Media Art Festival, Osnabrück (Allemagne).

« Six floors to hell » (52 minutes) est un long-métrage sur les Palestiniens du carrefour de Geha ? un des plus actifs dans la région de Tel-Aviv ? qui vivent dans le parking souterrain d'une galerie marchande abandonnée et qui se faufilent en Israël pour trouver un travail et rapporter un petit salaire à la maison. L'un des résidents du centre commercial s?appelle Jalal ; celui-ci met sur pied cet enfer afin d'économiser assez d'argent pour son mariage, alors que Nisrin, sa fiancée, attend qu?il finisse le toit de leur nouvelle maison à Salem, en Cisjordanie. Dans des conditions inhumaines, les hommes essaient de préserver leur humanité.

Jonathan Ben Efrat a écrit le scénario et a réalisé la mise en scène de « Six floors to hell » (52 minutes) en 2008 et a remporté le prix du meilleur montage au Festival International du Film Docaviv en 2008, ainsi que le Prix RAI3 du Centre Méditerranéen de la Communication Audiovisuelle de Turin (Italie) en 2008. L'artiste a contribué à divers festivals de cinéma.

Anonymous soldiers don?t tell your mother - synopsis Anonymous soldiers, l'hymne du "Shtern gang", un groupuscule juif anti-britannique qui opérait dans les années quarante traduit en français avec des fautes d'orthographe. Le texte est narré par les parents de l'artiste, qui ne le connaissent pas, mais tentent de plaire à leur fils. Le récit est interrompu par les corrections d'orthographe, la mère qui veut nourrir son fils, et d'autres sons et rythmes orientaux. Le son est orchestré par des personnages dont le visage est camouflé avec des paysages désertiques sculptés digitalement sur leur visage. "no johnny no" est une danse du ventre virtuelle dans un album de photos de famille. Accompagné par un son franco-arabe rêveur.

Né à Jérusalem A étudié avec Christian Boltonsky à l?Académie des Beaux-Arts, Paris. Diplômé avec mention de la Bezalel Art Academy à Jérusalem. A été récompensé par la fondation Manet-Katz, l´America-Israel fund et la fondation Pollock-Krasner de New York. Installations vidéo et projets en Israel, France, Angleterre, Belgique et Canada. directeur du Département des arts de l?Académie des arts et sciences à Jérusalem.

A lone figure digs a grave in the dead of night. With no dialogue – and no sound other than the wind, the crackling of a fire and the scrape of a shovel against dry earth – we are confronted with a dark and mysterious, possibly cursed, universe where every object seems haunted by a meaning we barely sense, but which seem to confirm our anxieties. The head of an old doll, a comb, a lipstick. Relics whose silent language speaks of the end of their former owners. At sea, in the desert. Younes Ben Slimane’s disturbingly beautiful and melancholic imagery is bathed in darkness and in a golden chiaroscuro, lit only by the stars and the lone grave diggers’ headlamps.

Younès Ben Slimane : Artiste et cinéaste tunisien, diplômé du Fresnoy – Studio national des arts contemporains en 2022. Ses films ont été sélectionnés dans des festivals internationaux parmi lesquels Locarno Film Festival, CPH:DOX, DokuFest, Festival dei Popoli. Il a reçu le a remporté le Tanit d'or aux journées cinématographiques de Carthage (2019), le Prix Studio Collector(2021) et le prix Loop Barcelona(2022).Son travail fait partie des collections d’institutions et de musées d’art notamment l’institut d'art contemporain, Villeurbanne/Rhône-Alpes (IAC), France et le Musée d'art contemporain de Barcelone, MACBA - Barcelone, Espagne. Actuellement, Younès Ben Slimane se consacre au développement de son prochain film grâce au programme Focus Script du Festival de Cannes.