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The story of a film “Commission” starts in Georgia at some unknown point of time where a heroic, mythical female character has written a book which is being delivered by a courier (the artist herself) to three powerful women. The content of a book is hidden within an existing book – “The Knight in the Panther’s Skin” written by Medieval Georgian poet Shota Rustaveli who dedicated the book to 12th century Queen Tamar who at the time brought prosperity and many social changes in the country.  Being used as a secret shell or a reference to female power from the past, the freshly embedded content of a book serves as manifesto to the women who haven’t been equally appreciated due to history books still being written from male perspective. The book offers alternative gaze to a world history which can exist only in utopian science-fiction film commissioned and executed by females only.   Shot in significant Soviet era architecture monuments (by that referring to Soviet time failed gender equality propaganda), using exaggerated costumes and scenes once associated with B class sci-fi movies, the film serves as humorous, yet rebellious propaganda material of female role and emerging power. 

Ieva Balode born in 1987, Riga, Latvia is an artist and film curator working with analog image. She has graduated Latvian Academy of Art and studied film and photography in Yrkeshögskolan Novia, Finland. In her artistic practice she is interested in human identity matters, which she explores through the language and philosophy of an image – both still and moving. Drawing inspiration from texts, archival materials and nature, the artist seeks to find the border between human consciousness and transcendence within it. Her interest in analog medium lies within the medium’s relation to nature and human perception. With her works she takes part in international exhibitions and film festivals presenting her work both in installation, as well as cinema and performance situation. As a curator she is a founding member of Baltic Analog Lab - artists collective providing a space and platform for analog film production, research and education. She is also a director of experimental film festival "Process" happening in Riga from year 2017.

"The Slaughterhouse of Dreams" est une performance et une installation vidéo interactive sur le thème de la transmission de l'histoire du peuple Luba par le biais d’objets mnémoniques et de l'oralité. Le "Kasàlà" est un poème cérémoniel, une façon élogieuse, publique et solennelle de nommer une personne. Dans la tradition baluba, le kasàlà est une forme bien définie de slogans ou de poésie en vers libres. Il est chanté ou récité, parfois avec un accompagnement musical, par des hommes et des femmes dont c’est la profession, dans le cadre d’événements publics qui impliquent des émotions fortes, comme le courage au combat, la joie collective lors de cérémonies officielles, ou le deuil lors de funérailles. Dans son style et son contenu, le kasàlà est un genre totalement différent des proverbes, des mythes, des fables, des énigmes, des contes et des récits historiques. Un kasàlà contemporain, écrit par Fiston Mwanza Mujila - auteur congolais vivant à Graz, en Autriche – à propos des expropriations de chercheurs de diamants, est récité par l'auteur lui-même, accompagné de Patrick Dunst au saxophone et de Grilli Pollheimer à la batterie. Sur scène sont présentés des instruments de musique en cuivre (un tambour et une trompette) dont la surface a été marquée de scarifications traditionnelles. Pendant ce temps, la performance est enregistrée et transposée dans une installation interactive, où des images de reportages télévisés congolais sont mélangées à des images de sculptures scannées aux rayons X et des images de danseurs Mbudye.

Sammy Baloji est né en 1978 à Lubumbashi (République démocratique du Congo). Il vit et travaille entre Lubumbashi (République démocratique du Congo) et Bruxelles (Belgique). Sammy Baloji est diplômé en Sciences de l’information et de la communication à l’Université de Lubumbashi (République démocratique du Congo) ainsi qu’à la Haute École des Arts du Rhin, Strasbourg (France). Il mène depuis septembre 2019 un doctorat de recherche en art à Sint Lucas Antwerpen, Anvers (Belgique), intitulé "Contemporary Kasala and Lukasa: towards a Reconfiguration of Identity and Geopolitics". Chevalier des Arts et des Lettres, il a reçu de nombreuses récompenses et distinctions, notamment le Prix Prince Claus (Pays-Bas), le Spiegel Prize des Rencontres africaines de photographie de Bamako (Mali) et de la Biennale de Dakar (Sénégal), ainsi que Prix Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative. Pour l’année 2019-2020, il est pensionnaire de l’Académie de France à Rome – Villa Médicis (Italie). Depuis 2018, il enseigne chaque été à la Sommerakademie de Salzbourg (Autriche). Sammy Baloji a co-fondé les Rencontres Picha/Biennale de Lubumbashi (République démocratique du Congo) en 2008. Parmi ses expositions monographiques récentes figurent "Sammy Baloji, Other Tales", Lund Konsthall (Suède) et Aarhus Kunsthal (Danemark) [2020]; "Congo, Fragments d’une histoire", Le Point du Jour, Cherbourg (France) [2019]; "A Blueprint for Toads and Snakes", Framer Framed, Amsterdam (Pays-Bas) [2018]; "Sven Augustijnen & Sammy Baloji", Museumcultuur Strombeek, Gand (Belgique) [2018]; "Urban Now: City Life in Congo", Sammy Baloji and Filip de Boeck, The Power Plant, Toronto (Canada) et WIELS, Bruxelles (Belgique) [2016-2017]; et "Hunting and Collecting", Mu.ZEE Kunstmuseum aan zee, Ostende (Belgique) [2014]. Il a récemment participé à la Biennale de Sydney (Australie) [2020]; à la documenta 14, Kassel (Allemagne) et Athènes (Grèce) [2017]; à la Biennale de Lyon (France) [2015]; à la Biennale de Venise (Italie) [2015]; et au Festival Photoquai, au Musée du Quai Branly, Paris (France) [2015].

Aequare. The future that never was by Sammy Baloji, 2023, 21’04 The film swings between archival film clips dating from 1943 and 1957, sourced from INEAC’s colonial propaganda, and 21st century captures of the same Yangambi premises, like a pendulum that never moves time forwards. An acronym for the former National Institute for the Agronomic Study of the Belgian Congo, its post-colonial successor, the Institut national pour l’Etude et la Recherche Agronomique (INERA), is on film so suffused with past, colonial “coordinate systems” that the present looks inert and at a standstill, as if held hostage by frames of knowledge that refuse to abdicate. Decades after decolonization, that persistent hold is made explicit by an imposing and intact map of the Belgian Congo hung high on the wall, and by all the remaining rusty machines, labelled test tubes and rotting reports and specimens, dusty instruments of measure, and laboratories. Against the crumbling of these infrastructures, a devoted population of Congolese clerks seem to assist the preservation of the collected data and methods, in a choreography of gestures that the montage reveals to be inherited from the colonial decades. Amidst images of farmers burning trees to make the charcoal sold at surrounding markets, or those of clerks’ motivational posts proudly professing the exactitude of their pursuit, the atavism of colonial ecology seems apparent. Excerpt from: Sandrine Colard, FROM THE EQUATOR, I HAVE SEEN THE FUTURE

Since 2005, Sammy Baloji has been exploring the memory and history of the Democratic Republic of Congo. His work is an ongoing research on the cultural, architectural and industrial heritage of the Katanga region, as well as questioning the impact of the Belgian colonization. He touches upon a variety of media to translate his research into artefacts. His use of photographic archives allows him to manipulate time and space, comparing ancient colonial narratives with contemporary economic imperialism. His video works, installations, sculptures, andphotographic series highlight how identities are shaped, transformed, perverted and reinvented. His critical view of contemporary societies is a warning about how cultural cliches continue to shape collective memories and thus allow social and political power games to continue to dictate human behavior. His recent personal exhibitions include: Sammy Baloji, Goldsmiths CCA, London (2024), Unextractable: Sammy Baloji invites, Kunsthalle Mainz, Mainz (2024), Style Congo: Heritage & Heresy, CIVA, Brussels (2023), K(C)ongo, Fragments of Interlaced Dialogues. Subversive Classifications, Palazzo Pitti, Florence (2022) He has recently participated in the 35th Bienal de Sao Paulo (2023), the Architecture Biennale of Venice (2023), the 15th Sharjah Biennial (2023), the Sydney Biennial (2020), documenta 14 (Kassel/Athens, 2017) Sammy Baloji co-founded in 2008 the Rencontres Picha/Biennale de Lubumbashi. In September 2019 Sammy Baloji started a PhD in Artistic Research titled “Contemporary Kasala and Lukasa: towards a Reconfiguration of Identity and Geopolitics” at Sint Lucas Antwerpen.

For “The Condor passes by” - in Spanish “El Condor Pasa”- the artist purchased a car: the mythical Condor GT (1981). This emblematic model fabricated in fiberglass during the transition from a military dictatorship to the restoration of democracy in Ecuador, is also part of the last days of the so-called “oil boom” in the country and the main focus of the proposal. Balseca recalls the nostalgic story of one of the last “national” cars and pays a posthumous tribute to that period of the local industry. The video shows us the last moments of the car before taking his “last flight”,when it is dropped from the top of a hill in the surroundings of the Mount Catequilla.

Adrián Balseca (Quito, Ecuador, 1989) lives and works in Quito. Balseca’s work aims to activate strategies of representation, narration, and/or interaction in order to highlight cultural specificities of a particular place. It explores the relationship and tensions between industrial and craft practices, revealing a fascination with the historic processes, and the configuration of materials involved in the production of manufactured goods. His work often involves transforming the composition of daily objects or certain civil laws into other material forms, or legal experiences. These projects —from small interventions to large-scale ‘site specific’ actions or video documentations— elaborate on ideas of emerging economies, nature, power, and social memory.

One evening, by chance, the filmmaker arrives at Milton Keynes, an English ?New Town? the existence of which he had never suspected. A city in no way responsive to his orientation reflexes, at odds with his intuition, scornful of his judgment, which becomes his subject and muse. On his route, alone with his camera, from the outskirts to the town center, he strikes up the odd acquaintanceship. A beer drinker, a family inspecting a model home, a ?shepherd? of shopping caddies, various and sundry officials and ?users?: each contributes, from a unique perspective, to the image of this ?town for the 21st century?. Amongst those met is Derek Walker, the city?s first chief architect and planner - only 32 years old at the time of its conception in 1967 - who guides us through its workings even while taking issue with today`s reality. Filmed over several years as a complete autoproduction, ?Conversations in Milton Keynes? is Ingo Baltes? first film.

Ingo Baltes was born in Singen (Germany) in 1972. After his Master in philological studies (French, Spanish, Swedish & Icelandic), he came to Brussels to graduate in film direction at INSAS (2002). Today, he works as an independant filmmaker as well as director for children and magazine programmes at Belgian TV RTBF. His documentary films, always linked to one definite place in Europe, analyse phenomena and changes in society in the long term. He is a member of Polymorfilms since 2007.

Cette installation sonore se base sur deux observations: La première est la production de sons provoqués par des récipients fermés qui laissent échapper lentement et de manière discontinue leur contenu (air, eau) par une valve, et qui génèrent un déroulement chaotique, bien que plus ou moins prévisible dans son ensemble. La deuxième ? qui a donné le titre au film ? concerne le phénomène du « brownout » auquel nous avons été confronté lors d?un voyage à travers la Californie. Il s?agit là, en quelques sortes des prémices du black-out. Une baisse de tension dans un système interdépendant entraîne une comportement chaotique de ce dernier et a souvent pour conséquence une réaction en chaîne qui provoque la défaillance de ce système (pour la Californie ce système est le réseau électrique). Afin de rendre hommage à nos pauvres amis américains qui subissent de temps à autres de telles coupures d?électricité, nous nous passons - dans la mesure du possible - de l?électricité dans cette installation. Il fera donc nuit. Pour le reste, il se laisse entendre, en guise de solidarité avec les pays à travers le monde qui n?ont pas d?électricité.

Serge Baghdassarians & Boris Baltschun travaillent ensemble depuis 1997 et vivent à Berlin. En plus de leur travail en duo et des concerts/installations dans des lieux comme Amsterdam (Sonic Acts), Berlin (Total Music Meeting, Ultraschall, Uchiage), Los Angeles (Beyond Baroque), New York (Tonic), Paris (Les Instants chavires) et Stockholm (Moderna Museet, Fylkingen), ils travaillent régulièrement avec Burkhard Beins (B-Musik), Günther Christmann (Mal d`Archive), Dror Feiler (Kombinat), Alessandro Bosetti/Michel Doneda (Strom) et Annette Krebs/Andrea Neumann (Helix). Ils ont également collaborés avec de nombreux autres musiciens, danseurs et poètes tels que Conny Bauer, Paul Dutton, Richard Barrett, Tony Buck, Berlinfactory (Wolfgang Fuchs), Mark Trayle, Jim Denley, Axel Dörner, Chris Brown, Mats Gustafsson, Fine Kwiatkowski, Bernhard Lang, Michael Moser, John Oswald, Natalia Pschenitschnikowa, Elliott Sharp, Stevie Wishart, John Butcher et Paul Lovens. Un nouveau CD sort en 2005 chez Charhizma.

Along the highway, herds of cows are often seen in a rice field. Some standing still and some grazing. At times we see them through the windshield, loaded onto the back of a running truck. This work is a collective of those reduced images and sounds looking as if they are in a controlled atmosphere.

Tanatchai Bandasak, Born in 1984, in Bangkok; lives and works in Paris and UdonThani. BA Film and Photography; Thammasat University Bangkok Thailand, currently in the final year at École Nationale Supérieure D`ARTS Paris-Cergy, France.

Renouer avec soi-même à travers le rituel est une démarche récurrente dans l'oeuvre de Kostana Banovic. Son dernier film, "Ploha", relate un voyage effectué avec son fils et sa fille dans sa ville natale, Sarajevo, ville qu'elle a quittée des années auparavant en raison de l'incapacité de sa famille à gérer la mort inattendue de son père. Montrant Sarajevo comme un lieu aux multiples identités, "Ploha" part justement du besoin d'explorer les questions d'identité, notamment celle des enfants comme issus d'une famille de la diaspora. Le film développe ainsi la notion de distance: distance géographique et émotionnelle entre la mère et son lieu de naissance, distance entre les enfants et le pays d'origine de leurs parents, mais aussi distance entre la mère et ses enfants. Essayant de réduire le fossé entre attentes et réalité, entre passé et présent, Banovic emmène ses enfants dans différents lieux qui lui tiennent à coeur. Elle raconte aux deux adolescents (qui n'ont pas toujours l'air intéréssés) des histoires personnelles, ou folkoriques, parfois fragmentées, sur sa ville et ses origines. Elle évoque les changements subis par la ville au cours des années, les marques visibles et invisibles de la dernière guerre. La plupart des scènes sont filmées par un caméraman, mais certaines par les enfants eux-mêmes, de façon à leur donner une certaine autorité dans l'oeuvre, tout en leur permettant de trouver leur propre façon de se rattacher à un lieu qui leur est si peu familier. Les scènes alternent, et parfois coïncident, avec des épisodes les montrant tous les trois en train de discuter de l'éclatement de leur famille après le divorce des parents. L'absence du père se superpose à la disparition du père de Banovic elle-même et à la mort de Tito comme père de l'ancienne Yugoslavie. Chaque séquence du film se termine par des images d'archives concernant un événement annuel datant de l'époque de Tito: de nombreuses personnes courent à travers la ville, se passant un baton contenant un message à leur président. Au cours d'une autre tentative pour faire connaître aux enfants le passé et la culture de leurs parents, ils s'adonnent à certains rituels autrefois importants pour leur mère. Par example, un imam essaie de soigner le bégaiement du fils, handicap apparu lorsqu'on a voulu lui apprendre très jeune une quatrième langue, ses parents devant à nouveau déménager dans un autre pays. Fait important dans l'histoire de la famille, Banovic a décidé de ne parler que le néerlandais avec ses enfants. Comme dans son premier film "Sey- the economy of love" (2005), Ploha montre des moments très intimes de la vie de l'artiste, tout en soulevant des questions morales. Transcendant le politiquement correct, le film semble refléter et étudier de près la réalité du quotidien.

Kostana Banovic est une artiste visuelle travaillant la peinture et le dessin. Depuis 2000, elle réalise des vidéos. Elle est l'auteur de plusieurs courts métrages et de quelques documentaires expérimentaux. L'étude des rituels est un élément récurrent de son oeuvre. Elle recherche cette même pureté dans la vie de tous les jours. Ce qui importe n'est pas l'image elle-même, mais l'action, la répétition et l'état d'esprit qu'elle évoque.

Ce film est encore, comme mes précédents films, un essai documentaire personnel. Ce film traite des rituels quotidiens et religieux ainsi que de ma recherche personnelle d'identité. Un homme et une femme sont très éloignés l'un de l'autre, aussi éloignés que l'on peut l'être: historiquement, économiquement,philosophiquement, culturellement ainsi que par leur race. Le rituel est le seul terrain où ils peuvent se rencontrer, où ils essayent de communiquer. C'est aussi l'endroit où l'amour, duquel ils ne sont pas encore conscients, dans toute son impossibilité,semble surgir. Il existe des conversations sur ce qu'est d'être une femme islamique, poligame, politique, dans les lois de la charria etc...différentes attentes d'un homme et d'une femme qui se rencontrent par accident, voyagent ensemble et se font prendre dans le filet des contradictions culturelles.

The camera leads our gaze closely across the surface of photographs. Small details of different moments become part of a movement: the searching, caressing gesture of filming. Projected on two adjoined screens, the images move together, towards each other and away again. The gaze becomes tactile, connecting what is seemingly separated by time, by distance and by the borders of the photographic image.

Myrthe Baptist (BE, 1994) is an artist and filmmaker based in Brussels. She works mainly with moving image, often starting from photographs, notes, letters and archival material. She has obtained a Master of Fine Arts at KASK School of Arts in Ghent.

Dans "Sacrifice", les émotions apparaissent sous la forme d'énonciations vocales et de structures mélodiques rappelant les marches, les berceuses, les papotages de femmes, les pleurs de bébé, les cris et la peur. Victor Petrov, organisateur du Navinki Festival of International Performance Art `02 (Minsk, Biélorussie), a écrit dans son catalogue : "Des émotions concentrées, un chant et un cri plaintif, des gestes, une émotivité extrême. C'est le dialogue intérieur d'une âme hurlante, un récit du temps, des réflexions sur notre place dans le monde. Les sons vocaux qui les accompagnent sont comme des associations à la féminité, l'amour et les origines de la vie." "Sacrifice" ? Le Spectacle Vocal a évolué depuis 1991 et dure environ 20 minutes lorsqu'il est présenté en direct. Il ne nécessite aucune amplification autre que l'amplification vocale naturelle. (Il n'a jamais été présenté ni à Paris, ni à Berlin). "Sacrifice" ? Le CD est un enregistrement fidèle du spectacle. Il dure 16:30 minutes. Sa sortie est prévue pour décembre 2005 par Totamto Art & Media in Warsaw, en 500 copies signées, simplement comme pièce de collection.

L'?uvre d'Adina porte sur les conflits d'identité et les identifications contradictoires. Adina est une artiste active depuis 1973, alors qu'elle était étudiante de 3e année à l'Académie Bezalel des Beaux-Arts et Design à Jérusalem. Jusqu'à présent, elle a montré ses ?uvres dans les plus grands galeries et musées d'art d'Israël. Se donnant comme objectif de mettre l'accent sur sa position sociale et politique, elle s'est produite avec insistance lors de nombreux événements sociaux et politiques. Ces dernières années, elle a voyagé à l'étranger, 5 mois par an, pour faire connaître ses représentations. Parmi ces pays, on peut citer : le Canada, les Etats-Unis, HongKong, le Japon, la Thaïlande, l'Allemagne, la France, la Pologne, la Lituanie, la Serbie, l'Irlande du Nord, la Russie. En 2001, Adina a reçu un Grand Prix pour sa contribution à l'art israélien par l'" American Isræl Cultural Foundation", et une biographie, "Adina Bar-On, Performance Artist", a été publié.

Poussé à bout par une énorme dette et son divorce imminent, un comptable poétique décide de se suicider, mais est sauvé par une crise cardiaque.

Saulius Baradinskas (né le 19 septembre 1990) est réalisateur de films, de publicités et de vidéoclips. Il est originaire de Vilnius, en Lituanie. Il s’est fait remarquer par la réalisation de vidéoclips dans les pays baltes. Lors de la remise des prix KlipVid en 2018, il a été élu meilleur réalisateur de l'année et a remporté le prix du meilleur vidéoclip pour la réalisation.

Une marche dans une vallée qui contourne le Manaslu. La présence fantomatique mais bien réelle des maoïstes m?empêche de filmer dans les premiers jours. Puis les militaires disparaissent, l?image peut exister. Durant cette avancée, une caméra super8 capte le temps de la marche où l?esprit glisse, se fragmente, se boucle, s?émeut et une caméra vidéo enregistre le temps qui se déploie.

Christian Barani se positionne, dans son parcours artistique, comme un passeur investissant les domaines de la réalisation, de la diffusion et de la transmission. En tant que vidéaste, il décide depuis 1997 d?intervenir dans la sphère du documentaire pour des enjeux éthiques, politiques et liés à la représentation de l?être humain dans ses actes du quotidien. Cette recherche est fondée sur un dispositif de tournage qui procure au plan un statut d?acte performatif et la narration se développe sous forme de fragments. Ses vidéos sont présentées en Europe et à l?étranger. Il collabore régulièrement pour l?atelier de recherche d?Arte. En tant qu?enseignant, il a dirigé de 1990 à 2006 le studio vidéo de l?Ecole Nationale Supérieure de Création Industrielle de Paris, réalise des workshops, des conférences et recherche des formes expérimentales de pédagogie. Dans le domaine de la diffusion, il a co-fondé une association de diffusion de vidéos d?artistes « est-ce une bonne nouvelle ». Ces programmations/diffusions sont présentées en France et dans le monde.

Dans son travail, Christian Barani questionne et déconstruit les codes du documentaire. Il n?est pas question de représentation du réel ni de fiction mais d?expérience. En convoquant la marche et la dérive, il met en jeu un autre processus de création qui génère une représentation sans a priori. Il joue avec le hasard et l?improvisation. Aucune séquence n?est enregistrée deux fois. Dans le cadre d?une exposition intitulée "Manifeste sur les villes invisibles", Olivier Marboeuf propose à Christian Barani de réaliser une « dérive » à Dubaï. Cette démarche propre à l?artiste consiste à aller marcher dans des paysages, des villes. En l?occurrence, Dubaï est une ville où rien n?est pensé pour le corps en mouvement, une ville construite par et pour les flux. Il s?agit de marcher pour se perdre dans ces espaces de fiction, et de construire à partir du hasard.

Né en 1959, Christian Barani vit et travaille à Paris. Il commence à travailler avec la vidéo en 1990, et fonde le département Images en Mouvement à l'école Nationale Supérieure de Création Industrielle, où il enseigne durant 17 ans. En 2000, il co-fonde une structure de diffusion de vidéos d'artistes "estceunebonnenouvelle" regroupant une centaine d'artistes internationaux et une collection composée de 500 films. Incrustation, rapport à la peinture et à la poésie constituent l'axe de recherche de ses premières vidéos. Depuis 1997, son travail questionne et déconstruit les codes du documentaire, à travers une expérience engageant un corps/caméra dans l?espace et non un documentaire ou une fiction. Il réalise des films linéaires, des installations, des performances? Son travail a été projeté et exposé dans de nombreux festivals, musées et centres d'art en Europe, notamment à au Centre Pompidou, au Jeu de Paume, au Lieu Unique à Nantes, au MUSAC Museo de Arte Contemporaneo de Castilla y Leon, au Musée National Reina Sofia.

Les fictions du réel En 1998, sept ans après l?indépendance du pays, le président autocratique kazakh Noursoultan Nazarbaiev décide de déplacer la capitale d?Almaty à Astana, dans les steppes du nord. De vertigineuses tours de verre sortent de terre, financées par les exportations de pétrole. Un discours présidentiel de 1997 sur l?avenir du Kazakhstan ouvre le film, vantant aux "trois couches sociales, les riches, les classes moyennes et les pauvres", les infinies promesses du marché. Christian Barani et Guillaume Reynard y regardent vivre une nouvelle société, dans les oripeaux standardisés et clinquants de la richesse. S?attachant à représenter "la fiction qui dans chaque scène semble avoir précédé le réel", jusque sur un tournage du cinéaste Darejan Omirbaev, ils s?aventurent aussi dans l?envers du décor, d?une baraque de chantier à une maisonnette bientôt expropriée. À travers une oligarchie ex-soviétique en pleine expansion, un portrait mélancolique et poétique de la mondialisation.

Christian Barani, dans son parcours artistique, investit les domaines de la réalisation, de la diffusion et de la transmission. En tant que vidéaste, il décide depuis 1997 d?intervenir dans la sphère du documentaire pour des enjeux éthiques et politiques. Cette recherche est fondée sur un dispositif de tournage qui procure au plan un statut d?acte performatif et la narration se développe sous forme de fragments. Guillaume Reynard est illustrateur à Paris. Il collabore avec plusieurs maisons d?édition et publie dans différents titres de la presse écrite (Le Monde, Libération...). Sans s`inscrire dans une représentation stricte ou anecdotique du réel, son travail fait de dessins figuratifs, explore le lien qui unit les êtres aux lieux, les êtres aux objets. Le lien qui unit les êtres entre eux.

Un point de départ : dans le Haut Mustang, une très vieille histoire se raconte dans le village de Ghemi. Malgré le courage et les combats des villageois, toutes les nuits, la démone Balmo et ses esprits détruisent les habitations du village. Épuisés, ils décident de demander l’aide d’un moine, le guru Rimpoche qui méditait dans la vallée. Rimpoche sort alors de sa méditation et accepte de combattre la démone. Durant sept nuits le combat fut monstrueux. Mais Rimpoche remporta la bataille. Aujourd’hui dans le pays népalais, la lutte contre les esprits qui détruisent sans cesse le pays continue. Malgré une révolution maoïste qui a abouti à la démocratie, à l’abolition de la monarchie, à l’écriture d’une nouvelle constitution, à l’égalité homme femme… le pays est toujours victime des esprits destructeurs et le peuple népalais continue sans cesse la lutte. Ce film tisse trois espaces narratifs : un chanteur népalais de musique traditionnelle qui improvise sur le thème des esprits destructeurs ; des traces d’une lutte, d’une révolution. Seuls des fragments, des images saccadées presque détruites résistent ; des ouvriers fabriquent des briques pour la construction des habitations dans la vallée de Katmandou.

Christian Barani est né en 1959, vit à Paris. Il termine ses études par une maîtrise de sciences économiques à la Faculté de Nice. Il construit une pratique qui associe le champ du documentaire à celui des Arts Visuels. Sa recherche se fonde sur un dispositif performatif qui engage un corps/caméra marchant dans l’espace. Il définit une règle du jeu qui compose avec le hasard et l’improvisation et génère des images sans à priori. Pas de scénario préalable. Durant le temps de la marche, tout se joue dans l’instant de la rencontre. Jamais une séquence n’est tournée deux fois. Ce qui est advenu et advenu. De cette expérience nait une œuvre protéiforme composée de films en salle, de films déployés dans l’espace d’exposition, d’installations vidéos, de projections performances et de photographies. Sur une période de 10 ans, il filme au Kazakhstan avec G. Reynard l’apparition de la post modernité et les transformations sociales de ce pays d’Ex Union Soviétique, il filme au Népal, en Namibie, en Éthiopie, à Chypre, à Dubaï, au Liban, en Géorgie... Il réalise en parallèle de nombreuses œuvres de commandes pour des musées comme la Maison Arthur Rimbaud à Charleville Mézières, l’Institut Royal des Sciences Naturelles de Bruxelles, le Centre de Culture Scientifiques de Rennes, Agora : Biennale d’Architecture de Bordeaux, le Mons Mémorial Museum en Belgique, Le Musée des Confluences à Lyon, La Cité de l’architecture et du patrimoine de Paris… De 1990 à 2006, à l’École Nationale Supérieure de Création Industrielle, il fonde et dirige le département Images en Mouvement, la cellule d’Expérimentation Image et Son- Xis- avec Jeff Guess et Extensions - dynamiques d’écritures avec frédéric dumond. De 2000 à 2010, il crée avec Véronique Barani et Sabine Massenet une structure de diffusion de films et vidéos d’artistes "estceunebonnenouvelle" qui va regrouper plus d’une centaine de réalisateurs et artistes internationaux. Cette collection comprend plus de 500 films.

KAZAKHSTAN. Mine de Kouzembaïev dans les steppes de Karaganda. Durant l'époque soviétique, les mineurs bénéficiaient d’un très grand respect de la part du régime et de la population. Ce statut était dû aux nombreux sacrifices subis pour la construction du pays. Depuis la chute du mur, une société libérale est apparue. Avec lui, l’individualisme, le chômage et la crise. Les mines ferment les unes après les autres. Sur 28 mines présentent dans la région, seules 8 sont encore en service. Dans la mine du héros Kouzembaëv, dans cet instant qui précède la descente dans le noir, seule la lumière persiste pour honorer ces corps.

Christian Barani est né en 1959. Il construit une pratique qui associe le champ du documentaire à celui des Arts Visuels. Dans le processus de réalisation, il est question d’expérience engageant un corps/caméra marchant dans l’espace. Pour filmer, il se définit une règle du jeu qui compose avec le hasard et l’improvisation. Pas de scénario préalable. La marche est utilisée comme un vecteur de rencontres. Tout se joue dans l’instant. Au terme de l’expérience, un matériau est récolté. Il prendra différentes formes en fonction du projet à venir, des lieux d’exposition : film, installation, performance…

La déambulation produit une attitude, une forme et fait apparaître une autre ville. La traversée de la ville devient une performance dont le résultat est une forme plastique, documentaire. Le territoire est représenté comme une expérience. Chaque plan n?est jamais tourné deux fois. L?improvisation structure le désir de filmer. L?intuition me fait déclencher l?enregistrement mais sans jamais savoir ce qu?il va se produire. Filmer devient ainsi un acte performatif où la rencontre avec l?autre devient un enjeu de représentation. Représenter cet instant suspendu où la relation instinctive se crée, est acceptée voir parfois refusée. Dans cette déambulation, j?invente un trajet, je découvre des territoires secrets et je m?adapte au contexte. Le trajet tient compte à la fois de la géographie physique mais aussi de ma relation psychique à l?espace et aux personnes. La forme de cette dérive apparaît comme un montage d?ambiances singulières liées à la diversité des espaces urbains traversés et des personnes rencontrées. Elle produit un collage urbain.

Christian Barani se positionne, dans son parcours artistique, comme un passeur investissant les domaines de la réalisation, de la diffusion et de la transmission. En tant que vidéaste, il décide depuis 1997 d?intervenir dans la sphère du documentaire pour des enjeux éthiques, politiques et liés à la représentation de l?être humain dans ses actes quotidiens. Cette recherche est fondée sur un dispositif de tournage qui procure au plan un statut d?acte performatif et la narration se développe sous forme de fragments. Ses vidéos sont présentées en Europe et à l?étranger. Il collabore régulièrement pour l?atelier de recherche d?Arte. En tant qu?enseignant, il dirige depuis 1990 le studio vidéo de l?Ecole Nationale Supérieure de Création Industrielle de Paris, réalise des workshops, des conférences et recherche des formes expérimentales de pédagogie. Dans le domaine de la diffusion, il a co-fondé une association de diffusion de vidéos d?artistes « est-ce une bonne nouvelle ». Ces programmations/diffusions sont présentées en France et dans le monde.

Un jour Arthur Rimbaud quitte le monde de la culture lassé, déçu, en colère. Il ne comprend pas, il n’admet pas les conventions, le manque de courage, le manque d’investissement du monde de l’art. « La vraie vie est absente » dit Arthur Rimbaud. Alors il part, il part dans un ailleurs qui désigne moins un lieu qu’une tension anarchique. Il recherche le hasard, l’inconnu, la rencontre, l’inattendu. Il veut maintenant pratiquer la poésie puisque personne ne peut comprendre sa poésie. Arthur Rimbaud va vivre les dix dernières années de sa vie à Harar, ville sainte d’Éthiopie (1880-1891). En 2005, je pars à Harar. Tous les jours je marche, me perds. Je ne cherche pas car rien n’est à chercher. Je filme un Harar contemporain. En 2020, je décide de faire de ces séquences un film.

Le travail de Christian Barani prend la forme d’une poésie réaliste engagée. Engagée dans une altérité improvisée, jamais recherchée. Son corps souvent perdu dans l’espace, permet de montrer un certain état du monde. Il marche, traverse, observe, ressent, analyse, il rencontre, il filme. Il se perd, il dérive pour trouver, pour provoquer et créer un lien nécessaire et essentiel à la production d’une image. Il marche durant de longues heures jusqu’à l’épuisement, jusqu’au bout de soi. La dérive le met en danger. Un danger physique et mental qui permet, qui autorise à filmer l’autre dans sa difficulté de vie, dans sa quête de survie, dans sa lutte. Ce n’est qu’à ce prix que l’accueil est possible. L’image vient comme une conséquence. Les formes issues de ces expériences n’ont pas d’a priori. Elles sont souvent diverses et prennent la forme de film, de film installation, de lecture projection, de notes photographiques et de textes. Elles se réalisent à partir du matériau capté et sont souvent pensées en fonction des espaces où elles sont exposées.

Dans la vallée du rift de Djibouti, dans le noir des roches volcaniques, des hommes attendent. Dans ce désert, quelques années auparavant, la production du sel organisait la vie. Depuis la concurrence a vaincu. Au bord du lac Assal, des résistants partent à la recherche de concrétions de sel en espérant les vendre aux quelques touristes qui viendraient contempler le bleu du lac.

Christian Barani est né en 1959, vit à Paris. Il construit une pratique qui associe le champ du documentaire à celui des Arts Visuels. Sa recherche se fonde sur un dispositif performatif qui engage un corps/caméra marchant dans l’espace. Il définit une règle du jeu qui compose avec le hasard et l’improvisation et génère des images sans à priori. Il filme là où les violences politiques et sociales oppressent, dressant un portrait au fil des temps des vaincus.