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One of the series of labodoble experiment of the natural(organic) film developers. The structure of the film is based on the chemical formula of the Rhus Typhina`s developer. The main protagonist of the film is a species of flowering plant in the family Anacardiaceae which leaves and berries have been mixed with tobacco and other herbs and smoked by Native American tribes. We tried to apply the properties of the Rhus Typhina in the photochemistry. The film catches the research, experiments, harvesting and preparation of the film developer in which latter original negative was developed. The nonlinear structure of the chemical formula as well as nonlinear research of the process reflected in a order of the frames. There is no post-production except sound all editing work is made while film was loaded in camera before chemical development.

Alexandra Moralesová was born in 1989 to Czech mother and Argentinian father. She studied at the Centre of Audiovisual Studies at The Film faculty of the Academy of Performing Arts in Prague (FAMU). Beyond the inspiration by the practices of experimental film, she`s mainly interested in remediation of found footage and found objects. Through various ways of viewing it, those objects represent for her its own possibility of de/construction in order to cross the frontier between analog and digital media and so disrupt the spectacle and alternate existing narratives. It`s been several years that she explores the post-production tools as for example the editing table or film viewers. The output of her works is often a performance, film screening or installation. Georgy Bagdasarov was born in Armenian family in 1978 to the sounds of rockets taking off into space from Kazakhstan. He never boarded any of those rockets and spent all his life living in various locations throughout Eurasia. Now he lives and works in Prague. His work explores the space between analog and digital, and merges them together. His works are created under strong influence of structural films, cooking recipes and syntax of computer codes. He combines different media: digital and film stock as well as music and food.

Pro(s)thetic dialogues is more like a recording of a theatre performance playing out on a computer desktop. Here the human operator creates the conditions for exploring the performativity of a philosophical zombie pieced together from neural networks. The operator/stage technician merely directs the flow of mathematical operations pretending thought and creates a space in which the philosophical discourses are dissolved

Since 2013 Alexandra Moralesova and Georgy Bagdasarov form a filming and experimenting duo Labodoble. We run an artistic and curatorial platform under the same name. We mainly focus on photo-chemical experimental film processes but we are interested in other kinds of media practices. We like to question media and to reshape the relation of machine-operator into machine-performer. We merge technical skills with media theory and philosophy. We do films, performances, installations and workshops.

Tembiapo Pyharegua (Night Work) is a cinematographic chronicle that follows the life of a Paraguayan Guarani-speaking community that settled in Cuenca, Spain. The title refers to those nights where the impossible is dreamed and lived, that time of life between working hours. That is where we stop and observe how they recover their time. And how they spend their leisure hours. During those nights they name the things they are willing to do when they return to their country. Desires, dreams, future projects: every day they say them out loud, as if it were a spell. A record of this future is slowly being made, night by night.

Christian Bagnat. Argentina 1971. Studied Art and later Film. Night Work, first feature film co-directed with Elvira Sánchez Poxon. It’s filmed in Cuenca over seven years, using a particular method of work that reflects on the changes and events that occur in a small town. He works creating a film archive about the Latin diaspora in Spain. Elvira Sánchez Poxon Madrid 1977. She studied Fine Arts at the UCM and developed works in the field of painting and experimental sound stories. In the meantime, she studied film, collaborating regularly with Christian Bagnat. They co-directed the short film Pablo and Night Work is their first feature film.

Des effets bons marchés ne peuvent pas faire qu'un performeur mélodramatique se sente mieux.

Jeremy Bailey poursuit actuellement son MFA d'Art Vidéo à l'Université de Syracuse dans Syracuse NY. Son oeuvre se base souvent sur la technologie et est fondamentalement liée à la question de l'autorité et de l'authenticité. Il est aussi programmateur vidéo pour SPARKVIDEO, une série vidéo à succès réalisée à l'Espace d'Art Contemporain Spark à Syracuse.

The creative idea for this piece comes from the word “ Plasma ” that is often called the "Fourth State of Matter". Plasma is a distinct state of matter containing a significant number of electrically charged particles, a number sufficient to affect its electrical properties and behavior. Plasma also refers to the liquid component of blood that holds the blood cells in suspension. Energy, thunder and blood inspired my composition process. I started by recording some sounds with a new percussion instrument, called “ Sinori ”, a thunder-sheet, that have been processed with these images in my mind.

DARIA studied piano, classical composition and electronic music. Her compositions have been played in theaters and concert halls throughout the World and broadcast by several Radio stations (Holland National radio, France,Portugal, UK, USA etc). She also owns a degree in “Classical Literature” from the University of Bologna (Italy).

Jetty SCOUR, suggests the physical markings left behind from a ships arrival and departure. Here is the present day ‘arrival’ of the “human-transporter”, a replicated 19th century cane-woven basket or ‘lift’ to a harbour in South Africa. The original would have been used off the coast of Algoa Bay in South Africa from 1890-1920 to lift colonial settlers to and from ships at sea before the development of harbours. Here the artist works with the object as historical witness, to engage with contested sites and legacies linked to the arrival of her own ancestors, a British settler family, to that same bay in 1820. The film, whilst documenting a contemporary working harbour within the economy of international trade, marks this space and place with historical encryptions, the smallest tensions, that refuse a “blanking out” of history.

Bridget Baker lives and works in London and Cape Town (b.1971, East London, South Africa). Her work is situated at the intersection of documentary and myth creation, forming a series of complex visual fragments realised through filmmaking, installation and performed re-stagings. Baker’s practise and visual language, whilst based on in-depth research into personal and public modes of representation within colonial and postcolonial narratives remains characteristically speculative, nomadic and estranging. Occupying the realm of the imaginary, the characters in her films, installations and photographs are spliced into roles as presences / witnesses / mirrors that enact lost memory within those peripheral places blind spotted by “official” history making.

The Remains of the Father: Fragments of a Trilogy (Transhumance) is an experimental film and installation. It considers marginally remembered Italian colonial history in Eritrea and Ethiopia between 1930 and 1941. An Eritrean researcher Lula Teclehaimanot discovers an archive of non-official ethnographic literature collected by a Bolognese couple Giovanni Ellero and Maria Pia Pezzoli who had worked for the ?Ministry of Italian Africa? in Eritrea and Ethiopia during that period. Lula has been tasked by the municipality of Asmara to translate from Amharic into Tigryna: A contribution to the birth of the colonial style, an unpublished manuscript written by Ellero promoting the rationale of a modernist Ethiopian architectural vernacular. While she works Lula listens to a radio interview conducted in Italian, Tigryna and Amharic about the contemporary relevance of proverbs in Eritrean and Ethiopian societies. Set within a single room of a derelict house in Bologna which had been built for retired fascist army officials, is also the imagined office of Ellero. Many of the documents laying about the office; Eritrean and Ethiopian proverbs, hand drawn maps, and family emblems and curiously amongst these are the traces of her own family history, collated by Ellero before she was born.

Bridget Baker is an artist from South Africa. She is based in London and Cape Town. Baker?s work is situated at the intersection of documentary and myth creation, forming a series of complex visual fragments realized through film making, installation and documented re-stagings. Baker`s practice and visual language, while based on in-depth research, is often speculative and nomadic, seldom offering a finite position on events or histories. Her work has been exhibited extensively but also at The Museum of African Art (NYC), MAMbo (Bologna, Italy) Centro des Artes Contemporanea (Burgos, Spain), Palazzo delle Papesse (Siena, Italy), Neue Berliner Kunstverein (Berlin), the 2nd Johannesburg Biennale (Cape Town), Bow Arts Centre (London), Glasgow Film Festival (Scotland), Dak?art 2012 (Senegal), Wapping Project (London), South African National Gallery (Cape Town), the South Africa National Arts Festival (Grahamstown, South Africa), and the Oberhausen Short Film Festival (Germany).

Les visiteurs sont invités à s?asseoir dans des fauteuils ou dans des canapés alors qu?autour d?eux des femmes s?adressent à quelqu?un d?autre. Leurs interlocuteurs sont des proches, des parents. Pourtant elles ont cessé d?avoir des liens avec ces personnes à cause de l?émigration de leurs enfants : un petit-fils qu?une des femmes n?a pas vu grandir; un beau-fils qu?une autre n?a pas choisi ou dont elle n?a pas approuvé le choix; un enfant qui a émigré; dans un des cas apparaît trois générations. Une certaine intimité, mais parfois également un léger malaise, est caractéristique de la situation. On peut quelquefois entendre la voix de la deuxième personne, d?autres fois, non. L?intimité dans les films est accentué non seulement par le sujet traité (le départ d?un enfant parti pour l?Europe de l?Ouest) mais aussi parce-que ces mères parlent à une personne qui leur est chère. Par ailleurs, la réalisatrice prépare sa prise de vue, allume sa caméra et sort de la pièce, et revient seulement après le temps imparti. Cette renonciation d?autorité, le fait de laisser le hasard faire, et la relation entre les deux personnes rendent le film particulièrement éfficace. Quelque chose se passe entre les deux interlocuteurs, grâce aux conditions du tournage et non aux indications de la réalisatrice. Cet aspect performatif met en avant l?intérêt du procédé, lequel est également mis en question lors du visionnage.

Mieke Bal, critique culturel et théoricienne, occupe le poste de Professeur de Sciences à la Royal Dutch Academy (KNAW). Elle est également Professeur de Théorie Littéraire et directrice de la Amsterdam School for Cultural Analysis, Theory and Interpretation (ASCA) à l?Université d?Amsterdam. Ses domaines de prédilection sont les théories littéraires, la sémiotique, l?art visuel, les théories post-coloniales, les théories féministes, la langue française, la Bible hébraïque, le 17ème siècle et la culture contemporaine. C?est également une artiste vidéo. Elle a publié de nombreux livres : A Mieke Bal Reader, Chicago: University of Chicago Press, 2006,Travelling Concepts in the Humanities: A Rough Guide, Toronto: University of Toronto Press 2002; Louise Bourgeois? Spider: The Architecture of Art-writing. Chicago: University of Chicago Press 2001; Quoting Caravaggio: Contemporary Art, Preposterous History, Chicago: University of Chicago Press 1999; Reading "Rembrandt": Beyond the Word-Image Opposition, New York and Cambridge: Cambridge University Press 1991. Un Mieke Bal Reader vient de paraîtreaux éditions Chicago University Press. Son installation vidéo Nothing is Missing est actuellement présentée à travers le monde.

Ihab (31 ans), un universitaire palestinien vivant à Amsterdam, se prépare à un voyage pour rendre visite à sa famille à Gaza, pour la première fois depuis quatre ans, et pour faire des recherches sur le terrain. Gary (28 ans), un artiste irlandais vivant également à Amsterdam, compte accompagner Ihab et filmer la réunion de celui-ci avec sa famille, les interviews avec les informateurs, et l'évolution du projet d'Ihab : étudier le souvenir culturel en Palestine d'Al Nakba, la catastrophe de 1948. Alors qu'ils se préparent pour le voyage, Ihab et Gary se rapprochent. Mais, une fois arrivés à l'aéroport du Caire, l'arrestation et l'expulsion d'Ihab les séparent. Dès lors, le film alterne des panoramas des voyages des deux hommes. Tandis qu'Ihab mène ses recherches avec détermination et engagement, Gary est dépassé par sa première rencontre avec la culture arabe. Il tourne en rond, n'ayant rien d'autre à faire qu'attendre de pouvoir rentrer à Amsterdam. Ihab, au contraire, travaille frénétiquement, mais ne peut partir à la date prévue, Israël ayant fermé les frontières. Ce film utilise les métaphores du voyage et des rencontres manquées comme réflexion méditative sur les rencontres interculturelles entre Arabes et habitants de l'Ouest désireux, mais pas toujours capables, de se comprendre.

Mieke Bal, critique culturel et théoricienne, occupe le poste de Professeur de Sciences à la Royal Dutch Academy (KNAW). Elle est également Professeur de Théorie Littéraire, et directrice fondatrice de l'Amsterdam School for Cultural Analysis, Theory and Interpretation (ASCA) à l'Université d'Amsterdam. Parmi ses centres d'intérêt, on peut citer : la théorie littéraire, la sémiotique, l'art visuel, les études culturelles, la théorie post coloniale, la théorie féministe, le français, la Bible hébraïque, le XVIIe siècle et la culture contemporaine. Elle est aussi artiste vidéo. Parmi ses nombreux livres on trouve : Travelling Concepts in the Humanities: A Rough Guide, Toronto: University of Toronto Press 2002; Louise Bourgeois? Spider: The Architecture of Art-writing. Chicago: University of Chicago Press 2001; Quoting Caravaggio: Contemporary Art, Preposterous History, Chicago: University of Chicago Press 1999; Reading "Rembrandt": Beyond the Word-Image Opposition, New York and Cambridge: Cambridge University Press 1991. La parution d'un recueil est prévue par la Chicago University Press.

Inauguré fin 2004 à Bucarest en Roumanie, le MNAC (Musée National d`Art Contemporain) occupe les 16000m² de l?aile E4 de l?immense Palais du Parlement, deuxième bâtiment le plus grand du monde après le Pentagone. Connu aussi sous les sobriquets de "palais du peuple" ou de "palais de Ceausescu", le Palais du Parlement est une véritable projection pornographique du pouvoir, une érection mégalomaniaque. Lieu marqué par une histoire totalitaire, le Palais, après avoir accueilli le Parlement roumain et un centre international de conférences, accueil aujourd?hui un espace dédié à la dynamique des idées et au dialogue artistique. Le MNAC est un projet ambitieux. Un projet pris au piège de la situation roumaine, instable et toujours proche de la régression. Un musée d?art contemporain gigantesque, le plus grand de l?Europe de l?Est, avant-gardiste et novateur qui doit réussir à faire le lien entre une population "provinciale", qui reste à éduquer, et sa programmation ambitieuse. Le MNAC est le fruit de l?opiniâtreté de quelques personnalités roumaines d?envergures, Mihai Oroveanu, Directeur Général du musée qui a porté pendant plus de dix ans le projet, et Ruxandra Balaci, sa Directrice Artistique et Scientifique. Aujourd?hui, le conseil d?administration du musée est peuplé d?une véritable dream team internationale, où siège Ami Barak (conservateur et Président de l?International Association of Curators of Contemporary Art), René Block (Directeur de la Kunsthalle Fridericianum de Kassel), Nicolas Bourriaud (Co-Directeur du Palais de Tokyo à Paris), Heiner Holtappels (Directeur du Netherlands Media Art Institute ? Montevideo/TBA à Amsterdam), Anders Kreuger (Conservateur indépendant et ex- directeur du Nordic Institute for Contemporary Art de Stockholm), Enrico Lunghi (Directeur du Casino Luxembourg, Forum d`Art Contemporain à Luxembourg) et Catherine Millet (Directrice d`Artpress). Le MNAC se voit comme un espace vivant, malléable et polémique, un espace animé par un réseau d?intellectuels dans lequel l?Est et l?Ouest sont des partenaires, un laboratoire ouvert à la recherche dans le domaine du visuel.

Critique et commissaire d?expo, Ruxandra Balaci a dirigé la Galerie Gad à Bucarest, en Roumanie. Aujourd?hui, elle est co-rédactrice de la revue Artelier et la directrice adjointe, ainsi que la directrice scientifique et artistique, du Musée National d?Art Contemporain(MNAC) de Bucarest.

Un homme vit reclus depuis trente ans dans une forêt en France. Il creuse en solitaire de profondes galeries souterraines qu?il orne de gravures archaïques. Elles doivent résister à la catastrophe planétaire annoncée et éclairer, par leurs messages clairvoyants, les futurs habitants. Le film raconte cette expérience en marge de la société moderne, affectée par la misère humaine et la perte définitive d?un monde parfait.

Antoine Boutet est basé à Montreuil, France. Artiste et réalisateur, ses films récents incluent les documentaires ZONE OF INITIAL DILUTION (2006) et CONSERVATION-CONVERSATION (2005) ainsi que les vidéo expérimentales UTOPIA (2005) et PLUS OU MOINS (2003). Il développe actuellement un projet de long-métrage documentaire intitulé VOIES DE TRAVERSE qui se tournera en Chine en 2010. Ses récentes vidéo-installations et oeuvres dans l`espace public ont été présentées à la Pratt Manhattan Gallery/ New York, Biennale de Selest`Art, Galerie des Filles-du-Calvaire/ Paris, Kunstraum Walcheturm/ Zürich, Lianzhou International Photo Festival/Chine, Ateliers des Arques, Musée d`Art Contemporain les Abattoirs/ Toulouse, Festival Estudio Abierto/ Buenos Aires. Il participera en 2009 à la manifestation Le Printemps de Septembre à Toulouse avec le film LE PLEIN PAYS.

A travers la vidéo « Continuum », Raphaël BALBONI cherche a déceler la réalité. Son intention est de ne pas réduire celle-ci à une valeur d?usage, en créant des décalages par des séparations des éléments, des scissions, dans un espace dit naturel. Une route traversant une forêt implique une vide central entre les deux parties de la forêt que cette route traverse. Un vide qui se divise en quatre pour rejoindre l?intérieur de quatre troncs évidés ; eux-même en mouvement. En partant du mouvement des quatre troncs évidés, repartir sur quatre arbres dans quatre forêts où l?on accède par quatre routes différentes. La vidéo ici travaille le regard dans le mouvement continuel, des trajectoires sans commencement ni fin. Ce pour rendre le regard actif. Filmer en prenant comme point d?appui quatre troncs, quatre lunes, quatre routes différentes, pour délocaliser le regard. Un exotisme en mouvement qui ne ramène pas à une unité de lieu, donc de regard mais pousse celui-ci en continuum à l?intérieur de l?univers dont il est parti. L?auteur travaille ici sur la segmentation : les troncs segmentés en bûches évidées, - pour inclure le regard immédiatement dans le monde par des séquences, des interstices et ainsi petit à petit le regard s?éprouve comme immergé, intégré dans un univers dans lequel il circule tout comme le fait la caméra tout au long de la vidéo. Un regard, une ?uvre qui ne se constituent plus à partir du paysage, un regard, une ?uvre où l?horizon est mis a distance. Une regard, une ?uvre où les vitesses de rotation d?une voiture (par les tournants), de rotation du monde (gravitation, cycle lunaires et végétaux), de rotation d?un tronc segmentés en bûches évidées (cycle de croissance propre à l?arbre qui se dessine en spirale, par la double action de la gravitation et de la photosynthèse) sont captées par des images en mouvement. Quelque chose qui opère de façon juste et nécessaire parce que seule à ce jour, la vidéo permet une telle saisie de la réalité en mouvement. En devenir consistant?

Raphaël Balboni est né à Troyes (France) en 1978 et réside actuellement à Bruxelles (Belgique). Il est actuellement étudiant. Il obtient en 1998 une licence en Arts du spectacle et cinéma à Paris. De 2001-2005 il étudie à l?IDA (Institut des Arts et de la Diffusion). En 2002-2003 il suit également des cours à l?Académie Royale des Beaux-arts de Bruxelles. Depuis 2000 il a réalisé et monté nombreuses ?uvres et documentaires, présentés en Europe, par exemple le Centre d?Art Contemporain Passage, le Centre Culturel Canadien à Paris, la galerie Cour Caché à Paris ou encore à l?Institut Supérieur de l?Etude du Langage Plastique à Bruxelles. En 2004 il réalise avec Cécile Masart une vidéo, "Le site de Soulaines-Dhuys", sur le site de traitements de déchets nucléaires de l?ANDRA. En 2004 Raphaël Balboni réalise avec Anne Herbaut un film d?animation en 16mm, "Et Jean s?est perdu dans ses pensées".

Filmed on the former grounds of Black Mountain College, Looking Backward is a brief elegy to the legacy of a utopian college and other impossible projects.

Ben Balcom is a filmmaker and educator currently living and working in Milwaukee, Wisconsin. He is an assistant professor at the University of Wisconsin-Milwaukee and is the co-founder and programmer of Microlights Cinema, an artist-run microcinema which has been operating since 2013 and has hosted artists from around the world. Recently, his films have taken a lyrical approach to documenting the spaces and legacies of now-defunct experimental schools. Prior to that he made a series of introspective landscape films that engaged with Milwaukee’s progressive political past and contemporary anxieties about the future. Earlier films used abstraction to explore the tensions between perception and communication, with a reflexive attention on the medium itself. These films have been exhibited around the world at venues and festivals such as The Museum of Moving Image, European Media Arts Festival, International Film Festival Rotterdam, IndieLisboa, Media City Film Festival, Alchemy Film, and Slamdance. The films have received awards at Onion City Film Festival, Athens International Film & Video Festival, and Ann Arbor Film Festival. Recently, Balcom was a fellow at the Center for 21st Century Studies at UW-Milwaukee.

Concrete Heart Land exposes the social cleansing of the Heygate Estate in Elephant and Castle, South London. It marks the moment that the estate was finally lost as social housing to make way for an unjust `regeneration` scheme. Assembled from 12 years of archive materials the film charts the struggles of the local community to keep their homes, stay living in the area, and maintain communal benefits in the face of the advance of this now notorious `urban redevelopment programme`. Throughout the film we hear the community engaging in some of the crucial battles with elected officials, planners, and barristers in municipal planning meetings, public enquiries, and interviews. Weaving through these recordings is a performance staged in 2012 on the then still inhabited estate. An assembled group of past and present residents, community activists, and critics of the Heygate plans chant texts composed from phrases used in the Regeneration Masterplan. The performances parody the technical language of regeneration and the aspirational language of gentrification. Over the course of 2012 and 2013 we filmed panoramic video images of the estate and interiors of some of the Heygate flats, all of which feature in the film.

Steven Ball`s current practice engages with landscape and spatial representation, in local and global, social, political and post-colonial spheres. He also writes about contemporary and historical moving-image related practice, and curates screenings and exhibitions. Since 2003 he has been Research Fellow at Central Saint Martins College of Art and Design where he was instrumental in developing the British Artists’ Film and Video Study Collection. He is also a member of the legendary post-punk DIY group Storm Bugs. www.steven-ball.net Rastko Novaković used to be a filmmaker. He has made over 30 moving image works, from one minute to feature-length videos, panoramas, open-air cinemas, documentaries, lyrical films, campaigning videos, documented performances, interventions in histories and spaces. His works include April Showers (2011) a docu-fiction about a student terrorist group at University College London and lebensraum | living space (2009) which stages a Yugoslav war diary on the streets of London. He now spends most of his time organising at his workplace and with different communities. www.rastko.co.uk

The War on Television est réalisé presque entièrement à partir d?images diffusées à la télévision, et plus particulièrement, provenant de problèmes d?interférences dans les transmissions utilisant la technologie numérique. Ces interférences sont retravaillées et manipulées de manière aléatoire, au moyen de différentes techniques d?altération numérique, qui accentuent encore la fragmentation par à coup. La vénération pour la perfection numérique, l?autorité et la fiabilité des informations 24 heures sur 24 à la télévision deviennent des abstractions, maltraitées dans le flot de bruit discordant et de balbutiement incohérent. Une célébration d?une antiesthétique numérique, de l?entropie de l?excès et de la faillibilité.

Steven Ball réalise des films, vidéos, du son et des installations depuis le début des années 80 A la fin des années 80, il a migré par mégarde vers Melbourne, en Australie. Il y a poursuivi son travail faisant de nombreux films et vidéos, a fait des travaux sonores et des installations. Il y a exercé diverses activités dans l?art militant, en tant que conservateur, dans l?administration, dans l?enseignement et l?écriture. Depuis son retour au Royaume-Uni en 2000, il travaille principalement la vidéo numérique, en réalisant une série de travaux qui, parmi d?autres choses, sont particulièrement liées aux processus numériques et à la représentation spatiale. Steven Ball est actuellement chercheur attaché à la AHRB British Artists` Film and Video Study Collection (Recueil pour l?Etude des Films et Vidéos d?Artistes Britanniques), au Central Saint Martins College of Art and design de Londres. Ses vidéos ont été projetées notamment au Festival d?Oberhausen, aux Pays-Bas, au World Wide Video Festival d?Amsterdam, à Impakt, Utrecht ; en Suisse à Videoex, Zurich; à Viper, Bâle. Les Rencontres internationales Paris/Berlin présentent depuis plusieurs années le travail de Steven Ball.

Charivari, l’intrusion des sons discordants dans un village, annonce la chasse de la boite noire, l’inversion des codes, la menace funeste qui contrarie l’ordre établi, une rumeur lointaine qui s’approche... Une cavalière venue d’un autre temps gît sur le sol, blessée. Le visage d’un homme apparait battu par le vent, souillé par la terre. La forêt derrière lui est à peine visible. Concentré, il écoute: les bruits d’une chasse ancestrale céleste, des aboiements de chiens, puis soudain... un charivari primitif naît d’une rumeur transportée par le vent. Les chasseurs en poste, guettent cette chasse lointaine, par-delàles forêt qui se déroule au son du cors. Blessée au visage, la cavalière se redresse. Le regard fixe, elle traverse en boitant la forêt plongée dans un désordre de sons. Elle est attendue... L’homme au visage souillé halète, la boîte noire est à terre. Le sang coule de sa plaie. La lame du couteau brille dans la nuit. Du sacrifice naît le rituel, la cavalière porte le masque d’or sur le visage. Dans une maison bourgeoise, Le Charivari atteint son apogée, les murs résonnent d’un rythme funeste et hors d’âge. Des convives vétus de fourrures déambulent dans les couloirs, les visages défilent telle une galerie de portraits. C’est le rendez-vous secret d’un rite ancestrale. Le vent s’est introduit dans la maison. Au loin, des coups de feu résonnent, des chiens aboient, le gibier est de retour, la chasse peut commencer.

Née en 1974 à Romans en France, Delphine Balley vit et travaille à Saint-Jean-en-Royan Delphine Balley est diplômée de l’école Nationale Supèrieure de la Photographie d’Arles en 1999. Ses séries photographiques, faites à la chambre, reconstituent et théatralisent faits divers, scènes familiales, scènes d’avant ou d’après crime, histoires vraies, avec une extrème minutie, un goût prononcé pour le motif et le détail. Ces sayntes, métaphores du quotidien, sont autant de huis clos hors du temps qui mélent savamment réalité et fantastique. La singularité créatrice de l’artiste transporte le spectateur dans un univers insolite, étrange, inquiétant, parfois dérangeant. Delphine Balley entremèle la chronique, le journalisme, le fantastique, la narration, le conte, la sorcellerie, ou encore le cinéma.

The story of a film “Commission” starts in Georgia at some unknown point of time where a heroic, mythical female character has written a book which is being delivered by a courier (the artist herself) to three powerful women. The content of a book is hidden within an existing book – “The Knight in the Panther’s Skin” written by Medieval Georgian poet Shota Rustaveli who dedicated the book to 12th century Queen Tamar who at the time brought prosperity and many social changes in the country.  Being used as a secret shell or a reference to female power from the past, the freshly embedded content of a book serves as manifesto to the women who haven’t been equally appreciated due to history books still being written from male perspective. The book offers alternative gaze to a world history which can exist only in utopian science-fiction film commissioned and executed by females only.   Shot in significant Soviet era architecture monuments (by that referring to Soviet time failed gender equality propaganda), using exaggerated costumes and scenes once associated with B class sci-fi movies, the film serves as humorous, yet rebellious propaganda material of female role and emerging power. 

Ieva Balode born in 1987, Riga, Latvia is an artist and film curator working with analog image. She has graduated Latvian Academy of Art and studied film and photography in Yrkeshögskolan Novia, Finland. In her artistic practice she is interested in human identity matters, which she explores through the language and philosophy of an image – both still and moving. Drawing inspiration from texts, archival materials and nature, the artist seeks to find the border between human consciousness and transcendence within it. Her interest in analog medium lies within the medium’s relation to nature and human perception. With her works she takes part in international exhibitions and film festivals presenting her work both in installation, as well as cinema and performance situation. As a curator she is a founding member of Baltic Analog Lab - artists collective providing a space and platform for analog film production, research and education. She is also a director of experimental film festival "Process" happening in Riga from year 2017.

"The Slaughterhouse of Dreams" est une performance et une installation vidéo interactive sur le thème de la transmission de l'histoire du peuple Luba par le biais d’objets mnémoniques et de l'oralité. Le "Kasàlà" est un poème cérémoniel, une façon élogieuse, publique et solennelle de nommer une personne. Dans la tradition baluba, le kasàlà est une forme bien définie de slogans ou de poésie en vers libres. Il est chanté ou récité, parfois avec un accompagnement musical, par des hommes et des femmes dont c’est la profession, dans le cadre d’événements publics qui impliquent des émotions fortes, comme le courage au combat, la joie collective lors de cérémonies officielles, ou le deuil lors de funérailles. Dans son style et son contenu, le kasàlà est un genre totalement différent des proverbes, des mythes, des fables, des énigmes, des contes et des récits historiques. Un kasàlà contemporain, écrit par Fiston Mwanza Mujila - auteur congolais vivant à Graz, en Autriche – à propos des expropriations de chercheurs de diamants, est récité par l'auteur lui-même, accompagné de Patrick Dunst au saxophone et de Grilli Pollheimer à la batterie. Sur scène sont présentés des instruments de musique en cuivre (un tambour et une trompette) dont la surface a été marquée de scarifications traditionnelles. Pendant ce temps, la performance est enregistrée et transposée dans une installation interactive, où des images de reportages télévisés congolais sont mélangées à des images de sculptures scannées aux rayons X et des images de danseurs Mbudye.

Sammy Baloji est né en 1978 à Lubumbashi (République démocratique du Congo). Il vit et travaille entre Lubumbashi (République démocratique du Congo) et Bruxelles (Belgique). Sammy Baloji est diplômé en Sciences de l’information et de la communication à l’Université de Lubumbashi (République démocratique du Congo) ainsi qu’à la Haute École des Arts du Rhin, Strasbourg (France). Il mène depuis septembre 2019 un doctorat de recherche en art à Sint Lucas Antwerpen, Anvers (Belgique), intitulé "Contemporary Kasala and Lukasa: towards a Reconfiguration of Identity and Geopolitics". Chevalier des Arts et des Lettres, il a reçu de nombreuses récompenses et distinctions, notamment le Prix Prince Claus (Pays-Bas), le Spiegel Prize des Rencontres africaines de photographie de Bamako (Mali) et de la Biennale de Dakar (Sénégal), ainsi que Prix Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative. Pour l’année 2019-2020, il est pensionnaire de l’Académie de France à Rome – Villa Médicis (Italie). Depuis 2018, il enseigne chaque été à la Sommerakademie de Salzbourg (Autriche). Sammy Baloji a co-fondé les Rencontres Picha/Biennale de Lubumbashi (République démocratique du Congo) en 2008. Parmi ses expositions monographiques récentes figurent "Sammy Baloji, Other Tales", Lund Konsthall (Suède) et Aarhus Kunsthal (Danemark) [2020]; "Congo, Fragments d’une histoire", Le Point du Jour, Cherbourg (France) [2019]; "A Blueprint for Toads and Snakes", Framer Framed, Amsterdam (Pays-Bas) [2018]; "Sven Augustijnen & Sammy Baloji", Museumcultuur Strombeek, Gand (Belgique) [2018]; "Urban Now: City Life in Congo", Sammy Baloji and Filip de Boeck, The Power Plant, Toronto (Canada) et WIELS, Bruxelles (Belgique) [2016-2017]; et "Hunting and Collecting", Mu.ZEE Kunstmuseum aan zee, Ostende (Belgique) [2014]. Il a récemment participé à la Biennale de Sydney (Australie) [2020]; à la documenta 14, Kassel (Allemagne) et Athènes (Grèce) [2017]; à la Biennale de Lyon (France) [2015]; à la Biennale de Venise (Italie) [2015]; et au Festival Photoquai, au Musée du Quai Branly, Paris (France) [2015].

For “The Condor passes by” - in Spanish “El Condor Pasa”- the artist purchased a car: the mythical Condor GT (1981). This emblematic model fabricated in fiberglass during the transition from a military dictatorship to the restoration of democracy in Ecuador, is also part of the last days of the so-called “oil boom” in the country and the main focus of the proposal. Balseca recalls the nostalgic story of one of the last “national” cars and pays a posthumous tribute to that period of the local industry. The video shows us the last moments of the car before taking his “last flight”,when it is dropped from the top of a hill in the surroundings of the Mount Catequilla.

Adrián Balseca (Quito, Ecuador, 1989) lives and works in Quito. Balseca’s work aims to activate strategies of representation, narration, and/or interaction in order to highlight cultural specificities of a particular place. It explores the relationship and tensions between industrial and craft practices, revealing a fascination with the historic processes, and the configuration of materials involved in the production of manufactured goods. His work often involves transforming the composition of daily objects or certain civil laws into other material forms, or legal experiences. These projects —from small interventions to large-scale ‘site specific’ actions or video documentations— elaborate on ideas of emerging economies, nature, power, and social memory.

One evening, by chance, the filmmaker arrives at Milton Keynes, an English ?New Town? the existence of which he had never suspected. A city in no way responsive to his orientation reflexes, at odds with his intuition, scornful of his judgment, which becomes his subject and muse. On his route, alone with his camera, from the outskirts to the town center, he strikes up the odd acquaintanceship. A beer drinker, a family inspecting a model home, a ?shepherd? of shopping caddies, various and sundry officials and ?users?: each contributes, from a unique perspective, to the image of this ?town for the 21st century?. Amongst those met is Derek Walker, the city?s first chief architect and planner - only 32 years old at the time of its conception in 1967 - who guides us through its workings even while taking issue with today`s reality. Filmed over several years as a complete autoproduction, ?Conversations in Milton Keynes? is Ingo Baltes? first film.

Ingo Baltes was born in Singen (Germany) in 1972. After his Master in philological studies (French, Spanish, Swedish & Icelandic), he came to Brussels to graduate in film direction at INSAS (2002). Today, he works as an independant filmmaker as well as director for children and magazine programmes at Belgian TV RTBF. His documentary films, always linked to one definite place in Europe, analyse phenomena and changes in society in the long term. He is a member of Polymorfilms since 2007.

Cette installation sonore se base sur deux observations: La première est la production de sons provoqués par des récipients fermés qui laissent échapper lentement et de manière discontinue leur contenu (air, eau) par une valve, et qui génèrent un déroulement chaotique, bien que plus ou moins prévisible dans son ensemble. La deuxième ? qui a donné le titre au film ? concerne le phénomène du « brownout » auquel nous avons été confronté lors d?un voyage à travers la Californie. Il s?agit là, en quelques sortes des prémices du black-out. Une baisse de tension dans un système interdépendant entraîne une comportement chaotique de ce dernier et a souvent pour conséquence une réaction en chaîne qui provoque la défaillance de ce système (pour la Californie ce système est le réseau électrique). Afin de rendre hommage à nos pauvres amis américains qui subissent de temps à autres de telles coupures d?électricité, nous nous passons - dans la mesure du possible - de l?électricité dans cette installation. Il fera donc nuit. Pour le reste, il se laisse entendre, en guise de solidarité avec les pays à travers le monde qui n?ont pas d?électricité.

Serge Baghdassarians & Boris Baltschun travaillent ensemble depuis 1997 et vivent à Berlin. En plus de leur travail en duo et des concerts/installations dans des lieux comme Amsterdam (Sonic Acts), Berlin (Total Music Meeting, Ultraschall, Uchiage), Los Angeles (Beyond Baroque), New York (Tonic), Paris (Les Instants chavires) et Stockholm (Moderna Museet, Fylkingen), ils travaillent régulièrement avec Burkhard Beins (B-Musik), Günther Christmann (Mal d`Archive), Dror Feiler (Kombinat), Alessandro Bosetti/Michel Doneda (Strom) et Annette Krebs/Andrea Neumann (Helix). Ils ont également collaborés avec de nombreux autres musiciens, danseurs et poètes tels que Conny Bauer, Paul Dutton, Richard Barrett, Tony Buck, Berlinfactory (Wolfgang Fuchs), Mark Trayle, Jim Denley, Axel Dörner, Chris Brown, Mats Gustafsson, Fine Kwiatkowski, Bernhard Lang, Michael Moser, John Oswald, Natalia Pschenitschnikowa, Elliott Sharp, Stevie Wishart, John Butcher et Paul Lovens. Un nouveau CD sort en 2005 chez Charhizma.