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En bouleversant les tabous concernant le politiquement correct et en démentant les constructions sociales dominantes, l'Idéologie prend un tour soudain.

Juana Awad est une artiste multidisciplinaire colombienne vivant à Toronto. Jorge Lozano est un artiste colombien vivant lui aussi à Toronto. Ils ont collaboré sur plusieurs films et projets vidéos et sont co-directeurs du AluCine Toronto Latino Film and Video Festival et du AlucinArte International.

An uncanny narrator searches for the meaning and form of a mysterious cultural performance speculated to have started after the second world war, in Northern Uganda. As the search unfolds, the film sonically and anecdotally questions notions of cultural legacy, kinship, individual and collective memory.

Ayo is a Ugandan born visual artist and filmmaker currently based in The Netherlands. Her practice is based on a desire to seek out counter narratives, and to explore both pleasurable as well as uncomfortable ways of re-telling histories. Recent projects investigate intangible forms of cultural heritage and informal knowledge production held by unofficial bodies. Ayo holds an MA in Fine Art (cum laude) from the Piet Zwart Institute in Rotterdam.

Dans "Proposal" un groupe est assis en cercle dans un bureau. Les membres du cercle sont en train d'écouter un message qui a été laissé sur leur répondeur. Un conservateur ou représentant d'une galerie leur propose de participer à une exposition dans cette galerie. Une longue liste de questions et de restrictions s'ensuit. La voix exprime emphatiquement son espoir qu'ils ne soient pas découragés par le peu que la galerie peut leur offrir. Le collectif d'artistes polonais Azorro Group ne manquera jamais une occasion artistique de ridiculiser cette même occasion, et eux y compris. Dans leurs performances, photos et vidéos, ils se manifestent comme un couple de clowns qui se moquent du cercle des expositions et des conservateurs dans son ensemble. Cela ne suppose pas beaucoup de paroles ou d'écrits mais plutôt beaucoup de pauses et de rires. Les actes niais sont leur marque de fabrique.

« Gig » est une vidéo de trois minutes sur des personnes qui assistent à un concert dans un club. Au lieu d?attirer l?attention sur la scène et les musiciens, la vidéo se concentre sur les regards croisés des habitués du club, qui s?observent les uns les autres.

Liisa Lounila est née en 1976, vit et travaille actuellement à Helsinki. Ses principaux médiums sont le film et la vidéo expérimentaux, la photographie et la peinture. Ses ?uvres traitent généralement d?obscurs besoins de changement, de grandes attentes et des lieux pleins de potentiel. Habituellement, ses photos, fixes ou en mouvement, tirent leur origine des films, de la presse à scandales, des magazines d?art de vivre et des paroles de chansons pop.

"to conceal what one is, rather than to pretend to be what one is not" Film in triptych format with common soundtrack. Three channelled video. 13 mins. The film focuses on the vocabulary, tools and human representation in the various types of software that is used for modelling and tracking crowd behaviour. Featured in the film are examples from online crowd simulation tutorials: coordinated swarms, mass body crushes, campsites and religious gatherings such as the Hajj in Mecca. These examples are juxtaposed with newly shot scenes of gestures and postures drawn from the simulated crowd agent, the default character, pre-programed behaviour re-enacted by dancers and images from human tracking devices and. images from human tracking devices and The voice-over interlaces the information and the instructions from the software tutorials generated by a speechedit software/robot voice, with the artist's own voice and thoughts. The film addresses the aesthetics and politics of these softwares and tracking system where these digital tools used for monitoring today´s crowd flows and behaviour are becoming increasingly political while facing ethical dilemmas. Sheding new light on the digitisation and simulations of crowds, their interconnected technologies and their inherent potentiality to predict and model our future collective behaviour. This film is part of my ongoing research, practice-based PhD at the Royal College of Art in London, Prediciting Crowds. The aesthetics and politics of digitized and simulated crowds.

Anna Adahl is a visual artist and researcher working in various mediums such as film, installations, performance and collage. She uses the tools of assemblage and montage where found footage meets newly shot images and where ready-mades are used as props in spatial narratives. In 2015 she started her practice-led PhD adressing the aesthetics and politics of digitized and simulated crowds. Over the past decade the notion and politics of crowds has been central in Anna Adahl's artistic practice. In numerous works she has been observing and examining the relationship between the individual and the mass as well as the language of the body in relation to the psychological, physical or political space that surrounds it. Within her current practice based research her focus has turned towards the conditions, the aesthetics and the politics of contemporary crowds, operating in a new computational realm. Her work has been presented and exhibited internationally including: Marabouparken Art Gallery, Stockholm (2018); Moderna Muséet, Stockolm (2018); Festival des Cinémas Differents et Experimentaux de Paris (2018); Nanjing International Art Festival, China (2017), Whitechapel Gallery, London, UK (2016); Lofoten International Arts Festival, Norway (2015); CCA Derry-Londonderry, Northern-Ireland, UK (2015); FRAC Champagne-Ardenne, Reims, France (2013).

The film Default Character focuses on the vocabulary, tools and human representation of the softwares proposing and tracking the crowds behaviour, adressing the impact of how default settings produces an image of the algorithmically programmed human body. The film include images from online tutorials of crowd simulation programs ,human tracking devices and newly shot scenes (performed by dancer Pelle Andersson). The featured examples given by these tutorials and showreels are perfectly coordinated swarms, mass body crushes, camp sites and religious gatherings such as the Hadj in Mecka. Crowd simulations which are mainly used for crowd management and Hollywood production use a multi-agent simulation framework which is a computational methodology that allows building an artificial environment populated with autonomous agents which are capable of interacting with each other. The human tracking devices, track, study and accumulate statistics on our collective behaviour, while the crowd simulation proposes it. The voice over in the film, interlaces the tutors voice of informative instructions from the software tutorials with the artist´s personal voice and commentaries.

Anna Adahl is an artist and researcher working in various mediums such as film, installations and performance. She uses the tools of assemblage and montage where found footage meets newly shot images and where ready-mades are used as props in spatial narratives. Her ongoing Fine Art practice-based PhD at the Royal College of Art in London, UK, adresses the aesthetics and politics of crowd simulations analyses, using the physical body as tool and reference, the identity and human representation in crowds generated and supervised by new computational technologies. Her works has been exhibited and presented internationally and she is also a member of the editorial team of OEI magazine.

À travers une expérience immersive, ce film aborde la façon dont la notion et le terme de "flux" et les "états de flux" ont été monétisés par notre économie actuelle, et l’accélération de notre société de consommation, de production et de performance 24 heures sur 24, 7 jours sur 7. Ce film navigue à travers les différents flux, depuis les origines de cette notion dans les traditions d'inclusion et de nature bouddhistes et taoïstes, en passant par les vaisseaux sanguins informatisés, les chiens fractals créés par Deep Dream, le cosmos, jusqu'aux graphiques des flux de migrants, et à la méditation en pleine conscience véhiculée par les clips de relaxation en ligne et les "sleeptubes", ainsi que leurs forums de discussion permanents. Ces nouveaux modes de relaxation et de pleine conscience jouent un rôle déterminant dans l'activation du flux continu associé à notre système économique actuel et à nos modes de production accélérés, agissant comme des pauses artificielles pour assurer une meilleure endurance corporelle et une meilleure performance. La notion de flux, inhérente à notre système de survie physique par la circulation du sang, de l'oxygène et des nutriments, est désormais détournée par notre système économique. En fin de compte, la notion de flux a été transformée en un outil bio-politique, dont le but est d'optimiser l'efficacité et le potentiel de performance de nos comportements individuels et collectifs.

Anna Ådahl est artiste plasticienne et chercheuse. Elle travaille avec différents supports tels que le film, les installations et la performance. Ses outils de prédilection sont l’assemblage et le montage, où le found footage rencontre des images nouvelles, où les ready-made servent d’accessoires dans des récits spatiaux, et où le corps est utilisé comme outil d'investigation dans les performances mises en scène. Depuis plus de dix ans, la notion de foules et leur aspect politique sont au cœur de sa pratique artistique. Sa recherche fondée sur la pratique des beaux-arts, "Inside the Postdigital Crowds", au Royal College of Art de Londres (Royaume-Uni), porte sur l'esthétique et la politique des conditions numériques dans lesquelles les foules contemporaines sont opérées et gouvernées.

Mattias Åkeson se penche sur la relation entre l'individu, le collectif et la société. "Klicker" traite de la relation entre confirmation, contrôle et désirs. L'idée provient d'un article sur la façon dont le TAGteach (utilisation d'un clicker pour dresser les animaux) a été développé comme méthode pédagogique pour être utilisé avec les élèves à l'école. Le clicker est devenu une métaphore intéressante de notre société actuelle. Toutes les relations interpersonnelles, tant professionnelles que privées, sont colorées par le nouveau management public. Une sorte d'esthétique de la vie professionnelle qui se nourrit de salles de réunion, de réunions d’équipe, de bureaux aérés, de directives et d’objectifs à atteindre.

Mattias Åkeson est artiste visuel. Il habite en Suède. Il a étudié à la Bergen Academy of Art and Design, Bergen (Norvège), et a été diplômé en 2001. Aujourd'hui, il partage son temps entre la pratique artistique, l'enseignement, la conception d'expositions et la gestion de projets pour des commissions publiques. Il s'intéresse au modèle scandinave, à l'identité de consommateur de la classe moyenne, et à la relation entre la communauté en tant que collectif et l'individu. Il a réalisé des projets à propos du centre commercial, de la galerie d'art et de l’école maternelle. Il travaille dans différentes disciplines comme le film, l'installation, la sculpture, la photographie et la peinture.

This is a meta-filming attempt to represent a failure. Conceptual challenge of a cinematographer who had to deal with passionate archivist, who works in the Film archive, uncompromisingly Film archivist forgetting the cinematic result demanded by the filmmaker, An archivist who belongs to celluloid age, still works with celluloid, starts confronting about the medium and time. Does the spectator really realise the conceptual mistake, or are they decided to go with a flow designed by filmmaker?This film eternally about director`s turbulent relationship with the character Margarita sosa. The short movie is divided into 4 movements, every movement is dedicated to a specific moment of cinema, but it is also a metaphor of your relationship with your subject. Movement 1: creation. Margarita speaks about the birth of cinema. It is a metaphor of beginning of the film first approach to the director`s character. Movement 2: preservation. Margarita speaks about preservation. It is a metaphor of the director is trying to keep a good relationship with his character. Movement 3: destruction. Margarita speaks about censorship (that is a destructive force). It is a metaphor of destroying the director`s relationship with the celluloid woman.

Ananthakrishnan is deeply involved in cinematographic and photographic storytelling. He traveled across India for geographically exploration of the socio-political structure. He worked as cinematographer for Tehelka music project, in New Delhi, and also with a documentary curating initiative called magiclanternmovies. Finally, as a video volunteer he worked at Primitive Seed Movement in navdanya. His ambition is to contemplate on the borders of practice and theory of documentary and fiction. He started his study at Gandhigram Rural Institute in Tamilnadu. After doing Development Studies he received a Summer Fellowship from National Human Rights Commission nhrc.nic.in to do a short-term research on human rights violations in India. He went on to complete his studies in community media at Tata Institute of Social Science in Mumbai tiss.edu. Afterwards, Ananthakrishnan received a Camargo Foundation Residency Art Fellowship in France to work on his working progress feature documentary Shadows of gandhi. Then he got accepted in the Summer Travelling Film School Cinemadamare 2018 in Italy cinemadamare, where he shot five short films during the period of two months. Ananthakrishnan`s photography projects have been exhibited at STIGMART10 in , Video Focus Biennial Edition , International Art Exhibition Nord Art 2016 in Germany, Screengrab Award 2014 in Australia, and International Festival of Photography PhotoVisa in Russia. His short documentaries and short films were widely screened at many international film festivals. At the moment he is doing the DOC NOMADS Erasmus Mundus Joint Master Degree 2017-2019 (EMJMD) in Documentary Filmmaking delivered by a consortium of the University of Lusofona in Portugal, University of Theatre and Film in Hungary and St. Lucas School of Arts in Belgium. AWARDS Annanthakrishnan won the National Student Contest at the International Year of Planet Earth in 2018. He also won twice the Best Cinematography Awards during the tenth Cinemadamare edition in 2018. See https://ananthakrishnan.foliohd.com/contact for more info.

Kucheipadar village in Odisha is a bauxite-rich block that since India’s economic liberalisation has been the subject of violent conflict between Adivasis and a mining venture. The singing of songs has come to articulate creative forms and political structures that steered the Kashipur resistance movement from subalternity, through solidarity and into dissolution. Blood Earth interweaves the efforts to record song, farming, village life and a political meeting to improvise a junction between voice, music, silence, sound and noise. Blood Earth is the second project of Word Sound Power, a New Delhi-based collective that constructs multimedia collaborations with South Asian artists on issues of social justice.

Kush Badhwar is a filmmaker and artist interested in shifting definitions of traditional mass-media, collaborating with unorthodox actors and using artistic intervention for improvised and informal political engagement. He is currently undertaking India Foundation of the Arts Archival Fellowship in India’s newest state, Telangana.

Une personne vêtue de blanc court à en en perdre haleine à travers Rotterdam. Elle escalade des sculptures d'artistes célèbres mises en scène dans toute la ville, évoquant un parcours de santé.

Ruth Baettig est née en 1964 à Lucerne en Suisse. Elle vit et travaille à Paris ainsi qu'à Lucerne. Etudiante à l'Atelier Médias-Mixtes de l?Ecole supérieure d?arts visuels de Genève, elle obtient en 1999 un complément de formation universitaire à l'Ecole des Beaux-Arts de Cologne, avant de s?inscrire au Programme de recherche de l?Ensba de Paris en 2000. Depuis 1995, elle participe à de nombreuses rencontres autour de la vidéo et expositions d?arts plastiques en Allemagne, en Suisse, en Belgique, en France, au Brésil, au Liban et en Arménie. Elle vient de publier VAGABONDAGE, disponible dans les librairies d?art parisiennes.

Un être blanc marche, se tient en équilibre, flâne, se glisse, saute, grimpe, s'agite sans aucun sens ni bût sur les ruines d'architectures alpines. Elle y croise des promeneurs de dimanche et d'autres touristes du week-end. Irrité et déconcerté, on voit partir l'être blanc... La vidéo a été filmée dans les montagnes suisses, à la frontière italienne. Les différentes composantes - panorama montagneux, figure artistique, mouvements ? créent un comique de l'image absurde.

Né le 7 avril 1964 à Sursee 1992-96 Ecole Supérieure d?Art Visuel, Atelier Medias-Mixtes Silvie & Cherif Defraoui, Genf (CH) 1997 ? 2000 Etudes supérieures à la "Kunsthochschule für Medien" à Cologne (D) 2000 ? 2002 Programme de Recherche, Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts, Paris (F)

One of the series of labodoble experiment of the natural(organic) film developers. The structure of the film is based on the chemical formula of the Rhus Typhina`s developer. The main protagonist of the film is a species of flowering plant in the family Anacardiaceae which leaves and berries have been mixed with tobacco and other herbs and smoked by Native American tribes. We tried to apply the properties of the Rhus Typhina in the photochemistry. The film catches the research, experiments, harvesting and preparation of the film developer in which latter original negative was developed. The nonlinear structure of the chemical formula as well as nonlinear research of the process reflected in a order of the frames. There is no post-production except sound all editing work is made while film was loaded in camera before chemical development.

Alexandra Moralesová was born in 1989 to Czech mother and Argentinian father. She studied at the Centre of Audiovisual Studies at The Film faculty of the Academy of Performing Arts in Prague (FAMU). Beyond the inspiration by the practices of experimental film, she`s mainly interested in remediation of found footage and found objects. Through various ways of viewing it, those objects represent for her its own possibility of de/construction in order to cross the frontier between analog and digital media and so disrupt the spectacle and alternate existing narratives. It`s been several years that she explores the post-production tools as for example the editing table or film viewers. The output of her works is often a performance, film screening or installation. Georgy Bagdasarov was born in Armenian family in 1978 to the sounds of rockets taking off into space from Kazakhstan. He never boarded any of those rockets and spent all his life living in various locations throughout Eurasia. Now he lives and works in Prague. His work explores the space between analog and digital, and merges them together. His works are created under strong influence of structural films, cooking recipes and syntax of computer codes. He combines different media: digital and film stock as well as music and food.

Des effets bons marchés ne peuvent pas faire qu'un performeur mélodramatique se sente mieux.

Jeremy Bailey poursuit actuellement son MFA d'Art Vidéo à l'Université de Syracuse dans Syracuse NY. Son oeuvre se base souvent sur la technologie et est fondamentalement liée à la question de l'autorité et de l'authenticité. Il est aussi programmateur vidéo pour SPARKVIDEO, une série vidéo à succès réalisée à l'Espace d'Art Contemporain Spark à Syracuse.

The creative idea for this piece comes from the word “ Plasma ” that is often called the "Fourth State of Matter". Plasma is a distinct state of matter containing a significant number of electrically charged particles, a number sufficient to affect its electrical properties and behavior. Plasma also refers to the liquid component of blood that holds the blood cells in suspension. Energy, thunder and blood inspired my composition process. I started by recording some sounds with a new percussion instrument, called “ Sinori ”, a thunder-sheet, that have been processed with these images in my mind.

DARIA studied piano, classical composition and electronic music. Her compositions have been played in theaters and concert halls throughout the World and broadcast by several Radio stations (Holland National radio, France,Portugal, UK, USA etc). She also owns a degree in “Classical Literature” from the University of Bologna (Italy).

Jetty SCOUR, suggests the physical markings left behind from a ships arrival and departure. Here is the present day ‘arrival’ of the “human-transporter”, a replicated 19th century cane-woven basket or ‘lift’ to a harbour in South Africa. The original would have been used off the coast of Algoa Bay in South Africa from 1890-1920 to lift colonial settlers to and from ships at sea before the development of harbours. Here the artist works with the object as historical witness, to engage with contested sites and legacies linked to the arrival of her own ancestors, a British settler family, to that same bay in 1820. The film, whilst documenting a contemporary working harbour within the economy of international trade, marks this space and place with historical encryptions, the smallest tensions, that refuse a “blanking out” of history.

Bridget Baker lives and works in London and Cape Town (b.1971, East London, South Africa). Her work is situated at the intersection of documentary and myth creation, forming a series of complex visual fragments realised through filmmaking, installation and performed re-stagings. Baker’s practise and visual language, whilst based on in-depth research into personal and public modes of representation within colonial and postcolonial narratives remains characteristically speculative, nomadic and estranging. Occupying the realm of the imaginary, the characters in her films, installations and photographs are spliced into roles as presences / witnesses / mirrors that enact lost memory within those peripheral places blind spotted by “official” history making.

The Remains of the Father: Fragments of a Trilogy (Transhumance) is an experimental film and installation. It considers marginally remembered Italian colonial history in Eritrea and Ethiopia between 1930 and 1941. An Eritrean researcher Lula Teclehaimanot discovers an archive of non-official ethnographic literature collected by a Bolognese couple Giovanni Ellero and Maria Pia Pezzoli who had worked for the ?Ministry of Italian Africa? in Eritrea and Ethiopia during that period. Lula has been tasked by the municipality of Asmara to translate from Amharic into Tigryna: A contribution to the birth of the colonial style, an unpublished manuscript written by Ellero promoting the rationale of a modernist Ethiopian architectural vernacular. While she works Lula listens to a radio interview conducted in Italian, Tigryna and Amharic about the contemporary relevance of proverbs in Eritrean and Ethiopian societies. Set within a single room of a derelict house in Bologna which had been built for retired fascist army officials, is also the imagined office of Ellero. Many of the documents laying about the office; Eritrean and Ethiopian proverbs, hand drawn maps, and family emblems and curiously amongst these are the traces of her own family history, collated by Ellero before she was born.

Bridget Baker is an artist from South Africa. She is based in London and Cape Town. Baker?s work is situated at the intersection of documentary and myth creation, forming a series of complex visual fragments realized through film making, installation and documented re-stagings. Baker`s practice and visual language, while based on in-depth research, is often speculative and nomadic, seldom offering a finite position on events or histories. Her work has been exhibited extensively but also at The Museum of African Art (NYC), MAMbo (Bologna, Italy) Centro des Artes Contemporanea (Burgos, Spain), Palazzo delle Papesse (Siena, Italy), Neue Berliner Kunstverein (Berlin), the 2nd Johannesburg Biennale (Cape Town), Bow Arts Centre (London), Glasgow Film Festival (Scotland), Dak?art 2012 (Senegal), Wapping Project (London), South African National Gallery (Cape Town), the South Africa National Arts Festival (Grahamstown, South Africa), and the Oberhausen Short Film Festival (Germany).

Les visiteurs sont invités à s?asseoir dans des fauteuils ou dans des canapés alors qu?autour d?eux des femmes s?adressent à quelqu?un d?autre. Leurs interlocuteurs sont des proches, des parents. Pourtant elles ont cessé d?avoir des liens avec ces personnes à cause de l?émigration de leurs enfants : un petit-fils qu?une des femmes n?a pas vu grandir; un beau-fils qu?une autre n?a pas choisi ou dont elle n?a pas approuvé le choix; un enfant qui a émigré; dans un des cas apparaît trois générations. Une certaine intimité, mais parfois également un léger malaise, est caractéristique de la situation. On peut quelquefois entendre la voix de la deuxième personne, d?autres fois, non. L?intimité dans les films est accentué non seulement par le sujet traité (le départ d?un enfant parti pour l?Europe de l?Ouest) mais aussi parce-que ces mères parlent à une personne qui leur est chère. Par ailleurs, la réalisatrice prépare sa prise de vue, allume sa caméra et sort de la pièce, et revient seulement après le temps imparti. Cette renonciation d?autorité, le fait de laisser le hasard faire, et la relation entre les deux personnes rendent le film particulièrement éfficace. Quelque chose se passe entre les deux interlocuteurs, grâce aux conditions du tournage et non aux indications de la réalisatrice. Cet aspect performatif met en avant l?intérêt du procédé, lequel est également mis en question lors du visionnage.

Mieke Bal, critique culturel et théoricienne, occupe le poste de Professeur de Sciences à la Royal Dutch Academy (KNAW). Elle est également Professeur de Théorie Littéraire et directrice de la Amsterdam School for Cultural Analysis, Theory and Interpretation (ASCA) à l?Université d?Amsterdam. Ses domaines de prédilection sont les théories littéraires, la sémiotique, l?art visuel, les théories post-coloniales, les théories féministes, la langue française, la Bible hébraïque, le 17ème siècle et la culture contemporaine. C?est également une artiste vidéo. Elle a publié de nombreux livres : A Mieke Bal Reader, Chicago: University of Chicago Press, 2006,Travelling Concepts in the Humanities: A Rough Guide, Toronto: University of Toronto Press 2002; Louise Bourgeois? Spider: The Architecture of Art-writing. Chicago: University of Chicago Press 2001; Quoting Caravaggio: Contemporary Art, Preposterous History, Chicago: University of Chicago Press 1999; Reading "Rembrandt": Beyond the Word-Image Opposition, New York and Cambridge: Cambridge University Press 1991. Un Mieke Bal Reader vient de paraîtreaux éditions Chicago University Press. Son installation vidéo Nothing is Missing est actuellement présentée à travers le monde.

Ihab (31 ans), un universitaire palestinien vivant à Amsterdam, se prépare à un voyage pour rendre visite à sa famille à Gaza, pour la première fois depuis quatre ans, et pour faire des recherches sur le terrain. Gary (28 ans), un artiste irlandais vivant également à Amsterdam, compte accompagner Ihab et filmer la réunion de celui-ci avec sa famille, les interviews avec les informateurs, et l'évolution du projet d'Ihab : étudier le souvenir culturel en Palestine d'Al Nakba, la catastrophe de 1948. Alors qu'ils se préparent pour le voyage, Ihab et Gary se rapprochent. Mais, une fois arrivés à l'aéroport du Caire, l'arrestation et l'expulsion d'Ihab les séparent. Dès lors, le film alterne des panoramas des voyages des deux hommes. Tandis qu'Ihab mène ses recherches avec détermination et engagement, Gary est dépassé par sa première rencontre avec la culture arabe. Il tourne en rond, n'ayant rien d'autre à faire qu'attendre de pouvoir rentrer à Amsterdam. Ihab, au contraire, travaille frénétiquement, mais ne peut partir à la date prévue, Israël ayant fermé les frontières. Ce film utilise les métaphores du voyage et des rencontres manquées comme réflexion méditative sur les rencontres interculturelles entre Arabes et habitants de l'Ouest désireux, mais pas toujours capables, de se comprendre.

Mieke Bal, critique culturel et théoricienne, occupe le poste de Professeur de Sciences à la Royal Dutch Academy (KNAW). Elle est également Professeur de Théorie Littéraire, et directrice fondatrice de l'Amsterdam School for Cultural Analysis, Theory and Interpretation (ASCA) à l'Université d'Amsterdam. Parmi ses centres d'intérêt, on peut citer : la théorie littéraire, la sémiotique, l'art visuel, les études culturelles, la théorie post coloniale, la théorie féministe, le français, la Bible hébraïque, le XVIIe siècle et la culture contemporaine. Elle est aussi artiste vidéo. Parmi ses nombreux livres on trouve : Travelling Concepts in the Humanities: A Rough Guide, Toronto: University of Toronto Press 2002; Louise Bourgeois? Spider: The Architecture of Art-writing. Chicago: University of Chicago Press 2001; Quoting Caravaggio: Contemporary Art, Preposterous History, Chicago: University of Chicago Press 1999; Reading "Rembrandt": Beyond the Word-Image Opposition, New York and Cambridge: Cambridge University Press 1991. La parution d'un recueil est prévue par la Chicago University Press.

Inauguré fin 2004 à Bucarest en Roumanie, le MNAC (Musée National d`Art Contemporain) occupe les 16000m² de l?aile E4 de l?immense Palais du Parlement, deuxième bâtiment le plus grand du monde après le Pentagone. Connu aussi sous les sobriquets de "palais du peuple" ou de "palais de Ceausescu", le Palais du Parlement est une véritable projection pornographique du pouvoir, une érection mégalomaniaque. Lieu marqué par une histoire totalitaire, le Palais, après avoir accueilli le Parlement roumain et un centre international de conférences, accueil aujourd?hui un espace dédié à la dynamique des idées et au dialogue artistique. Le MNAC est un projet ambitieux. Un projet pris au piège de la situation roumaine, instable et toujours proche de la régression. Un musée d?art contemporain gigantesque, le plus grand de l?Europe de l?Est, avant-gardiste et novateur qui doit réussir à faire le lien entre une population "provinciale", qui reste à éduquer, et sa programmation ambitieuse. Le MNAC est le fruit de l?opiniâtreté de quelques personnalités roumaines d?envergures, Mihai Oroveanu, Directeur Général du musée qui a porté pendant plus de dix ans le projet, et Ruxandra Balaci, sa Directrice Artistique et Scientifique. Aujourd?hui, le conseil d?administration du musée est peuplé d?une véritable dream team internationale, où siège Ami Barak (conservateur et Président de l?International Association of Curators of Contemporary Art), René Block (Directeur de la Kunsthalle Fridericianum de Kassel), Nicolas Bourriaud (Co-Directeur du Palais de Tokyo à Paris), Heiner Holtappels (Directeur du Netherlands Media Art Institute ? Montevideo/TBA à Amsterdam), Anders Kreuger (Conservateur indépendant et ex- directeur du Nordic Institute for Contemporary Art de Stockholm), Enrico Lunghi (Directeur du Casino Luxembourg, Forum d`Art Contemporain à Luxembourg) et Catherine Millet (Directrice d`Artpress). Le MNAC se voit comme un espace vivant, malléable et polémique, un espace animé par un réseau d?intellectuels dans lequel l?Est et l?Ouest sont des partenaires, un laboratoire ouvert à la recherche dans le domaine du visuel.

Critique et commissaire d?expo, Ruxandra Balaci a dirigé la Galerie Gad à Bucarest, en Roumanie. Aujourd?hui, elle est co-rédactrice de la revue Artelier et la directrice adjointe, ainsi que la directrice scientifique et artistique, du Musée National d?Art Contemporain(MNAC) de Bucarest.

Un homme vit reclus depuis trente ans dans une forêt en France. Il creuse en solitaire de profondes galeries souterraines qu?il orne de gravures archaïques. Elles doivent résister à la catastrophe planétaire annoncée et éclairer, par leurs messages clairvoyants, les futurs habitants. Le film raconte cette expérience en marge de la société moderne, affectée par la misère humaine et la perte définitive d?un monde parfait.

Antoine Boutet est basé à Montreuil, France. Artiste et réalisateur, ses films récents incluent les documentaires ZONE OF INITIAL DILUTION (2006) et CONSERVATION-CONVERSATION (2005) ainsi que les vidéo expérimentales UTOPIA (2005) et PLUS OU MOINS (2003). Il développe actuellement un projet de long-métrage documentaire intitulé VOIES DE TRAVERSE qui se tournera en Chine en 2010. Ses récentes vidéo-installations et oeuvres dans l`espace public ont été présentées à la Pratt Manhattan Gallery/ New York, Biennale de Selest`Art, Galerie des Filles-du-Calvaire/ Paris, Kunstraum Walcheturm/ Zürich, Lianzhou International Photo Festival/Chine, Ateliers des Arques, Musée d`Art Contemporain les Abattoirs/ Toulouse, Festival Estudio Abierto/ Buenos Aires. Il participera en 2009 à la manifestation Le Printemps de Septembre à Toulouse avec le film LE PLEIN PAYS.