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"Verdun" est une vidéo composée de fragments d'images de la Première Guerre Mondiale. Le silence des paysages déserts est dérangeant. C'est comme un récit du vide après la destruction et de ce qui subsiste des personnes absentes. Cela traite de la sensation de perdre toute visibilité et d'en redécouvrir une dans la perte et dans ce qui repose dans cette perte.

Daniel Barroca est né à Lisbonne en 1976. Il a étudié les Arts Visuels à l'Ecole d'Art et Design de Caldas da Rainha, au Portugal, de 1996 à 2001 et à Ar.Co en 2002. Il a remporté le Prix de Jeune Création en Arts Visuels 2003-2004 de l'Union Latine. Au cours du dernier trimestre 2004, il a vécu et travaillé à l'Académie Espagnole à Rome. Ces dernières années, il a participé à plusieurs expositions et festivals vidéo au Portugal, en Italie, France et Norvège.

?A Miracle? est un film fait en collaboration avec un groupe de Toronto appelé The Hidden Cameras. C?est une démonstration des techniques ?d?animation en direct? (?live animation?) de Daniel Barrow. La vidéo présente un jeune garçon allongé dans son lit qui fait des ombres chinoises sur les murs de sa chambre grâce à la lumière de la Lune. Alors qu?il fait des expériences avec les formes, il invoque l?esprit d?une énorme créature qui ressemble à un oiseau qui aurait la forme d?une chouette et les plumes d?une autruche. La créature partage un moment bref et romantique avec le garçon avant de l?avaler en entier et ensuite de régurgiter et de tordre les parties indigestes puis de les compresser en une balle en forme de gésier. A la fin, la chouette s?envole par la fenêtre et laisse le garçon debout dans sa chambre, il est nu et il a froid. Le garçon trouve une solution en fabriquant un planeur qui le représente, rejoignant ainsi symboliquement la chouette.

Daniel Barrow est un artiste médiatique installé à Winnipeg qui travaille dans la performance, la vidéo et l?installation. Il a beaucoup exposé au Canada et à l?étranger. Il a récemment exposé au Musée d?art contemporain de Los Angeles, au New Langton Arts à San Francisco et à la Galerie d?art contemporain de Vancouver. Depuis 1993, Barrow utilise un rétroprojecteur pour projeter des idées et des récits courts. Plus précisément, il adapte des récits de comics à une forme d?animation ?manuelle? en projetant, superposant et manipulant des dessins sur des transparents. Barrow donne différents noms à cette pratique : ?performance graphique, illustration en direct ou animation manuelle.?

Daniel Barrow utilise un logiciel Amiga de 1988 (une véritable antiquité du point de vu des normes technologiques actuelles) pour illustrer et animer son manifeste personnel ?à l'honnêteté gratuite?. Daniel Barrow a créé "Artist Statement" pour décrire mais aussi parodier son approche personnelle de la création artistique. Cette vidéo est également représentative des themes, méthodes et préoccupations liés aux technologies obsolètes récurrents dans son oeuvre.

Daniel Barrow vit à Winnipeg, au Canada. Artiste pluridisciplinaire, il réalise des vidéos, des installations et des performances. Au fil des ans, il a exposé au Canada et à l?international. Plus récemment, Daniel Barrow a exposé au Museum of Contemporary Art de Los Angeles (USA), au New Langton Arts à San Francisco (USA) et à la Contemporary Art Gallery de Vancouver (Canada). Depuis 1993, Daniel Barrow utilise un projecteur frontal pour retransmettre des idées et des courtes fictions. Mais, plus spécifiquement, il crée et adapte des comics en une forme "manuelle" d'animation, en projetant et manipulant des dessins sur des feuilles transparentes de Mylar. Daniel Barrow se réfère alternativement à cette technique comme étant une "performance graphique, une illustration live ou une animation manuelle".

A Miracle est un film fait en collaboration avec un groupe de Toronto appelé The Hidden Cameras. C?est une démonstration des techniques ?d?animation en direct? (?live animation?) de Daniel Barrow. La vidéo présente un jeune garçon allongé dans son lit qui fait des ombres chinoises sur les murs de sa chambre grâce à la lumière de la Lune. Alors qu?il fait des expériences avec les formes, il invoque l?esprit d?une énorme créature qui ressemble à un oiseau qui aurait la forme d?une chouette et les plumes d?une autruche. La créature partage un moment bref et romantique avec le garçon avant de l?avaler en entier et ensuite de régurgiter et de tordre les parties indigestes puis de les compresser en une balle en forme de gésier. A la fin, la chouette s?envole par la fenêtre et laisse le garçon debout dans sa chambre, il est nu et il a froid. Le garçon trouve une solution en fabriquant un planeur qui le représente, rejoignant ainsi symboliquement la chouette.

Daniel Barrow est un artiste médiatique installé à Winnipeg qui travaille dans la performance, la vidéo et l?installation. Il a beaucoup exposé au Canada et à l?étranger. Il a récemment exposé au Musée d?art contemporain de Los Angeles, au New Langton Arts à San Francisco et à la Galerie d?art contemporain de Vancouver. Depuis 1993, Barrow utilise un rétroprojecteur pour projeter des idées et des récits courts. Plus précisément, il adapte des récits de comics à une forme d?animation ?manuelle? en projetant, superposant et manipulant des dessins sur des transparents. Barrow donne différents noms à cette pratique : ?performance graphique, illustration en direct ou animation manuelle.?

Surportable II 2007 Ce film d`Edson Barrus se focalise sur trois villes : São Paulo, Paris et Yokohama. Filmé intégralement au moyen d`un portable, il nous balade d`une ville à l`autre au moyen des métros. On passe ainsi d`une vue ensoleillée de São Paulo à la grisaille d`un soir pluvieux à Paris. L`alignement des tombes dans un cimetière shinto évoque la découpe des motifs des mosaïques des trottoirs de l`avenida Paulista, qui eux-mêmes renforcent la production d`une chorégraphie de pixels, brouillant l`image filmée, au profit de leurs mouvements browniens. Le filmé s`abîme dans la matière digitale qui s`en disloque en s`ouvrant à un monde parallèle. La déambulation s`articule autour de la notion de transport : transport de personnes, en voitures, en métro, sur des escalators ou qui prennent l`ascenseur, transport et exposition de marchandises, les « fourmis urbaines » (pour reprendre un terme utilisé par Edson Barrus dans un autre film) qui tirent poussent des cargaisons énormes d`objets hétéroclites, des colporteurs? Mais le transport des images et des voix est inclus dans ce transit généralisé, ; les portables et les caméras deviennent les appendices incontournables de la gestuelle et de la survie en territoire urbain. Aux grouillements des personnes allant ici et là, manifestant, répond un tourbillonnement sonore (conçut par Giuliano Obici) qui associe aux échos, le brouhaha étouffé ou vitupérant qui bien qu`issue des images s`autonomise afin de créer des motifs nous propulsant vers d`autres rivages. Ces motifs sonores sont similaires par leur agencement de ceux de la tapisserie des pixels qui viennent dématérialiser l`image au profit d`un foisonnement de bruits colorés qui peuvent être plus ou moins intempestif. Les fragments de dialogues entendus renforcent cette déréalisation qui est le reflet d`un flux constant (par exemple l`irruption du Français sur de images de Yokohama). Le son est à la fois ce qui fonde et déconstruit les séquences. On repère différents leitmotivs, sons d`accord orchestral qui vient bousculer la trépidation de la ville, auquel renvoie les plaques de métal recouvrant les trous des rues de São Paulo. Il n`y a pas à proprement parler de trame, si ce n`est celle de la capture de moments et de comportements dans ces villes traversées par le cinéaste. yann beauvais

Edson Barrus est né en 1961 au Brésil et vit à Sao Paulo et à Paris. Il développe actuellement le projet « Mulato?s Dog » avec UTBM. L??uvre de l?artiste a été récompensée par le CNPQ du Brésil. Activiste culturel, il a créé l?espace alternatif Rés do Chão à Rio de Janeiro de 2002 à 2005, un espace destiné à l'étude, la réalisation d?évènements artistiques ainsi qu?à la réflexion sur les pratiques artistiques contemporaines. Il dirige la revue « Nós Contemporáneos » et a participé à de nombreux festivals de films internationaux en Europe et sur le continent américain.

Missing Green (2013) is a poetic journey through Cork Street, Dublin, Ireland. Two parallel stories inter mesh to create one underlying narrative.

Anne Maree Barry is a film artist based in Dublin. Barry?s experimental short films have screened internationally and her work has also been installed in a gallery context at The LAB, Dublin and the Tampere Art Museum, Finland. Missing Green, her most recent short film, was selected for the Stranger Than Fiction Documentary Festival and Indie Cork.An in-depth interview concerning her research methodologies and practice featured in Film Ireland last year.

Le gouvernement républicain d?Oliver Cromwell en Grande-Bretagne fut une époque d?austérité sociale durant laquelle parier et boire étaient des crimes condamnables. Après la mort de Cromwell, la Grande-Bretagne est redevenue une monarchie. En 1660, Charles II reprit le trône, les lois d?interdiction furent annulées et la tradition du ?Grand National? devint bien établie en tant qu?activité sociale et culturelle associée au roi qui était connu pour sa passion pour les chevaux. Le ?Grand National? ? un des plus grands hippodromes de Grande-Bretagne ? est un endroit où l?héritage culturel, l?histoire et la société britannique contemporaine se rencontrent. Depuis l?époque du règne de Charles II, il abrite le point d?orgue de la saison sociale. C?est un événement éclatant qui attire des milliers de personnes chaque année, y compris des membres de la famille royale. Bartana arrive à cet événement social afin de se concentrer sur le public. Dans ses travaux précédents, Bartana se concentrait sur les rituels, les commémorations et les faveurs accordées lors des cérémonies sociales qui font partie de la société israélienne. En faisant cela, elle a décrit des événements qui impliquaient des problèmes d?identité régionale, locale, publique et personnelle. Le but premier d?un rituel civil est de consolider une identité collective régionale distincte et d?intensifier le sentiment d?appartenance de l?individu. Avec le temps, seul le geste perdure dans sa version moderne mais il est occasionnellement vide de sens. Le sens premier de la cérémonie se perd petit à petit, et ce qu?il reste est un symbole et un simple rappel de ce qu?il y avait avant. Au ?Grand National?, déléguée par the Liverpool Biennial, Bartana mène un enquête sur les rituels de socialisation qui ont lieu autour de l?hippodrome et examine la tension créée entre l?endroit, la culture du passé et la société moderne. Bartana choisit entre autres de se concentrer sur un événement qui est considéré par beaucoup comme le temps fort de l?événement ? ?Laydies Day? - un défilé de mode et de talons aiguilles ostentatoire, une exhibition extravertie de couleur et de féminité stéréotypée.

Yael Bartana est née en 1970 à Kfar-Yehezkel en Israël. Elle a obtenu un BFA (Bachelor of Fine Art) à l?Académie d?Art et de Design de Bezalel à Jérusalem, un MFA (Master of Fine Art) à l?Ecole d?Art Visuel de New York et a participé au programme de résidence d?artistes à la Rijksakademie de 2000 à 2001. Elle a fait des expositions personnelles dans plusieurs pays comme par exemple l?Allemagne, Israël, l?Australie et le Japon et elle a gagné différents prix comme le Anselm Kiefer Prize en 2003 et le Dorothea von Stetten-Kunstpreis en 2005. son travail se concentre principalement sur la relation entre rituel et identité dans la société israélienne et étudie les pratiques qui forment l?identité, et plus particulièrement dans leur relation avec les notions traditionnelle et contemporaine de genre, de lieu et d?ethnicité. Dans la plupart de ses ?uvres, Bartana utilise des images documentaires tournées dans des endroits public ou semi-public lors d?événements collectifs qui contribuent à la formation de l?identité, comme par exemple les exercices de tir des femmes apprentis soldats ou les festivités du carnaval organisé pour la fête juive de Purim. Actuellement, Bartana vit et travaille à Amsterdam.

Hercules travels by bike from Krefeld in the Lower Rhine region to Mount Olympus, the throne of ancient deities. In the process, the legend of Hercules, as a primal myth of masculine power, is interrogated by means of biographical reflections and stagings of mythological echoes. The dramatic structure of this hero’s journey breaks up, in multi-material perspective, into issues of male identity, ideals and remorse.

Nils Ramme and Felix Bartke have been studying at the Academy of Media Arts Cologne since 2017. Since 2020 they share an artistic practice, which so far has resulted in the short films "Cruiser" (2022) and "Hercules" (2023). "Cruiser" has been shown internationally ( Internationale Kurzfilmtage Oberhausen; Clermont-Ferrand; St. Louis International Film Festival, Missouri, Landshuter Kurzfilmtage, FECI Bogota) and was awarded the "Queer- and Genderprice 2022" by the "blicke Filmfestival" (Bochum, Germany).

Istanbul se dresse, célèbre, comme le pont entre l?Afrique, l?Europe et l?Asie, et c?est sur ce pont que trois histoires de familles d?immigrants se croisent. Loin de la glorieuse architecture Ottomane et de la vie nocturne de Bosphore, In Transit montre la dure vie des personnes de passage coincé à Istanbul entre leur passé indigent et leur futur imaginé et élusif. On est sur les traces d?une famille iraquienne arabe, une faille iraquienne Kurde et un couple nigérien pendant une année entière, témoins de leur combat pour s?adapter à vivre dans la ville marginale et inoubliable en attendant leurs visas et permis de travail qui semblent ne jamais venir.

Berke Bas a étudié les Sciences Politiques et les Relations Internationales ainsi que les Médias à Istanbul et New York respectivement. Elle a travaillé comme producteur, directeur et monteur sur divers projets médias. En 1998, elle a cofondé des projets internes spécialisées dans la production de documentaires. Parmi ses travaux se trouve Crossing Brooklyn, un documentaire d?une heure sur trois adolescents vivant dans des lieux différents de Brooklyn. Elle habite maintenant a Istanbul ou elle est chargée de cours à temps partiel au Film and Cultural Studies Graduate Program de la Istanbul Bilgi University. In Transit est son premier documentaire en long métrage en tant que directrice.

Une correspondance entre deux amant.es de deux villes méditerranéennes, une lettre interdite donnée à la mer pour qu'elle la porte. Le titre signifie phone echo, les échos de la voix.

Anouch Basbous est née à Marseille en 1999 et a grandi principalement à Berlin où elle a développé un intérêt pour la narration visuelle par la photographie. En 2018 elle va pour la première fois au Liban et c’est une rencontre qui la marque profondément, elle rentre en France avec un désir de faire des films. En 2022 est elle diplômée du DNA aux Beaux-arts de Marseille où elle réalise son premier film [ Hatef Sada ] ???? ???, dans lequel elle explore l'utilisation du hors-champ dans la narration d'une histoire d'amour queer au Liban, en collaboration avec Thery Alam, musicienne et artiste sonore libanaise. Anouch poursuit actuellement son master et travaille à l'élaboration d'un prochain film qui se déroule au Liban.

? ticking clock. A view out of a window: the beat of spring thaw - melting ice dripping through the holes of a drain pipe, droplets falling on a child’s hand and a withered grapevine. All these random, unrelated, insignificant things, sounds, and movements begin to live one common life, communicating with each other and Time.

Mikhail Basov (b. 1977, Taganrog, Russia) - filmmaker, video artist. His works has been exhibited internationally in festivals & gallery exhibitions such as Experimental Film Festival Portland, Video Art Biennial in Barcelona VIDEOAKT, Oslo Screen Festival, WRO media art biennale, Kasseler Dokfest, Japan Media Arts Festival, Jihlava International Documentary Film Festival, Festival Miden, DOKer Shorts, Kinodot, International Film Festival "Message to Man", Ryuichi Sakamoto Async International short film competition (Apichatpong Weerasethakul award), Rencontres Internationales Paris / Berlin, 32nd São Paulo international short film festival, Moscow International Experimental Film Festival & other.

En banlieue de Pékin, une communauté de Mongols s’occupe des chevaux de course d’un millionnaire chinois. Entre tâches répétitives et discussions nostalgiques, le temps semble figé. Pendant ce temps, le fantôme d’un cavalier Mongol d’une autre époque tente de retrouver les traces de sa Mongolie natale. De retour au haras, la vie de tous les jours semble de plus en plus vaine et absurde pour les travailleurs Mongols. Alors que leur patron Chinois attend avec impatience que le gouvernement chinois finisse par autoriser les paris sur les courses de chevaux, ils ne peuvent s’empêcher de fantasmer un retour dans leur région natale.

Originaire de Corrèze, Rémi s’installe à Paris pour étudier à Sciences Po. C’est à ce moment que le 7ème art entre dans sa vie. Il s’occupe du cinéclub de Sciences Po, créé un festival de court-métrage (Semaine du Cinéma de Sciences-Po) et monte un blog d’analyse de films. Il travaille ensuite pendant quelques mois aux côtés de Paulo Branco chez Alfama Films puis intègre le département réalisation de la Fémis en 2012. Dans une démarche d’expérimentation et d’essai, Rémi y réalise plusieurs courts-métrages de fiction et documentaire. En 2017, son documentaire de fin d’études est sélectionné aux Visions du Réel de Nyon en compétition internationale. Depuis la sortie de la Fémis, il travaille sur l’écriture de son premier long-métrage “ Merzouga “ (coproduit par Capricci et Fase Films) ainsi que sur deux nouveaux court-métrages.

Its an ethnographic film exploring the legend of a Mahadeo Koli Goddess Kalsu whose story and identity remains impregnated in the consciousness of the women of the tribe even today. The film tells the story of the Goddess while drawing visual contrasts between primordial and contemporary images.

Yudhajit Basu joined Film & Television Institute of India, Pune in the Direction Department in 2017 after graduating in Mass Communication and Videography from St. Xaviers College, Kolkata, India. He has made short films & documentaries centering around the themes of climate change and the dichotomy between the modern and the primordial. He is also the editor of a little magazine on poetry in Bengali called “Shabdo (Sound)” and has also published books on poetry. He has been invited to participate in Opening Scenes Lab at 52nd edition of Visions du Réel, Switzerland, which is a special programme for the 16 filmmakers selected globally where his latest short film ‘Kalsubai’ had its World Premiere. Over the years Yudhajit has produced and directed short films, Khoji, Quiro, and Gulnara. These films have been screened at various National & International Film Festivals including Ismailia International Film Festival, Egypt; Toronto South Asian Film Festival, Canada; Bucharest Film Festival Romania; IDSFFK, Kerala, India; ISFF, Melbourne, International Changing Perspective SFF, Istanbul, Turkey amongst many others. His latest Short Film KALSUBAI which is a short 20 minute ethnographic film about the legend of a Koli goddess, had its World Premiere in Visions du Réel International Short Film Festival of Nyon in Switzerland. The film explores the Koli legend of the tribal deity ‘Kalsu’ whose story remains impregnated in the consciousness of the women of the tribe even today. The film won the best film award (Grand Online Prize of the City of Oberhausen) and also bagged a Special Mention from the Ecumenical Jury of Oberhausen. Kalsubai had its UK Premiere in the Sheffield Docs Film festival, Austrian Premiere at Vienna Shorts and its Dutch Premiere at International Documentary Film Festival of Amsterdam (IDFA) 2021 and many more. Yudhajit's recent docu-fiction project “What We Lost in the Fire” has been selected in the Co-Production Market at National Film Development Corporation, 2020

Localisé à Nanterre dans l’appartement d’une famille originaire de la migration Portugaise de 1960, des proches se heurtent à une logique identitaire et l’épreuve de leurs désirs. S’additionnent une narration interpersonnelle et générationnelle entrelacées à un extérieur de la scène. Leurs visions se succèdent, l’aliénation, des fragments croisés et ceux hors champs d’une politique de l’intégration et de nouveaux points de décision. 

Angelin est artiste franco- portugais·e, cinéaste, photographe et performeur résidant en France. Iel collabore avec la plateforme de cinéma expérimental Kinet.media (US) et co-dirige le label de musique expérimentale Hisolat sous le pseudonyme Abhr.

Fruit d’une collaboration entre la compagnie de danse contemporaine sénégalaise Diagn’art et les artistes belge et suisse Kita Bauchet et Stéphanie Pfister, « Les gestes de Saint-Louis » présente une esquisse subjective de la ville et du quotidien qui la rythme. Une infiltration chorégraphique de Saint-Louis à 2 danseurs et 2 caméras sur la musique de Siegfried Canto, qui met en lumière les énergies qui la font vibrer et célèbre la force créative de sa jeunesse.

Diplômée de l’INSAS, Kita Bauchet est une cinéaste belge. Après plusieurs courts métrages de fiction, elle réalise en 2009 La Fabrique de Panique, un long-métrage documentaire sur le film d’animation «Panique au village» de Vincent Patar et Stéphane Aubier, suivra en 2016 Une vie contre l’oubli sur l’œuvre du réalisateur André Dartevelle. En 2018, elle réalise Bains Publics, qui pousse les portes des « Bains du Centre » au cœur des Marolles, un quartier populaire de Bruxelles. Le film reçoit le prix France Télévisions du meilleur documentaire au Festival International de Films de Femmes à Créteil ainsi qu’au festival Brussels in Love, le Prix Birgit Wallborn de Docs en Goguette et une mention spéciale du jury au festival «Signes de vie à Clermont-Ferrand. En 2022, débute le parcours de « Les Gestes de Saint-Louis » mené en collaboration avec la compagnie de danse contemporaine Diagn’art, l’artiste suisse Stéphanie Pfister sur des musiques de Siegfried Canto.

Dans une librairie de Kyoto, une employée reçoit un arrivage de livres. Elle les feuillette et gratte la surface de certaines images à la lame, dans une extrapolation de l?usage japonais du bokashi, une autocensure de l?obscène définie par cette ambiguïté juridique : « ce qui excite ou stimule inutilement le désir ». Dans une poétique de l?absurde, le film étend le geste du bokashi au-delà de la notion de désir, un rituel qui devient une méditation sur ce que dit une image, ce que peut une image.

Eric Baudelaire, né à Salt Lake City en 1973, vit à Paris. À travers la vidéo, la photographie, l`estampe ou l`installation, Eric Baudelaire s`intéresse à la relation entre image et événement, document et narration. Dans une démarche rappelant la factographie, il fait appel à des mises en scènes complexes qui tendent vers le réel, et placent le spectateur dans une situation de questionnement des modes de production, de construction et de consommation des images et des récits. Il a exposé à Elizabeth Dee Gallery, New York, à la Galeria Juana de Aizpuru, Madrid, au Musée de la Photographie de Charleroi et à la Galerie Greta Meert, Bruxelles. Son travail est présent dans les collections du Centre Pompidou, du Fond National d`Art Contemporain et du FRAC Auvergne.

Chaque famille a son secret. Celui de ces trois familles a été enterré avant la chute du mur de Berlin. Pourtant, il est toujours là, au beau milieu de leur présent. Anne, Utz, Matthias et Tine avaient le même âge que leurs propres enfants aujourd?hui lorsqu?ils furent condamnés à de fortes peines de prison en RDA. Ils craignent toujours de leur en parler. Leur désir d?échange se heurte à des blessures dont personne n?ose rouvrir les cicatrices.

Marc Bauder was born December 21, 1974, in Stuttgart, grew up in the area of Lake Constance, and is currently living in Berlin. His studies include: 1996-2001, Business Administration in Cologne, St. Gallen, and New York; and 2001-2004, Film School Potsdam-Babelsberg. Professional Experience: 1997, ZDF, Hauptredaktion Reihen u. Serien; Fritz Wagner Filmproduktion, Production Assistant; 1999, HMR International, Cologne: Media Consulting; Founding of bauderfilm. Select filmography includes: 2000, "No lost time" Documentary; bauderfilm/ WDR, Script, Director, Producer; Dokfilmwerkstatt Poel; International Documentary Film Festival Leipzig; 2003, "grow or go ? the architects of the global village" Documentary; bauderfilm/ZDF "Das kleine Fernsehspiel", Script, Director, Producer, International Documentary Film Festival Leipzig; 2004, Istanbul International Film Festival; Crossing Europe Film Festival, Linz; International Film Festival AFO; 2006, "Das kleine Fernsehspiel", Script, Director, Producer, Berlinale Panorama; and "the communist" Documentary. Dörte Franke was born November 11, 1974 in Leipzig, former GDR, and moved to Cologne in 1981. He has been living in Berlin since 2001. His studies and work include: 1994-2001, University of Cologne, M.A. political science; 2001-2005, Film School Potsdam-Babelsberg Publications; 2001, "die einen wetten, die anderen warten", novel; 2002 "denkmalimkopf", novel; Lecturer for Manga-Translations, i.e. Perfect Girl, Tokyopop Select filmography and exhibitions: 2000, "No lost time", documentary; 2003, "Westpaket", short film; San Francisco; "grow or go ? the architects of the global village" documentary; 2004, "Spurensucher - Images of Otto Weidt", documentary; 2006; "last to know", documentary; 2006, "the communist", documentary; "Stumbling Block" documentary.

Harnes est à l?origine une commande du FRAC NPDC, dans le cadre de l?exposition Ombres aux paradis; s`intégrant dans des lieux de mémoire du Nord-Pas de Calais, de la Flandre et des côtes anglaises, fortement marqués par la première et la seconde guerre mondiale. En invitant le public à revisiter ces endroits singuliers, elle lui offre l?occasion de se poser des questions sur l?histoire de l?humanité. En 2007, Régis Baudy rencontre les membres des Amis du vieil Harnes, association dédiée à la mémoire de ces deux conflits mondiaux. Tous originaires d?Harnes, ces anciens résistants ou témoins de l?époque vont devenir au fil des mois le moteur d?une ?uvre, plus expérimentale que formelle. Cette série d?actions de résistance en pays minier durant l?occupation nazie, représentées par des corps vieux et lents, réinvente la représentation de la terreur et du danger des situations passées et dresse un portrait atypique et troublant de cette génération.

Régis Baudy débute ses études d?arts plastiques à l?Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Perpignan. Trois ans plus tard, il intègre l?Académie Royale des Beaux-Arts de Copenhague. Rattaché au département des nouveaux médias, il y développera durant deux années son écriture vidéographique. Régis Baudy convie depuis ses débuts des groupes de gens singuliers à explorer délibérément le langage de la vidéo expérimentale à travers une problématique qui les concerne. De cette collaboration avec ces acteurs non professionnels en ressortent des atmosphères troublantes où chaque personne, intégrée à son vécu, se retrouve associée à un personnage ? expression d?une fiction. Que ce soit Le terrain en 2005 ou plus récemment Harnes, commande du FRAC NPDC, les réalisations vidéos de Régis Baudy inscrivent la thématique du portrait dans une réelle dimension alternative. En 2008, Régis Baudy obtient un atelier-résidence de trois mois à Montréal au sein du centre d?arts visuels, la Fonderie Darling. Il participera prochainement à l?exposition Beautiful People (et la blessure secrète) à la City Gallery de Prague.

30 ans après la fin de la grande Révolution Culturelle prolétarienne, on a demandé à des Chinois aussi bien à Munich, en Allemagne, qu'à Changsha, en Chine, de poser comme à l'époque avec la bible maoïste. Il s'agissait d'amis, d'étudiants, d'artistes et de passants (Chine). Ils étaient libres de choisir une bible maoïste parmi 40 dans lesquelles la photo officielle avait été remplacée par une image de Mao faite par un artiste occidental. Les artistes étaient entre autres Andy Warhol, Gerhard Richter, KP Brehmer, Jörg Immendorff ...

né en 1954 à Munich, Allemagne 1973-1980 études de philosophie et de théologie catholique 1978-1993 Collaboration à la scène de théâtre Avantgarde à Munich 1980-1982 Formation de rédacteur 1981.-1982 Coéditeur de la revue FLIEGENPILZ depuis 1987 vidéos et performances depuis 2000 mail art

Cairo. We look at newspapers, which show occasions of the revolution in 2011. The film fragments encounters with Sama Waly, Reda El Sayed, Sarah Rifky and Islam Azzazzi in the summer of 2014. The film is produced with the help of Analogue Zones # 3, a collaborative project between Cimatheque Cairo, LabA and LaborBerlin.

Clara Bausch (1982) lives and works in Berlin. She is an artist and filmmaker. In 2009 she graduated at University of the Arts Berlin, UdK, her studies of fine arts, with professor Lothar Baumgarten. In her artistic practice she is dealing with situations, perception of information, constructed realities, light and time. She works in the fields of film, photography, drawing and installation. Clara Bausch is member of the association LaborBerlin e.V. since 2006. She has organized and conducted projects, workshops and screenings in several european cities. Bausch`s works and films have been presented in exhibitions, screenings and festivals. Grants 2013 Kurzfilmförderung , BKM; 2013 Residenz, Levitation, Centrum, Berlin; 2012 A-I-R Residency, CCA, Zamek Ujazdowski, Warschau; 2010 Residenz, Schule 21 e.V., Bremen; 2006 ERASMUS-Programm, London