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A l?occasion de ce travail, "Protection Civile", les deux artistes sont allés explorer les abris antiatomiques suisses. Le pays regorge d?abris souterrains et chaque individu y a une place. Qu?ils soient individuels ou collectifs, allant de la cave particulière aux immenses abris médicalisés, ils répondent tous à une organisation stricte et efficace. Le film interroge alors une éventuelle présence sous terre, les limites de la cohabitation, la promiscuité et les inévitables problèmes d?organisation que soulève un tel plan de protection. Sous forme panoptique et systématique, apparaissent tour à tour des dortoirs, cuisines, blocs opératoires, sanitaires et matériel d?urgence. Cependant, dans certains de ces espaces, s?opèrent des mutations, des changements d?affectation ou d?utilisation. Ainsi, certains abris peuvent servir de lieux de stockage hétéroclites qui peuvent parfois prendre un aspect incongru... Les artistes témoignent à travers ce film du patrimoine architectural singulier et unique de la Suisse. Protection civile apparaît comme la suite logique du premier film coréalisé par les deux artistes, Plan iode. En explorant les arrières boutiques de pharmacies, les artistes examinaient le système prévu pour la distribution de l?iodure de potassium, médicament vital en cas d?attaque nucléaire.

Alain Declercq est un artiste français, né à Moulin en 1969, Moulin. Il vit et travaille à Paris, son travail est exposé depuis 1996. Il est représenté en France par la Galerie Hervé Loevenbruck à Paris, et en Belgique par Élaine Levy Project Gallery (Bruxelles).
Jeanne Susplugas est une artiste française, née à Montpellier en 1974. Elle vit et travaille à Paris. Elle est représentée à Paris par la JamoisArtPartners Gallery, à Bruxelles par la Charles de Jonghe Gallery, à Copenhague par la Poulsen Gallery et à Tokyo par la Mizuma Art Gallery.

En Suisse, plus de trois-mille bunkers ont été construits entre 1882 et 1995. En 1914, l?aviation entre pour la première fois dans l?histoire d?un conflit armé et engendre des changements de stratégies : il devient nécessaire de se cacher, c?est la naissance du camouflage. Les ouvrages militaires suisses ont été camouflés par d?étonnantes décorations, si bien intégrés au paysage que personne ne les remarque: du sapin métallique de Fort Pré-Giroud (Vallorbe) au porte rocher de Gütsch (Uri). Cette singulière architecture témoigne de la neutralité Suisse et questionne la relation entre architecture et paysage. Aujourd?hui, la plupart de ces fortins sont désaffectés et posent la question du devenir de cet important patrimoine.

De la vidéo à la photographie, de l?installation au dessin, Jeanne Susplugas évolue dans un univers aussi séduisant qu?inquiétant avec comme préoccupations principales nos addictions. Elle crée des espaces pénétrables, des « maisons » qui questionnent le spectateur sur des comportement sociaux et intimes. Susplugas est représentée par la galerie Valérie Bach (Bruxelles), Mizuma Art Gallery (Tokyo) et Rewind (New York). Alain Declercq explore les différentes structures du pouvoir et les oppressions qu`elles engendrent - schizophrénie sécuritaire, surveillance, manipulations médiatiques. Sa technique de l`inversion transforme Declercq en chasseur d`indices, provocateur de dysfonctionnements, renverseur de situations ou empêcheur de tourner en rond. Declercq est représenté par les galeries Elaine Lévy (Bruxelles) et Loevenbruck (Paris).

Silhouettes and songs are hand-scrawled besides lists of birds and other animals. Feathers are carefully placed besides photographs of remote destinations. This was a life of observation documented in little notebooks, but the man who made them is no longer here. Now these fragments serve as a guide in search of a waning fascination for the environment. I revisit these traces and explore what is left behind.

Leon Decock was born in 1999 in Ghent, Belgium. He has a background in documentary filmmaking and holds a MA in audiovisual arts from RITCS, Brussels and as of 2022 studies media art at KASK, Ghent.

Moonscape est un panorama continuel en boucle, fait en recousant digitalement les fonds peints de nombreux films de science-fiction des années 50. Ces films se projetaient vers le futur - cependant créaient leurs effets futuristes en revenant aux racines cinématographiques. Ils étaient filmés en cinémascope, à l'époque technologie de pointe, pourtant leurs formats et l'usage de paysages peints à la main remontent aux panoramas du 19eme siècle. "Moonscape", en mélangeant la peinture, le celluloïd et les pixels, continue cet esprit de simultanément regarder vers le passé et le futur. Dans les années cinquante, ces paysages devaient être imaginés, et pourtant ils contenaient des détails scientifiques d'une société à la limite du voyage spatial. Les fonds peints à la main mélangés avec de l'imagerie faite à l'objectif, de la fantaisie mélangée avec des faits scientifiques, quand les peintures imaginées deviennent infusées d'un effet de réalité. De voir ces paysages maintenant, après que l'aire de l'exploration lunaire semble être venue et révolue, l'optimisme de pionnier (démontré par l'usage de Technicolor et de Panavision) ouvre le chemin à un point de vue plus désolé et sans directions. Ce panorama montre un monde suspendu et distant, comme enfermé hors de notre monde et du temps. Des cosmonautes distants et fantasmagoriques semblent isolés et sans but, tombés dans l'oubli d'un paysage futur imaginé de celluloïd et de peinture qui est devenu réalité et qui seulement maintenant nous revient en mémoire.

Jason Dee is a graduate from Glasgow School of Art`s MFA programme. He continues to live in the city, working on his art practice while occasionally teaching New Media skills and lecturing at the Art School. His work has been exhibited and screened at venues throughout Europe and the USA.

Un couple sur une barque est pris dans une boucle sans fin. Ils semblent prisonniers par le mécanisme du film lui-même. Dans cette répétition transforme l'homme en automate, et donne à la femme une allure fantômatique. Les acteurs, ou plutôt leurs images sont prises dans un été d'entre-deux, entre passé et présent, mouvement et suspen, vie et mort.

Jason Dee studied photography at Northumbria University and completed a Masters in Fine Art at Glasgow School of Art. His current art practice investigates connections between modern media from the mid 19th century to the present day. He uses digital software to alter film scenes originally shot on celluloid, assessing how new media has reconfigured and re-contextualised the way we perceive 20th century cinema. His work has been exhibited in Europe and the United States. Dee is currently undertaking a year long new-media residency at the University of Abertay funded by the Scottish Arts Council. He lives in Dundee, Scotland.

Après l?échec d?un avenir radieux annoncé par le communisme, nos amis les clones, chantres du capitalisme, décident la mise en faillite délibérée d?entreprises. EXTRAIT D?UN ENSEMBLE DE FILMS REGROUPÉS SOUS LE TITRE : « In The World Of Opulence » Les films se jouent des sujets épineux et calamiteux de nos sociétés contemporaines. Les thèmes récurrents qui ont influencé OBSESSION 27 (l?isolement social, l?exclusion, la jet set, la perversité, certains fléaux planétaires?) sont illustrés avec légèreté ou tragique, humour ou ironie, parfois sous forme purement documentaire et généralement engagée. Tout à la fois ludiques et humoristiques, les vidéos participent autant de la critique sociale que du divertissement. Toute lourdeur de production écartée,a favorisé une grande souplesse de réalisation et les moyens réduits furent propices à la spontanéité : Matériel minimum (caméra DV), logiciel de montage de base, séances improvisées et intervenants évidemment non professionnels

Olivier Degorce & Christophe Griseau sont nés à Niort, France. Ils vivent et travaillent à Paris et près de l`Atlantique. Au gré de ses collaborations, on retrouve Olivier DEGORCE sous différents pseudos : M&M?S, OBSESSION 27, NOWHERE, ou encore WHAT?S FOR DINNER. Sa production polymorphe associe la vidéo, la musique électronique, la photographie, et l?écriture. Il revendique une approche ludique, touche-à-tout, iconoclaste et un certain militantisme. Les thématiques récurrentes qui traversent sa pratique et constituent des sources d?inspiration sont aussi variées que les médias qu`il utilise : l?environnement, la question de la célébrité, les sociétés d?opulence, les fléaux planétaires, etc? Ses installations photographiques ont été exposées à Paris [ American Center, Passage de Retz, Centre Georges Pompidou...], à l`étranger [Nikolai Comtemporary Art Center de Copenhague, Traders Pop Gallery à Maastricht, Speak For Gallery à Tokyo] et dans plusieurs galeries de province [Confort Moderne de Poitiers, C.A.P.C de Bordeaux , Le rectangle à Lyon...]. Dès 1988, M&M`S a été partie prenante de la scène électronique française. En 1998, il a publié l?ouvrage de référence sur la culture DJ, « NORMAL PEOPLE » compilant 180 portraits photographiques de Dj`s français et internationaux (Crash Editions). Ses productions musicales ont été signées sur des labels tels que TEKNOTIKA ? Detroit / USA, MENTAL GROOVE Records?Genève /Suisse SKAM Records-Manschester/UK MAZZO Music (Pays-Bas), B-Cool (Japon), Sony France, BMG?.. En 2004 et 2005, il se consacre notamment, avec Christophe Griseau, à la réalisation d`une série de vidéos illustrant leur pièce sonore : OBSESSION 27 "In the World of Opulence" Ce projet est réalisé avec le soutien de la DRAC Ile-de-France. *Articles et textes engagés avec Amandine Geers sur l`alimentation et l?écologie pour le magazine CRASH / Paris, pour lequel il a été également photographe.

Everything is Real montre les pommes les plus rouges, les call centers les plus verts, les salles de serveurs avec le plus de câbles, les employés les plus souriants, les livreurs avec leurs plus beaux colis, les bénévoles les plus efficaces, les montagnes de déchets les plus grandes – mais les pousse au paroxysme du stéréotype : insensiblement, les stéréotypes versent dans l’extrême.

Stéphane Degoutin est artiste et chercheur. Son travail explore les « systèmes obscurs », les structures qui passent souvent inaperçues mais organisent nos vies : de l’air conditionné aux aéroports internationaux, de la musique pour plantes vertes aux infrastructures urbaines. Il tente une forme de reverse engineering de ces logiques cachées, pour imaginer d’autres façons de penser et d’agir. Gwenola Wagon est artiste et chercheuse. Elle est Professeure des Universités et elle enseigne à l’École des Arts de la Sorbonne à l’Université Paris 1. À travers des installations, des films, des performances et des livres, elle imagine des récits alternatifs et paradoxaux pour penser le monde numérique contemporain.

La maison qui vous veut du bien La maison qui vous veut du bien est un film-essai sur l'histoire de la sonnette caméra de la société Ring rachetée par Amazon devenant en quelques années l'épicentre des objets connectées dits smart. Elle se voit envahie d'innombrables produits, éclairages, capteurs, caméras, aspirateurs, ours en peluche « intelligents » qui deviennent autant de témoins aux points de vue improbables. Des logiciels associés au réseau de surveillance des quartiers sont programmés pour analyser des comportements, ou encore des réseaux de neurones sont entraînés à reconnaître des visages captent, annotent, data minent, transforment la masse de données, filtrent par la détection biométrique assistée par du deep learning, en fonction de listes de gestes suspects, balancent leurs résultats aux officiers des polices publiques ou autres agences de sécurité... La capture sans autorisation du voisinage, l'espionnage organisé entre voisins et la disponibilité des vidéos privées pour les polices municipales font basculer le grand rêve de la maison automatisée en un cauchemar paranoïaque. Le moindre signe capté – vol d'un papillon, chien perdu, ombre d'un promeneur... – devient suspect, vient hanter les occupants de la petite maison blanche. Il se constitue progressivement un réseau d'espionnage privé en peer to peer. La bunkerisation des maisons entre dans sa phase «deep».

Stéphane Degoutin est artiste et chercheur. Ses thèmes de recherche portent sur l'humanité après l'homme, la ville après l'espace public, l'architecture après le plaisir. Ses projets enquêtent sur des situations d'ambivalence, entre la guerre et la danse, entre le plaisir sexuel et le non-lieu, entre la ville et son potentiel, entre le posthumain et l'obsolescence de l'homme. Il enseigne à l'École des Arts Décoratifs à Paris. Site internet : https://d-w.fr/ Gwenola Wagon est artiste et enseigne à l'université Paris 8 à Saint-Denis. Son travail imagine des alternatives et des récits paradoxaux pour déconstruire le monde numérique contemporain. Elle a réalisé des films et des installations pour des festivals et des expositions en France et à l'étranger. Elle a publié Psychanalyse de l'aéroport international avec Stéphane Degoutin, et le livre Planète B aux éditions 369. Site internet : https://d-w.fr/

anne deguelle ghost dance Dans les coulisses du Centre Pompidou à Paris, se jouent des improvisations de rap et break dance à l'insu du musée. Les adolescents réunis à l'extérieur profitent de l'effet miroir des immenses vitrages pour performer leurs imaginaires sur la scansion bpm du rap diffusé sur leurs portables. A l’intérieur du musée, au dos des cimaises, se glissent ces images fantômes, traces éphémères des ombres portées clandestines révélées avec la complicité du soleil. Les figures mouvantes de ces jeunes danseurs ignorent le ballet de leurs ombres habitées par le rythme qui les transcendent. Captée à son tour par un portable, la Ghost dance renoue avec le mythe de la caverne des débuts de notre humanité.

Note biographique anne deguelle ghost dance Anne Deguelle est une artiste inclassable qui recourt à des médiums différents : la photographie, la vidéo, l'installation, les projections lumineuses ou encore les créations sonores avec une prédilection pour la lumière; elle mobilise tous les moyens possibles pour explorer les signes du réel qu'elle tente de décrypter en réinvestissant l'histoire, en jetant le trouble dans la perception de l'information et de notre mémoire. Son oeuvre est présente dans les collections du Centre Pompidou, MNAM et Bibliothèque Kandinsky, dans celles du Musée d'art moderne Weserburg Fonds Anne Deguelle à Bremen (D), dans celles du musée et du Frac Les Abattoirs à Toulouse, du FNAC Fonds national d'art contemporain, de la collection de la Ville de Paris, des FRAC Basse- Normandie, FRAC Auvergne, et FRAC Occitanie, du MACVAL, des Fonds de livres d'artistes des Musées Serralves Porto et Reina Sofia Madrid, du Fonds Beinecke à la YaleUniversity Des expositions personnelles ont présenté son œuvre au Printemps de Septembre-Toulouse, au Freud Museum à Londres, au Musée d’art moderne Weserburg à Brême, au FRAC Auvergne, au Centre d’art abbaye Maubuisson, aux centres d’art de Gennevilliers, de Vitry, l’artothèque de Caen, galeries Dix9 Paris et Anne Barrault.

By exploring representation of time, movement, fact and fiction, `A Glimpse of Common Territory` tells of the unsettling distance between what we see, what we assume and what we know. Two aristocratic characters from an 1827 sci-fi novel, "The Mummy: a Tale of the Twenty Second Century", are invoked through the words of their author. We see them overlooking the landscape from an open platform within an uncanny architectural anomaly, a 127 metre cast concrete building in the centre of a housing estate. Together they confront a crisis, their new found awareness that what they perceive, see and control are completely fictitious. Though their negotiations are precarious they reach an understanding about how they can retain a semblance of control.

Deignan has exhibited her work in over 100 exhibitions, screenings and film festivals including: ‘New Work UK - Trust Yourself’, Whitechapel Gallery, London; ‘Europart - New Contemporary Art from Europe’, Vienna; ‘Terror and the Sublime: Art and Politics in an Age of Anxiety’, Crawford Art Gallery, Cork; ‘transmediale.08’, House of Cultures, Berlin; ‘Les Rencontres Internationale’, Gaîté Lyrique, Paris; Cork International Film Festival; ‘This Fanciful Digression’, CAN, Neuchatel, Switzerland; ‘Black Box Programme’ at the Edinburgh Film Festival. Michelle Deignan’s moving image work is distributed by LUX.

`Her Fanciful Digression` imagines a meeting between 19th Century Irish feminist Anna Doyle Wheeler and English landscape painter John Constable. It is set in Hatfield Forest, formerly The Houblon Estate, in South East England. Two apprentice romantics dressed in period costume repeatedly walk through the vistas of the landscape as the film`s voice over talks about the events that contribute to Constable and Wheeler`s meeting. The film considers the aesthetics of romanticism within the context of cultural, political and economic changes of the time and the application of those aesthetics in film now.

Michelle Deignan`s is an artist and filmmaker. Her work is represented by Maria Stenfors, London. She has exhibited in over 50 national and international exhibitions and festivals including: `New Work UK - Trust Yourself`, Whitechapel Gallery, London; `Europart - New Contemporary Art from Europe`, Vienna; `transmediale.08`, House of Cultures, Berlin; `Her Fanciful Digression`, Crawford Art Gallery, Cork; `Film Programme 1`, Badischer Kunstverein, Karlsruhe; `Black Box Programme` at the Edinburgh Film Festival.

Actual and virtual simulacra of historical European buildings, monuments and recreational spaces are presented in a tumultuous and fluctuating sonic landscape. This uncanny vision of past and present, depicting the instrumentalisation of places, is framed by two distinct voices. One languidly quotes lyrics from Kraftwerk’s Europe Endless (1977) the other earnestly performs excerpts from the introduction to the sci-fi novel, “The Mummy: A Tale of the Twenty Second Century” by Jane Webb Loudon (1827). Between them they proposes a progressive but unstable future where past dramas can easily be re-enacted.

Michelle Deignan (b. Dublin 1970) is an artist and filmmaker based in London. She has exhibited her work in over 60 national and international exhibitions, screenings and festivals including: `Public Space Ltd.`, Athens Media Art Festival;`transmediale`, House of Cultures, Berlin; `India Art Summit`, Delhi; The LUX and Cranford Collection Present: The World Turned Upside Down, Camden Arts Centre, London; `Terror and the Sublime: Art and Politics in an Age of Anxiety`, Crawford Art Gallery, Cork; `This Fanciful Digression`, CAN, Neuchatel, Switzerland. Michelle Deignan`s moving image work is distributed by LUX.

"Idiots" combine mots et rythmes en une symphonie apoplectique. La langue est crue et hachée, bégayant diatribes, cris, et hurlements sur l'écran. Ce film est en colère à votre place.

Michelle Deignan crée des images en mouvement, des photographies et des œuvres imprimées pour des expositions en galerie, pour le cinéma et pour d'autres contextes de projection. Par les images en mouvement, elle crée des récits factuels et fictifs, qui présentent des expériences et interprétations alternatives de l'identité et de la place de chacun. Ces films mettent souvent en scène les triomphes et les échecs de protagonistes qui luttent pour être vus, pour qu’on se souvienne d’eux, ou pour être entendus, alors qu'ils se battent pour leur autonomie. Son travail d'images en mouvement est distribué par LUX, Londres (Royaume-Uni). Elle fait partie d'un groupe international de femmes artistes qui produisent collectivement "The Crown Letter", un projet artistique participatif en ligne, qui a débuté en avril 2020.

Madrid 1980, Lou Reed fait un concert dans le quartier usera. Trop de yankees, trop de violence!

Cubo 1967 video-performance video art Sculpture http://es.geocities.com/cuboart/index.htm

My experience as a DJ in the eighties has provided me whith first-hand material to be abe to ofer an alternative version of the "Movida Madrileña" through events that were the general trend of group bahavoir. Violence and Drugs are one of the aspects concealed in the official history,Which insists on remembering the most playful and banal aspects. Employing a process of re-writing musical films and the appropiation of soundtracks,the video plays with the reconstruction of memory,showing up the present-day manipulation of the "nostalgia for the not experienced". Assembling real and fictitious images,Madera 22 recreates teh presentations of the first record of a "cult band ",during which the public took an LSD cocktail without teir knowledge,whith the resulting general high.

2009:Para/site-Hong Kong "Misery flae market" 2009:?Chupa-Chapa? BELLAMATIC :RIGA (Lituania)2009:?Feria? película 3m (Video ) 2009 :?Te calientan la cabeza ?? esculpture 2009: ?Trilogía de los tres minutos? 2008:?EL MOTIN DEL MOSCA? centre du art POMPIDÚ (PARIS) Rencontres internacionales Paris/Berlin/Madrid/ 2008: EL MOTÏN DEL MOSCA dentro de LHFA (Explorando Usera) MADRID ABIERTO 2007: Instalatión : MADRID HA-BIERTO 2007:?AMOR DE MOTERO?Proyect art. 2007:?MOLLERUSSA art fair ?MERCADILLO DE LA MISERIA 2007:sound sculpture?NO TE METAS DONDE NO TE LLAMAN? Proyect-film 2007: Instalatión video esculpture :MERCADILLO DE LA MISERIA (working process ) 2007:LAMASBELLA ARCO07 2006: Instalation for Art Palace 2006:PROHIBICION:Street art 2006:Aparca-coches:Sculpture street art 2005:Ape-DREAM-e: ARCO 05 2005: Performance "SUJETO VIOLENTADO" 2005:PerformanceHOAX:Video-performance 2004:?La mujer inventada? esculturas relacionadas 2004:? MeCaGo`NL amorrr? Sculpture.

Learning Physics Video HD. 13´ 23´´ Single Channel Color, Stereo 2012 Learning Physics raises the importance of reinterpreting history, and to read in the present its possible transformations as an exercise of questioning what is experienced, and of the vision and of how we see? What do we see? Who has the privilege of handling various points of view and why? Why some people blind others or why some people deliberately covers their eyes? It addresses the problem of vision when agreeing the boundaries of the territories and their organization, the boundaries between variable and invariable in the imagination and construction of futures. In the video essay there is a connection between the current financial crisis, the contemporary scientific revolutions and experiences of Huesca and Jaen collectivists at the time of the Spanish Civil War.

Lives and works in Madrid. Artist and cultural producer, member of the collective CASITA and professor at the Faculty of Fine Arts at the University of Salamanca. Among of his solo exhibitions include those in the CAB of Burgos in 2011, ECAT in Toledo in 2009, at the Cultural Center Montehermoso of Vitoria in 2007 and at the Contemporary Art Center of Salamanca, DA2 in 2006. He has participated in group exhibitions including: Educating Knowledge, MUSAC, Leon (2010); Apres la fin / valeur travail, Haus der Culturen der Welt, Berlin, Germany (2009); Heterotopías, Oktogon HFBK, Dresden, Germany (2007 ) Destination future, Royal Botanic Gardens, Madrid (2007), Terraplane blues, The Burning House, Madrid (2006); Radicáis free, Auditorio de Galicia in Santiago (2005). His videos have been programmed into the International Video Rencontres Paris / Madrid / Berlin, Theatre du Chatelet, Paris, MNCA Reina Sofia, Madrid and Jeu de Paume, Paris in 2008 and 2011. His work is also in collections such as the Leon MUSAC or Domus Artium 2002 Salamanca (DA2). Villaplana.!

Sinuous actions reflects a memory of the most important disagreements that have been pronounced by various social and political movements in different contexts. It shows different strategies of these movements using disguises and changes of indentity in order to get their goals or to put in evidence the contraditions of the system. Sinuous actions proposes a set of multiple clashes. Not only for the use of two screens but for showing different types of masks which operate on different levels of power (patriarchal heteronormativity, globalization, intolerance for ideas policies,...). At the same time this work visualizes unconscious gestures of any person which present different ways of hiding. We can hide ourself, by imposed cause or by incidental situation. These gestures could suggest different ways of understanding and changing subjectivities from individual position to collectives positions.

Diego del Pozo Barriuso lives and works in Madrid. He studied at the Faculty of Fine Art in Salamanca and Madrid, and at the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam. Artist and cultural producer, he develops projects about the social production of the body and identity. His work is based on his concern about affection and desire and the way in which these emotions, associated with subjective, private experience are conditioned by our social environment, by power and by production methods. His work is based on the idea that social control mechanisms are interiorised by individuals, and he shows how the cracks in these tools of power come into conflict and create contradictions within us. He also works with the group C.A.S.I.T.A. (www.ganarselavida.net) His work forms part, among other collections, of the collection of the MUSAC of León, Spain, and of the collection of DA2, the Centre of Contemporary Art of Salamanca, Spain.

« El topo y la anguila » est un film sur l?Echange, le travail affectif, et les relations entre Économie et Affection. Il raconte l?histoire de deux groupes de clandestins qui ont inventé un autre type d?économie durant une période de guerre. Les individus qui appartiennent à ces deux groupes choisissent de vivre une existence assez précaire, dans le contexte d?une économie supposée abondante. C?est également l?histoire de deux groupes de personnes anonymes, qui appartiennent à deux classes et deux niveaux de production différents. Ils recherchent des actions subjectives par le biais de l?émancipation de la chaîne des échanges affectifs. Dans le film, la ville, le fleuve, l?île et les réseaux de gens opèrent de façon symbolique et forcent à réfléchir aux problèmes et aux contradictions de notre temps. Pour les Rencontres Internationales Festival, « El topo y la anguila » se limite à une version monocanal, mais le film travaille aussi avec le format installation-vidéo, ainsi qu?avec une autre vidéo et plusieurs séries de dessins.

Diego Del Pozo Barriuso est né à Valladolid (Espagne), en 1974. Il vit et travaille à Madrid (Espagne). Il a étudié à la Faculté des Beaux-Arts de Salamanque et de Madrid ainsi qu?à la Gerrit Rietveld Academie d?Amsterdam (Pays-Bas). Artiste et producteur culturel, il développe des projets sur la production sociale du corps et de l?identité. Son ?uvre se base sur son intérêt pour l?affection, l?amour et le désir et pour la façon dont ces émotions, associées à l?expérience subjective et privée, sont conditionnées par notre environnement social, par le pouvoir et par les méthodes de production. Son travail se base également sur l?idée que les mécanismes de contrôle social sont intériorisés par les individus, et montre comment les fissures de ces outils de pouvoir peuvent entrer en conflit et créer des contradictions parmi nous. En utilisant différentes techniques et médias ? le dessin, les installations, la vidéo ... ? il nous met face à face avec une réalité dans laquelle nos désirs, que nous pensions personnels et privés, se révèlent être des constructions qui incitent à la consommation ou au contrôle social. Iego Del Pozo Barriuso travaille également avec le groupe C.A.S.I.T.A. Son travail fait partie, entre autres, des collections de MUSAC de León (Espagne) et de DA2, Centre d? Art Contemporain de Salamanque (Espagne).

This is a piece about loneliness, about the need for affection and about how the contemporary subject is submerged in the strive for a resolution of these lacks in the context of the work and production system. The images represent a number of different individuals in two completely different situations, and some of them participate in both: some people have just taken part in an orgy, while others are at work, in different working environments (an office, a production line, a workshop, a school, a hospital). We witness the interior monologues of all these people. They are never alone in these situations, but they feel lonely. Their intimate thoughts come in succession, never simultaneously.

Diego del Pozo Barriuso lives and works in Madrid. He studied at the Faculty of Fine Art in Salamanca and Madrid, and at the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam. Artist and cultural producer, he develops projects about the social production of the body and identity. His work is based on his concern about affection and desire and the way in which these emotions, associated with subjective, private experience are conditioned by our social environment, by power and by production methods. His work is based on the idea that social control mechanisms are interiorised by individuals, and he shows how the cracks in these tools of power come into conflict and create contradictions within us. He also works with the group C.A.S.I.T.A. (www.ganarselavida.net) His work forms part, among other collections, of the collection of the MUSAC of León, Spain, and of the collection of DA2, the Centre of Contemporary Art of Salamanca, Spain.

Encyclopaedias describe St. Elmo's fire as a harmless meteorological phenomenon caused by a strong static discharge. In Philippine mythology, a "santelmo" is a wandering soul of a deceased person who has not found peace yet. Three young men wandering through countryside seeking in vain reconciliation with the world. Their aimless journey is accompanied by rustling of leaves and grass, chirping of insects, and singing of birds, conversations about people for whom they have suffered and whom they plan to take revenge on. Yet, they are prevented from freeing themselves by memories that cannot be killed.

Liryc Dela Cruz (1992) is an artist and filmmaker from Tupi, South Cotabato in Mindanao, Philippines and now based in Rome, Italy. His works were selected and screened in different international film festivals and art events. His debut short film “The Ebb of Forgetting” premiered at the prestigious 68th Locarno Film Festival. His films are thematically related to his origins, history, and personal psychology. His works outside cinema focuses on care, indegenous practices, decolonial practices, post-colonial Philippines, transpacific slave trade, hospitality and reconnecting the colonized and slave body to the soil. Dela Cruz was one of the key collaborators of Philippine independent master filmmaker Lav Diaz. He is also considered as one of the representatives of the slow cinema movement (Ji.hlava IDFF ‘18). In 2019, he represented Italy at the UK Young Artist in Nottingham, he was selected as one of the artists of AtWork Venice mentored by Simon Njami and was the Editor in Chief of the Where is South exhibition at the Palazzo Querini, Fondazione Ugo e Olga Levi as part of the “Rothko in Lampedusa'' initiative during the 58th Venice Biennale. In 2020, he was selected as one of the young emerging filmmakers to represent Italy in Berlinale Talents during the 70th Berlin International Film Festival. Dela Cruz was also mentored by French Political Scientist and Activist, Françoise Vergès during the Mediterranean Ecofeminist Decolonial Union for Self-Education in Lecce, Italy. Recently, he debuted a performance in Teatro di Roma - Teatro Nazionale in Rome as part of his ongoing research project “Il Mio Filippino/a,” a project about “gestures of care and cleaning methods” of Filipino cleaning workers. The same project was also a recipient of Artissima - Torino Social Impact Art Award for the year 2020 and has been selected by Cité internationale des arts Paris for their residency program in 2022 and by Mattatoio di Roma for its Prender-si Cura residency programme. Currently, Dela Cruz is developing “Ocean as a Space of Perpetual Care '' a project based on indigenous care and hospitality of pre-colonial Filipinos and from the diary of Antonio Pigafetta.