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Challenging traditional documentary practices with experimental approaches to editing and sound, GIVE explores Roland Gordon’s motivations to create a monumental visual archive displaying centuries of black agency and achievements, in the United States and beyond. Roland’s collage, "The Cloud of Witnesses", is comprised of thousands of photographic portraits,newspapers, and magazines cutouts, presenting an alternative visual history to empower the black community. The film explores collective representations of history, memory, and culture; where pasts, presents, and futures are modeled by the blending of imagination, facts, and love.

Born in Southern Europe, David de Rozas is a filmmaker and artist based in California, US. His interests relate to the politics of history, memory, and identity through a range of mediums and formats. His practice combines audiovisual research, film production, and curatorial projects. These include art center displays and program strategies, lectures, film programs, documentaries, written and film essays, and other forms and sites of knowledge production. David earned an MFA in Cinema at the San Francisco State University, and BA in Fine Arts from the Complutense University in Madrid. His projects have been recently screened and displayed at the Winnipeg Underground Film Festival, SOMARTS, UCLA, CSU Media Arts Festival, FLEXfest, Artist’s Television Access, Southern Exposure, and the Prelinguer Library among others. He is currently lecturer at SFSU School of Cinema.

Nous avons demandé à une dame, Maria, qui travaille à la campagne comme paysanne, de raconter la morte de notre grandmère, mais en première personne (comme si elle racontait sa propre mort). Notre grandmère, ouvrière à la campagne du sud italie, est morte à 33 ans, après un avortement spontané et pendant le travail. Elle était communiste, mais aussi chretienne. Il était le 14 mai 1958.

Massimiliano et Gianluca De Serio. Nés le 15/12/1978, à Turin. Ils travaillent ensemble depuis 1999.

The Arab-Italian boy Zakaria meets a namesake during prayer preparations. The third part in a series about alternative cultures in Italy focuses on the language and culture lessons of the Arabic boy Zakaria.

Gianluca and Massimiliano De Serio, born in Turin, 1978, are twins. Since 1999 they have made several shorts, including Maria Jesus (2003), Mio fratello Yang (2004), and Zakaria (2005), which have appeared in a number of international festivals and won several prizes: Candidates at the European Academy Awards 2006, three Silver Nasters for Best Italian Short Film, Best European Short Film at Biennial of Stuttgart, and Candidates of the David of Donatello, awarded in Oberhausen, Huesca, Edinburgh, Turin, Siena, Belo Horizonte. At the same time they have had intense activity in art exhibitions: T1, Turin Triennial, Fondazione Merz; Fondazione Olivetti, Roma; Galleria Civica di Trento; Maison Rouge, Parigi, etc.

Qu`est-ce que la photographies d`un visage peut révéler d`un sytème politique? Qu`est-ce qu`une image, prise il ya plus de 35 ans, peut nous dire sur notre actualité? En s`appuyant sur un ensemble de photographies du casier judiciaire de prisonniers politiques sous la dictature portugaise (1926-1974), le film tente de montrer les mécanismes au travers desquels un système autoritaire tenta de s`auto-perpétuer.

Réalisatrice, enseignante à la Faculté de Beaux-Arts (Université de Lisbonne) et membre du CIEAM, Centre de Recherche en Art et Multimédia de l?Université de Lisbonne. Doctorante en Esthétique, Sciences et Technologies de l?Art (Université Paris VIII) et en Beaux-Arts (Université de Lisbonne), elle est Mestre en Esthétique et Philosophie de l?Art, titulaire d?une maîtrise en Arts Plastiques/Peinture (Université de Lisbonne) et d?une licence en Cinéma (École Supérieure de Théâtre et le Cinéma). Elle a fait des études musicales à l?École de Musique du Conservatoire National (Lisbonne). Susana de Sousa Dias est souvent invité à collaborer en plusieurs actions sur art et cinéma dans des institutions d?enseignement supérieur et dans des festivals nationaux et internationaux de cinéma. Actuellement elle développe un travail de recherche dans le domaine des relations entre cinéma, photographie et art contemporain, et entre image en mouvement et image fixe, avec spéciale incidence sur l?image d?archive. Son precedent film, Nature Morte-Visages d?une Dictature a été présenté dans des festivals dans les cinq continents (Prix Atalanta Filmes, DocLisboa 2005 et "Merit Prize", Taiwan International Documentary Festival 2006). 48 est son dernier film (Grand Prix, Cinéma du Réel 2010 ; FIPRESCI Prix, DokLeipzig 2010 ; OPUS BONUM Best World Documentary Award, Jihlava Film Festival 2010). Lumière Obscure et Stillleben (installation sur trois écrans) sont les ?uvres actuellement en cours.

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Susana de Sousa Dias was born in Lisbon, Portugal. She holds a PhD in Fine Arts/ Video, an MPhil in Aesthetics and Art Philosophy, a BA in Fine Arts-Painting, and a BA in Cinema. She studied music at the National Conservatory.

Chaque image en cache toujours une autre. Utilisant seulement des images d'archives sans mots, "Still Life" (« Nature morte ») tend à redécouvrir et fouiller dans l'opacité des images produites durant les 48 ans de la dictature Portugaise de 1926à 1974. Les informations, images de guerre, documentaires de propagande, photos de prisonniers politiques mais aussi des rushes encore jamais montrés auparavant sont mobilisés afin de nourrir de nouvelles interprétations.

Née à Lisbonne en 1962. A fini une thèse en Esthétique & Philosophie de l'Art ( à l'Université de Lisbonne). Diplôme Universitaire en Peinture (Faculté des Beaux-Arts de Lisbonne) et en Cinéma ( à l'École Nationale du Théâtre et du Cinéma). Étudia la Musique au Conservatoire National de Musique. Conférencière à l'Université des Beaux-Arts de Lisbonne. A fondé en 2001 la compagnie de Production KINTOP.

“Ridder Thirst” explores the restorative agency and limits of queer youth, facing white supremacist denialism with an inventory of its continued effects. De Swardt fantasises the First River, a primary marker of settler colonial inhabitation in South Africa, into disappearance, perceiving that “if the ocean is the space of coloniality, the river is that of settlement”. The work takes the span of the river as witness of extreme socio-political discrepancies: snaking from the mouth of the river at Macassar Beach - a former separate amenity for brown people - to Stellenbosch, the affluent university town central to the formulation of apartheid. Photographs of Afrikaner student couples captured at the river in the sixties and seventies by Alice Mertens, a Namibian-German ethnographic photographer who was the first tertiary tutor of the lens in South Africa, are reworked and called into question through a series of anti-monumental gestures, motion-tracked data on spatial and gender traumas, and dense voice-over narration that `unwrites` place. Here the vagaries of the archival gaze is met with the insatiability of eroticism as De Swardt occupies and inverts the “straight” canons of documentary photography and essay film, asking how we can unlearn historic images that seek to define us.

Abri de Swardt (b. 1988) is an artist and writer based in Johannesburg. He holds a MFA in Fine Art with distinction from Goldsmiths, University of London (2014), and was named one of the inaugural Young African Artists by Wanted Magazine. Recent exhibitions and screenings include “phula! phula!”, Africa Open Institute, Stellenbosch (2019); “The Difficulty of Saying I”, Rupert, Vilnius; “Coded Encounters”, Galeria Graça Brand?o, Lisbon; “writing for the eye, writing for the ear”, The Centre for the Less Good Idea, Johannesburg (all 2018); “These Rotten Words”, Chapter, Cardiff (2017); “Blend the Acclaim of Your Chant with the Timbrels”, Jerwood Space, London (2016); and “Men Gather, in Speech”, Cooper Gallery, Dundee (2015). De Swardt has held solo exhibitions at POOL, Johannesburg (2018); White Cubicle, London (2015); MOTInternational Projects, London (2013); and blank projects, Cape Town (2011). He has taught at Wits School of the Arts, and been published in Art Africa, How to Sleep Faster and Adjective. In 2019 he will contribute to “Radicalise Bauhaus - Perspectives from the Global South”, forthcoming from iwalewabooks, Bayreuth, and is a 2019/2020 artist-in-residence at Hordaland Kunstsenter, Bergen.

Si l’embouchure d’une rivière pouvait parler, que dirait-elle ? En imaginant les bouches des rivières comme conteuses et historiographes, Kammakamma forme l’épisode inaugural du second volet d’une trilogie en images mouvantes consacrée à l’Eerste, en Afrique du Sud — une rivière envisagée comme témoin et vectrice d’histoires englouties. Son titre évoque les glissements entre les termes khoekhoe pour l’eau (//amma) et la ressemblance (khama), tandis que kamma s’est fondu dans l’afrikaans avec le sens de « faire semblant ». À travers trois chroniques imbriquées — celles d’Abri de Swardt, de la poète Ronelda S. Kamfer et de l’historienne Saarah Jappie — la rivière devient une zone de saturation où comprendre le climat et la catastrophe. Dans cet épisode, De Swardt interroge l’un des mythes fondateurs de l’afrikandérité à travers la figure d’Hendrik Biebouw, un adolescent oisif qui, en 1707, attaqua un moulin à eau de la Compagnie néerlandaise des Indes orientales situé au bord de la rivière, se proclamant ivre un « Africaander » — un terme alors réservé aux personnes réduites en esclavage, affranchies ou autochtones. Sa déclaration est indissociable du lieu où elle fut prononcée, du vin en tant qu’agent du colonialisme de peuplement, et de l’instabilité même du langage. Refiguré en purgatoire, Biebouw tamise le sable de sacs prélevés autour de l’estuaire pour le reverser dans la confluence obstruée de l’Eerste et de la Plankenbrug, tandis que son oraison délirante mêle afrikaans, néerlandais, allemand et malgache. Des interludes filmés après des crues montrent la rivière tour à tour sauvage et aménagée, et des tableaux inspirés de manuels de natation et de sauvetage mettent en avant la charge et l’étouffement. Par un double dispositif de synchronisation, De Swardt fait de la perception elle-même une ivresse désorientante.

Abri de Swardt (né en 1988, Johannesburg) est un artiste basé à Johannesburg, en Afrique du Sud. Travaillant entre vidéo, photographie, sculpture et performance, sa pratique interroge les effets persistants de la blanchité et de la masculinité coloniales de peuplement en Afrique australe, ainsi que les perceptions de la queerness comme « non naturelle » et « non africaine », en croisant historiographie, fiction, auto-ethnographie, écologie, désir et registres fantastiques. Le travail de De Swardt a été exposé, performé ou projeté à la Norval Foundation, Le Cap ; au Kunstverein Braunschweig ; au Goldsmiths Centre for Contemporary Art, Londres ; au Rupert Museum, Stellenbosch ; à la National Gallery of Art, Vilnius ; à l’Institute of Contemporary Arts, Londres ; ou encore au Centre for the Less Good Idea, Johannesburg, parmi d’autres. Ses expositions personnelles incluent POOL x Field Station, Le Cap (2024) ; POOL, Johannesburg (2018) ; MOT International Projects, Londres (2013) ; et blank projects, Le Cap (2011). De Swardt a mené des résidences à Rupert, Vilnius ; au Hordaland Kunstsenter, Bergen ; et à la Nirox Foundation, Cradle of Humankind. En 2022, il a reçu le Social Impact Arts Prize et a été nommé pour le Foam Paul Huf Award. Il est titulaire d’un MFA en arts plastiques du Goldsmiths, University of London, et sera artiste résident 2025–2026 au sein de Braunschweig Projects, Hochschule für Bildende Künste Braunschweig.

The last days of a swimming pool, just before the demolition. Regular visitors are isolated by mysterious encounters, nowhere to be seen in the film. We see the decline of a social meeting place unfold in sequential patterns. Without dramatic event, no music, no dialogue, this film is in relation with the `minimal` art cinema. ... A man walks through the hallways past lockers and cubicles. A boy plays in one of the lockers. A girl walks into a dressing room, opens the door, but does not enter. A boy walks past the grandstand where a young woman stares into the water. A woman swims her baby to the edge of the pool. The building is filled with sounds: water, machinery, leaking outside noise like the sound of emptiness. And old man steps off the high dive ... We come to know anything about the people we `follow` or meet. Everyone seems calm and happened to come by. It derives the film its quality as stylized documentary observation or film essay. Yet there is turmoil and tangible threat.

Bea de Visser works as a autonomous visual artist and filmmaker. She started her career in the early 1980-s; she works as a sound and performance artist in the trendy club scene and artists spaces. Today, her work is shown at international exhibitions, her movies shown at international film festivals worldwide. Bea de Visser manages to present the independent production studio Anotherfilm. In the recent past Anotherfilm has become an initiative that participates in hard to realize projects of a small group of artists and filmmakers. Since 2010 Bea de Visser works as guest advisor at Rijksakademie van Beeldende Kunst in Amsterdam. She is art consultant of the Collection Lievensberg in Bergen op Zoom. Occasionally she gives workshops and lectures at home and abroad in various disciplines such as film, scenario, drama, visual arts and theater design. Her films include: Mama Superfreak (2009), Roses and Fall (2006), Just a Minute Yoko (2004), The Second Memory (2004), The Barren Land (2001), Another Another (1999), A Breath Hush (1996). Besides she made music videos, films for theatre design and wrote scenarios for feature film projects.

In one long shot this adaptation of La Mamma Fricchettona, a monologue by Nobel Prize winner Dario Fo, shows Viviane De Muynck in a humorous elucidation of a woman? s odyssey from doting motherhood to a state of independence whilst addressing an invisible and anonymous man. In an ambiance of a warehouse filled with white sacks the protagonist vociferously relates her non-existent relationship to husband and child and her escape to the alternative underground of squatters and punks, who are more of a family to her than her own brood.

She starts her career as a performance artist; beginning the 1980ies she performs on the podia of the trendy club circuit and the alternative art spaces with sound work, live installations and `noise` performances. Afterwards she returns to painting and works for two years at the Rijksakademie van Beeldende Kunst in Amsterdam (1993-1995). As from that time film is her medium. The work that she develops since then is shown worldwide in museums and art spaces, the theatre, the public space and especially the cinema. Her short films are: SSST?, Roses and Fall, Just a Minute Yoko, The Second Memory, The Barren Land, Another Another and A Breath Hush. `Cold` is her first feature film (in production 2009).

Look into the eyes of a horse and know that you are looking at an intelligent and sensitive animal. If a horse is an animal, what are we? We experience a trailer ride on the highway and wake up from anesthesia in a veterinary clinic. ‘No horse on Mars’ is a film, documentary in its research that plays with fictional elements. The horse’s POV is the most effective element of the film. The voice over tells the story of the galloping mind that resides in all domesticated horses and questions the horse-human positioning. The human is introduced as a screen viewer who follows the horse, wants to measure her, record her and knows her as an object. Ultimately, from the human perspective, there seems to be a glimmer of recognition in the film for the individuality of the horse.

Bea de Visser is known for her film art, installation work and sound performances. Her work can best be described as a digital media-based practice -from the perspective of a painter and storyteller who sees the world through different lenses. AnimaIs are a recurring motif in her work. Her latest works focus on non-anthropocentric storytelling. She mixes fiction with the everyday and emphasizes structures of power, dominance and control. Her work seduces the viewer through a rich audiovisual language, which is poetic in nature and told in an alternative narrative form. Bea de Visser attended the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam (1993-1995). Prior to she pursues her studies painting with a study electro acoustic sound. She initially began her career as a sound and performance artist in the trendy club scene and artist’s spaces, early 1980-ies. With her installation work, she was asked for international exhibitions in museums, art spaces, and galleries, including MoMA New York, National Museum Prague, Madrid, Pittsburgh, and the Stedelijk Museum Amsterdam. Her films are screened at international film festivals, museums and gallery’s worldwide. Bea de Visser leads to date the independent studio Anotherfilm that nowadays works as a platform for scenario and film development. Bea de Visser is a lecturer and researcher at the University of the Arts Utrecht at the departments Audio Visual Media and Writing for Performance. She is a buddy for Master students of the department MA Scenography. She works as an art consultant for the corporate art collection of the Bravis hospital, NL.

Un cheval est placé dans un espace clos, sur un tapis roulant aquatique, doublement enfermé par le seul bruit de l’eau qui éclabousse. Nous entendons bien davantage que ce que nous voyons, en raison des fréquences enregistrées et de l’amplitude auditive propre au cheval. Grâce à la compression des hauteurs, à un équipement d’enregistrement spécialisé et à des captations sonores réalisées loin du plateau, l’expérience auditive de l’animal a été rendue audible pour les humains. Il en résulte une représentation acoustique de la perspective subjective de l’animal. À travers le filtre sonore du cheval, nous entendons un monde différent — mais tout aussi réel, de celui montré à l’écran. Tandis que notre regard reste humain, nos oreilles, elles, accèdent à la complexité de sa réalité sonore.

Bea de Visser est reconnue pour son art filmique, ses installations et ses performances sonores. Son travail peut être décrit comme une pratique fondée sur les médias numériques — du point de vue d’une peintre et conteuse qui appréhende le monde à travers différentes lentilles. Les animaux constituent un motif récurrent dans son œuvre. Ses travaux les plus récents se concentrent sur des formes de narration non anthropocentriques. Elle mêle fiction et quotidien, et met en évidence les structures de pouvoir, de domination et de contrôle. Son œuvre séduit le spectateur par un langage audiovisuel riche, exploratoire dans sa narration. Bea de Visser vient d’un parcours en peinture et d’une formation en son électroacoustique. Elle a d’abord commencé sa carrière comme artiste sonore et performeuse dans la scène des clubs et les artist-run spaces des années 1980. Bea de Visser a étudié à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten à Amsterdam (1993–1995).

Ce projet essaie de construire une métaphore visuelle pour repenser le concept de conflit qui sous-tend toute forme de relation humaine, et également d?étudier la violence de notre société contemporaine comme un spectacle organisé de médias de masse. L?auteur a observé combien les sports de contact et d?autres sortes d?arts martiaux brutaux se sont récemment développés ces derniers temps. Parmi eux, le dénommé « Extreme Fighting », où deux adversaires se battent dans le ring sans presque aucune limite, utilisant un mélange de divers arts martiaux. L??uvre s?intéresse à la relation entre les mécanismes de transmission du savoir à la fois dans les arts martiaux et à l?université, en faisant le rapprochement entre la compétitivité qui y est enseignée et l?art de tuer ce qui est différent de soi?

Guzmán de Yarza Blache est né à Saragosse (Espagne) en 1976 et est diplômé en architecture à l?Université de Navarre (Espagne). Après avoir travaillé au cabinet d?architectes d?Andrea Perea, à Madrid, il fonde J1 Architects en 2002, un cabinet basé à Madrid qui réalise et dirige des projets dans différentes régions d?Espagne. Parallèlement, il poursuit une carrière d?artiste vidéaste, dans une approche interdisciplinaire qui, selon ses propres mots, enrichit ses deux activités et permet un dialogue entre leurs sensibilités en espérant, d?une manière ou d?une autre, illuminer notre perception de la condition humaine. Ses intérêts, en tant qu?artiste, sont fondamentalement liés à l?art de dépeindre et décrire la société contemporaine, c?est pourquoi il réalise des ?uvres d?art publiques et des productions proches du documentaire, qui posent un large spectre de questions, à une échelle aussi bien très intime que nationale ou transnationale, en faisant constamment référence à l?architecture et l?urbanisme et à la manière dont ils affectent significativement notre vie.

Une sélection de portraits pris tard le soir dans différentes boites de nuits et "after hours" dans des différentes villes sibériennes durant l'été 2006. Un portrait collectif de la première génération de Russes nés libres qui ont apprit très rapidement ces rituels occidentaux de loisir et d'hédonisme à travers les réseaux globaux de télévision. Grâce à des horaires d'ouverture extrêmement flexibles, développe en ce moment une sensualité et une joie de vivre qui essaye de compenser tout le temps perdu par les générations passées. Ce projet est une approche documentaire de trois grandes villes industrielles russes, situées sur la Route Transsibérienne, Yekaterimburg, Novosibirsk et Irtkusk, où plus de quatre cent portraits furent pris pendant un voyage de cinq semaines. Environ soixante en furent choisis avec l'intention d'obtenir quelques connaissances de Russes dont les conditions de vie ont changé dramatiquement par rapport à celles de leur parents. Les portrait sont présentés sous forme de diptyque avec des images de bâtiments des villes où les personnages principaux vivent. Cela crée un catalogue d'architecture soviétique mais aussi des nouvelles construction ressemblantes à des centres-commerciaux et de l'architecture "occidentale". Le projet n'essaye pas seulement d'enquêter la quantité d'architecture dans un visage ou la portion anthropomorphe dans un bâtiment, mais aussi montre un des aspects principal de notre société contemporaine, l'assimilation des tendances globales par les plus jeunes générations, toujours liées au temps de loisir et à l'hédonisme. Cela représente le commencement du démarquage d'un nouveau champ de bataille social dans lequel la nouvelle attitude révolutionnaire est de voir à quel point l'on peut faire la fête et dormir le moins possible...

Guzman DE YARZA est architecte à l'université de Navarre en espagne. Apres avoir travaillé à Madrid, chez Andres Perea Office of Architecture, il crée J1 Architects in 2002, une entreprise qui dirige plusieurs travaux à travers l'espagne. Simultanément, il développe une carrière en tant qu'artiste vidéo avec une mixture disciplinaire qui enrichie et permet une échange de sensibilité qui éventuellement essaye d'illuminer notre perception de la condition humaine. Ses intérêts en tant qu'artiste sont liés au portrait et à la description de notre société contemporaine. Pour cela il exécute des performance artistiques publiques et des productions documentaires qui posent des question sur une variété de choses allant d'une échelle très intime jusqu a une échelle nationale ou bien transnationale avec des référence constantes à l'urbanisme et l'architecture et la manière dont elles affectent dramatiquement nos vies.

De courtes séquences d’animation reprennent, dans les grandes lignes, les formes, les mouvements et les bandes sonores des jingles utilisés par les compagnies de production internationales. Ces spots épurés s’enchaînent à l’infini, et amorcent un film qui ne commencera jamais. Par accumulation, ces logos débarrassés de leur nom, composent un film qui évoque les grandes et petites histoires du cinéma. "Midnight movie" évoque la marchandisation de ces films, produits et diffusés en masse tout en renvoyant au "Cinéma de minuit" (1976-2018), une émission de télévision française consacrée au cinéma. En suggérant ces marques déposées qui nous sont familières, "Midnight movie" souligne que ces courtes séquences constituent déjà des récits complexes; des court-métrages pensés et réalisés par des cinéastes. En déplaçant l’attention sur ces jingles, "Midnight movie" tente de questionner ce que l’on ne voit plus, et qui pourtant fait partie intégrante de la production de films, et nous interroge sur la notion d’auteur avec un clin d’œil à la figure de "l’homme-orchestre".

Arthur Debert, né en 1990 à Paris (France), vit et travaille à Paris (France) et à Berlin (Allemagne). Il a grandi dans le Nord-Est de la France. Sa passion pour l’animation le dirige vers des études de cinéma puis vers des écoles d’art. Il travaille pour des institutions et assiste de nombreux artistes, avant de passer un an à Shanghai (Chine), où il réalise un post-diplôme "École Offshore" de l’ENSAD – École Supérieure d’Art et de Design de Nancy (France), post-diplôme dont le programme se focalise sur l’influence de la globalisation sur les écosystèmes artistiques, et la compatibilité entre les pratiques de l’art et la société. En 2016, il s’installe à Berlin (Allemagne) où il développe des projets dans le domaine de la vidéo et des nouveaux médias. Dans sa pratique artistique, Arthur Debert valorise les formats collectifs et les principes d'échange direct. Au cœur des projets qu'il initie, se trouve la question de la transmission et de la survie des connaissances, à la fois subjectives, anecdotiques et mémorables au travers d’installations, de vidéos et d’éditions.

Dans un amphithéâtre en bois construit en 1933 pour l’étude des animaux et des plantes, un groupe d’outils anciens assiste à une conférence qui semble porter sur les animaux et leurs mouvements, mais les outils comprennent peu à peu qu’il s’agit des êtres vivants qui leur ont donné leur nom et parfois même leur forme.

Né en 1990 à Paris, Arthur Debert vit et travaille entre Nancy et Berlin. Son travail prend forme dans la collaboration et l’échange, interroge la transmission et la survivance des savoirs qui s’inscrivent dans les anecdotes individuelles, les mémoires collectives et la technologie. Les aspects performatifs des objets porteurs de connaissances et de leurs processus de transition sont transcrits en installations, vidéos et éditions. Arthur Debert est diplômé de l’École de l’Image à Épinal (2011), de l’École Supérieure d’Art de Lorraine à Metz (2013), et a participé à l’École Offshore à Shanghai (2014-2015), programme de recherche de l’École Nationale Supérieure d’Art et de Design de Nancy. Son travail a été présenté au Centre Dürrenmatt Neuchâtel (2025), la Triennale de la Jeune Création (Luxembourg, 2013 et 2021), à Koraï (Chypre, 2023), du Ann Arbor Film Festival (Michigan, 2022), dans le cadre du Berlin Art Prize (2018) et primé au Festival du film indépendant de Berlin (2023).

« Tout a tendance à dériver avec le temps et perd de sa précision de façon périodique. Un ajustement assure que la précision reste au niveau requis. » Comme une invocation, une nécessité de calibration du paysage qui perdrait petit à petit sa condition naturelle, le film projette une nature mouvante, en constante modification et réajustement. Les niveaux de vents, hauteurs de neiges, les compositions physiques, géologiques, morphologiques et temporelles s’étalonnent lentement, la montagne s’équilibre. Dans la continuité de « Volva », film tourné en 2016 à l’observatoire astronomique du Pic du Midi, « Calibration » est une expérience physique de la nature, d’un temps vécu, en plein hiver, isolé dans un refuge de haute montagne durant trois semaines, au contact des aléas du vent, de la neige, des lumières et du temps.

Architecte de formation il collabore dans diverses agences avant de se consacrer exclusivement à sa pratique artistique. En 2006 il est lauréat de la bourse de la Fondation EDF pour les jeunes architectes. Il réalise le projet photographique Landscape scale sur les barrages des Pyrénées qui marquera la direction de ses futurs projets. Il centre ses recherches sur les relations qui se tissent entre l’architecture et le paysage, entre l’homme et la nature. Ses recherches tentent de construire la part impalpable de notre relation au naturel. Ses installations se développent entre photographies, vidéos et volumes construits. En 2016 il réalise son premier film, Volva à l’observatoire astronomique du Pic du Midi. Durant 3 semaines passées à 2871m, il capte inlassablement les traces du temps imprimés dans les expériences scientifiques, l’architecture du lieu et le paysage environnant. Nominé dans divers festivals, Volva est lauréat du prix LOOP Discover à Barcelone. Il intègre la collection du MACBA et du FRAC Normandie Caen. Il a été résident de la Casa de Velázquez et de l’Institut français. Ses travaux sont exposés en Europe, aux Etats-Unis et intègrent diverses collections publiques, FRAC, musées et Fondations. Il vit et travaille à Argut-Dessus, dans les Pyrénées.

Volva est le nom que Johannes Kepler a donné à la Terre, vue de l’espace, dans son texte « Somnium » considéré comme le premier ouvrage de science-fiction . Les observatoires étudient un passé lointain, suspendus dans un temps indéterminé, sans à peine faire attention à leur entourage. Centré sur l’observatoire du Pic du Midi, tourné en 16mm, Volva réfléchit aux rapports espace-temps qui s’établissent entre architecture, science et paysage. Suivant une chronologie solaire, les machines filmées tentent de capter un environnement proche ainsi qu’une série d’ondes semblant provenir des montagnes. L’absence de forme humaine laisse penser à un lieu contrôlé artificiellement. Les plans, entre intérieurs et extérieurs, conduisent le lieux à se confronter à un espace-temps parallèle d’où il semblerait provenir. Un nouveau territoire apparait alors entre l’architecture et le paysage qui l’entoure. Le film est construit dans le possible mouvement de cet espace qui se déplacerait dans divers temps à la fois, passé - présent - futur, et divers lieu, hors et sur Terre. En associant des représentations du réel, Volva vient explorer le rôle de l’image dans l«Transformant la recherche en une exploration du territoire à la première personne, Édouard Decam bâtit une méthodologie du vécu (…) le voyage est lié à un enracinement transitoire dans ces lieux où l’architecture est la partie essentielle d’un environnement qui ne peut être compris sans elle et où l’on a besoin du temps nécessaire pour comprendre l’espace.» Sonia Fernández Pan Édouard Decam est architecte de formation. Il collabore dans diverses agences entre la France et l’Espagne avant de se consacrer exclusivement à sa pratique artistique. En 2006 il est lauréat de la bourse de la Fondation EDF pour les jeunes architectes et réalise le projet photographique « Landscape scale » qui marquera la direction de ses futures recherches. Ses travaux, entre photographies, volumes construits et films, questionnent l’architecture, la science et le paysage. Ses recherches servent à construire la part impalpable de notre relation au naturel. Il s’inscrit dans une démarche d’identification des limites, des zones de contact entre l’espace et le temps, qui constituent des territoires. Aide à la création, résident de la Casa de Velázquez puis du Matadero Madrid, ses travaux ont été exposés en Europe et aux Etats-Unis. Il vit et travaille actuellement entre Bordeaux et Barcelone.

«Transformant la recherche en une exploration du territoire à la première personne, Édouard Decam bâtit une méthodologie du vécu (…) le voyage est lié à un enracinement transitoire dans ces lieux où l`architecture est la partie essentielle d’un environnement qui ne peut être compris sans elle et où l’on a besoin du temps nécessaire pour comprendre l`espace.» Sonia Fernández Pan Édouard Decam est architecte de formation. Il collabore dans diverses agences entre la France et l’Espagne avant de se consacrer exclusivement à sa pratique artistique. En 2006 il est lauréat de la bourse de la Fondation EDF pour les jeunes architectes et réalise le projet photographique « Landscape scale » qui marquera la direction de ses futures recherches. Ses travaux, entre photographies, volumes construits et films, questionnent l’architecture, la science et le paysage. Ses recherches servent à construire la part impalpable de notre relation au naturel. Il s’inscrit dans une démarche d’identification des limites, des zones de contact entre l’espace et le temps, qui constituent des territoires. Aide à la création, résident de la Casa de Velázquez puis du Matadero Madrid, ses travaux ont été exposés en Europe et aux Etats-Unis. Il vit et travaille actuellement entre Bordeaux et Barcelone.

Water like crystals, spirited ruminants and haunted lakes. A meal is prepared, animals graze, wind moves through potato flowers. Land, lore and history conflate, confuse and constellate. Meanwhile: musicians are in the street, ancient objects are unearthed and small plans are made.

Bolivian filmmaker living in La Paz. MFA graduated in Cinematic Arts program at the University of Wisconsin in Milwaukee. Working in 16mm format, I’m exploring the spectral presence of places, objects, and matter, intertwining them with microhistories revealed through intimate interactions and relationships with the people who participate in my films.

A journey into the underworld begins in our own entrails, which are formed by the flesh we consume, and the crumb balls softened and shaped by the saliva of mothers. This film explores the unfolding of time, from the intimate rhythm of digestion to the vast expanse of deep time—stalagmites forming over millennia, fossilized dinosaur tracks, and the echoes of primal expressions, akin to growling. Inspired by the Puro Andar chapter of Gamaliel Churata’s El Pez de Oro, where he says that "we all carry the dead alive; that the dead live”.

Bolivia, 1993. She studied anthropology at UCB (Bolivia) and completed an MFA in Film at the University of Wisconsin-Milwaukee on a scholarship. Currently, she delves into the spectral essence of places, objects and matter through intimate interactions and meticulous observation. She engages in this process by both revealing and concealing her presence, investigating the interstitial spaces where mediation and relationships unfold.

In an Paper, a journalist revealed some classified elements which prove that French weapons are involved in war crimes. She is being questioned by the intelligence services to reveal her source.

Various structures of power, the forces of order, contemporary forms of oppression and security, and media manipulation are the core concerns of French artist Alain Declercq. Born in 1969 in Moulins, France, he lives and works in Paris. His work has been shown in Europe since the early 1990s, including at the Palais de Tokyo, Paris (2006 and 2003), Museum 52 in London (2005) and the Musée d’art moderne de la ville de Paris (2001). He has also created a number of specific pieces, among them Welcome Home Boss, featured in the Mois de la Photo in Montreal (2001) and Crash Cars, shown at the Cairo Biennale (2001). Alain Declercq is represented by Lœvenbruck gallery, Paris. Jacky Strenz gallery, Frankfurt and Museum 52, London.