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Diplômé de l`Escola Superior de Cinema (l`Ecole de Cinéma du Conservatoire National de Lisbonne), Pedro Costa suit les cours de l`acteur portugais Antonio Reis. Il réalise en 1987 son premier court métrage,"Cartas a Julia", suivi bientôt d`une série pour enfants pour la télévision portugaise. Très influencé par Friedrich-Wilhelm Murnau, il signe en 1989 "Le Sang", un drame encensé par la critique qui ne le satisfait pourtant pas tout à fait. "La Maison de lave" en 1994 confirme le talent de ce réalisateur portugais aux yeux des professionnels du cinéma, qui dévoile dès lors les caractéristiques de son travail : un esthétisme qui frôle le maniérisme, des noirs et blancs variés et très travaillés, des thèmes récurrents tels que le sordide et le crasseux, mais une certaine tendance à les sublimer. Son goût pour le sang et la violence froide se retrouve dans "Ossos" (1997). Les critiques voient en son style un retour au cinéma des origines, héritage du cinéma muet. Le film sera primé notamment à Venise et à Belfort. En 2000, il signe "Dans la chambre de Vanda" narrant la déchéance d`une toxicomane. L`esthétisme de Costa transforme cette histoire sombre en poème filmique. "Où gît votre sourire enfoui ?"(2001) est un hommage au couple de cinéastes Danièle Huillet/Jean-Marie Straub. "Il faut se risquer dans chaque plan, c?est ce que disait Antonio Reis. Risquer sa vie même dans chaque plan, chaque moment, chaque intonation d?un acteur. Sinon le cinéma ne sert à rien. Pour moi, il est fondamental qu?un film soit utile." Pedro Costa

« J?étais un bon maçon. J?ai jamais fais un mur de travers. Mon patron s?est jamais plaint de moi. Un jour le travail s?est arrêté, j?ai perdu mon chômage. Pas de pension de retraite, pas d?allocations familiales. J?ai cherché du travail partout, mais rien. Je ramenais pas d?argent à la maison, Suzete m?a foutu à la porte »

Estrela d?Africa, un quartier créole aux frontières de Lisbonne. Un petit enfant, vieux de quelques jours, va survivre à plusieurs morts. Tina, sa jeune mère, le prend dans ses bras et ouvre le gaz. Sauvé par son père, il dort dans la rue et boit le lait de la charité. Deux fois, il sera presque vendu, par trop de désespoir, trop d?amour, pour rien. Mais Tina n?oublie pas et ses soeurs du quartier voudront la venger.

Diplômé de l`Escola Superior de Cinema (l`Ecole de Cinéma du Conservatoire National de Lisbonne), Pedro Costa suit les cours de l`acteur portugais Antonio Reis. Il réalise en 1987 son premier court métrage,"Cartas a Julia", suivi bientôt d`une série pour enfants pour la télévision portugaise. Très influencé par Friedrich-Wilhelm Murnau, il signe en 1989 "Le Sang", un drame encensé par la critique qui ne le satisfait pourtant pas tout à fait. "La Maison de lave" en 1994 confirme le talent de ce réalisateur portugais aux yeux des professionnels du cinéma, qui dévoile dès lors les caractéristiques de son travail : un esthétisme qui frôle le maniérisme, des noirs et blancs variés et très travaillés, des thèmes récurrents tels que le sordide et le crasseux, mais une certaine tendance à les sublimer. Son goût pour le sang et la violence froide se retrouve dans "Ossos" (1997). Les critiques voient en son style un retour au cinéma des origines, héritage du cinéma muet. Le film sera primé notamment à Venise et à Belfort. En 2000, il signe "Dans la chambre de Vanda" narrant la déchéance d`une toxicomane. L`esthétisme de Costa transforme cette histoire sombre en poème filmique. "Où gît votre sourire enfoui ?"(2001) est un hommage au couple de cinéastes Danièle Huillet/Jean-Marie Straub. "Il faut se risquer dans chaque plan, c?est ce que disait Antonio Reis. Risquer sa vie même dans chaque plan, chaque moment, chaque intonation d?un acteur. Sinon le cinéma ne sert à rien. Pour moi, il est fondamental qu?un film soit utile." Pedro Costa

Nouveau montage, inédit de «O Nosso Homen». Un matin de l’été 2007. L’intérieur d’une baraque en bois et plaques d’étain dans la périphérie de Lisbonne. José Alberto, vingt-sept ans, et sa mère, cinquante-cinq ans, tous les deux Cap-Verdiens. Ils sont assis à une table. José Alberto se coupe les ongles avec un petit couteau de poche. Ils parlent en créole.

Pedro Costa est réalisateur, scénariste et directeur de la photographie portugais. En 1994, «Casa de Lava» est sélectionné au Festival de Cannes. «Ossos» remporte en 1997 le prix de la photographie de la Mostra de Venise. «La chambre de Vanda» est primé au Festival de Cannes en 2002. «En avant jeunesse !», qui revient sur la vie d’immigrés cap-verdiens déplacés dans un quartier HLM neuf de Lisbonne, est sélectionné en compétition internationales au Festival de Cannes en 2006, et est primé par le Los Angeles Film Critics Association en 2008. «Ne Change rien» est présenté à la Quinzaine des réalisateurs du Festival de Cannes en 2009. Son dernier film «Cavalo Dinheiro» a reçu le Léopard du meilleur film au Festival international du film de Locarno en 2014. «Il faut se risquer dans chaque plan, c’est ce que disait Antonio Reis. Risquer sa vie même dans chaque plan, chaque moment, chaque intonation d’un acteur. Sinon le cinéma ne sert à rien. Pour moi, il est fondamental qu’un film soit utile.» Pedro Costa

BALANE 3 est un documentaire sur la vie et l'époque des habitants d'Inhambane, une ville du sud du Mozambique. En 2019, j'ai filmé un peu de la vie de ses habitants. Comme n'importe quel autre peuple dans le monde, les personnages de ce film travaillent comme laveurs de voitures, pêcheurs ou bouchers, ils vont à l'école, à l'hôpital, chez le coiffeur et au marché, ils boivent et dansent la nuit, ils parlent de maladies, de politique, d'amis, d'amour et de sexe. Beaucoup de sexe.

Ico Costa is a Portuguese film director and producer of Oublaum Filmes. He has made the short films FOUR HOURS BAREFOOT, NYO VWETA NAFTA, TIMKAT and DOMY+AILUCHA: KET STUFF!, the documentaries UPROAR, ECLIPSE and BALANE 3, and the fiction feature films ALVA and GOLD SONGS. His films were presented at festivals like Rotterdam, Visions du Réel, Cinéma du Réel, FidMarseille, New Directors/New Films, among many others.

Pedro Costa a pris six scènes de "Où gît votre sourire enfoui?" et les a placées dans un contexte différent. Ces fragments ne sont pas seulement des "bagatelles", mais avant tout un regard personnel sur Danièle Huillet et Jean-Marie Straub.

Diplômé de l`Escola Superior de Cinema (l`Ecole de Cinéma du Conservatoire National de Lisbonne), Pedro Costa suit les cours de l`acteur portugais Antonio Reis. Il réalise en 1987 son premier court métrage,"Cartas a Julia", suivi bientôt d`une série pour enfants pour la télévision portugaise. Très influencé par Friedrich-Wilhelm Murnau, il signe en 1989 "Le Sang", un drame encensé par la critique qui ne le satisfait pourtant pas tout à fait. "La Maison de lave" en 1994 confirme le talent de ce réalisateur portugais aux yeux des professionnels du cinéma, qui dévoile dès lors les caractéristiques de son travail : un esthétisme qui frôle le maniérisme, des noirs et blancs variés et très travaillés, des thèmes récurrents tels que le sordide et le crasseux, mais une certaine tendance à les sublimer. Son goût pour le sang et la violence froide se retrouve dans "Ossos" (1997). Les critiques voient en son style un retour au cinéma des origines, héritage du cinéma muet. Le film sera primé notamment à Venise et à Belfort. En 2000, il signe "Dans la chambre de Vanda" narrant la déchéance d`une toxicomane. L`esthétisme de Costa transforme cette histoire sombre en poème filmique. "Où gît votre sourire enfoui ?"(2001) est un hommage au couple de cinéastes Danièle Huillet/Jean-Marie Straub. "Il faut se risquer dans chaque plan, c?est ce que disait Antonio Reis. Risquer sa vie même dans chaque plan, chaque moment, chaque intonation d?un acteur. Sinon le cinéma ne sert à rien. Pour moi, il est fondamental qu?un film soit utile." Pedro Costa

My short film ?syrrialism? is about a Syrian activist who took part of the protest and then arrested, to begin his trip with hallucinations and dreams caused by the subconscious mind of a man saw a large amount of crimes in a short time, but he did not give up hope and still sticking to his dream of free future. In this film I mixed some consequences of our revolution like pain, creating, starving, traveling, and souls meeting..

I own a furniture store in Damascus, began photography in 2003, mostly black & white, all developed and printed in my dark room. in 2011 I participated in the peaceful protests against the Syrian regime , then i utilized my art for the sake of Syrian revolution, via photography page on Facebook called Syrrialism (Syria+ Surrealism) always anonymous for my safety. In the end of 2012, I?ve been kidnapped and tortured by the FSA (free Syrian army) accused of being a leader of a pro Assad militia ! After being released and healed, I got other threat so i traveled with my family to Lebanon, and start making short films. My films are produced by small NGO with tiny budget, but it helps me expressing my vision as an artist and an activist, in order to continue my non-violent contribution and not living the destiny of Syria in the hands of the warlords

Pedro Costa filme la vie quotidienne des habitants de Fontainhas, une communauté perdue, un bidonville en périphérie de Lisbonne. Tous aspirent à une vie meilleure faite de confort et de croissance économique. Virgilio se demande s?il a vraiment besoin d?un nouveau réfrigérateur, Benvindo et Maria se séparent, Isabelle n?en peut plus.

Diplômé de l`Escola Superior de Cinema (l`Ecole de Cinéma du Conservatoire National de Lisbonne), Pedro Costa suit les cours de l`acteur portugais Antonio Reis. Il réalise en 1987 son premier court métrage,"Cartas a Julia", suivi bientôt d`une série pour enfants pour la télévision portugaise. Très influencé par Friedrich-Wilhelm Murnau, il signe en 1989 "Le Sang", un drame encensé par la critique qui ne le satisfait pourtant pas tout à fait. "La Maison de lave" en 1994 confirme le talent de ce réalisateur portugais aux yeux des professionnels du cinéma, qui dévoile dès lors les caractéristiques de son travail : un esthétisme qui frôle le maniérisme, des noirs et blancs variés et très travaillés, des thèmes récurrents tels que le sordide et le crasseux, mais une certaine tendance à les sublimer. Son goût pour le sang et la violence froide se retrouve dans "Ossos" (1997). Les critiques voient en son style un retour au cinéma des origines, héritage du cinéma muet. Le film sera primé notamment à Venise et à Belfort. En 2000, il signe "Dans la chambre de Vanda" narrant la déchéance d`une toxicomane. L`esthétisme de Costa transforme cette histoire sombre en poème filmique. "Où gît votre sourire enfoui ?"(2001) est un hommage au couple de cinéastes Danièle Huillet/Jean-Marie Straub. "Il faut se risquer dans chaque plan, c?est ce que disait Antonio Reis. Risquer sa vie même dans chaque plan, chaque moment, chaque intonation d?un acteur. Sinon le cinéma ne sert à rien. Pour moi, il est fondamental qu?un film soit utile." Pedro Costa

l´installation "Minimo macho, minimo fêméa", consiste en une double projection de bandes du film "No quarto da Vanda", et nous montre une vue alternant scènes d´extérieur et les intérieurs respectifs de maisons dans les environs de Fontainhais, Lisbonne. De ce fait, elle documente et intensifie l´existence d´immigrants des anciennes colonie par l´illustration, de manière claire et calme.

Un chien, une fille, des adolescents et d’autres créatures fantastiques font l’insurrection de leur vie quotidienne à travers des marches dans la ville, des détournements d’espaces et autres actions à travers lesquelles ils observent et transforment la réalité et le monde autour d’eux.

Noé Cottencin (France, 1994) a étudié l’image en mouvement à l’Académie Gerrit Rietveld et au Sandberg Institute. Son travail, à travers des récits qui prennent différentes formes (dessins, films, interventions, publications), s’intéresse principalement à la mise en commun des individualités. Il vit et travaille à Amsterdam et Los Angeles.

LIFE « Journal de bord post-catastrophe. Tout commence dans un garage. On avait imaginé qu’il n’y avait pas de voitures ici, seulement des planches de surf et du matériel de jardinage. À cause de l’explosion, on n’entendait plus rien. Juste une sorte d’acouphène permanent. Il fallait réapprendre à écouter. » Life est un récit qui se déroule après un effondrement mystérieux où tout est à réinventer. Ici, il n’y a plus besoin de travailler, on se partage des couvertures pour se réchauffer et un parking est transformé en terrain de jeu d’où la vie peut reprendre. Dans ce monde étrange, on cherche la vague métaphysique sous terre, et l’on écoute Marc Bolan toute la journée… UN FILM DE Noé Cottencin AVEC Milla Sikora, Xavier Warming, Simone Avalon, Morris Draijer, Noé Cottencin, Clément Gingreau, Katerina Lymar CAMÉRA Sam Broekman, Noé Cottencin MONTAGE Noé Cottencin Produit dans le cadre de SoundImageCulture 2023, avec le soutien de la Sabam for Culture, Stichting Stokroos et NL Film Fonds.

Noé Cottencin (FR, 1994) a étudié l’image en mouvement à l’Académie Gerrit Gerrit Rietveld et au Sandberg Institute. Son travail, à travers des récits qui prennent différentes formes (dessins, films, interventions, publications), s’intéresse principalement à la mise en commun des individualités. Il vit et travaille actuellement à Amsterdam. Il fait actuellement partie du programme SoundImageCulture 2023, permettant à de jeunes réalisateurs d’êtres suivi dans le développement d’un projet personnel. Il est suivi dans le cadre de son projet par Andrea Luka Zimmerman (Jarman Award) et Amir Borenstein (Moving Image Art Prize).

En quelques années, par la pratique du culturisme, Yukio Mishima, écrivain japonais, s’est métamorphosé, d’un créateur de mots, il devient « une créature des mots ». Charles Gaines, écrivain et journaliste américain compare le bodybuilder à un sculpteur de sa propre chair. Comment le travail, le sport, les normes culturelles et sexuelles définissent le corps et l’identité de chacun ? Par quels moyens définissons-nous notre propre image et par quels dilemmes passons-nous pour y parvenir ? « Double You Double You » reconstitue les étapes d’une compétition de bodybuilding. Jennifer Teuwen* est la seule athlète à concourir, et la caméra, son unique public. Le film met en scène la pulsion scopique – regarder-être regardé à l’infini – et propose une exploration visuelle et auditive, sensuelle et sensorielle du corps de Jennifer. * Jennifer est une bodybuildeuse professionnelle Belge, championne de sa catégorie « Women’s Physique », la plus musculeuse pour les femmes selon la IFBB (International Federation of Bodybuilding).

Laure Cottin Stefanelli est une artiste visuelle et une cinéaste qui vit et travaille entre Paris et Bruxelles. À travers ses films, ses photographies et ses installations, elle poursuit une recherche autour de récits centrés sur des personnages habités de tensions paradoxales – pulsions de vie, de mort, érotiques – celles qui résultent de la séparation entre l’esprit et le corps. Elle a exposé et participé à des festivals à travers la France et à l’étranger, dont États Généraux du Film Documentaire (Lussas, FR) ; KANAL – Centre Pompidou (Bruxelles, BE) ; Belo Horizonte International Short Film Festival (BR) ; Kasseler Dok Festival ( Kassel, DE) ; Moscow Biennale (RU), Art Brussels (BE) ; FIDMarseille (FR) entre autres. Son premier moyen-métrage, No blood in my body a reçu le prix du film court aux Écrans Documentaires d’Arceuil (FR). Elle a effectué plusieurs résidences à l’étranger dont le Hoger Instituut Voor Schone Kunsten, HISK (BE). Laure Cottin Stefanelli a étudié la littérature et le cinéma à l’Université Paris III et a été diplômée en Photo-Vidéo de l’École des Arts Décoratifs de Paris. Depuis 2018, elle enseigne à l’École d’Art de La Cambre à Bruxelles.

Portrait fictif de l?artiste flamand Jan Fabre, basé sur son journal intime et ses performances. Le film, conte de fées moderne, projette Jan Fabre dans son propre imaginaire et compose un personnage qui change sans cesse d?identité. Jan Fabre joue de multiples rôles sous les déguisements les plus variés ; derrière un masque, toujours un autre masque? Le personnage féminin, tel un ?démon du passage? empruntant différents visages, hante le personnage masculin et inspire ses métamorphoses, ad infinitum. Les concepts de l??uvre sont la répétition, le simulacre et la métamorphose, dans un rapport essentiel aussi bien avec l??uvre de Jan Fabre qu?avec mon ?uvre propre. La métamophose, c?est ici le passage d?une forme à une autre, d?un état intensif à un autre, d?une identité à une autre, d?un univers à un autre. Le film comme ?transposition? ? la forme ?performance? se change en forme cinématographique ? création nouvelle. ?L?existence simule, elle dissimule, et elle dissimule que, même dissimulant et jouant un rôle, elle continue d?être l?existence authentique, liant ainsi, par une malice presque indémêlable, le simulacre à la véritable authenticité.? Maurice Blanchot.

Cinéaste et plasticien. Vit à Paris. Pierre Coulibeuf développe un projet interdisciplinaire : il réalise des fictions expérimentales qui investissent savamment le champ de l?art, et où les changements d?identité affectent les univers et les artistes qui inspirent ses oeuvres. Ses films sont présentés aussi bien au cinéma que, recomposés, sous forme d?installations (vidéo-photo) dans les musées. Ses oeuvres font partie d?importantes collections. Les principaux concepts de ses ?uvres sont le dédoublement, le simulacre, la métamorphose, le labyrinthe, la réalité comme fiction ou projection mentale. Coulibeuf a eu des expositions personnelles dans le monde entier : en Allemagne, Deichtorhallen, Hambourg (2006) ; au Portugal, Museu Colecçào Berardo, Lisbonne (2010) ; en France, Musée d?Art Moderne de Saint-Etienne (2009) ; Musée d?Art Roger-Quilliot, Clermont-Ferrand (2013) ; au Brésil : Fondation Iberê Camargo (2009) ; en Russie, Musée d?Art Contemporain de Perm (2011) ; en Chine : MOCA, Musée d?Art contemporain de Chengdu (2012) ; Yuan Space, Pékin (2013), et des expositions collectives au Brésil, 5ème Biennale d?art du Mercosul (2005) ; en Russie : 1ère Biennale d?art contemporain de l?Oural (2010) ; en Allemagne, Haus der Kunst (2012)? En 2013, Coulibeuf est nominé au Prix Art China, dans la catégorie des artistes étrangers les plus influents en Chine (avec Warhol, Marcel Duchamp, Araki, Shirin Neshat).

Fiction parodique de Pierre Coulibeuf basée sur des actions chorégraphiques d?Angelin Preljocaj. Les sept personnages qui évoluent dans le bâtiment Pavillon Noir de Rudy Ricciotti dynamitent sans vergogne les codes de la chorégraphie et du cinéma : contamination, débordement, distance, - la fiction met la réalité à l?épreuve.

Né à Elbeuf (France). Vit à Paris. Cinéaste et plasticien. Doctorat de lettres modernes ? Thèse sur Pierre Klossowski et Leopold von Sacher Masoch. La création contemporaine est le matériau du travail cinématographique et plastique de Pierre Coulibeuf. Dans un rapport transversal avec les genres du cinéma (fiction, expérimental...), ainsi qu?avec les modes de présentation de l?image en mouvement (projection 35mm, installation vidéo, photographie), ses oeuvres inventent un lieu et un langage à la frontière des disciplines, critiquent les formes établies, questionnent les modes de représentation de la réalité. Depuis 1987, Pierre Coulibeuf a réalisé des courts et longs métrages d?après notamment Pierre Klossowski, Michelangelo Pistoletto, Marina Abramovic, Michel Butor, Jean-Marc Bustamante, Jan Fabre, Meg Stuart, Angelin Preljocaj, Benoît Lachambre. Ses films sont sélectionnés dans de nombreux festivals internationaux de cinéma. Une rétrospective de ses films, sous le titre ?Le démon du passage?, conçue par le Ministère des Affaires étrangères en 2004, circule actuellement dans le monde entier. Pierre Coulibeuf présente également ses oeuvres sous forme d?installations (vidéo/photo) dans le réseau de l?art contemporain. En 2006, plusieurs expositions personnelles ont eu lieu en Allemagne, notamment aux Deichtorhallen-Haus der Photographie, à Hambourg. En 2005, il a été invité dans le Pavillon international de la 5ème Biennale internationale d?art contemporain du Mercosul, à Porto Alegre, au Brésil. En 2007, il a fait partie de l?exposition d?ouverture du musée Berardo à Lisbonne, au Portugal. En 2008, la Fondation Iberê Camargo à Porto Alegre (Brésil), lui a commandé une ?uvre (film + installation vidéo), pour une exposition en juin 2009. Ses ?uvres font partie d?importantes collections en France et à l?étranger. (1993 : Lauréat de la Bourse Léonard de Vinci du ministère des Affaires étrangères pour l?Italie (Cinéma) /// 1995-1996 : Artiste en résidence au Domaine de Kerguéhennec, Centre d?art contemporain (France) /// 2000 : Chevalier de l?ordre des Arts et des Lettres).

La fiction du sujet / le sujet de la fiction. Autour de l`idée de "portrait" : le sujet en devenir, les fluctuations d`identité, la métamorphose, la dissolution du moi personnel ; l`entre-deux des images : glissement de l`image sociale, de l?identité d`artiste, aux images fictionnelles. « Nous sommes une pluralité qui s?est imaginée une unité » (Nietzsche). La question de la représentation : les images en tant que simulacres : interprétations : pures inventions. La transversalité : l`ambiguité ou l`indétermination des identités, mais aussi des codes artistiques. L?invention d?un lieu ?à la frontière? : entre le langage du cinéma et le langage de la vidéo.

Pierre Coulibeuf. Né à Elbeuf (France). Cinéaste et plasticien. Vit à Paris. La création contemporaine est le matériau du travail cinématographique et plastique de Pierre Coulibeuf. Dans un rapport transversal avec les genres du cinéma (fiction, expérimental...), ainsi qu?avec les modes de présentation de l?image en mouvement (projection 35mm, installation, vidéo, photographie), ses oeuvres inventent un lieu et un langage à la frontière des disciplines, critiquent les formes établies, questionnent les modes de représentation de la réalité. Une oeuvre hors normes, hors genres, hors limites. En 2006, plusieurs expositions personnelles en Allemagne, notamment aux Deichtorhallen-Haus der Photographie, à Hambourg. Pavillon international de la 5ème Biennale internationale d?art contemporain du Mercosul, Porto Alegre, Brésil, en 2005. Exposition d?ouverture du musée Berardo à Lisbonne, au Portugal en 2007.

Aujourd'hui, la réflexion sur le futur se meut généralement dans un contexte commercial ou d'économie mondiale. L'ampleur par laquelle différentes villes se présentent sur internet à une échelle innovante et mondialement compétitive via des présentations PowerPoint, sert à illustrer cette déclaration. Le point de départ dans "Insert the Name of the City Here" est le fait que chacun de ces PowerPoints consistent en les mêmes topiques et structures: un slogan placé sur un fond standard, accompagné d'un logo. La technique, apparemment naïve et ostensiblement didactique, devient encore plus douteuse, alors qu'une séquence vidéo montre ces pages une par une et que chaque PowerPoint se voit lu à voix-haute par un ensemble de touristes.

Yves Coussement (né en 1978 à Gand), a étudié l'ingénierie en architecture dans la département "Architecture et Urbanisme" à l'Université de Gand, en Belgique de 1996 à 2001. Après avoir travaillé un petit moment pour l'architecte Luc Deleu, il a décidé de se consacrer totalement à son oeuvre en tant que vidéaste. Son travail a récemment été présenté à des festivals vidéos comme l' "Image Forum Festival" (Tokyo) et le "Transmediale Festival" (Berlin) où sa vidéo "Insert the Name of the City Here" a reçu une mention honorable. Il travaille en ce moment sur deux nouvelles vidéos qu'il a récemment tourné à New York et à Mexico.

OH FAT BABY est un film-essai musical qui frappe des mains le rythme des inventions bouffonnes de notre époque et épingle le patriotisme civilisationnel et ses gros bébés cannibales. Au fil d’images empruntées, le film dresse le portrait d’une culture technologique dysfonctionnelle dont les caprices sont des farces mortelles.

Cindy Coutant est artiste et chercheuse. Son travail sonde le désir du vivant de se relier aux êtres et aux choses et la coévolution entre espèces ou techno-espèces. Ses installations, films et lectures augmentées s’appliquent à démembrer les récits technologiques occidentaux et à leur adjoindre un imaginaire manquant dans laquelle la technologie se révèle non-instrumentale, baveuse, érotique et indéterminée. Sa thèse de création établit une généalogie de la critique minoritaire de la technologie pour actualiser notre rapport au futur. Elle envisage l’inquiétude des corps et l’indétermination des affects comme des enjeux souterrains cruciaux pour l’industrie capitaliste, mais aussi comme fondement d’un autre récit technologique. Ses œuvres ont été exposées en Europe, en Amérique du Nord et en Asie, notamment: Ars Electronica, Linz; Mamco, Geneva; Queer Sicilia film festival, Palermo; Palais de Tokyo, Paris; SPOT, Taipei; Berlin Porn Film Festival; CPH:DOX, Copenhagen; The Living Art Museum, Reykjavik; La Maison de la Littérature, Québec; ont reçu le Prix CIC pour l’art Contemporain (2018), l’Award of Distinction (computer animation) à Ars Electronica (2019), une mention spéciale Révélation art numérique - ADAGP (2020). /////////// Théo Po?oga est un musicien électronique et un artiste sonore qui explore les notions d'affect, de temps et d’espace en mélangeant autant une matière sonore dite populaire que des méthodes de composition et de diffusion experimentales. Ses œuvres audiovisuelles ont été exposées à Berlin à Gr_und, à l'Institut Français, à la Haus Der Statistik ainsi qu’au sein du Center For Unfinished Business installé entre autres a l’exposition Transmediale 2020. Il a pu collaboré avec Cindy Coutant pour la création musicale et le design sonore de son film « Télédésir » en 2020 ainsi que pour des performances dites de "lectures augmentées » au Printemps de Septembre à Toulouse en 2018 et à la Gaieté Lyrique à Paris en 2022. Théo Po?oga est actuellement à l'Institute for Art in Context dans le cadre de l’UDK Berlin. Il est également co-fondateur du collectif W.E.L.T.

Passing Place (2009) is set at a remote crossroads in the North East of England. Scenes from six feature films, where significant moments occur at crossroads, are re-enacted by local people who live or work nearby and know the location well. Re-visited excerpts from Oedipus Rex, (Paolo Pasolini, 1967); Down By Law, (Jim Jarmusch 1986); Cool Hand Luke (Stuart Rosenberg, 1967); Castaway, (Robert Zemeckis 2000); Divine Horsemen: The Living Gods of Haiti, (Maya Deren, 1985) and The Discreet Charm of the Bourgeoisie, (Luis Buñuel, 1972) show people hiding from the law, getting shot, killing members of their own family, performing voodoo rituals; all in this one location. Crossroads are traditionally where life-changing decisions are made. Seen as unhallowed ground in most Western cultures, they represent a threshold between the worlds of the real and the imaginary, the living and the dead. Although familiar with the location, participants in Passing Place have a fragile relationship with the unrehearsed parts they are asked to play. The film exposes non-professional actors in the process of adopting roles, relating to the stories of others, intuitively presenting their own version of events.

Nicky Coutts (b. 1968) works primarily with film, video and photography, but also with sculpture and installation. Her work often contains elements of collage, or the reuse of materials such as film clips, paintings and photographs. Her work has been shown widely in the UK and internationally. She was awarded a six-month scholarship at Künstlerhaus Schloss Balmoral April-Oct 2010. Her work was also shown during 2010 at Ha Gamle Prestegard, Havegen, Naerbo, Norway; Doris, Stedefreund, Berlin; Es War Einmal Ein Papegei?, Künstlerhaus Schloß Balmoral, Germany and Multichannel, Artsway, UK. The solo show Millions Like Us at Danielle Arnaud Contemporary Art, London (Nov 5th- Dec 19th 2010) features film works and photographs made over the past 2 years. Her work often engages with the complicated perceptions one culture might have of another. ?A Tower in the Minds of Others?, commissioned for Tatton Park Biennial (2008), was a stack of three English garden sheds reminiscent of a pagoda, overlooking the Japanese Garden. In 2011 she returns to Japan for a 3 month residency to make a film at Youkobo Artspace, Tokyo. Coutts has an MA from Chelsea College of Art and a Phd from the Royal College of Art, London. www.nickycoutts.com

"Buried in the Rain" opens a minimalist sound space where the artist own voice unfolds, singing the possibility of memory and questioning our identity.

Daan Couzijn (Haarlem, 1994) is a multidisciplinary artist currently based in Amsterdam. After having studied singing at the Conservatory of Music in Rotterdam, he continued his studies at the Institute of Performative Arts in Maastricht where he graduated with a BA in Performance Art. Concluding his education, Couzijn graduated in June 2019 from a Post-Graduate program (Radical Cut-Up department) at the Sandberg Institute in Amsterdam, where he received the title of MA in Fine Art and Design. Couzijn is a creative all-rounder - musically skilled with a very strong eye for visual aesthetics who focuses on authenticity, existentialism and the way external influences (in particular digital influences such as social media) shape us. Often using the richness of the internet and the possibilities of technology as an inspiration for his works, Couzijn believes that every idea, every creation, is a combined effort of everything we?ve ever witnessed and experienced. Besides working as a professional actor/performance artist, he performs live with his own music under the pseudonym of Cousin. As Cousin, he creates minimalistic, electronic music combined with his own angelic vocals. More recently he also started exhibiting several audio/visual- ánd kinetic installation works, often using video and other digital media as an expressing tool.

Daan Couzijn (Haarlem, 1994) is a multidisciplinary artist currently based in Amsterdam. After having studied singing at the Conservatory of Music in Rotterdam, he continued his studies at the Institute of Performative Arts in Maastricht where he graduated with a BA in Performance Art. Concluding his education, Couzijn graduated in June 2019 from a Post-Graduate program (Radical Cut-Up department) at the Sandberg Institute in Amsterdam, where he received the title of MA in Fine Art and Design. Couzijn is a creative all-rounder - musically skilled with a very strong eye for visual aesthetics who focuses on authenticity, existentialism and the way external influences (in particular digital influences such as social media) shape us. Often using the richness of the internet and the possibilities of technology as an inspiration for his works, Couzijn believes that every idea, every creation, is a combined effort of everything we've ever witnessed and experienced. Besides working as a professional actor/performance artist, he performs live with his own music under the pseudonym of Cousin. As Cousin, he creates minimalistic, electronic music combined with his own angelic vocals. More recently he also started exhibiting several audio/visual- ánd kinetic installation works, often using video and other digital media as an expressing tool.