Catalogue > Faire une recherche

Ce jour là j'avais froid à Paris, en suivant un passant. La boîte aux lettres est visible depuis la rue: c'est celle d'un écrivain irlandais très discret et très résistant mort il y a longtemps, toujours là comme si elle attendait encore du courrier, ça lui ressemble. Il donnait, paraît-il, ses pulls quand on avait froid.

Pierre Yves Clouin's video works have been broadcast on: Arte, VPRO Amsterdam, ADD-TV Manhattan and Canal+. They have been shown at: the Bauhaus Dessau Foundation, Oxford Museum of Modern Art, BFI London, San Francisco Cinematheque, Philadelphia Museum of Art, Dublin Art House, Paula Cooper, Mexico City's Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Sao Paulo Museum of Image and Sound, Anthology Film Archives, Chicago Filmmakers, Pleasure Dome Toronto, Forum des Image Paris, Smart Project Space Amsterdam, Podewill Berlin, Hong Kong Space Museum, Guggenheim Bilbao, Art Basel, Museum of Africa Johannesburg, Buenos Aires University, Laval Québec, Concordia Montréal, Cornell, Harward, Yale, San Francisco Art Institute, Museum of Contemporary Art of Rosario Argentina, Museum of Modern Art Lille-Metropole, Pro Arte Institute in St. Petersburg, and the Museum van Hedendaagse Kunst in Antwerp. Selected festivals around the globe include: Videonale, Videoformes, Videobrasil, Hamburg Kurzfilmtage, MIX NYC, Nashville, Kassel, Cork Film Festival, Cinematexas, the International Film Festivals of San Francisco, Chicago, Thessaloniki, Moscow and Los Angeles, the Biennial of Moving Images Geneva, Ars Electronica and Sundance.

Une errance à travers des champs de couleur interminables révèle peu à peu un chanteur solitaire, luttant pour être entendu malgré la distorsion et les échos. Un voyage de la cacophonie vers l'harmonie.

Daniel Cockburn est un réalisateur et un écrivain qui travaille à Toronto. Il est curateur indépendant, membre des programmations collectives du Dôme du Plaisir (Pleasure Dome) et a écrit sur les arts médias dans plusieurs publications. Son oeuvre a été exposée aux quatre coins du monde. Emily Vey Duke a obtenu son BFA au Collède d'Art et de Design Nova Scotia, ses Masters à l'Université de l'Illinois à Chicago, et est surtout connue pour ses collaborations avec Cooper Battersby y compris pour "Being Fucked Up" qui a été récompensé.

Even the all-powerful creator of the universe has bad dreams from time to time. In God's Nightmares, A panoply of film clips illustrate God's interior monologue, in which he muses about his recurring nightmare of being an everyman.

Daniel Cockburn is a Canadian filmmaker based in the UK. His shorts have been the subject of an internationally touring retrospective, his feature film script The Engineers received the TIFF Telefilm Canada Pitch This! prize, and his feature You Are Here (2010) played Locarno, Toronto, and Rotterdam, and 40+ other festivals. Called "a major discovery" by the director of the Locarno Film Festival, You Are Here won the Jay Scott Award from the Toronto Film Critics Association and the top prize at the European Media Art Festival, for "trend-setting media art". It has been compared to the work of Charlie Kaufman, Jorge Luis Borges, and Philip K. Dick. He is currently adapting Mark Vonnegut’s memoir The Eden Express into a feature screenplay, and creating a new one-man multi-screen live show which will premiere at the Flatpack Festival in Birmingham in 2020.

Can you remember the first time you ever saw the end of the world? An animal chatroom from some other plane of existence invokes a collage of image-quotations, looking at the habits and assumptions that cinema and its viewers have when it comes to imagining pictures of natural beauty and natural destruction.

Daniel Cockburn is a Canadian moving-image artist. Comprising short videos, live performances, and feature film, his work deals with language, rhythm, and thought experiments. It has been compared variously to the work of Charlie Kaufman, Jorge Luis Borges, Spalding Gray, and Philip K. Dick. He currently lives in Glasgow.

"The Argument (with annotations)" is an appropriated-footage essay about metaphor. Its unseen narrator`s line of thought takes us on an unstraight path past the works of T.S. Eliot, Homer, Groucho Marx, John Carpenter, Terence Davies, and Carl Reiner, plus some lackadaisical astronomy and a 1960s television series with a very distinctive font. There is also a riddle about mirrors that`s either the best riddle about mirrors you`ve ever heard or the worst one. That`s what the film is for a while, anyway. Then something else happens. "The Argument (with annotations)" performs a riff on the genres of the essay-film and the more recent “video essay”... a riff that calls its own narrator’s authority into question.

Daniel Cockburn is a Canadian filmmaker and moving-image artist. His shorts have been the subject of an internationally touring retrospective, and his feature "You Are Here" (2010) played Locarno, Toronto, and Rotterdam, and 40+ other festivals. Called "a major discovery" by the director of the Locarno Film Festival, "You Are Here" won the Jay Scott Award from the Toronto Film Critics Association and the top prize at the European Media Art Festival, for "trend-setting media art". It has been compared to the work of Charlie Kaufman, Jorge Luis Borges, and Philip K. Dick. It’s currently available on iTunes and in rotation on MUBI.com. Cockburn has been a resident of the DAAD Artists-in-Berlin filmmaker residency, and Guest Professor at HBK Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig, Germany. He has been resident artist at IMPAKT (Utrecht) as part of the European Media Artists in Residence Exchange (EMARE), and has presented his live performances "All The Mistakes I`ve Made," parts 1 and 2, internationally. He is currently based in London, UK, where he was recently an Associate Artist in Residence at Acme Studios and is now the first Research Fellow in Film Practice at Queen Mary University of London.

Depuis 1995, l'artiste Pedro Morales Elipe se rend régulièrement au musée du Prado pour dessiner à partir des tableaux des grands maîtres. Le résultat de ce travail, toujours en cours, est rassemblé dans 24 carnets qui n'ont encore jamais été exposés. Ces croquis sont uniques par rapport au reste de son œuvre – tant en peinture qu’en dessin - notamment en raison de leur dimension figurative. Le film "Calavera resumida" (A Skull in Summary) est à la fois un regard posé sur les carnets de croquis et une écoute attentive du dialogue que l'artiste entretient avec certaines œuvres du musée du Prado et avec son propre travail artistique. Les lignes des dessins et la voix de l'artiste qui parle d’elles construisent son souvenir de la peinture, qui est à la fois un rêve et une image de lui-même.

Javier Codesal emploie une grande variété de techniques dans sa pratique artistique. Son travail présente des propositions riches et variées, qui flottent avec liberté et cohérence entre les mots et l'image. Installations, performances, photos, textes, poésie, films et vidéos sont autant de moyens et d'outils qu'il emploie et fusionne dans ses projets. Il développe son intense activité créatrice depuis 1983, année où il réalise sa première installation vidéo, "Una televisión en un nicho". Outre des expositions individuelles et collectives en Espagne et dans d'autres pays d'Europe et d'Amérique, il a participé à de nombreux festivals de cinéma. À ce jour, Javier Codesal a publié cinq recueils de poésie et un livre sur l'esthétique cinématographique intitulé "Dos películas".

Ely et Nina Bielutin possèdent l?une des collections privées d?art de la renaissance (Le Caravage, Titien, Van Eyck ou Léonard de Vinci?.) les plus importantes au monde. Sous l??il des chefs d??uvres de cette collection mystérieuse, jalousement gardée à Moscou dans leur appartement, l?artiste et l?historienne de l?art tentent d?écrire leur propre légende?

Après des études au Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains Clément Cogitore développe une pratique artistique à mi-chemin entre cinéma et art contemporain. Mêlant films, vidéos, installations et photographies, son travail questionne les modalités de cohabitations des hommes avec leurs images - FILMS/VIDEOS (sélection) - « parmi nous » - MM 40 minutes? 35mm ? © 2010 Kazak Productions avec le soutien du CNC, de la Région Basse Normandie, de France 2 - Lauréat Du 5° Prix Européen Des Premiers Films (Suisse) - « visités » - CM 20 minutes? 35mm ? © 2006 Le deuxième souffle films et associés/Le Fresnoy-Studio national des arts contemporains avec le soutien de la Région Charentes Maritimes, de la Région Alsace, de l?Agence culturelle d?Alsace - 60° Festival International Du Film De Locarno - Sélection Officielle 2007- «Play Forward» - Prix Special Du Jury 17° Festival International Du Film De Vendôme - Best Cinematography Award Festival International Du Film De Belgrade - Festival international du film court de Montpellier - Compétition nationale Cinémathèque française, Paris, «Fenêtre sur le court-métrage contemporain» - Festival «Espoirs en 35mm» Mulhouse - Festival temps d?images, La ferme du buisson / Arte - Cinémathèque de Montréal Teatro studio Scandicci - Prato - « chroniques » - CM 30 minutes ? 35 mm ? © 2006 GREC / Le Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains avec le support de l?Agence culturelle d?Alsace, de la Fondation Beaumarchais et de la CUS - Grand Prix Du Court Metrage Francais (Mention Speciale) - Festival Entrevues Belfort Prix Du Scenario De Film Court-Fondation Beaumarchais 2004 - Prix Du Centre Des Ecritures Cinematographiques - Festival Des Ecrans Documentaires - Festival du film de Paris « Paris tout court» - Festival « Premiers Plans » Angers - Festival «Avant gardes» rencontres audiovisuelles de Wroclaw » - Rencontres audiovisuelles de Lille - 3e Rencontres du Moyen-métrage Brive - « Carte blanche au GREC », Centre Georges Pompidou - 19e Instants Vidéo Poétiques, Marseille - « passages » - CM 4 minutes ? vidéo ? © 2005 GREC / Le Fresnoy - Studio National des Arts Contemporain - 17° Biennale De L?image En Mouvement, Genève - Rencontres Internationales Paris-Berlin 2006- Sélection Officielle Circuto De Bella Artes, Institut Cevrantes Madrid Nuits Des Musées, Musée De L?oeuvre Notre-Dame Strasbourg - Festival Loop Videoart ? Barcelone Noche Bianca

Un lent travelling parmi des fragments de figures religieuses entreposées dans des cages comme des monstres sacrés.

Après des études à l?Ecole supérieure des arts décoratifs de Strasbourg, Clément Cogitore développe une pratique artistique à mi-chemin entre cinéma et art contemporain. Mêlant films, photographies, vidéos et installations son travail questionne les notions d?images en transport et de territoires/écran. En détournant les dispositifs de projection traditionnels et en explorant des formes narratives expérimentales ses travaux proposent quelques fragments de réflexions autour de la perception de l?histoire, de la mémoire collective ainsi que de la représentation du sacré. Lauréat 2005 de la fondation Beaumarchais et actuellement résident au Fresnoy-Studio national des arts contemporains, Clément Cogitore vit et travaille entre Lille, Paris et Strasbourg.

Traversant tour à tour forêts, ruines baroques, tours de contrôle et catacombes romaines, “Sans titre” traite d’une communauté scientifique sur les traces d’un animal magique. Entre récit fantastique et rituel initiatique, cette vidéo mêle fresques paléochrétiennes et tablettes numériques, écrans de contrôle et chant des Sibilles. Dans une confrontation entre monde souterrain et aérien, archaïsme et nouvelles technologies, “Sans titre” interroge l’immuabilité du sens du récit et de l’image face à l’évolution des croyances.

Après des études à l’Ecole supérieure des arts décoratifs de Strasbourg, et au Fresnoy-Studio national des arts contemporains Clément Cogitore développe une pratique à mi-chemin entre cinéma et art contemporain. Mêlant films, vidéos, installations et photographies son travail questionne les modalités de cohabitations des hommes avec leurs images. Il y est le plus souvent question de rituels, de mémoire collective, de figuration du sacré ainsi que d’une certaine idée de la perméabilité des mondes. Ses films ont été sélectionnés dans de nombreux festivals internationaux (Cannes, Locarno, Lisbonne, Montréal…) et ont été récompensés à plusieurs reprises. Son travail a également été projeté et exposé dans de nombreux musées et centre d’arts (Palais de Tokyo, Centre Georges Pompidou – Paris, Eyebeam center New-York, Museum of fine arts – Boston…). Clément Cogitore a été récompensé en 2011 par le Grand prix du Salon de Montrouge, puis nommé pour l’année 2012 pensionnaire de l’Académie de France à Rome-Villa Médicis. En 2015 son premier long-métrage « Ni le ciel, Ni la terre » a été récompensé par le Prix de la Fondation Gan au Festival de Cannes – Semaine de la critique, et salué par la critique internationale. Né en 1983 à Colmar, Clément Cogitore vit et travaille entre Paris et Strasbourg.

« Fin 2008 a débuté en Autriche une vente singulière : l?armée à mis aux enchères 146 miradors installés à la frontière de la Hongrie et de la Slovaquie. En 1989, après la chute du rideau de fer l?Autriche avait installé ces miradors pour lutter contre l?immigration clandestine au cours d?une opération militaire baptisée « opération limes », en souvenir du limes romain (nom donné aux fortifications qui protégeaient l?empire des barbares), Avec l?entrée de la Hongrie et de la Slovaquie fin 2007 dans l?espace Schengen ces miradors étaient devenus obsolètes. Je suis parti sur l?ancienne frontière de l?Europe filmer ces vestiges, leurs nouveaux propriétaires et leur nouvel usage. Aux portes de l?empire il sera question de forteresse, de paysage, de métamorphose et de cette capacité qu?a le pouvoir politique, social, militaire à transformer l?être humain en gibier dès lors qu?il sent ou suppose ses frontières menacées. » Clément Cogitore, février 2010

Après des études à l?Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg, et au Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains Clément Cogitore développe une pratique artistique à mi-chemin entre cinéma et art contemporain. Mêlant films, vidéos, installations et photographies son travail questionne les modalités de cohabitations des hommes avec leurs images. Il y est le plus souvent question de rituels, de mémoire collective, de figuration du sacré ainsi que d?une certaine idée de la perméabilité des mondes. Clément Cogitore est né en 1983 à Colmar, il vit et travaille entre Paris et Strasbourg.

Le 22 octobre 2010, le HMS Astute, sous-marin nucléaire de l?armée britannique, s?échoue mystérieusement sur les côtes de l?île de Skye en Écosse.

Après des études à l`Ecole supérieure des arts décoratifs de Strasbourg, et au Fresnoy-Studio national des arts contemporains Clément Cogitore développe une pratique à mi-chemin entre cinéma et art contemporain. Mêlant films, vidéos, installations et photographies son travail questionne les modalités de cohabitations des hommes avec leurs images. Ses films ont été sélectionnés dans de nombreux festivals internationaux (Quinzaine des réalisateurs Cannes, festivals de Locarno, Lisbonne, Montréal...) et ont été récompensés à plusieurs reprises. Son travail a également été projeté et exposé dans de nombreux musées et centre d`arts (Palais de Tokyo, Centre Georges Pompidou - Paris, RIPBM Haus der Kultur der Welt - Berlin, Museum of fine arts - Boston...). Né en 1983 à Colmar, Clément Cogitore vit et travaille entre Paris et Rome ou il a été nommé pour l`année 2012 pensionnaire de l`Académie de France à Rome-Villa Médicis. www.clementcogitore.com

Dans une salle de réunion, des personnes font le bilan d’un évènement passé et interrogent l’avenir de leur groupe. L’écoute s’épaissit d’une présence étrange qui ne cessent de tourner autour de la table de réunion. Tourné lors d’une réunion d’un groupe de construction de savoirs, ce film s’immisce dans l’expérience collective de faire dialoguer les antagonismes à propos du retour du loup. S’y entrelacent les ressentis subjectifs, les faits, la reformulation de paroles de représentant·es d’associations des milieux écologistes, agricoles ou de la chasse. Le seul témoin de ces récits en huit-clos est un chien, cousin docile, issu de l’élevage, du loup. La situation offre un contrepoint contemporain aux procès d’antan, lieux de théâtralisation d’une justice faussée par la culture religieuse et philosophique de l’époque et menée par les entités autoritaires garantes de la « civilisation » face à l’état de nature.

Gaëlle Cognée est depuis plusieurs années l’habitante d’un hameau. L’artiste vidéaste s’imprègne de l’allongement du temps qui laisse sentir, tout à la fois, la mue des bois, le bruissement des rumeurs locales et les soulèvements politiques. À partir de cette matière mouvante, parasite, elle scénarise des œuvres vidéos qui explorent les récits communs ou souterrains. Par adhésion d’amitiés, de voisins et de groupes citoyens, Gaëlle Cognée source ses projets par croisement d’histoires. Dans les faits divers de la presse locale, dans les mythes et les figures historiques, dans les témoignages glissés à l’entrée de la forêt, Gaëlle écoute, collecte, écrit, réunit. En fagotière contemporaine, elle noue ses trouvailles faites de lectures, de conversations et d’objets. Elle sème des vidéos, capturées principalement en caméra amateur qui forment des témoins subjectifs de ces contextes. À l’origine d’initiatives artistiques collectives, que ce soit dans des espaces de création (Collectif Plafond, 2010-2017) ou dans son processus de production, de vidéos et de publications, elle inscrit chaque projet dans une relation à l’autre et à son mode d’existence. Ainsi dialoguent dans ses œuvres l’être humain, l’être animal et l’être.

Synopsis, « Moriviví » Documentary 36:40 Min, 2017. An immersive film plunging us somewhere between reality and a certain expressionist estrangement in its disheveled portrait of a family. Moriviví reflects a social reality for some rural areas of Cuba, in which poverty, fear, violence, possession and even santería and superstitions take center stage in a day-to-day life that is lived on the edge. Brayan and Kiki are the third and fourth generations of their Cuban household. Situations of violence are the daily bread. Sometimes they have to take the role of the adults to avoid problems between real adults. In the middle of the countryside where the children live, they entertain a close relationship with nature. They breed animals that serve not only as food or pets, but also for the Santeria rituals they practice regularly.

Biography David Enrique Aguilera Cogollo Born in Barranquilla Colombia in 1991. Before making films, David studied Sociology in the human sciences school of the Rosary University in Bogotá, Colombia. Then he studied at the National School of Film of Bogotá. As soon as he finished his career, David began a master degree in alternative cinema at the International School of Film and TV of San Antonio de los Baños, Cuba. David crosses the boundaries of documentary and fiction in his work. Moriviví was filmed in Cuba as a final project

.

.

Long for the City is a short portrait of Patti Smith in the city where she lives. Patti recites the very first poem-song she ever wrote, and then a later one, "Prayer", from the early 1970s. We take a walk in her changing neighborhood, and I ask her what she saw. Footage was shot in the moment, as well as drawn from the archive I`ve gathered over many years. Long for the City can be considered a non-musical companion piece to the music short, Spirit, which we collablorated on in 2007. It had its premier as an installation in Patti Smith`s show, Land 250, and Fondation Cartier in Paris.

Jem Cohen is a New York-based filmmaker/media artist whose works are built from his own ongoing archive of street footage, portraits, and sound. His films and installations often navigate the grey area between documentary, narrative, and experimental genres. His feature film, Chain, premiered at the Berlin Film Festival, was broadcast on Arte and the Sundance Channel and won an Independent Spirit Award. Benjamin Smoke, co-directed with Peter Sillen, was selected for festivals including Berlin, Edinburgh, Melbourne, London, and Vancouver. It was released theatrically by Cowboy Pictures, and won First prize at the Full Frame Documentary Festival. Instrument, the feature-length documentary made with the band, Fugazi, premiered at the Rotterdam Film Festival and was chosen for the 2000 Whitney Biennial. Cohen`s Lost Book Found won 1st prizes at Locarno, the Bonn Videonale, Film + Arc (Graz, Austria), and the Festival Dei Popoli (Florence). Earlier works include This is a History of New York, Just Hold Still, and Buried in Light, which was originally commissioned by the High Museum in Atlanta as a 3-channel video installation. Amber City, an Italian city portrait, won a 1st prize at Locarno ?99. Other films include Blood Orange Sky, another commissioned portrait of a city in Sicily, and the shorts, NYC Weights and Measures and Little Flags. Chain X Three, a three screen, 40-minute projection, showed as an installation at Eyebeam (New York) and the Walker Art Center (Minneapolis) as well as in a Museum of Modern Art series of Cohen?s works. Cohen has had retrospectives at venues including the NFT in London, Buenos Aires Independent Film Festival (BAFICI), the Gijon Film Fest (Spain) and the Oberhausen Film Fest (Germany). Cohen curated the Fusebox festival at Vooruit in Belgium in 2005 and directed an evening of film with live music, EVENING`S CIVIL TWILIGHT IN EMPIRES OF TIN, at the 2007 Viennale Film Festival. He did a series of collaborative films and installations with Patti Smith for her recent show at the Fondation Cartier in Paris. Cohen has worked extensively with musicians including Godspeed You Black Emperor!, Fugazi, Vic Chesnutt, the Ex, Terry Riley, Elliott Smith, R.E.M., Sparklehorse, and the Orpheus Orchestra. Cohen?s films have been broadcast in Europe by the BBC and ZDF/ARTE, and in the U.S. by the Sundance Channel and PBS. They are in the collections of the Museum of Modern Art, The Whitney, and Melbourne?s Screen Gallery. He has received grants from organizations including the Guggenheim, Creative Capital, Rockefeller, and Alpert Foundations and the National Endowment for the Arts.

« Avec un réel engagement politique, Steven Cohen s?interroge sur le corps et son exploitation (faisant référence à la prostitution, le travail manuel éreintant, les rapports entre les différentes communautés?) et rend ainsi hommage à sa nourrice sud-africaine âgée de 84 ans, qui demeure depuis son enfance l?employée de maison au sein de sa famille ». (Extrait du programme Les Subsistances, Lyon, janvier 2005)

Steven Cohen est un artiste atypique né à Johannesburg dont l??uvre aborde de manière provocante les questions d?identité. Surtout connu pour ses performances, il apparaît sur scène ou dans des galeries, mais s?invite éalement dans des lieux publics. En tant que juif homosexuel, il traite de l?altérité et de l?identité de l?étranger en utilisant son propre corps et celui des autres pour créer de l?art vivant, sous la forme de sculpture, de danse contemporaine, de travestissement et de performance. Ces personnages glamour et monstrueux s?élèvent" du Lake Subconscious " pour confronter la société à ses composantes qu?elle a marginalisées et censurées tout au long de l?histoire. Ses performances ardues et souvent controversées explorent l?impuissance et la honte tout en célébrant l?hybridité complexe de l?identité.

Chance observations of New York`s Chinatown, commissioned by the Museum of Chinese in the Americas. "A sleepwalker`s circumnavigation of one of the less homogenized parts of the city." --Jem Cohen

Jem Cohen is a New York-based filmmaker/media artist whose works are built from his own ongoing archive of street footage, portraits, and sound. His films and installations often navigate the grey area between documentary, narrative, and experimental genres. His feature film Chain premiered at the Berlin Film Festival, was broadcast on Arte and the Sundance Channel and won an Independent Spirit Award. Benjamin Smoke, co-directed with Peter Sillen, was selected for festivals including Berlin, Edinburgh, Melbourne, London, and Vancouver. It was released theatrically by Cowboy Pictures, and won First Prize at the Full Frame Documentary Festival. Instrument, the feature-length documentary made with the band, Fugazi, premiered at the Rotterdam Film Festival and was chosen for the 2000 Whitney Biennial. Cohen`s Lost Book Found premiered at the Pandæmonium Festival (London), and won First Prizes at Locarno, the Bonn Videonale, Film + Arc (Graz, Austria), and the Festival Dei Popoli (Florence).

That’s Why We End depicts a dialogue in three parts between a therapist figure and a client. While the character of the therapist appears on screen, Cohene again invites the viewer to assume the position of the client by providing us only with his voice. In this work, the composite of the therapist is assembled almost entirely from films referenced in Gilles Deleuze’s classic texts Cinema 1 and Cinema 2, whereas the client’s narrative is built from recordings of associative exercises the artist undertook with theorist and artist Eric Cazdyn.

Vancouver-born artist Aleesa Cohene (º1976) has been producing videos since 2001. Her work has shown in festivals and galleries across Canada as well as in Brazil, Cambodia, Germany, Netherlands, Russia, Scandinavia, Turkey, and the United States. Recent solo exhibitions include Yes, Angel (Galerie Suvi Lehtinen, Berlin) and The Rest Is Real (Vtape, Toronto); and group exhibitions Coming After (The Power Plant, Toronto) and Seemed Like A Good Idea At The Time (Or Gallery, Vancouver). In 2010 she completed a fellowship at the Kunsthochschule für Medien in Cologne, Germany under artist/filmmaker Matthias Müller. She holds a Masters of Visual Studies program from the University of Toronto. www.aleesacohene.com

"Evil.6" met en animation un montage d´extraits du discours "State of The Union" de George W. Bush. Ce texte est digne d´intérêt car Bush y insiste sur les raisons de la nécessité d´une guerre contre le régime de Saddam Hussein. Par la suite, les affirmations de Bush à propos des "Armes de destruction massive" iraquiennes et des connexions entre le régime iraquien et Al-Qaida ont été considérées comme très incertaines. Le texte est juxtaposé avec des images vidéo et des sons tirés de "Intelligence Failures", une oeuvre réalisée par un ami de l'auteur, Benj Gerdes, qui n´isole que les pauses entre les phrases du même discours, télévisé.

Tony Cokes est un post conceptualiste qui met en avant la critique sociale. Ses oeuvres son, vidéo et ses installations recontextualisent des matériaux qui ont été appropriés pour obtenir une réflexion critique sur notre production en tant que sujets du monde capitaliste. Les vidéos et installations multimédia de Cokes (qui sont parfois le fruit de méthodes de travail collaboratif) ont été présentées dans des expositions au Musée d´Art Moderne; MACBA, Barcelone, Espagne; Le Musée Whitney d´Art Américain; Documenta X, Kassel, Allemagne: Centre Georges Pompidou, Paris, France, Société pour l´Art Actuel, Brême, Allemagne; et au Musée Guggenheim Solomon R. Ses nombreuses projections lors de festivals comprennent le Festival International du Film de San Francisco, l`Institut Américain du Film, Le Festival du Court d´Oberhausen, Le Festival International du Film de Rotterdam, Et les Rencontres Internationales Paris-Berlin. Cokes enseigne au département de Culture Moderne à lUniversité Brown, Providence, RI

Evil.15: On Teflon Pt.1... 6:00 (2007). Le premier d'une série d'études sur "politique de l'effet". Dans cette première partie, un article connu du New York Times Magazine est redéployé pour encadrer le "hubris" et la rhétorique, les deux basé sur la foi, de l'administration américaine avant les élections de 2004. La bande originale commence par un morceau des Magnetic Fields "I Don't Believe You" pour donner un thème sous-jacent lyrique entraînant mais aussi tranchant. Il se termine par un assombrissement de la musique et une courte version instrumentale électronique par le group bavarois Lali Puna.

Tony cokes est un post-conceptualiste dont les pratiques mettent la critique sociale en avant plan. Ses vidéos, installations, et travaux sonores remettent en contexte des matériaux appropriés pour décisivement refléter notre production comme sujet du capitalisme. La vidéo de Cokes et ses travaux d'installations multimédias (qui parfois embrasse des méthodes de travail collectives) ont été montré dans des exposition à: The Museum of Modern Art, MACBA, Barcelona, Spain, the Whitney Museum of American Art, Centre Georges Pompidou, Paris, France, Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen, Germany, and the Solomon R. Guggenheim Museum. Ses nombreuses apparitions dans des festivals incluent: The San Francisco International Film Festival, Oberhausen Short Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Seoul Film & Net Festival, et les Rencontres Internationales Paris-Berlin-Madrid. Cokes enseigne dans le département de culture moderne et médias à la Brown University, Providence, RI.

Evil.66.2 The second video in a new trilogy within my larger "Evil”Series featuring selected quotes from the books of a well-known U.S. presidential candidate on a variety of subjects: from his rhetorical tactics, to his political opponents, to his views on borders, immigration, and other issues. Is all this a common tale of seduction and manipulation (or is it the self-deception of his supporters)?

Tony Cokes makes video and installation projects that reframe appropriated texts. The media works reflect upon capitalism, subjectivity, knowledge and pleasure. Sound always functions in his practice as a crucial, intertextual element, complicating minimal visuals. His works have been exhibited internationally at venues including Centre Georges Pompidou, Whitney Museum, Museum of Modern Art (NYC), SF MOMA, ZKM, Karlsruhe, Germany, and La Cinémathéque Française. Cokes has received fellowships from The Guggenheim Foundation, Rockefeller Foundation, and Getty Research Institute. He resides in Providence, RI where he is a Professor in the Department of Modern Culture and Media at Brown University.