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With 'MSR' we are set amidst the vast emptiness of the Kuwaiti desert where, to a great extent, the landscape has been claimed by two imperious industries, that is, the oil companies and the military machine that protects their interests. As they both make great effort to keep their stealthy activities concealed, the landscape, as we perceived it, is somehow being held hostage in a state of suspense… Located next to the 'Main Supply Route' (the route designated within an area of operations upon which the bulk of traffic flows — hauling beans, bullets and fuel — in support of military operations), we are confronted with a sequence of documentary footage that puts the focus on the travails and tactics of 'survivors', i.e. a pack of stray dogs that dwells within the boundaries of a dystopian world. In order to outlive an enraged desert storm, they seek shelter behind scattered pieces of waste and continuously dig holes in the sand, determined to withstand their antagonistic environment.

Wim Catrysse (°1973 born in Leuven, lives and works in Antwerp) gained a Masters degree in Visual Arts at the Higher Institute St-Lukas, Brussels in 1997. From 1997 to 2000, he followed a post-program course at the Higher Institute for Fine Arts (HISK) in Anvers followed by a one-year course at The Glasgow School of Art. Ever since the late 1990s Catrysse has been surveying the confines of visual constructions in his video installations, taking an architectural structure or the topographical features of a site as his starting point. He translates this investigation into cinematographic works in which the exposing and balancing of elementary forces play an essential role. The result is an accumulation of images that jerk us out of our comfort zone, that convey a physical threat, images that have about them something unheimlich and often unseat the obviousness of our most common perceptions. Moreover, Catrysse`s particular artistic method combines two apparently irreconcilable extremes: impulsiveness, physical directness, intuition and experimentation (almost nothing is worked out in detail beforehand) on the one hand and on the other an acute artistic and technical reasoning that can sometime lead to complex cinematographic image constructions.

Trois Rives is a portrait of an imaginary river. Crossing it from east to west, or taking a detour to the south, from red to green, from undergrowth to the city, to its industrial zone: the film attempts to map the workings and organization of our civilization through the time of flowing water. In terms of filmmaking intentions, each shot is filmed on foot to the very limit of its narrative, until the image is exhausted. I'm interested in this approach because it allows me to work on the entrances and exits of the field, the micro-events that are usually invisible. I like to show the landscape as it thinks. In any case, this is the feeling that duration can give the viewer, when the different relationships and transformations that exist within a landscape are brought to the fore. And I think that's the great strength of digital, the beauty of relationships.

Damien Cattinari was born in 1993 and lives in Marseille. After studying geology for 5 years, he graduated from the Lussas documentary school in Ardèche. Through the prism of poetry, his films and photos seek to explore the fragility of the environment, landscapes and the world yet to come. As was the case during his geological mapping campaigns, his visual research is above all concerned with finding a “contact zone”, an image where several worlds worlds meet and interact. Recent screenings include: ÉTATS GÉNÉRAUX DU DOCUMENTAIRE (2019), FESTIVAL INTERNATIONAL JEAN ROUCH (2019), DOC EN COURTS (2019), PREMIÈRES OEUVRES (2019), VIDEODROME 2 (2022), DOBRA FESTIVAL (2022), Mesa Lendit exhibition at 6b (2022) As well as a photographic exhibition Où sont les arbres at the Centre Géographie in Paris as part of the territoire en images festival (2022).

"Fog Walking" explore le thème du brouillard et de la nature de son inconsistence. Le brouillard défait la notion d'espace de ces coordonnées géographiques, de son histoire, et du temps. Le film décrit un voyage poétique sur le littoral de Biarritz, dans la baie de Biscay, lieu à caractère dramatique. Le personnage est invisible, mais on est conscient de sa présence grâce au bruit de ses pas. Le film est tourné de nuit et au petit matin, et présente un cycle d'images de vagues agitées rendues de façon abstraite par le brouillard, l'obscurité et les illuminations, les silouhettes d'immeubles et les monuments de la région de Biarritz. C'est là le décor qui a inspiré Igor Stravinsky, qui a vécu à Biarritz de 1921 à 1924. L'oeuvre emprunte sa bande-son à l'ouverture dramatique du ballet de Stravinsky "The Firebird Suite".

Ergin Cavusoglu est né en Bulgarie en 1968. Il a fait ses études à l'école nationale des beaux-arts "Iliya Petrov", à Sofia, dans les années 1980, puis il a obtenu un BA à l'université de Marmara, à Istanbul, et enfin un MA à Goldsmiths, à Londres, où il vit et travaille désormais. Il a représenté la Turquie à la cinquantième biennale de Venise en 2003 et a attiré l'attention d'un large public en 2004 en figurant sur la short list pour le Beck's Futures Prize. Parmi ses récentes expositions: Quintet Without Borders, Haunch of Venison, Zurich, Point of Departure, John Hansard Gallery, Southampton, Entanglement, Dundee Contemporary Arts, Dundee, huitième biennale d'Istanbul, British Art Show 6 et trosième biennale de Berlin. Cavusoglu fait partie des réalisateurs dont la proposition a été sélectionnée pour subvention pour développer le scénario d'un long métrage, sur une initiative du UK Film Council.

Taking place in a future that does not yet exist, NOTES FROM EREMOCENE questions the ideal techno-optimistic model that lies ahead of us. From a curious, playful and critical standpoint, filmmaker Viera ?ákanyová explores the potential of blockchain technology and artificial intelligence in dealing with complex global problems we humans create – climate change and the crisis of representative democracy. Combining diaristic film footage with 3D scanner images, ?ákanyová poetically and forcefully stresses the inherent tension between the analogue and digital future of mankind.

Viera ?ákanyová (b. 1980) studied scriptwriting at the Academy of Performing Arts in Bratislava and documentary filmmaking at FAMU in Prague. Her early feature documentaries won a number of awards, such as Best First/Second film at Visions du Réel and Best Documentary at German Documentary FF in Kassel. Her visual storytelling can be found in the films GOTTLAND (2014) or SLOVAKIA 2.0 (2014). FREM (2019) and WHITE ON WHITE (2020) are currently her most successful films. Her feature debut FREM had its world premiere at the Ji.hlava IDFF 2019 followed by its international premiere at the Berlinale 2020, and won the Award for Best Debut at the ELBE DOCK festival. The film was screened at more than two dozen important international film festivals around the world. Her subsequent film WHITE ON WHITE won the main prize at the Ji.hlava IDFF in 2020. It also won the GreenDox Award at Dokufest in Kosovo, the Czech Competition at One World in Prague and was selected for the main competitions at the prestigious Sheffield DocFest and ZagrebDox.

Il existe une manière de percevoir les choses ou de les observer qui n’implique pas les yeux. Quelque chose qui occulte le regard et qui va au-delà de la vision ordinaire. Le projet se déroule en une succession d’expériences filmées dans l’observatoire Camille Flammarion, à Juvisy-sur-Orge. L’idée conductrice du film repose sur les rapports entre la télépathie et l’astronomie, corrélat mystérieux qui hanta jusque la fin de sa vie les recherches du scientifique français Camille Flammarion (1842-1925). The Observatory est une exploration filmique qui fonctionne comme une tentative de réactivation du lieu. Les transmissions de pensées reflètent alors de manière métaphorique la structure du film, mais deviennent aussi au fur et à mesure son langage propre. La caméra enregistre et sonde au-delà du tangible, et le montage ne dépend pas d’un récit au sens strict mais plutôt des relations et des coïncidences qui se sont établies lors du passage de chacun dans cet observatoire. Il s’agit d’abord de faire éprouver à celui qui regarde le film, les tremblements et les incertitudes suscités par l’expérience télépathique, ou encore les vacillements du sentiment de réalité et d’identité qu’elle entraîne. Le spectateur est alors invité à pénétrer dans l’intimité du lieu et des personnages qui l’explorent, au travers de la synchronicité d’évènements qui les dépassent. Le 18 janvier 2016, un groupe composé d’une médium, de scientifiques et d’enquêteurs paranormaux est invité dans un observatoire en banlieue parisienne. Pendant plusieurs jours, ils tentent d’explorer le lieu au travers de leurs aptitudes spécifiques. Ignorant tout de cet observatoire, chacun réactive à sa manière l’histoire de ce lieu. Cet enregistrement vidéo constitue et documente cette expérience.

Vincent Ceraudo (1986, France) vit et travaille à Rotterdam. Son travail met en jeu la perception, la construction du réel, du rationalisme, de la culture et du capitalisme. A partir de divers enregistrements et images, videos, films, installations, photographies et textes, son travail est une tentative de révéler qui pourrais exister en dehors du dispositifs sensoriel humain. Son travail interroge un espace liminal qui existe dans l`écart qui sépare la perception et la réalité dite objective. Vincent a étudié à la Villa Arson à Nice, au Fresnoy Studio National des Arts Contemporains. Il est un résident de De Ateliers à Amsterdam (2016-2018) ainsi qu`un membre de la Skowhegan School of Painting and Sculpture, USA (2016) Son travail a été exposé à l`international comme récemment en 2018 Lo schermo Dell’Arte Film Festival à Florence en Italie, à la Fondazione Antonio Ratti à Como en Italie, à De Ateliers à Amsterdam, à la Station gare des mines à Paris, en 2017 à la faculté des sciences à Turin ( avec the institut of things to come et la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo), à la Maison Européenne de la Photographie à Paris, au centre d`Art de la VIlla Arson à Nice, au Centre Pompidou à Paris, au Skoweghan program space a New York, comme artiste invité au 62 ème Salon de Montrouge, à la cité des Arts à Paris, au Fresnou Studi National des Arts Contemporains, en 2015 au Palais de Tokyo, à la Fabricca Del Vapore à Milan, comme artiste invité de la foire Art-O-Rama à Marseille, à la Fondation Botin à Santander en Espagne, au MUMA Monsah university Museum à Melbourne en Australie. Vincent est finaliste en 2016 du Fresnoy studio collector prize, un lauréat de la bourse des Mécènes du Sud à Marseille en 2015, lauréat de la bourse de la Caza De Velazquez à Madrid, un lauréat du premier prix du show-room à Marseille durant la foire Art-O-rama à Marseille. Son travail fait partie de prestigieuses collections publiques et privées en France, en Italie, en Belgique et aux Pays-Bas.

When the flush of a newborn sun fell first on Eden`s green and gold, Our father Adam sat under the Tree and scratched with a stick in the mold; And the first rude sketch that the world had seen was joy to his mighty heart, Till the Devil whispered behind the leaves: "It`s pretty, but is it Art?" (?) Rudyard Kipling "F for Fake" est une vidéo sur la vérité, le mensonge, la contrefaçon et la condition d'auteur qui concerne à la fois l'art et la vie. Filipa César prend comme point de départ le dernier long-métrage d'Orson Welles et apporte une nouvelle dimension à cette meta-narration en introduisant 5 nouveaux personnages : un avocat, un acteur, un écrivain, un critique d'art et un cochon d'Inde qui jouent leurs propres rôles et incarnent les personnages Elmyr de Hory, Oja Kodar, Orson Welles, Clifford Irving, le cochon d'Inde, Monsieur Hugo, jouant Howard Hughes. Ce film présente un intéressant décalage entre le fond et la forme. Derrière une structure (post-)moderne, "F for Fake" laisse entrevoir un intérêt presque romantique pour le savoir faire et la signature de l'auteur. En s'inspirant des techniques de montage de la télévision, Filipa César présente une réalité qui dépasse les apparences. Ainsi, narration et mode de narration relèvent de niveaux différents. Il est ici question de la relation entre l'acte et l'actant et de l'attitude éthique qui en découle, c'est à dire, la valeur de l'auteur et le crédit chimérique accordé à la totalité symbolique au détriment de la dimension artistique. Pourtant, le montage dénote un monde parfaitement conscient de son appareil médiatique, qui altère la réalité en affichant ses propres outils. Ce monde qui est le nôtre, produit du cinéma et d'autres technologies, ne peut s'empêcher de regarder en arrière avec nostalgie. Il s'agit d'un monde schizophrène qui respecte et moque son héritage culturel, pictural et littéraire, et passe pourtant le plus clair de son temps à le commenter. En utilisant à son tour la vidéo pour commenter un dispositif cinématographique et en reprenant les propres techniques de montage du film, Filipa César pénètre dans l'ère électronique et finit ainsi ce qu'Orson Welles avait commencé. "F for Fake" devient un processus de juxtaposition et d'insertion où le spectateur n'est jamais à l'intérieur ni à l'extérieur du film dans la mesure où intérieur et extérieur sont depuis longtemps devenus de simples points de vue, pôles interchangeables de l'émetteur-récepteur.

Filipa César Born in Porto 1975 Lives and works in Berlin 1999 Graduated in Fine Arts ? Painting at the Fine Art Faculty, University Lisbon 1996 BA in Fine Arts ? Painting at the Fine Art Faculty, University Porto Grants and Prizes 2007 Fellow Artist, HFF Konrad Wolf, Potsdam 2005 Hauptstadtkulturfonds Berlin, Ringbahn Project 2003-04 Fundação Calouste Gulbenkian Grant, Berlin 2003 União Latina Preis, Lisbon 2002 Pépinières européennes pour jeunes artistes Grant, Bad Ems 2001 Post-Graduation ? DAAD Stipendium, Munique 2000 Young Creators ? Centro Nacional de Cultura Stipendium, Lisbon Solo Exhibitions 2007 Allee der Kosmonauten, Museu Atelier António Duarte, Caldas da Rainha (curated by David Etxeberria) Rapport Raccord, Distrito Cu4tro, Madrid 2006 Filipa César, Mai 36 Galerie, Zurich F for Fake and Ringbahn, Sint-Lukas Gallery, Brussels ( curated by Filip Luycky) 2005 Ringbahn, Serralves Museum, Porto (curated by João Fernandes) Berlin, Noga Gallery of Contemporary Art, Tel Aviv Ringbahn, Küchenstudio, Schaubühne am Lehniner Platz, Berlin F for Fake, Cristina Guerra Contemporary Art, Lisbon Aura, Galeria Espacio Distrito Cu4tro, Madrid 2004 Transmediterráneo, Centre d?Art Santa Mónica, Barcelona (curated by Miguel von Hafe Pérez) Berlin Zoo, Part 02, Project Space, Karlsplatz ? Kunsthalle Wien, Vienna Menschen Tiere Attraktionen, bergstueblPROJEKTE, Berlin 2003 Product Displacement, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon 2002 Sets for thoughts, Galeria Cristina Guerra, Lisbon Hotel, Emser Arkaden, Bad Ems SlowMotion, Estgad, Caldas da Rainha and Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon Group Shows (selection) 2007 Stream, White Box, New York (curated by João Silvério) Art Summer University, Tate Modern, London (curated by Manuel Saiz) Por Entre as Linhas, Museu das Comunicações, Lisbon ( curated by Isabel Carlos) Shot an go, Isola di San Servolo, Venice (curated by Raffaele Gavarro) In the Eye of the Storm, Kunstmuseum St. Gallen, St. Gallen (curated by Konrad Bitterli) Unversagt, Das Hotel Balzer!, Schloss Balmoral, Bad Ems (curated by Rainer Hofmann) Sines Local, Emmerico Nunes Cultural Center,, Sines (curated by Isabel Silva) 2006 Tales from the Travel Journal Vol. 1 CAC Vilnius (curated by Catherine Hemelryk) Concrete language, CAG, Contemporary Art Gallery, Vancouver ( curated by Christina Ritchie) Urban Spaces, Galerie Dina 4, Munique (curated by Patricia Drück) Das Fest, Residenz der Portugiesischen Botschaft in Berlin (curated by Ana Pinto) Diegesis, Schleswig Holsteinhause, Staatliches Museum Schwerin, 16. Filmkunstfest, Schwerin (curated by Nuno Faria) Sede e Museu da F.C.G: A Arquitectura dos anos 60, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon (curated by Ana Tostões) 2005 Portugal Novo: Artistas de Hoje e amanhã, Pinacoteca, São Paulo (curated by Alexandre Melo) Tableaux Vivants, Museu de Arte Contemporânea Serralves, Porto (curated by Ulrich Loock und Sandra Guimarães) Temporary Import, Artforum, Berlin (curated by Suzanne Titz) In Progress, 58. Internationales Film Festival in Locarno, Locarno Art Unlimited, Basel (curated by Simon Lamunière) Artstars-Shooting Star, ON25, Luxemburg (curated by Diana Baldon) 60th Anniversary of ONU, NUOI, Geneva (curated by Simonetta Luz Afonso) Portugal: Algumas Figuras, Alameda Art Laboratory (LAA), Mexico City (curated by João Pinharanda) 2004 Video Zone, 2nd International Video Art Biennial, Tel Aviv, Israel (curated by Sergio Edelsztein) Believe it or not, Kunstraum Kreuzberg / Künstlerhaus Bethanien, Berlin (curated by C. Burbaum, M. Röhrborn und O. Pietsch) Continental Breakfast, 45 October Salon, Cultural Center, Belgrade (curated by Anda Rottenberg) Close by (Time Space Architecture), Mai 36 Galerie, Zurich Re-Produtores de Sentido, SESC Rio, Rio de Janeiro (curated by Miguel Von Hafe Pérez) Carte Blanche, Théâtre des Salins (curated by Rui Pedro Morais) Video Shop, Intervenciones en la calle Alfonso, Zaragoza (curated by Pilar Cruz and Maribel Perpiñá) True Lies, Kallmann-Museum, Munique (curated by Reinhard Spieler) Arte Contemporânea na Assembleia: César, Queiroz, Sendas, Vasconcelos, Palácio de S. Bento, Lisbon (curated by Simonetta Luz Afonso) SESIÓN CONTINUAD VIDEO, Galería DV, San Sebastián, (curated by Margarita Sanchez) PØRTUGÅL- 30 artists under 40, The Stenersen Museum, Oslo (curated by Pedro Portugal) True Lies, Franz Gertsch Museum, Bern (curated by Reinhard Spieler) Meeting between 2 Collections: Serralves Foundation ? ?La Caixa? Foundation, Caixa Forum, Barcelona 2003 Off Loop`00, Post-Portugal, met. Room, Barcelona (curated by Pilar Cruz and Maribel Perpiñá) Otras alternativas. Novas experiencias visuales en Portugal, MARCO, Vigo (curated by David Barro) Trabalho, Centro de Artes Visuais, Coimbra (curated by Albano da Silva Pereira und Miguel Amado) Poetic Justice, 8. Istanbul Biennial, Yerbaten Cistern, Istanbul (curated by Dan Cameron) União Latina Prize, Culturgest, Lisbon Balmoral in Berlin, Landesvertretung Rheinland-Pfalz, Berlin Cutting Edges, ARCO, Madrid (curated by Miguel von Hafe Pérez) 2002 Video Lounge, Art Basel, Miami Contemporary Art from Portugal, European Central Bank, Frankfurt (curated by Pedro Lapa/ Heike Sutter) Video Zone, 1st International Video Art Biennial, Tel Aviv, Israel (curated by Miguel Wandschneider/ Catarina Campino) Seiten, Antiquariat Gundel Gelbert, Cologne Home Sweet Home, MAN, Nuoro (curated by Chiara Leoni) and then there were nine, Kulturamt in der Fruchthalle, Kaiserslautern (curated by Andrea Edel) Narrando Espaços, Tempo, Histórias?, XXVII Bienal de Arte de Pontevedra, Pontevedra (curated by Maria de Corral) Deutsches Eck, Galerie Václava Spály, Prag (curated by Jiri Suruvka) Expect the world, moi non plus, Sparwasser HQ and Parkhaus, Berlin (curated byAna Pinto) 2001 Voyager ? Experimenta Design, Lisbon (curated by Pedro Gadanho) Situation Zero, Yerba Buena Center for the arts, San Francisco (curated by René de Guzman) Night Visions ? Schnittraum, Ludwig Museum, Cologne (curated by Corinna Schnitt) Biberstein, César, Onofre, Sarmento, Sendas, Toscano, Galeria Cristina Guerra, Lisbon Streetwear, Galeria da Mitra, Lisbon (curated by Fransisco Vaz Fernandes) Milano Europa 2000 ? Anteprima Bovisa, Triennale, Milan , (curated by Alexandre Melo) Voyager-Experimenta Design, Milan, (curated by Pedro Gadanho) Disseminações, Culturgest, Lisbon (curated by Pedro Lapa) Ausgewählte Bibliographie / Bibliography (selection) Edelsztein, Sergio `Filipa César` Ice Cream, edited by Phaidon, 2007 Hemelryk, Catherine "Tales from the Travel Journal Vol. 1" edited by CAC Vilnius, 2006 Faria, Nuno, Diegesis, mit Essays von Antje Weitzel "Two or 3 Thing I know about her"; Nuno Faria "Raccord (on the diegesis project) edited by Fundação Calouste Gulbenkian, 2006 Cesar, Filipa, Ringbahn, essays by João Fernandes "Filipa César?s Video-situations: exception and rule", Ana Pinto "Mind the Gap" und David Gieselmann "Die Berliner Ringbahn" (eng. und port.), edited by Serralves Museum, 2005 César, Filipa, Belgradee Footnotes, mit einem Essay von Simone Homem de Mello (eng.) edited by Revolver, 2004 Spieler, Reinhard, In-between realities, in "True Lies. Lies and other trues in the contemporary photography", edited by Reinhard Spieler und Museum Franz Gertsch, 2004 Rottenberg, Anda, Continental Breakfast, 45th October Art Salon, edited by Cultural Center, Belgradee, 2004 Wandschneider, Miguel, Filipa César, in "Narrando Espacios, Tempos e Histórias... XXVIII Bienal de Arte de Pontevedra", edited by Deputación Provincial de Pontevedra, 2002 Wandschneider, Miguel, 9 Portuguese artists, 18 Video Works, in ?Video Zone, First International Art Biennial, Tel Aviv?, edited by Center for Contemporary Art, Tel Aviv, 2002 Lopes, Diogo, Berlin Zoo, in "Poetic Justice, 8. Istanbul Bienal", edited by Istanbul Foundation for Culture and Arts, 2003 Barro, David, Filipa César, in "Outras Alternativas visuais: Novas experiências visuais em Portugal", edited by Museo de Arte Contemporánea de Vigo, 2003 Silva Pereira, Albano / Amado, Miguel, Trabalho / Work, edited by Centro de Artes Visuais, 2003 Edel, Andrea, Observations from offstage, in "Sets for Thoughts", edited by Filipa César and Künstlerhaus Schloß Balmoral, 2002 Leoni, Chiara, Case: un Catalogo, in ?Casa Dolce Casa?, edited by Museo d?arte provincia di Nuoro, 2001 Lapa, Pedro, Disseminações, edited by Culturgest, 2001 Melo, Alexandre, Filipa César, in ?Milan Europa 2000?, edited by Electa, 2001

Des années après le début de l'exploitation minière, une ville autrefois rude et tranquille change radicalement. Koi, 22 ans, rentre chez lui pour la première fois depuis son départ pour l'université, avec une otite. Il rejoint sa mère, Tonet, pour attendre son père, aucun d’eux ne sachant si ce dernier pourra rentrer vivant à la maison après un accident dans le tunnel d'extraction. Alors que Koi renoue avec sa ville natale en lent dépérissement, il est confronté à la possibilité de perdre son père et son audition. En partie fiction, en partie expérience artistique, et brouillant volontairement la frontière entre les deux, "Here, Here" est une étude visuelle libre sur les paysages et les terrains, naturels et autres.

Joanne Cesario a grandi dans la province de Batangas (Philippines) et a déménagé dans le Grand Manille (Philippines) pour suivre des études de cinéma à l'université des Philippines. Aussi bien ses expériences d'enfance que ses engagements politiques ont profondément façonné ses convictions et sa sensibilité. Depuis 2013, elle travaille dans le domaine du cinéma, de l’édition, et de la photographie. Elle mêle des histoires personnelles et collectives à propos du travail, l'identité féminine, et des lieux et paysages en constante évolution. En 2020, son premier court métrage professionnel, "Here, Here", a été sélectionné pour la compétition Pardi di domani du Festival du film de Locarno (Suisse), et a reçu le Prix spécial du jury lors de la 68e édition des FAMAS – Filipino Academy of Movies Arts and Science Awards, aux Philippines.

Dans ce film-essai qui fait partie d`un projet de recherche en cours, "People are the mountain", l`artiste portugaise Filipa César revisite le travail de l`agronome guinéen Amilcar Cabral, de l`étude de l`érosion du sol de la région portugaise de l`Alentejo jusqu`à son engagement comme l`un des leaders du Mouvement Africain de Libération. A ce chemin de pensée se mêle la documentation du site d`une mine d`or expérimentale, gérée aujourd`hui par une compagnie canadienne et située dans la même zone qu`étudia Cabral à l`époque. Le film explore les définitions présentes et passées du sol comme une zone de dépôt de la mémoire, de la trace et de l`exploitation.

Filipa César est née au Portugal en 1975 ; elle vit et travaille à Berlin. Elle a étudié à la Faculté des Arts de Porto et de Lisbonne, à l’Académie des Arts de Munich et a obtenu le Master Art in Context de l’Université des Arts de Berlin (2007). Son travail interroge la relation poreuse entre l’image animée et sa réception publique. Intéressée aux aspects fictionnels du documentaire, et motivée par un désir de pointer le politique derrière l’image animée, l’artiste se situe entre le storytelling, la chronique, le documentaire et le film expérimental. Ses films – F for Fake (2005), Rapport (2007), Le Passeur (2008), The Four Chambered Heart (2009), et Memograma (2010) – ont été présentés à la 8e Biennale d’Istanbul, 2003 ; à la Kunsthalle Wien, 2004 ; au Serralves Museum, 2005 ; au Festival International du Film de Locarno, 2005 ; à la CAG- Contemporary Art Gallery, Vancouver, 2006 ; à la Tate Modern, 2007 ; au St. Gallen Museum, 2007 ; au SF MOMA, San Francisco 2009 ; à la 1ère Biennale d’Architecture de Venise, à la 29e Biennale de São Paulo et à Manifesta 8, Cartagena.

Transmission from the Liberated Zones prend comme point de départ le concept de « Zones Libérées », terme utilisé pour décrire les territoires de la Guinée-Bissau arrachés à la domination portugaise et gérés, pendant les 11 ans de la guerre de libération (1963-1974), par des militants de la Guerilla du Parti Africain pour l’Indépendance de la Guinée et du Cap-vert (PAIGC). Les témoins du film sont tous suédois et ont en commun d’avoir visité cette zone au début des années 70. Il s’agit du diplomate Folker Löfgren, de la cinéaste Lennart Malmer, de la cinéaste et psychologue Ingela Romare et de la femme politique Birgitta Dahl. Pour agencer documents et témoignages, aller et venir du passé au présent, Filipa César met en scène un jeune narrateur dont le corps et la voix deviennent les outils d’un voyage temporel.

Filipa César est une artiste et réalisatrice dont le travail explore la porosité entre les frontières de l’image en mouvement et sa réception, les dimensions fictionnelles du documentaire et l’économie, la politique et la poétique, inhérents au cinéma comme praxis. Une large partie des films expérimentaux de Filipa César se concentrent sur les spectres de la résistance dans l’Histoire géo-politique du Portugal, en questionnant les mécanismes de production de l’Histoire et proposent des espaces performatifs d’une approche subjective au savoir. Depuis 2011, Filipa César entreprend des recherches sur les origines du cinéma en Guinée-Bissau, son imaginaire et son potentiel, au travers d’une recherche collective initiée dans le projet Luta ca caba inda (La lutte n’est pas encore terminée). Elle a également participé aux projets de recherche Living Archive (20111-2013) et Visionary Archive (2012-2013) organisés par l’Arsenal - Institute for Film and Video Art - à Berlin.

"Au début était le tissage, et la transmission de son fonctionnement, une malédiction de la mortalité". Ainsi s'achève "Quantum Creole" par ces mots fabuleux du tisserand, Zé Interpretador. Alors que la technologie des cartes perforées, inventée à l’origine pour la production textile, fut fondamentale pour le développement de l’ordinateur, le code binaire est lui-même plus proche de l'acte ancien du tissage que de celui de l'écriture. "Quantum Creole" est un documentaire expérimental basé sur une recherche collective autour de la créolisation, ses forces historiques, ontologiques et culturelles. En se référant à la plus petite entité de toute interaction - quantum - le film utilise différentes formes d'images pour lire le potentiel subversif du tissage comme code créole. Les Créoles d'Afrique de l'Ouest tissaient des messages de résistance socio-politique dans les tissus, contrant ainsi les technologies et les langues des Colons. Alors que le nouveau visage de la colonisation se manifeste aujourd'hui sous la forme d'une image digitale, mise à jour de l'idée d'une terra nullius sous la forme d'une zone de libre échange ultra-libérale dans les îles Bijagos, celle-ci indique aussi la continuité de la violence qui a surgit il y a plusieurs siècles avec la création de postes du commerce des esclaves à ce même endroit, alors connue sous le nom des rivières guinéennes et du Cap Vert.

Filipa César est artiste et réalisatrice. Elle explore les dimensions fictionnelles du documentaire, les frontières poreuses entre le cinéma et sa réception, la politique et la poétique de l’image en mouvement. Sa pratique s’empare des médias comme des moyens d’étendre et d’exposer des contre-récits de résistance à l’historicisme. Depuis 2011, elle explore les origines du cinéma du Mouvement de libération africain en Guinée-Bissau, comme laboratoire d’une résistance aux épistémologies dominantes. En 2017, "Spell Reel", son premier film-essai de format long-métrage, est présenté en première mondiale dans la section Forum de la 67e Berlinale, Berlin (Allemagne). Ses travaux ont notamment été exposés et projetés à la 29e Biennale de São Paulo (Brésil) [2010]; à Manifesta 8, Cartagena (Espagne) [2010]; à la Haus der Kulturen der Welt, Berlin (Allemagne) [2011-2015]; au Jeu de Paume, Paris (France) [2012]; à la Kunstwerke, Berlin (Allemagne) [2013]; à Meeting Points 7 [2013-2014]; à la NBK – Neuer Berliner Kunstverein, Berlin (Allemagne) [2014]; au Hordaland Art Center, Bergen (Norvège) [2014]; à SAAVY Contemporary, Berlin (Allemagne) [2014-2015]; à Futura, Prague (République Tchèque) [2015]; à Khiasma, Paris (France) [2011, 2013 et 2015]; au Tensta Konsthall, Spanga (Suède) [2015]; au Mumok – Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Vienne (Autriche) [2016]; à la 8e Biennale Contour, Malines (Belgique); à Gasworks, Londres (Royaume-Uni) et au MoMA – Museum of Modern Art, New York (USA) [2017].

It is not about a question but a balloon is composed of installation and video. Throughout the work, the artist focuses on making a way of experience to unforget and evokes the details of what happened during the summer of 1989 through Su-Kyung Lim?s narration. She participated in the recording after correcting the wrong statements of the articles. The script is corrected by Sukyung Lim?s testimony. As a result, the narration of the video transmits mixed tenses: the past, the present and the future were arranged for the incident in 1989. In order to withdraw the fixed trust from the recorded history, one should have one?s own belief in incidents from the past through personal experiences. Hence it was concentrated to make a way of experience. This video is only to show a little incident against the propaganda heading somewhere with a timer attached to it. - Su-Kyung Lim went to Pyongyang when she was twenty-one. In order to participate in the 13th annual World Student Celebration, she traveled secretly on June 30,1989 without South Korean governments? knowledge. After the visiting North Korea, she was put in the prison due to violating the National Security Law.

Jeamin Cha was born in Republic of Korea in 1986, and studied fine art at Korean National University of Arts (BA) from 2005 to 2010. She also studied video at Chelsea College of Art and Design (MA), London. She researches the delicate conflict in significance between the individual and the social, visualising it in dramatic format. Her primary medium is video, she is making moving image works about the social and political dissension. She currently lives and works in London.

One on One is a documentary video piece based on a site in New Malden, London which is shared by a South Korean food market and a group of North Korean defectors. At this site there is a small office for establishing the exile government of North Korea. It shows an ironic situation where an unexpanded democracy movement coexists with busy distributive trucks and people try to be their apolitical selves, then, this is a video about how capitalism surround their radical life. It focusses on their dream of establishing a government in exile whilst pursuing a day to day business distributing food. The film is composed of separate fragments and micro-narratives that function as a kind of bait. This open narrative is intended to lead the audience into creating their own sense of story.

Jeamin Cha was born in Republic of Korea in 1986, and studied fine art at Korean National University of Arts (BA) from 2005 to 2010. She also studied video at Chelsea College of Art and Design (MA), London. She researches the delicate conflict in significance between the individual and the social, visualising it in dramatic format. Her primary medium is video, she is making moving image works about the social and political dissension. She currently lives and works in Seoul.

Née à Tours en 1978, elle s`engage dans des études artistiques à l`Ecole supérieure des Beaux Arts de Tours, puis à l`Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg où elle valide un diplôme de communication évènementielle, option scénographie qui se poursuivra par un post-diplôme à l`atelier numérique.

Pitou, jeune fille issue d`un quartier très populaire de Douala au Cameroun, suscite le respect et l`étonnement après avoir été reconnue meilleure joueuse dans un tournoi de football masculin. Symbole d`espoir pour tout un quartier, Pitou voudrait devenir une star mondiale du football.

Née à Tours en 1978, elle s`engage dans des études artistiques à l`Ecole supérieure des Beaux Arts de Tours, puis à l`Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg où elle valide un diplôme de communication évènementielle, option scénographie qui se poursuivra par un post-diplôme à l`atelier numérique.

Un chant d’oiseaux nous, ouvrant sur une forêt verdoyante un jour de pluie. Une langue de brume s’insinue lentement dans l’image et s’enroule autour des arbres. Des silhouettes humaines la traversent, paisibles malgré les flammes qui lèchent leurs vêtements. Ces âmes errantes fuient-elles quelque catastrophe urbaine ou font-elles partie du bestiaire de créatures merveilleuses peuplant les forêts ? Sont-elles des messagers de l’Apocalypse ou des martyrs, après un geste ultime de protestation ? Le cheval qui les observe sans broncher, tapis dans les fougères, se contente de renforcer l’inquiétante tranquillité de la scène sans donner de réponse. Julie Chaffort connaît bien ce sentiment, pour avoir tourné dans les forêts nombre de ses vidéos, la figure animale y étant quasi omniprésente. Pour l’artiste, le cheval est le « témoin privilégié de quelque chose que l’on arrive plus à percevoir en tant qu’humain ». Un témoin dans une partition tragi-comique nous menant d’un univers « intemporel » et obscur propre aux contes.

Les vidéos de Julie Chaffort mirent le paysage, le toisent et le parcourent ; on y croise des hommes au destin tragique et des héros aussi beaux que les chants qui les accompagnent – peut être pour en donner la mesure. Les gestes accomplis sont tout à la fois drôles et absurdes, l’avenir toujours incertain et les paroles s’envolent, attrapées par les branches d’une forêt ou englouties dans les eaux d’un lac. Les plans fixent les branches ; ils convoquent les tableaux de l’école de Barbizon où les bruns apparaissent comme chargés de bitume et les lumières s’accrochent aux pâtes colorées. Les récits s’écrivent entre les longs plans-séquence et se devinent dans les détails que la lenteur permet d’observer comme l’on admire une nature morte. L’artiste ouvre des univers parallèles, atemporels et insituables, où le monde se signale à nous par ses infimes déplacements et l’infinité de ses signaux – étrangement menaçants. Pour Julie Chaffort, le cinéma est un médium dominant, naturel, qu’elle choisit très tôt de développer, à l’école des Beaux-Arts de Bordeaux où elle étudie, puis auprès de Roy Andersson qu’elle assiste en Suède, et de Werner Herzog dont elle suit le séminaire à sa Rogue Film School à New-York. Elle expose en France et à l’international. Ses œuvres font parties de collections nationales et privées Julie Chaffort est née en 1982. Elle vit à Bordeaux et travaille partout.

ANIL Vidéo, Couleur, Son Stéréo, 11 min, HD, - 2025 Production : Centre d’art les Tanneries, Amilly Avec Anil et Antoine Roux-Briffaud Anil, jeune homme aveugle de naissance, s’abandonne aux gestes du danseur professionnel, Antoine Roux-Briffaud, soucieux et attentif à son partenaire de danse. Entre retenue et abandon, la chorégraphie exprime une tension entre l’intimité et l’altérité, illustrant un dialogue silencieux où le corps devient un médium de communication non verbal, une écriture en mouvement. Avec Julie Chaffort, le corps redevient un territoire d’exploration, un espace de résonance où la danse mène à une réappropriation de soi. Le spectateur, témoin de cette libération progressive, est lui-même invité à éprouver ces gestes chorégraphiés et à ressentir ce corps en mouvement. Ainsi guidé, touché et mis en mouvement, le corps s’éveille pour reprendre peu à peu conscience de sa présence dans l’espace et au monde. Les doigts frétillent, les yeux pétillent et des sourires se dessinent aux rythmes de gestes inattendus et des libérations progressives du corps qui semble nous rappeler qu’il ne doit en rien être réparé ou compensé, mais plutôt admiré et aimé.

Née en 1982, Julie Chaffort vit et travaille à Bordeaux. Artiste pluridisciplinaire, elle explore le cinéma, la vidéo, la performance et la musique grâce à des œuvres immersives, poétiques et sensibles. Plaçant la rencontre avec l?autre au cœur de son processus de création, Julie Chaffort, en tant qu?exploratrice curieuse, navigue et dialogue avec son environnement, provoquant des situations drôles, surprenantes, émouvantes ou fantasques. Elle met ainsi en scène des présences humaines, animales ou encore végétales qui spontanément interagissent, se connectent et entrent en communion les unes avec les autres. Déplaçant le regard à travers cette idée de « pas de côté », l?artiste décale les perspectives habituelles pour ouvrir vers de nouvelles perceptions. En jouant sur l?étrangeté, l?humour et l?absurde, elle invite le spectateur à questionner ses repères et à envisager l?altérité sous un angle nouveau. Tournées en plan séquence, la plupart du temps au sein de paysages naturels, des scènes imprévisibles aux temporalités étirées se font jour face à l?objectif de la caméra qui, à l?image d?un témoin silencieux et immobile, observe patiemment la scène et contemple la fragilité de l?instant. Julie Chaffort est lauréate de plusieurs prix dont le « Prix Bullukian » de la fondation Bullukian, le prix « Talents Contemporain » de la fondation François Schneider, le prix des amis des Abattoirs « Mezzanine Sud », le prix Mécènes du Sud Montpellier-Sètes; elle a été finaliste par deux fois des « Audi talents Awards". Ses oeuvres figurent dans les collections du Frac MECA Nouvelle-Aquitaine, Frac Artothèque Nouvelle- Aquitaine, Frac de la Réunion, Frac Occitanie. Ses films sont diffusés en festivals notamment au FID Marseille.

Hot-Dog est composé de tableaux teintés d`étrangeté, de surréalisme et de scènes absurdes qui se répètent et reflètent un monde décadent et jubilatoire. Vassivière, son paysage hivernal et les rives lunaires du lac se sont naturellement imposés comme toile de fond pour écrire ce film. Hot-Dog, met en scène des situations incongrues où les personnages se confrontent à la nature et à l?artifice. Le film nous invite à suivre les déambulations d?Ignatius, personnage qui pousse un chariot à hot-dog sur les rives du lac transfigurées. La brume épaisse et la neige laissent planer une ambiance mystérieuse voire mélancolique qui nous fait perdre tout repère. Le paysage devient alors source de contemplation et de danger, théâtre d?un songe, voire d?une hallucination.

Diplômée de l?Ecole des Beaux-Arts de Bordeaux en 2006, Julie Chaffort s?est consacrée à la pratique cinématographique dès la fin de ses études. Elle a écrit, réalisé, produit, monté et diffusé Some Sunny Days et Wild is the Wind, deux longs-métrages de fiction, avant de suivre et d?obtenir en 2010 le Werner Herzog`s Rogue Film School Diploma à New-York. Elle travaille ensuite avec le réalisateur Roy Andersson à Stockholm, puis est sélectionnée en tant que cinéaste au Centre International d`Art et du Paysage sur l`île de Vassivière où elle réalise son nouveau film Hot-Dog. Son travail, orienté vers le cinéma, comprend également une dimension plastique où se mêlent installations et performances ; sa dernière oeuvre ?BANG !?, est une installation monumentale composée d?une trentaine de pianos effondrés les uns sur les autres, scène de désolation spectaculaire, presque burlesque.

"L’odeur des fauves en nous". L’oeuvre s’inscrit dans la démarche assurément poétique de Julie Chaffort qui imagine et fabrique des situations relevant de l’instant magique. Les ingrédients sont le vivant, le chant, la musique, la visibilisation de corps contraints à une trop grande discrétion. Au coeur de ces situations aussi fascinantes que troublantes, Julie Chaffort filme les relations qui existent entre les terrestres (l’ensemble des êtres vivants, sans hiérarchie), les éléments (eau, terre, air et feu), les voix, les sons et les musiques qui prolongent les corps. Le chant des oiseaux, la voix d’une humaine, la puissance d’une chorale, le râle du vent. Les animaux (humain.es compris.es) interagissent avec ferveur et tendresse avec les arbres, la neige, les rivières, les sols. Pensées comme des scènes refuges où les corps existent librement, exultent et s’expriment, les oeuvres réveillent des émotions et des sentiments profondément inscrits dans nos chairs terrestres : l’attention, l’inquiétude, l’écoute, l’amour, la perte, la sensibilité, l’absence, la jouissance, la vulnérabilité ou encore le réconfort. Un ensemble d’états qui nous attache les un.es aux autres et qui rythme les cycles d’une longue métamorphose commune aux êtres visibles et invisibles qui peuplent le vivant.

Pour Julie Chaffort, le cinéma est un médium dominant, naturel, qu’elle choisit très tôt de développer, à l’école des beaux-arts de Bordeaux où elle étudie, puis auprès de Roy Andersson qu’elle assiste, et de Werner Herzog dont elle suit le séminaire à sa Rogue Film School. Les vidéos de Julie Chaffort mirent le paysage, le toisent et le parcourent ; on y croise des hommes au destin tragique et des héros aussi beaux que les chants qui les accompagnent – peut être pour en donner la mesure. Les gestes accomplis sont tout à la fois drôles et absurdes, l’avenir toujours incertain et les paroles s’envolent, attrapées par les branches d’une forêt ou englouties dans les eaux d’un lac. Les récits s’écrivent entre les longs plans-séquence et se devinent dans les détails que la lenteur permet d’observer comme l’on admire une nature morte. L’artiste ouvre des univers parallèles, atemporels et insituables, où le monde se signale à nous par ses infimes déplacements et l’infinité de ses signaux – étrangement menaçants. En 2013, Julie Chaffort expose au Centre International d’Art et du Paysage de Vassivière, le film « Hot-Dog », moyen-métrage qu’elle y a réalisé la même année en résidence. L’année suivante, elle présente sa première exposition personnelle « Jour Blanc » au Centre Clark de Montréal, avec des installations vidéos et sonores créées in situ. En 2015 lors de sa résidence à Pollen à Monflanquin, elle réalise le moyen-métrage « La barque silencieuse » ; ce film, « aussi facétieux qu’émouvant, aussi déroutant que respectueux de tout ce qui s’offre à voir et à entendre » pour Jean-Pierre Rehm, est sélectionné en 2016 en compétition française et premier film au FID Marseille. Il est également projeté à la galerie Thaddaeus Ropac à Paris Pantin lors de l’exposition Jeune création 66ème édition et remporte deux prix indépendants, avec deux expositions à la clé, l’une pour la Progress Gallery, « Entre chiens et loups », et l’autre pour la galerie du Pavillon à Pantin, « Les cowboys », sélectionné également au FID 2017. Julie Chaffort remporte en 2015 le prix Bullukian et crée « Somnambules », une exposition personnelle présentée à la fondation. L’artiste a été lauréate du prix « Talents Contemporains » 2015 de la fondation François Schneider pour l’oeuvre « Montagnes Noires » et obtient la même année, le prix Mezzanine Sud et expose au Musée des Abattoirs de Toulouse. Le film « La barque silencieuse » entre en 2017 dans la collection du FRAC Aquitaine ainsi que la vidéo « Nostalgia » dans celle du FRAC Occitanie Toulouse. En 2018, Julie Chaffort est lauréate du prix Mécènes du Sud Montpellier-Sète et obtient en 2019 la bourse de soutien à la création du CNAP pour l’élaboration de son projet vidéo « PRINTEMPS » dont une exposition monographie du même titre est présentée à l’ancien palais épiscopal des musées de Béziers avec le soutien de Mécènes du Sud Montpellier-Sète en 2020. Son dernier film « Légendes » a fait partie de la compétition officielle française et la compétition CNAP du FIDMarseille 2020.

“Pour la peau” is a very sensual film. The whole film is a love poem. A love poem to life. It's an ode to the animal, but also to the craftsman who works in the shadows to make his object. Julie Chaffort highlights man's relationship with animals, with their skins, and the delicacy they share with each other. It's a film that plays with the codes of cinema. It's not a documentary, but some of the images are. Sometimes the editing is clip-like, but it's not either. The soundtrack was composed by the Cabadzi duo. The film is edited like a slam, changing register and rhythm according to the characters, locations, songs, music and animals.

Julie Chaffort, born in 1982, lives and works in Bordeaux, France. Working in the fields of cinema and contemporary art, Julie Chaffort is particularly interested in the vastness and emptiness of natural territories, their deserted and abandoned aspect; her films and videos are inhabited by a certain slowness, inviting us to listen and contemplate, but also playing on the registers of the absurd, the fall, the surprise and the shift. For Julie Chaffort, cinema is a dominant, natural medium, which she chose early on to develop, at the Bordeaux School of Fine Arts where she studied, then with Roy Andersson whom she assisted, and with Werner Herzog whose seminar she followed at his Rogue Film School in New York. In 2013, she exhibited at the Centre International d'Art et du Paysage de Vassivière Hot-Dog, a medium-length film she had made there the same year during a residency. The following year, she presented her first solo exhibition Jour Blanc at Montreal's Centre Clark, featuring video and sound installations created in situ. In residence at Pollen in Monflanquin 2015, she made the medium-length film La barque silencieuse; this film, “as facetious as it is moving, as puzzling as it is respectful of everything that offers itself to be seen and heard” for Jean-Pierre Rehm, was selected in 2016 in French competition and first film at FID Marseille. It was also screened at the Jeune création 66ème édition exhibition at Galerie Thaddaeus Ropac Paris Pantin and won two independent awards, with two exhibitions in 2016, one at Progress Gallery, Entre chiens et loups, and the other at Galerie du Pavillon in Pantin, Les cowboys. Julie Chaffort has also won numerous other prizes, associated with exhibitions: the 2015 “Talents Contemporains” prize from the François Schneider Foundation for the work Montagnes Noires with an exhibition in 2017, the 2016 “Mezzanine Sud” prize from the Frac Midi-Pyrénées associated with the CIC Sud-Ouest with an exhibition in 2016-2017 at Les Abattoirs in Toulouse, and the 2016 Bullukian prize for which Julie Chaffort created Somnambules for an exhibition at the Bullukian Foundation in Lyon. In 2018, Hunt was shown at La Poudrière in Bayonne, and in the same year, she won the Prix Mécènes du Sud Montpellier/Sète. Most recently, she took part in the second edition of the biennial Movimenta festival in Bayonne, and in the residency for the Paysages en Mouvement exhibition (Médoc).

SANDRA Vidéo, Couleur, Son Stéréo, 24 min, HD, - 2025 Production : PETIT FOX avec le soutien dy Centre d’art les Tanneries, Amilly Avec Sandra et Antoine Roux-Briffaud Sandra, jeune femme en situation de handicap moteur, danse au sol avec le danseur professionnel, Antoine Roux-Briffaud. Couchés sur un sol de terre, les danseurs, tels des végétaux explorants leur territoire et tentant de prendre racine s’éveillent doucement, s’enlacent, s’entrelacent, progressent lentement et délicatement dans leur exploration sensorielle. Ces mouvements initiatiques guident la protagoniste vers de nouveaux possibles, parmi les confins de son territoire intérieur – à l’image d’une chanson-itinéraire qui conduit les Aborigènes Australiens au-delà de leurs contrées, vers des ailleurs inexplorés. Le visible et l’invisible sont ainsi confondus : à travers le chant ou la danse, le monde devient une traduction intuitive via une autre forme de langage – qu’elle soit visuelle, sonore, ou encore gestuelle.

Née en 1982, Julie Chaffort vit et travaille à Bordeaux. Artiste pluridisciplinaire, elle explore le cinéma, la vidéo, la performance et la musique grâce à des œuvres immersives, poétiques et sensibles. Plaçant la rencontre avec l?autre au cœur de son processus de création, Julie Chaffort, en tant qu?exploratrice curieuse, navigue et dialogue avec son environnement, provoquant des situations drôles, surprenantes, émouvantes ou fantasques. Elle met ainsi en scène des présences humaines, animales ou encore végétales qui spontanément interagissent, se connectent et entrent en communion les unes avec les autres. Déplaçant le regard à travers cette idée de « pas de côté », l?artiste décale les perspectives habituelles pour ouvrir vers de nouvelles perceptions. En jouant sur l?étrangeté, l?humour et l?absurde, elle invite le spectateur à questionner ses repères et à envisager l?altérité sous un angle nouveau. Tournées en plan séquence, la plupart du temps au sein de paysages naturels, des scènes imprévisibles aux temporalités étirées se font jour face à l?objectif de la caméra qui, à l?image d?un témoin silencieux et immobile, observe patiemment la scène et contemple la fragilité de l?instant. Julie Chaffort est lauréate de plusieurs prix dont le « Prix Bullukian » de la fondation Bullukian, le prix « Talents Contemporain » de la fondation François Schneider, le prix des amis des Abattoirs « Mezzanine Sud », le prix Mécènes du Sud Montpellier-Sètes; elle a été finaliste par deux fois des « Audi talents Awards". Ses oeuvres figurent dans les collections du Frac MECA Nouvelle-Aquitaine, Frac Artothèque Nouvelle- Aquitaine, Frac de la Réunion, Frac Occitanie. Ses films sont diffusés en festivals notamment au FID Marseille.

HUNT_ Figurant. Personne chargée de tenir un emploi secondaire, généralement muet, et, le plus souvent, dans un groupe tenant le même rôle. Par analogie Personne qui, dans la société, tient un rôle dont l’importance n’est qu’apparente et non effective. Ce qui caractérise le plus le travail de Julie Chaffort, c’est le refus des figurants. Même ceux qui nous tournent le dos, ceux qui marchent trop loin pour que l’on distingue leurs traits ou ceux qui se dissimulent derrière les fougères, ceux qui apparaissent masqués ou ceux qui conservent le silence, tous ceux-là sont des personnages et non des figurants. Et même le buisson aux reflets roux, qui rampe sous la pluie. C’est toute la grâce du film de Julie Chaffort de nous rappeler que chaque détail est signifiant : les frottements que les gants des boxeurs produisent quand ils s’entraînent à ne pas prendre de coups, le rythme doux des gouttes de pluie dans les arbres de la forêt, les gestes de goéland dans les violents rouleaux océaniques pour continuer à résister. "Hunt" est un film réalisé avec des jeunes en situation de rupture et des habitants du pays basque.

Les vidéos de Julie Chaffort mirent le paysage, le toisent et le parcourent ; on y croise des hommes au destin tragique et des héros aussi beaux que les chants qui les accompagnent – peut être pour en donner la mesure. Les gestes accomplis sont tout à la fois drôles et absurdes, l’avenir toujours incertain et les paroles s’envolent, attrapées par les branches d’une forêt ou englouties dans les eaux d’un lac. La vacuité des territoires impose à l’artiste des images qu’elle fait naître de façon sensible, voire irraisonnée. L’artiste ouvre des univers parallèles, atemporels et insituables, où le monde se signale à nous par ses infimes déplacements et l’infinité de ses signaux – étrangement menaçants. Aussi l’artiste réussit-elle l’exploit de ramener le sujet humain au même niveau que le paysage dans lequel il se trouve ; changeants et imprévisibles, l’un comme l’autre communiquent au-delà du langage, à l’aide de signes pluriels et non autoritaires que les films nous invitent à recomposer. Pour Julie Chaffort, le cinéma est un médium dominant, naturel, qu’elle choisit très tôt de développer, à l’école des beaux-arts de Bordeaux où elle étudie, puis auprès de Roy Andersson qu’elle assiste, et de Werner Herzog dont elle suit le séminaire à sa Rogue Film School à New-York. En 2015, elle réalise le moyen-métrage La barque silencieuse, sélectionné en 2016 en compétition française et premier film au FID Marseille. Il est également projeté à la galerie Thaddaeus Ropac à Paris Pantin lors de l’exposition Jeune création 66ème édition et remporte deux prix indépendants. Julie Chaffort obtient en 2015 le prix Bullukian, puis le prix «Talents Contemporains 2015 » de la fondation François Schneider. Elle obtient l’année suivante le prix Mezzanine Sud et en 2018, elle est lauréate du prix Mécènes du Sud Montpellier/Sète.