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// Organizizied >> Si l'on prend en compte la nouvelle manière narrative qui soulève les systèmes de l'édition non-linéaire, la manipulation de l'image, le son provenant de débit de données digitales, les discours qui font référence à ces concepts et ces raisons qu'ils alimentent avec des disciplines telles que la vidéo ou le film contemporain, tout ce qu'ils ont, de toute évidence, modifié de façon dramatique. Dans ce cas nous pouvons analiser un exemple d'expérience visuelle / transition de l'action absurde au contrôle d'une auto électrique-mécanique et d'une discussion inspirée par le dialogue entre Travis Bickle et Betsy, repris du film "Taxi Driver". Au début "Organezizied" rappelle une histoire d'amour qui s'est terminé en un vide créée par cette étrange relation. Le dialogue opère en tant que véritable conducteur de la voiture électrique, et les actions décrites pendant la vidéo, comme un outil, gouvernent et contrôlent toute dynamique comme un axe apparent de l'oeuvre; parce qu'il traite et il manipule l'image en mouvement, prolongeant et amplifiant les signes dans un discours primaire et linéaire, ou il localise simplement ces fonctions avant l'annulation totale et le silence.

Ricardo Caballero >> Vit et travaille à Mexico. Il a étudié la Psychologie pendant deux ans. Plus tard, il étudie afin d'obtenir un diplôme d'Arts Plastiques. Il a aussi pris des cours de composition, de musique électro-accoustique et de programmation de Max/Msp. Il a collaboré au fondement de groupes expérimentaux tels que "Domestica" et "PORO", et il est le pionnier de "Noise" au Mexique, créant le concept "Reallovedestroys". Il a été titulaire d' une bourse de la "FONCA" en 2002 et de l' "Institut de Culture" en 2001. Ses improvisations sonores et vidéos expérimentales sont apparues aux Universités de Mexico, Barcelone, Lisbonne, Houston, Erlangen, et de nombreux Festivals dans le monde.

The road trip of a mother and her daughter through strange worlds. The daughter wants to kill herself and the mother will try to talk her out of it.

Sergio Caballero is the co-director and art director of Sónar, festival of music, creativity & technology. His creativity and artistic restlessness has manifested itself across many creative fields, such as the composition of electronic music, visual arts and conceptual art, cinema and has found its platform across the media in the ever controversial and powerful Sónar advertising campaigns.

« After Apocalypse Now : Martin Sheen (The Soldier) » déconstruit l'idéal masculin de l'anti-héros, ici interprété par une femme philippine, et le/la place dans les lieux originaux du film « Apocalypse Now ». Le film examine ainsi les problèmes et les contradictions présents dans les processus d?identité de la période post-coloniale. Dans les années 1970, Francis Ford Coppola avait choisi les paysages philippins comme arrière-plan idéal pour son célèbre film. Ces paysages ont été utilisés pour représenter d'autres pays d'Asie comme le Vietnam ou le Cambodge, et ont été convertis en un scénario ayant fonction de représentation de l?image occidentale de l'exotisme asiatique. À la fin, les Philippines sont transformées en un non-lieu oriental et leur identité passe inaperçue. « Mon film n'est pas sur le Vietnam. Il est le Vietnam », avait déclaré Coppola lors de la présentation du film. Si nous réussissons à transmettre l?idée que le cinéma est un miroir à travers lequel de nombreuses générations ont cherché à construire leurs rôles identitaires, cette trilogie remettrait en question l?équivalence indiscutée entre les différents modèles de masculinité et le corps biologique spécifique, une équivalence que les discours cinématographiques mainstream ne font qu?intensifier.

Helena Cabello et Ana Carceller développent depuis le début des années 90 une oeuvre multidisciplinaire, utilisant différents médias et interrogeant notamment les rapports de genres et les modes de représentation majoritaire. Leurs travaux ont notamment été présentés aux expositions "Global Feminisms", Brooklyn Museum, NY ; "The Screen Eye or The New Image" au Casino Luxembourg - Forum d'art contemporain, "Cooling Out" à la galerie Lewis Glucksman (Cork, Ireland), et "Utopies Quotidiennes" à La Centrale Électrique, Bruxelles. Helena Cabello et Ana Carceller ont également exposé au Centre d'art la Panera, Lleida ; à la Halle für Kunst, Lüneburg ; au Centro Cultural Conde Duque, Madrid ; au CGAC, Santiago de Compostela ; au Museo Patio Herreriano, Valladolid ; à la Fundación la Caixa / Fundación Serralves, CaixaForum, Barcelona, ; au Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria ; au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid ; au Centro Galego de Arte Contemporànea, Santiago de Compostela ; au Centre d'Art Santa Mònica, Barcelona et au Museo Patio Herreriano, Valladolid.

"Ejercicios de poder" explore la dynamique du pouvoir et de la subordination qu'impliquent les structures de genre du capitalisme. Tourné dans une usine de tabac désaffectée, le projet analyse la mise en scène du comportement masculin dans un environnement de travail en reconstituant des scènes célèbres jouées par Liam Neeson ("La liste de Schindler"), Fred MacMurray et Jack Lemmon ("La garconnière")réinterprétées pour l'occasion par deux actrices non-professionelles. Le résultat est ambigu, et traite des question d'organisation sexuelles dans les sociétés capitalistes tout en suggérant une attraction sous-jacente générée par les stratégies de pouvoir et en proposant de nouvelles lectures de la beauté, loin des stéréotypes de la féminité. Cette oeuvre fait partie d'une recherche plus large sur les aspects contradictoires de la masculinité et déconstruit l'idéal de la beauté Hollywoodienne, qui a séduit et subjugué de nombreuses sociétés. La trilogie composée de "Casting: James Dean (Rebel Without a Cause)", "Exercises of Power", et "After Apocalypse Now: Martin Sheen (The Soldier)" vient renforcer cette idée en utilisant comme point de départ des films cultes d' Hollywood.

Depuis le début de leur collaboration au début des années 1990, Helena Cabello et Ana Carceller développent une oeuvre multidisciplinaire, utilisant différents médias pour interroger les moyens de représentation hégémoniques et suggérer des alternatives critiques. Une part importante de leur travail est liée aux aspects contradictoires de la construction de la masculinité et à la déconstruction des canons de beauté hollywoodiens qui ont séduit tant des sociétés. Leurs travaux ont notamment été présentés aux expositions "Global Feminisms", Brooklyn Museum, NY ; "The Screen Eye or The New Image" au Casino Luxembourg - Forum d'art contemporain, "Cooling Out" à la galerie Lewis Glucksman (Cork, Ireland), et "Utopies Quotidiennes" à La Centrale Électrique, Bruxelles. Helena Cabello et Ana Carceller ont également exposé au Centre d'art la Panera, Lleida ; à la Halle für Kunst, Lüneburg ; au Centro Cultural Conde Duque, Madrid ; au CGAC, Santiago de Compostela ; au Museo Patio Herreriano, Valladolid ; à la Fundación la Caixa / Fundación Serralves, CaixaForum, Barcelona, ; au Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria ; au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid ; au Centro Galego de Arte Contemporànea, Santiago de Compostela ; au Centre d'Art Santa Mònica, Barcelona et au Museo Patio Herreriano, Valladolid.

A scaffold and a wooden stage were designed by Cabello/Carceller and built in the cold store of the old slaughterhouse at Matadero Art Centre. A graffiti, ?Ask and tell?, dominated the platform where something had happened: the shooting of a musical short film where the leading characters were prisoner women from one of Madrid most important Penitentiaries. Off Escena: If I Were... suggests a reflection and collective action that works around the poetics of inclusion and exclusion in current neoliberal capitalist societies. Freedom, gender, economy and social violence are visually present on this video that ends with a version of the song If I Were a Rich Man, sung in the film Fiddler on the Roof by the character of patriarch Teyve. If I were.., is an incomplete sentence that, when recreated with new lyrics an music by four prisoner women, invites to reflect: would they be in prison if they had been men and rich? A critical approach to the current situations of domination that avoids the original film pro-system assimilationism, and which is now related to the experience of alternative lives and to the knowledge that we should not abandon the dream of achieving a more egalitarian world.

Cabello/Carceller (Helena Cabello and Ana Carceller) currently live and work in Madrid. Primarily concerned with issues of gender (de)construction and their intersection with space and cinema as contexts in which patterns of behaviour and the regulation of the gaze are built, Cabello/Carceller have been working together as a team on a regular basis since 1993. During the last years, their work has been included in group exhibitions such as Reality and Fiction in MMOMA in Moscow, 2011; Handlung: On Producing Possibilities, Bucharest Biennale 4 in Romania, 2010, Nuevas Historias. New View of Spanish Photography, at Kulturhuset (Stockholm, 2008), Stenersen Museum (Oslo, 2009) and Kuntsi Museum of Modern Art (Vaasa, Finland, 2010), Cooling Out at the Lewis Glucksman Gallery in Cork (Ireland, 2008), The Screen Eye or The New Image, at Casino Luxembourg (Luxemburg, 2007) or Global Feminisms at the Brooklyn Museum, New York, 2007. Among their solo shows: Off Escena: Si yo fuera? in Abierto x Obras, Matadero Madrid (2011) or Archivo: Drag Modelos at Joan Prats gallery, Barcelona and CAAM, Las Palmas de Gran Canaria (2011); Suite Rivolta, at Elba Benítez gallery (2011), A/O (Caso Céspedes), Sevilla, 2010.

Hendrik Verwoerd in an experiment he carried out in the 1930’s named ‘A Method for the Experimental Production of Emotions’ uses various combinations of colours and symbols to elicit in his test subjects various emotions. Verwoerd studied as a psychologist before ever entering into politics, even achieving a doctorate magna cum laude. His highly mediatic experiment goes on to succeed in its ambitions in creating: “compassion, shame, embarrassment, malicious joy, anger and vexation.” Flatland emerges from research into this experiment and how its outcomes could be overlaid onto the propaganda and media manipulation during the apartheid regime. Flatland takes the audience through a performance-lecture that traverses the research into the psychological experiments while overlaying juxtaposing them onto South Africa’s past and present. Simultaneously it makes a case for how language and emotion is used by politics today to control the masses.

Eduardo Cachucho is an artist and architect based in Brussels and Johannesburg. He is interested in how national, and trans-national, infrastructural developments can have long lasting rippling effects from their implementation. Delving into detailed historical research into specific topics, he collects references of historical events, documents, catalytic events, archival materials. These elements often find themselves in critical events that over time lose their importance, or blur their meanings and effects, or even change in their meaning of significance over the decades. His works act as interventions that reinforce or put into question these elements. Simultaneously his interest in performance and video work allow another entry-point into said research material and works, often being condensed into a performative action symbolising core elements of the research, presented as performance and video pieces within an installation.

L' oeuvre dure quatre-vingt-dix minutes. Elle est formée de dix-sept parties, les quatre-vingt-dix minutes étant divisées d'une façon pour les cordes et les percussions, et d'une autre façon pour les bois et les cuivres. Ces divisions ainsi que tout autre événement dans 103 sont le fruit d'un emploi exhaustif des opérations de hasard issues du I-Ching. 103 n'est pas l'expression de sentiments ou d'idées personnelles. J'ai souhaité libérer les sons de mes intentions afin qu'ils ne soient que des sons, c'est-à-dire eux-mêmes. Pour ce faire, les musiciens doivent rester attentifs, pendant qu'ils jouent, à ce qu'ils font, précisément en écoutant chaque son qu'ils produisent, comment il naît, se maintient et s'éteint. Le concert ne sera pas dirigé, des chronomètres sur vidéo servant de repère temporel. One 11 est un film dépourvu de sujet. Il y a de la lumière mais aucun personnage, aucun objet, pas d'idées concernant la répétition ou la variation. Il s'agit d'une activité sans signification qui est néanmoins communicative, comme la lumière elle-même.

Né à Los Angeles le 5 septembre 1912 ; mort à New York le 12 août 1992. Compositeur américain. Il étudie le piano avec F. Ch. Dillon à Los angeles et avec Lazare-Levy à Paris ; le contrepoint avec H. Cowell et la composition avec Schönberg à l'Université de Californie. Il n'adopte pas le dodécaphonisme et développe ses propres procédures expérimentales. Ses premières ?uvres pour "piano préparé" ou pour instruments à percussion remontent aux années 1930. Le piano préparé est une des tecniques les plus spectaculaires et efficaces de Cage. Il s'agit de disposer des objets divers sur les cordes du piano. Non seulement ces objets altèrent le son, mais en se déplaçant au gré des vibrations, rendent imprévisibles les effets sonores. En1951 il compose des ?uvres comme lmaginary Landscape n° 4 avec 12 appareils de radio et 24 exécutants. Ses interventions en Europe en 1954, 1957 et 1958 suscitent l'intérét immédiat des avant-gardes musicales qui décèlent une présence inquiétante et une source de réflexions.

How does one transform during wartime? In WE LIVED OUR ORDINARY LIVES excerpts from guilty pleas from the International Criminal Tribunal for the former Yugoslavia are combined with childhood memories of the siege of Sarajevo. By asking a moslim girl that lived through the war, now in her early 20s, the same questions about her sense of belonging before, during and after the war, the film shows the transformation people go through during wartime. Without ever mentioning the actual context, the story becomes timeless and universal. In 2012 it is exactly 20 years ago the siege of Sarajevo began.

Daya Cahen studied photography at the Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam. Her THE STALIN THAT WAS PLAYED BY ME was her film directing debut.

Fascinated by mass psychology and indoctrination, Dutch artist Daya Cahen has been making work in Russia for years now. In 2006, she went looking for Stalin`s grandson in The Stalin that Was Played by Me, and in 2008 she got the rare opportunity to film in a summer camp of Putin`s youth movement for the film Nashi. This time around, Cahen goes to Cadet School Number 9, a unique military academy in Mosow, where girls age 11-17 learn how to become the ideal Russian patriot and the ideal Russian woman. She does not interview anyone, but tells the story by placing as many as six different images on the screen at the same time. We see girls doing their hair, cooking, ironing, marching and learning to use weapons. The footage reveals various aspects of their personalities while simultaneously posing the question of how all those aspects can be seen independently of one another. While they sing the praises of the great Russian nation, we cannot help but notice the contrast between military indoctrination and youthful innocence. Does patriotism require us to renounce any form of independent thought and action? Do these girls really know what they are doing, and is that even possible at their age?

Daya Cahen was born in Amsterdam (The Netherlands). She makes photographs, videos and video installations. She studied photography at the Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam (2002-2006) and was selected in 2009 as one of the 4 most promising recent graduates to have the opportunity to present her work at ?Rietveld Arsenale? that was held during the Venice Biennale. Cahen?s work revolves around propaganda, indoctrination and and the manipulative powers of the media. She investigates the representation of political icons, symbols of power and the role of the masses versus the individual. In her work she links the political with the everyday and personal, combines archive material with contemporary images and blurrs the border between fact and fiction. Her work was shown at the Moscow MoMa, The Hague Photomuseum (The Hague), De Appel Arts Centre (Amsterdam), Wiels Contemporary Art Centre (Brussels), Platform Garanti (Istanbul), Institut Néerlandais (Paris), Rencontres Internationales (2006/2008), Short Film Festival Oberhausen (2006/2008) and was nominated for a Golden Bear (short film) at the Berlin International Film Festival in 2007.

Dix mille garçons et les filles russes sont en train de se préparer à un avenir héroïque dans le camp d'été de « Nashi », le mouvement de la jeunesse en pleine expansion de Vladimir Putin. Ils sont la future élite de la Russie. Ils feront de la Russie le leader mondial du XXIe siècle. Chaque matin, cinq mille filles font de l?exercice, tandis que les cinq mille garçons vont courir. Les jolies filles sont encouragées à se laisser embrasser, l'alcool est interdit. Des bannières rouges et des haut-parleurs accrochés aux tentes igloo dans les bois, les enfants disent à ces enfants ce que sera leur avenir. Unique étrangère, Daya Cahen a été autorisée à planter sa tente dans le camp d?été de Nashi pendant une semaine. En tournant avec deux caméras, elle révèle, au moyen d?une projection sur double-écran, sa fascination pour la complexité de la manipulation politique et de l?endoctrinement. Dans « Nashi » (ou « Ours »), Cahen met l?accent sur la relation directe entre la propagande et le large public.

Cahen vit et travaille à Amsterdam. Elle a étudié au Département de Photographie de l?Académie Gerrit Rietveld d?Amsterdam (Pays-Bas). Elle travaille essentiellement avec la photographie et la vidéo. En 2006, elle a obtenu son diplôme avec le court-métrage « The Stalin that was played by me », qui traite de sa visite auprès du petit-fils de Staline. Ce court-métrage a été projeté dans différents festivals internationaux et institutions artistiques ainsi qu?aux Rencontres Internationales Paris / Berlin / Madrid en 2007/2008. Avec « Nashi » (2008), ?uvre qui traite du mouvement de la jeunesse de Vladimir Putin, Cahen suit sa stratégie artistique de rendre visite aux gens endoctrinés et manipulés qu?elle a rencontrés dans les médias, et de les saisir dans leur propre environnement. « Nashi », tout comme « Staline », révèle la fascination de Cahen envers la complexité de la manipulation politique et de l?endoctrinement. Elle étudie l?usage du langage visuel de la propagande et les mécanismes sous-jacents de la représentation politique des icônes et des symboles du pouvoir.

Un extrait d'un film de propagande Russe, une télé en arrière plan, et des photos de famille ? c'est tout ce dont nous avons besoin pour une rencontre intrigante avec Yevgeni Jugashvili, le petit fils et portrait craché de Joseph Stalin. Yevgeni Jugashvili adore l'Homme de Fer, mais celui-ci n'a jamais voulu le rencontrer et a pitié sans sacrifié son propre fils, le père de Jugashvili, dans la deuxième guerre mondiale. Manipulation, propagande et pression sociale ont tissé une toile d'histoires qui ont effacé la personnalité de Yevgeni. Pourtant, la réalisatrice prend le risque de se laisser emporter par son enthousiasme. Pour les besoins du film, elle a dissimulé ses origines juives. Plus qu'un aperçu de la vie du petit fils de Staline, ce film traite de la manipulation et du fait d'être manipulé et du rapport entre l'individu et des questions existentielles.

Daya Cahen est née à Amsterdam (Pays-Bas) Entre 2002 et 2006 elle a étudié la photographie à la Gerrit Rietveld Academy d'Amsterdam. Elle a participé à de nombreux festivals dont le International Short Film Festival Oberhausen (Allemagne), le Berlin International Film Festival (Allemagne), le Borderline Moving Images, Pékin (Chine), le Dokufest, Prizren, (Kosovo), le IDFA, International Documentary Filmfestival Amsterdam (Pays-Bas). Elle a également participé à diverses expositions dont Doublespeak. (exposition individuelle), outLINE, Amsterdam, (Pays-Bas), Distorted Fabric, De Appel, Institute for Contemporary Art, Amsterdam (Pays-Bas) , Distorted Fabric, Platform Garanti Contemporary Art Center, Istanbul (Turquie) et le Intothepill at Her(his)tory, Museum of Cycladic Art, Athènes (Grèce) .

Born in France 1978, Guillaume Cailleau is a media Artist based in Berlin. His works range from 16mm film and HD video to multimedia installations and performance. He is interested in researching common everyday processes and occurrences, trying to expose details that tend to be overlooked, but can be very revealing if isolated and transposed into another context, that of a gallery, a museum or a theatre. Guillaume Cailleau is an active member of the collective LaborBerlin, devoted to preserving and developing the creative possibilities of the celluloid film format and DIY processing. He is an active member of Hanna?s Atelier for Sonorous Arts Ljubljana (Slovenia), which is an institution promoting and researching sound based art forms. He also cooperates with several choreographers and performers, creating video for the stage. Guillaume Cailleau`s latest works include: Wer A sagt, muss auch B sagen, an intervention at the Forum Expanded (Berlin International Film Festival 2010) ; H(i)J, 16mm experimental film (featured at the New York Film Festival Views from the Avant-Garde 2009, International Film Festival Rotterdam 2010, International Short Film Festival Oberhausen 2010) ; Through, 16mm loop installation, shown among others at the Forum Expanded at Berlin International Film Festival 2009 and Stillmotion 08 at Contact Photography Festival Toronto 2008, BlitzKrieg, short film, featured at the International Short Film Festival Oberhausen 2008.

Direct action is a tactical strategy of protest that seeks to achieve an end directly and by the most effective means. DIRECT ACTION is a contemporary portrait of one of the most high-profile militant activist communities in France: a 150-person strong rural collective that successfully resisted an international airport expansion project in 2018, created an autonomous zone between 2012 and 2018, survived multiple violent eviction attempts by the French state and spawned a new ecological movement in 2021. Using a collaborative and immersive observational approach, the film documents the everyday lives of a diverse ecosystem of activists, squatters, anarchists, farmers and those labelled by the government as “eco-terrorists”. Can the success of a radical protest movement offer a path through the climate crisis?

Born in 1978, the Berlin-based artist and filmmaker produces films with his own company CASKFILMS. His work explores new forms to address political and social issues. His films have screened at festivals including in Berlin, New York, Rotterdam and Edinburgh. His short film Laborat won a Silver Bear at the 2014 Berlinale. The artist and filmmaker was born in the USA in 1976 and is currently based in Marseille, France. His works focus on the intersection between ethnography and psychedelia and has been presented around the world. He was an exhibiting artist at documenta 14 in 2017 and his work has already been shown at the Berlinale several times, most recently in 2018 with The Rare Event in Forum Expanded.

Urgence is a multimedia performance of about thirty minutes built around an orchestra of second-hand loudspeakers positioned in each corner of a room. The performer moves through the space, successively activating a pair of stereo speakers, a cassette player, a Bluetooth speaker, and two radios. The sounds emitted by each device then overlap: a composition and musical remixes, live radio broadcasts, as well as testimonies and conversations recorded in Guadeloupe. This layering of sound sources creates an unstable sonic field that oscillates between music, information, and noise. By manipulating the objects as instruments, the performer allows the audience to drift through sound toward different realities, whether recorded or unfolding live during the performance. Special attention is given to sonic porosity: the performer even invites the sound of police sirens echoing along the Quais de l’Hôtel de Ville in Paris into the work, embracing the unruly nature of sound and the possibilities that emerge from what is unplanned or undesired.

Kenny Cairo (1996, Guadeloupe) is an artist based between Guadeloupe and Paris. His work explores the intersections of human relations, recording practices, and the experience of landscape. Through composition, multimedia performances, installations, and writing, he investigates how individuals connect with each other — through friendship, international solidarities, and acts of mutual support — as well as with their environments and the objects that inhabit them. His recent work about the Caribbean region has mostly focused on the experience of natural hazards, and how local communities respond to emergency situations. Rooted in his trajectory of mobility between the Caribbean and Europe, Cairo also practices painting, often works with fragile materials such as paper, ceramics, second-hand machines, or recordings, and questions their resistance, obsolescence, and capacity to carry biographies. This material engagement extends to colonial archives and research-based practices, through collaborations with Coco Fusco, Contemporary & Magazine, the Caribbean digital library Manioc.org, and the Université des Antilles.

Jouant sur les habits, le maquillage et l'attitude, Maite Cajaraville produit dans cette performance vidéo une sorte de mascarade de l'ère virtuelle. Comparant le titre, "Cyborgs, Hombres y Drag Queens", et la vidéo, son déroulement, il est possible d'établir une ambiguïté ironique entre les rôle et leur présentation. Tout d'abord, l'auteur se travestie, elle prend la voix d'un homme et monologue sur les corps et les communautés du cyberespace. Son attitude est celle d'un informaticien, d'un dirigeant ou d'un technocrate numérique, un "cyborg". Puis, elle entame un réquisitoire à charge contre un personnage de la culture cyberpunk, un "hombre" (homme) qui expose un point de vue féministe sur le monde cybernétique. Enfin, le troisième personnage, une "Drag Queen" s'attarde sur l'érotisme des simulations virtuelles.

Née en 1967 à Badajoz en Espagne, Maite Cajaraville a obtenu un M.F.A. en Théorie et Pratique de l'Art Contemporain de l' Universidad Complutense de Madrid. Elle est aussi diplômée en Informatique et a complétée sa formation multidisciplinaire à l'Ecole Supérieure des Arts Visuels à Francfort sous la direction de Peter Weibel et de Thomas Bayrle. Elle a participé à divers concours, expositions et festivals en Espagne et en Europe. Son travail s'organise autour de la vidéo et d'?uvres interactives. Elle est co-fondatrice et coordinatrice de la plate-forme artistique "coneXión.madrid", une initiative pionnière créée en 1996 pour la diffusion par Internet de la culture digitale, ainsi que fondatrice et responsable de Peninsulares Vídeo, un annuaire, accessible enligne, d'?uvres vidéo et d'artistes. Elle est commissaire du Festival d'Arts et Nouvelles Technologies "Mediarama", voulu par la Junta de Andalucía, et a collaboré à diverses revues sur les arts et les nouveaux médias ainsi qu'à des conférences.

A team of night workers arrive at the factory for another night of labour, and wait for their shift to begin.

Sam Calafiore is an Italian-Australian filmmaker based in Naarm (Melbourne). He is interested in telling stories about working-class people. Same Old, Same Old is his debut short film. He is currently in development on his next short film, to be shot late-2024, and is currently writing his debut feature film, which concerns the casualization of the workforce.

Alors qu`elle prenait connaissance d`une série de photographies prises d`une caméra de sécurité ATM, Sophie Calle se trouva impliquée dans une investigation déroutante de 15 années. Elle parvint à voler trois bandes de vidéo surveillance et se frotta à des étrangers, employés de banque, et à un prêteur sur gage dans une tentative de clarifier la signification de l`argent, de la sécurité et des photographies anonymes. Les images, exposées initialement dans le cadre d`une installation intitulée "Cash Machine", sont aujourd`hui présentées comme le noyau narratif de cette investigation non résolue à l`intérieur du processus créatif.

Sophie Calle est une artiste française qui, à travers son investigation personnelle, a su redéfinir les termes et les paramètres du sujet et de l`objet, du public et du privé et du jeu de rôle. Dans ses projets conceptuels, elle se plonge dans l`examen du voyeurisme, de l`intimité et de l`identité. Dans le processus de recherche, de reconstruction ou d`information engagé secrètement sur les vies de personnes étrangères, elle manipule les situations et les individus et adopte souvent les apparences. Les documents ou preuves générés par ces projets conceptuels sont présentés sous formes de photographies, de photo-textes, installations et ouvrages. Se travaux se concentrent sur la nature du désir et sur la relation entre l`artiste qui observe et l`objet de son attention, comme dans son projet "Double Blind"(1992). Réalisé en collaboration avec Gregory Shepard, ce road movie conceptuel a été mis en scène sous forme théâtrale en Europe comme un long-métrage intitulé "No Sex Last Night".

Alors qu'elle prenait connaissance d'une série de photographies prises d'une caméra de sécurité ATM, Sophie Calle se trouva impliquée dans une investigation déroutante de 15 années. Elle parvint à voler trois bandes de vidéo surveillance et se frotta à des étrangers, employés de banque, et à un prêteur sur gage dans une tentative de clarifier la signification de l'argent, de la sécurité et des photographies anonymes. Les images, exposées initialement dans le cadre d'une installation intitulée "Cash Machine", sont aujourd'hui présentées comme le noyau narratif de cette investigation non résolue à l'intérieur du processus créatif.

Sophie Calle est une artiste française qui, à travers son investigation personnelle, a su redéfinir les termes et les paramètres du sujet et de l'objet, du public et du privé et du jeu de rôle. Dans ses projets conceptuels, elle se plonge dans l'examen du voyeurisme, de l'intimité et de l'identité. Dans le processus de recherche, de reconstruction ou d'information engagé secrètement sur les vies de personnes qu'elle ne connaît pas, elle manipule les situations et les individus et adopte souvent les apparences. Ainsi losrqu'elle poursuit un étranger à Venise, ou se fait passer pour une femme de chambre pour pouvoir observer subrepticement les clients d'un hôtel, l'auteur conditionne et redéfinit sa propre identité durant cette période de temps. Les documents ou preuves générés par ces projets conceptuels sont présentés sous formes de photographies, de photo-textes, installations et ouvrages. Ses travaux se concentrent sur la nature du désir et sur la relation entre l'artiste qui observe et l'objet de son attention, comme dans son projet "Double Blind"(1992). réalisé en collaboration avec Gregory Shepard, ce road movie conceptuel est sorti au cinéma en Europe sous forme de long-métrage intitulé "No Sex Last Night".

Texte de présentation Tous les projets de Mario Botta, du design de montres jusqu?au grands musées comme le MOMA de San Francisco, en passant par les petites maisons particulières de la région du Tessin, sont régis par une même détermination : réconcilier la géométrie, l?ordre et la fonctionnalité, avec l?imagination, le symbolisme et la poésie. « Ce que je défends, c?est l?idée que l?architecture doit se distinguer de la nature. Les formes primaires, la géométrie m?aident à mettre en valeur la différence qui existe entre la raison, la poésie du bâti et la nature ».

Joel Calmette is a French director. He studied philosophy. Interested in theatre and video, he directed documentaries for humanitarian organizations. Since the 1980's, he has been devoting himself entirely to video. His works include: "Tableaux noirs" (1990), "Lucky punch, le premier combat" (1994), "Les enfants d'abord : l'Ethiopie" (1997), "Albert Camus, une tragédie du bonheur" (1999), "AhmadouKourouma", "collection A Mi-Mots" (2001), "Histoires secrètes du Biafra" et "Foccard s'en va-t-en guerre" (2002), "Le soldat inconnu vivant" (2004) et "Les routes du coton" (2006).

It starts with a sudden hole in the ground. As the narrator’s voice explains at the beginning of Adina Camhy’s Crater, a hole in the floor of her apartment opened up overnight – a negative space, the trace or scar of a mysterious event. Accompanying this narration, as in the rest of this stringently composed film essay, we see appropriated images of initially unexplained origin. Only at the end of the work, which was created out of a cooperation with Dan Robert Lahiani, do we learn that the material comes primarily from NASA sources, a geo-information producer, various YouTube channels, and the Yad Vashem Holocaust memorial. What connects all of these finds is, on the one hand, the voiceover narrative, which draws a reflective arc based on various crater appearances on earth and in space: depth and abyss as evidence of past moments of violence. On the other hand, the frequently coarse-grained images, which are also interlocked through their surface structure, often reveal flaws: visual gaps as counterparts to a supposedly omnipotent vision. The musically subtly accentuated network (with sound design by Margarethe Maierhofer-Lischka) spreads out over far-flung materials – and yet is held together concisely by the narrow encircling and multi-perspective illumination of the crater phenomenon. Key roles are played by the Ramon crater in the Negev desert, the Israeli astronaut Ilan Ramon, who named himself after this same crater, and a drawing by the Shoah victim Petr Ginz, who depicted the earth as seen from the craters of the moon. All of this and much more is congenially interwoven in this meditation on “dynamic memorials”, whose negativity continues to keep us focused. Getting used to the real hole in the ground at some point may have proved possible, but the intractable facets of the mental phenomenon have us feeling continually uneasy, and rightly so. (Christian Höller)

Adina Camhy, born in Graz, lives in Vienna and Graz (AT). Camhy studied architecture at TU Graz and UPV Valencia (ES) and Master Critical Studies at the Academy of Fine Arts Vienna (ongoing). Adina Camhy’s works are shown in public spaces, swimming pools and coffee houses as well as at film festivals, cinemas and exhibitions in Austria and abroad. Exhibition venues include MIT Massachusetts (2024), Belvedere 21 (2023), Steiermarkschau (2023), Leopold Museum Vienna (2022), Kunsthaus Graz (2021), Amos Rex, Helsinki (2020), Art Cube Artists’ Studios / Manofim Jerusalem Contemporary Art Festival, Jerusalem (2020), Botanique, Brussels (2020). Camhy’s short films have been screened at film festivals such as BFI London Film Festival, Diagonale – Festival of Austrian Film, Doclisboa, Curtocircui?to Festival International De Cine Santiago de Compostela, Milano Film Festival, Uppsala International Short Film Festival or Werkleitz Festival. She has received scholarships, grants and prizes such as the Art Promotion Award of the City of Graz (2017), the Graz Kulturjahr 2020 grant for the collaborative project GrazRand, Pixel, Bytes + Film (2022) or the annual scholarship of the Province of Carinthia for interdisciplinary art forms (2023). In 2023 spent two months in Trieste for an artist residency (AiR Trieste, funded by the Province of Styria) and researched the topic of Karst/ Karso/Kras in the Capitalocene.