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Une trentaine de personnes qui ne se connaissent pas acceptent de voyager ensemble pendant 5 jours et de tourner dans un film sans scénario préétabli. Chacun tiendra son propre rôle, vêtu de costumes choisi par la réalisatrice. Portraits de familles, blagues, danse, roller, chants se dévoilent aux spectateurs sous le regard d’un cheval tranquille et bienveillant.

Oeuvrant dans les champs du cinéma et de l’art contemporain, Julie Chaffort s’intéresse tout particulièrement à l’immensité et à la vacuité des territoires naturels, à leur aspect désertique et délaissé ; ses films et vidéos sont habités par une certaine lenteur, invitant à l’écoute et à la contemplation, mais jouant aussi sur les registres de l’absurde, de la chute, de la surprise et du décalage. Pour Julie Chaffort, le cinéma est un médium dominant, naturel, qu’elle choisit très tôt de développer, à l’école des beaux-arts de Bordeaux où elle étudie, puis auprès de Roy Andersson qu’elle assiste, et de Werner Herzog dont elle suit le séminaire à sa Rogue Film School. En 2013, elle expose au Centre International d’Art et du Paysage de Vassivière Hot-Dog, moyen-métrage qu’elle y a réalisé la même année en résidence. L’année suivante, elle présente sa première exposition personnelle Jour Blanc au Centre Clark de Montréal, avec des installations vidéos et sonores créées in situ. En résidence à Pollen à Monflanquin 2015, elle réalise le moyen-métrage La barque silencieuse ; ce film, "aussi facétieux qu’émouvant, aussi déroutant que respectueux de tout ce qui s’offre à voir et à entendre" pour Jean- Pierre Rehm, est sélectionné en 2016 en compétition française et premier film au FID Marseille. Il est également projeté à la galerie Thaddaeus Ropac à Paris Pantin lors de l’exposition “Jeune création 66ème édition” et remporte deux prix indépendants, avec deux expositions à la clé, l’une pour la Progress Gallery, Entre chiens et loups, et l’autre pour la galerie du Pavillon à Pantin, Les cowboys (également selectionné au FID en 2017). Julie Chaffort remporte aussi en 2015 le prix Bullukian et crée Somnambules, une exposition personnelle présentée à la fondation. L’artiste a été lauréate du prix "Talents Contemporains" 2015 de la fondation François Schneider pour l’oeuvre Montagnes Noires et obtient la même année, le prix Mezzanine Sud et expose au Musée des Abattoirs de Toulouse. Le film La barque silencieuse entre en 2017 dans la collection du FRAC Aquitaine et la vidéo Nostalgia dans celle du FRAC Occitanie Toulouse. Julie Chaffort vient d’être lauréate du prix Mécènes du Sud Montpellier-Sète. et d’obtenir une bourse à la création du CNAP pour la réalisation de son projet vidéo PRINTEMPS.

This film is about birds and dreams. Birds dream is shot using stop-motion technique, and its ‘actors’ are bird models handcrafted by the artist. Its concept derives from the artist’s own live performance the Sparrow and the Raven (2012). Story: A new-born sparrow entered a strange world. When curiously idling in this world, the sparrow found a young raven with which it began to explore the place together. They encountered all sorts of strange birds and mysterious geometric shapes of different colours. Their encounters have made them bewilder and fantasise, soon their body start to change as well…

Born in 1985, Chai Mi currently lives and works in Beijing as an artist. Chai Mi’s fine art practice involves a range of media, including painting, paper-craft, video and live performance. Her works have been shown at many art museums, cultural organizations, film festival and music festival nationally and internationally.

A housekeeper receives a film made by her daughter. Combining found footage of Thailand during the Cold War with present-day images of Bangkok, the film reminds her of anecdotes she heard from the woman she works for and it triggers a re-telling of her own story of coming to the capital. HERE WE ARE seeks to portray the present by reflecting on the past, how the legacy of colonization has survived and been normalized nowadays. - ("19th Forum Expanded: Distant Connections", 74th Berlinale).

Chanasorn Chaikitiporn is a filmmaker and moving image artist whose interest lies in exploration and interrogation of socio-political histories of Thailand. His works examine questions on culture, political thought, identity and personal historical memory through the lens of semi-coloniality. In combining fiction film and documentary film genre, he investigates on archival, found footages and declassified documents. Chanasorn is a member of ELSE, a moving image screening series based in Bangkok, Thailand.

The film aims to interrogate double-sided effects of how cinema itself has changed and developed through time, and how it affected both workers in film productions and its audiences along its journey.

Chanasorn Chaikitiporn is a filmmaker and moving image artist. Who is interested in exploring and interrogate socio-political histories of Thailand with questions of culture, political thought, identity and personal historical memory in perspective and relation to the semi-coloniality. In combining fiction film and documentary film genre, he investigates on archival, found footages and declassified documents. Chaikitiporn is a member of Rapid Eye Movement (REM), a experimental film and media screening in Bangkok, Thailand

La nuit tombe sur la montagne. Une voiture solitaire serpente le long de la route. Au volant, quelqu'un fredonne une étrange berceuse

Anouk Chambaz (Renens, 1993) travaille avec l’image en mouvement, explorant les seuils entre les espaces, les rêves et les individus. Elle est diplômée en cinéma de l’ECAL (Lausanne) et en philosophie de La Sapienza (Rome). Elle a reçu le Prix Combat (vidéo) en 2022, ainsi que des mentions spéciales au Prix Francesco Fabbri en 2023 et au Festival international du film de Rio de Janeiro en 2024. En 2025, elle est finaliste du Talent Prize.

"Hair done/ boots on/ tell me this ain`t the usa" Surreal portraits of americans. The contrasts and extremes in nowadays austin, Texas`s life.

Documentary filmmaker and photographer. I live and work in Paris. I`m currently working on two documentaries in Lebanon, detailing the life of two different but very inspiring figures, Abdulrahman Katanani a Palestinian visual artist that broke free from palestinian camps through art, and Therese Basbous, a poet often known as Michel Basbous` wife.

A woman follows a man through a man-made forest. Night falls and she narrates a tale that is at once distant yet familiar. The man she follows undergoes a transformation. Elsewhere we find a wanderer concocting a recipe and deep at night, in an empty amphitheatre a man performs with fire. Orphic Oracular, as it’s title suggests is a vision of a future that recalls the past.

Kent Chan (b. 1984) is an artist, filmmaker and curator based in Singapore and Amsterdam. His practice revolves around our encounters with art, fiction and cinema that explore the links between aesthetic experience and knowledge production. The works and practices of others often form the locus of his works, which examines the ambiguity that lies at the interstices of art (making) and daily life. His works have taken the form of film, text, situations and exhibitions. Trained as a filmmaker, filmmaking forms the basis of his work. Not merely in terms of medium, the cinematic as aesthetic and methodology underpins and informs his practice. Kent uses text and the image medium to construct narratives that investigate the inherent conflicts and issues within the subject matter that he examines. Areas of interest that his works have explored include notions of cultural identities, myths and modernity. His works has been shown internationally in both film festivals and exhibitions in Asia and Europe. He has held his solo exhibition at The Substation in Singapore. Recent group exhibitions include the 4th Taiwan International Video Art Exhibition 2014 and the Busan Biennale 2014.

In a future global tropics of eternal summer, a woman named Vicki realises she’s been receiving messages from her past life. Perspectives and narratives change as the film moves between different times and spaces, piecing together the herstory of the New and Old Tropics.

Kent Chan (1984, Singapore) is an artist, curator and filmmaker based in Netherlands and Singapore. His practice revolves around our encounters with art, fiction and cinema that form a triumvirate of practices porous in form, content and context. He holds particular interest in the tropical imaginary, the past and future relationships between heat and art, and contestations to the legacies of modernity as the epistemology par excellence. His works have taken the form of moving-image, text, performances, and exhibitions. He is an upcoming resident at Art Explora and a former resident of Gasworks, Jan van Eyck Academie, Pivô Research, NTU Centre for Contemporary Art Singapore and Medialab Matadero. He has held solo and two-person presentations at Gasworks, Kunstinstituut Melly, Bonnefanten Museum, National University Singapore Museum, and de Appel. His works and films have been exhibited in institutions and festivals including Tate Modern, Liverpool Biennial, Videobrasil, International Film Festival Rotterdam, Seoul Mediacity Biennale, Times Museum, EYE Film Museum, Onassis Stegi, and Bienalsur. He is the 2023 winner of the Paulo Cunha e Silva Award and Impart Art Prize, and 2021 winner of Foundwork Artist Prize. His works are collected by the Kadist Foundation, the Rijkscollectie, Netherlands, Bonnefanten Museum, and Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig.

Chaplin essayait souvent de nouveaux rôles pour son personnage de vagabond. Dans "The Idle Class" , il joue deux rôles distincts : le Vagabond, et un jeune mari riche et alcoolique. A eux deux, ils représentent le riche oisif et le pauvre oisif ( d?où le titre original, The Idle Class, la classe oisive]. Tous les personnages du film partagent l?obsession dominante de l?Amérique d?alors : le golf. L?action se passe dans un hôtel de Miami, où les quiproquos s?enchaînent lorsque la belle Edna prend le Vagabond, étonné mais prêt à tout, pour son mari alcoolique distrait et négligent.

En 2015, le quartier de Basateen al-Razi, à Damas, a été rasé en représailles au soulèvement de sa population contre le régime de Bachar al-Assad. À sa place doit surgir Marota City, un district moderne et hyperconnecté, ponctué de 80 gratte-ciel. Dix ans plus tard, après avoir tout perdu, deux anciens habitants se remémorent leur quartier — l’endroit où se trouvaient leurs maisons et les plus vieux vergers de Damas. À travers leurs témoignages et la réutilisation d’animations 3D produites par le régime, la mémoire se réveille et oppose sa résistance à cette volonté d’effacement.

Antoine Chapon (né en 1990, France) est cinéaste et artiste pluridisciplinaire. Son travail élabore des formes hybrides mêlant cinéma, animation en images de synthèse et archives. Son premier court métrage, My Own Landscapes, a été présenté en première mondiale à Visions du Réel, où il a remporté le prix du Meilleur court métrage, avant d’être sélectionné dans plus de quarante festivals, dont Sundance, Telluride, Palm Springs, Sarajevo et Premiers Plans. Ses œuvres ont été montrées au ZKM|Karlsruhe, au Centre Pompidou, à la 17e Biennale d’architecture de Venise et au Singapore Art Museum. Ancien participant de Berlinale Talents, il travaille actuellement à l’écriture de son premier long métrage documentaire.

Fragments on Machines reveals the physical framework and materiality of the Internet, a vast network often thought and spoken about solely in abstract terms. Taking New York City as its central focus and interwoven with a fictionalised narrative, the film observes the evolution of architecture in the city to accommodate the material nodes and connectors that comprise the physical manifestation of the “virtual” world. New York is home to many of the great buildings that symbolise nineteenth and early twentieth century industrial capitalism. Today, it is significant that a number of these Art Deco skyscrapers—located predominantly in the Financial District—have become the containers for the infrastructure of the Internet and virtual capital. These grand monuments of brick and steel are now homes to the servers and computers that drive post-industrial finance capitalism. Highly elusive yet pervasive in their nature, data centres consist of room upon room of copper and fibre-optic cables, computer servers and ventilation systems. With direct links to the companies they serve, these Internet hubs become a kind of unofficial space for trade.

Emma Charles is a London based artist. She studied MA Photography at the Royal College of Art (2011-2013) and BA (Hons) in Editorial Photography from the University of Brighton (2006-2009). Working with both photography and moving image, her work explores metropolitan spaces of productivity that are hidden from the public eye, primarily focusing on the more ethereal and abstract elements of industry and corporate environments. Charles was recently commissioned for solo show ‘Surfaces of Exchange’, Jerwood Visual Arts (2014). Recent Group exhibitions and screenings include Kassel Dokfest; Marl Video Art Award; Premio Celeste; ‘Neither Here Nor There’, FotoFocus Biennial; ‘Centralia’, South Kiosk; ‘Aesthetica Short Film Festival’; ‘Night Contact’, Contact Editions and ‘CAPITAL’, George and Jorgen Gallery. Her work has been discussed as part of the 2012 Brighton Photo Biennale symposium Visible Economies: Photography, Economic Conditions and Urban Experiences and published by Photoworks and was recently reviewed by Artsy, South London Art Map and Jotta. Charles was recently awarded a Jerwood Visual Arts Project Space commission, RCA Travel Bursary, Villiers David Bursary Award and Christopherson Foundation Grant.

Aprés la mort de leur fille adoptive, un couple se rend en Haîti afin de retrouver les membres de sa famille. Sur place, ils font la connaissance d`un spécialiste de l`ADN qui posséderait le pouvoir de résurrection.

Formé en cinéma à l'Université Concordia, Miryam Charles a produit et photographié les courts métrages,Danger of death, La boutique de forge, Full Love, Feu de Bengale et les longs métrages Le pays des âmes et Nouvelles, Nouvelles. Elle est la réalisatrice de Vole, vole tristesse, Vers les colonies, Une forteresse et Trois Atlas.

"On A Clear Day You Can See the Revolution From Here" explore des strates de mythes, de géologie et de technologie pour révéler les lignes de faille changeantes entre un gouvernement, son peuple et sa terre. Le film met en lumière les processus contemporains de construction d’une nation et de création de mythes au Kazakhstan, par un grand voyage à travers les vestiges des infrastructures technologiques soviétiques, qui hantent le paysage. Dans ce film en 16 mm, la caméra traverse la steppe kazakhe, en passant par des mines, la steppe eurasienne, le site nucléaire désaffecté STS, et la ville nouvellement construite de Noursoultan.

Emma Charles est artiste et réalisatrice. Elle habite à Londres (Royaume-Uni). Au travers d’approches expérimentales des images en mouvement et du son, sa pratique basée sur la recherche se déploie dans le domaine de la non-fiction, abordant les thèmes récurrents de la technologie, du capitalisme et du paysage. Jouant avec les frontières floues entre le documentaire et la fiction, son travail révèle souvent l'artificialité de l'environnement filmique et de notre expérience vécue. Emma Charles a notamment exposé aux Serpentine Galleries, Londres (Royaume-Uni); au ICA – Institute of Contemporary Art, Londres (Royaume-Uni); à la HKW – Haus der Kulturen der Welt, Berlin (Allemagne); et au Jeu de Paume, Paris (France). Elle a également présenté ses films au Sheffield DocFest, Sheffield (Royaume-Uni); à Vision du Réel, Nyon (Suisse); au Dharamshala International Film Festival, Dharamsala (Inde); à Abandon Normal Devices, Manchester (Royaume-Uni); et au Impakt Festival, Utrecht (Pays-Bas). En 2017, elle a été nommée pour le prix du nouveau talent au Sheffield Doc/Fest (Royaume-Uni), pour son film "White Mountain". Elle a gagné un Arts Council England award en 2015 et en 2017, une bourse du British Council UK-China Connections Through Culture, et un prix du fonds The Elephant Trust. Ses films sont conservés dans les collections de deux musées: le Guangdong Museum of Art (Chine), et le ZKM – Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe (Allemagne). Elle est titulaire d'un Master en photographie au Royal College of Art, Londres (Royaume-Uni). Ben Evans James est réalisateur et curateur. Son travail s'intéresse aux récits qui se situent en dehors des paysages construits par le capitalisme mondial. Il est curateur de films pour la Transmediale, Berlin (Allemagne), a co-fondé l'espace de projet South Kiosk, Londres (Royaume-Uni), et est doctorant, avec un financement du AHRC – Art and Humanities Research Coucil, sous la direction de Beryl Graham, théoricien des nouveaux médias. Son dernier long métrage, "On A Clear Day You Can See The Revolution From Here", a été présenté en première mondiale à Visions du Réel, Nyon (Suisse), en 2020. Ben Evans James habite entre Vancouver (Canada) et Berlin (Allemagne).

Extrait du second volet de la série Les Enfants de Roberto, réalisée à compte d`auteur, par Laurent Charles en 2002, les entretiens avec Adriano Apra constituent en quelque sorte l`introduction à la collection Mythologie(s) de mon voisin. Au prisme de l`expérience de Roberto Rossellini, et de ses multiples héritiers, Adriano Apra formule le postulat de nos interrogations et de notre démarche, une "approche comparée" de la donne économique et technologique du cinéma indépendant. Dix minutes.

À la suite de la disparition d'un homme en Écosse, sa fille se remémore des paroles chantées avant la nuit.

Miryam Charles est une réalisatrice, productrice et directrice de la photographie d’origine haïtienne vivant à Montréal. Elle a produit plusieurs courts et longs métrages de fiction. Elle est également la réalisatrice de plusieurs courts métrages. Ses films ont été présentés dans divers festivals au Québec et à l’international. Elle vient de compléter la réalisation de son premier long métrage Cette maison. À travers ses oeuvres, elle explore les thèmes liés à l’exil et aux effets de la colonisation.

Lorsqu’une jeune fille est retrouvée au large de la côte vénézuélienne, un médecin légiste tente de déterminer les causes du décés avant que le corps ne soit rapatrié.

Formé en cinéma à l’Université Concordia, Miryam Charles a produit et photographié les courts métrages,Danger of death, La boutique de forge, Full Love, Feu de Bengale et les longs métrages Le pays des âmes et Nouvelles, Nouvelles. Elle est la réalisatrice de Vole, vole tristesse, Vers les colonies, Une forteresse et Trois Atlas.

Quelques jours avant ses noces, une jeune femme apprend que son fiancé est accusé d’agression sexuelle. Elle se rend à Haïti afin de confronter la présumée victime.

Formé en cinéma à l’Université Concordia, Miryam Charles est la réalisatrice des courts métrages Vole, vole tristesse, Vers les colonies, Une forteresse, Trois Atlas et Deuxième génération. Elle a également produit et photographié les courts métrages Full Love, Feu de Bengale ainsi que les longs métrages Le pays des âmes et Nouvelles, Nouvelles.

I return to a small hamlet in the countryside, where a community of nuns welcomes orphaned or abused children. Among them is my childhood friend Jean-Pierre. In the midst of daily life, working the land, eating together and caring for each other, I put into practice my desire to make films.

Adrien Charmot studied cinema at the University of Paris 8 and then at Créadoc. His graduation film L'Innocence was selected and won awards at a number of festivals (Festival Jean Rouch, Traces de vie, Rencontres Internationales Henri Langlois, etc.). He then directed Les Oiseaux de passage, produced by L'Atelier documentaire. He also set up L'Oeil lucide, an association that supports documentary filmmaking in south-west France. He was filmmaker-in-residence for four years at FEMA, Festival La Rochelle Cinéma, and supervises residencies at Ty Films in Brittany.

«Après la réalisation du film "from here to eau" réalisé en 2002 en collaboration avec Céleste Boursier-Mougenot lors de la présentation de l’oeuvre aux Beaux Arts de Paris, Céleste Boursier-Mougenot m’invite à développer librement mon travail personnel, une de mes actions filmées dans le cadre d’une installation considérée comme un environnement, un paysage. Les participants, qui ne sont pas des acteurs professionnels, répondent à une annonce publiée sur les réseaux sociaux. Pour chaque tournage, un groupe est constitué par des personnes de tous âges, de toutes appartenances sociales et de toutes apparences physiques (car je ne pratique pas le casting) qui s’impliquent bénévolement dans le projet pour des raisons qui leurs sont personnelles, multiples et variées. L’écriture, la scénarisation des corps se dessine au fur et à mesure de leur inscription dans le lieu et de leur relation avec les pièces de Céleste Boursier-Mougenot qu’ils découvrent comme des visiteurs, leur réceptivité et leur présence est intensifiée par le fait qu’ils soient nus. Je leur demande d’être à l’écoute des formes visuelles et sonores. Je n’ai pas d’autre projet que de capter ce qui advient dans ce moment de partage, une deuxième phase de mon travail consiste dans le montage d’un film qui doit aussi donner à voir et à entendre les oeuvres de Céleste Boursier-Mougenot d’une manière inédite.» Enna Chaton Au sujet de cette collaboration Céleste Boursier-Mougenot dit : «C’est un moyen de déplacer le regard sur mon oeuvre, de favoriser la démarche d’une artiste dont j’apprécie le projet, de garder une trace de l’installation en dépassant le stade du simple document filmé.» A ce jour il existe 4 films : "télescopages", "errances #1", "dérives", "errances #2". "télescopages" 7 min - mini DVCAM couleur, sonore, 2009. Collaboration avec Céleste Boursier-Mougenot Action filmée réalisée lors de l’exposition "from here to ear (v8)" de l’artiste Céleste Boursier-Mougenot, l’Estuaire, Nantes 2009 "errances #1" 11 min 54 s - HDV couleur, sonore, 2014. Collaboration avec Céleste Boursier-Mougenot. Action filmée réalisée lors de l’exposition "perturbation" de l’artiste Céleste Boursier-Mougenot, Musée des Abattoirs, Toulouse 2014. "dérives" 09 min 40 s - HDV couleur, sonore, 2015. Action filmée réalisée lors de l’exposition "acquaalta" de l’artiste Céleste Boursier-Mougenot, Palais de Tokyo, Paris 2015. "errances #2" 12 min 28 s - HDV couleur, sonore, 2015. Action filmée réalisée lors de l’exposition "rêvolutions" de l’artiste Céleste Boursier-Mougenot et de la commissaire Emma Lavigne - Pavillon Français - 56 ème Biennale de Venise 2015

Enna Chaton travaille avec des hommes et des femmes de tous âges, de tous milieux, bénévoles, qui répondent à ses appels à participation par petites annonces. Après de nombreux échanges par mails, elle constitue des groupes, organise des rencontres et met en scène des performances au cours desquelles les participants explorent des territoires qui leur sont inconnus : ils inventent un vocabulaire, une langue, une façon de s’approprier le geste, le lieu, la nudité. Leur présence crée une forme singulière puisqu’Enna Chaton provoque une vaste mise à nu : une confrontation à la fois douce et brutale, frontale, avec soi-même, avec les autres et avec le public. La plasticienne, photographe et performeuse accompagne nue les participants, désireuse de partager leur fragilité. Avec eux, elle tente d’ouvrir un espace permissif, expérimental où l’être se révèle différent que dans son quotidien, où la nudité crée un univers décalé du monde actuel. Cette nudité, démocratique, balaie les normes et les stéréotypes. Elle collabore avec Stéphane Despax, plasticien sur le projet "le colier de perle", film, performance, installation ; avec Carole Rieussec sur le projet "Dégrafer l’espace", artiste sonore, film, performance, installation ; avec Céleste Boursier-Mougenot, musicien et plasticien, "Télescopages", "Errances #1", "dérives" et "Errances #2", actions filmées. Elle est performeuse dans le spéctacle "La bohémia éléctronica … Nuca derme" de la compagnie Kristoff K.roll. Depuis 2005 elle est membre de l’Association "Sonorités", participe à l’organisation du festival, s’occupe de la programmation du festival Sonorités - du texte au son avec Anne-James Chaton auteur et poète sonore, Carole Rieussec musicienne, Didier Aschour musicien, Jean-Kristoff Camps musicien, Emmanuel Adely auteur, Frédéric Dumond auteur. Elle est diplômée de l’École Nationale Supérieure d’Arts de Cergy Pontoise option art en 1995. Elle enseigne la photographie et la vidéo en classe préparatoire à l’École des Beaux Arts de Sète depuis 2003.

This award winning work creates discursive situations to facilitate in-depth and contemplative observation of the environmental decay of transitive sites in India, using media intervention and interactivity. The project aims to delineate the processes of decay and destruction of pastoral landscapes in the developing economies and societies. Taking point-of-departure from a perspective in the personal experience of forgetting and loss, being a native of the area myself (the artist), this large-scale project intends to reflect upon the interpenetration between locative and global cultures, decay in environmental and climatic integrity, disappearance of indigenous traditions and lapses in collective memory within the landscapes, by production and showcasing of the inter-media installation work. With a media anthropological approach, the project frames the gradual transfiguration with the help of media convergence, staging augmented and site-specific interpenetration between sound, video and still images. The work has been developed through a meticulous collection of audiovisual materials from various Indian locations in extensive fieldworks supported by Prince Claus Fund Amsterdam. This collection has been forming a digital archive expended for realizing the work.

Budhaditya Chattopadhyay is an Indian-born sound/media artist, researcher, writer and theorist, currently based in Europe. Chattopadhyay’s work questions the materiality, site-specificity and object-hood of sound, and addresses the aspects of contingency, contemplation, mindfulness and transcendence inherent in listening. His artistic practice intends to shift the emphasis from “object” to “situation” in the realm of sound. His sound-works are published by Gruenrekorder (Germany) and Touch (UK). Chattopadhyay is a Charles Wallace scholar, Prince Claus grantee and Falling Walls fellow, and has received several residencies and international awards, notably a First Prize in Computer and Electronic Music category of Computer Space festival 2014, Sofia, and an Honorary Mention at PRIX Ars Electronica 2011, Linz. Appearing in numerous exhibitions, concerts, conferences and festivals, Chattopadhyay’s sound and video works have been exhibited, performed or presented widely in Europe and Asia. Chattopadhyay has graduated from India’s national film school, specializing in sound, completed a Master of Arts degree in new media/sound art from Aarhus University, Denmark, and obtained a PhD degree in sound studies involving practice-based artistic research from Leiden University, The Netherlands.

- Carnet : nom masculin, endroit dans lequel on note ses impressions, ses souvenirs, ses listes de course. Par extension carnet intime, se dit de l`espace entre soi et sa conscience. - Sous- sol : Espace sous le sol, les fondations, souvent exigu et sombre, espace où l`on se reclut pour oublier ou devenir. "Si c`était seulement par paresse que je ne faisais rien, que je n`agissais pas..." Douze carnets, adaptation libre des "carnets du sous-sol" de Dostoïevski, carnets de note vidéo en douze voix pour qui voudrait s`y égarer, fruit de plusieurs années à accumuler des matières sonores et visuelles, à les entremêler, à les confronter, à les tordre.

Né en 1980, tour à tour agent d`entretien, transporteur, pique papier, historien, manutentionnaire,étudiant en cinéma, éditeur-programmateur, palefrenier, assistant de production,GCF réalise avec "Douze carnets" son 1er essai documentaire.