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A New York, l’aube vibre et s’étend sur un corps en éveil. A moitié recouvert par les draps, c’est un corps qui ne se dévoilera jamais totalement, même quand saisi dans l’acte sexuel : Em est une escort girl, qui plus est héroïnomane, c’est-à-dire précisément les éléments que le premier film de Jeffrey Dunn Rovinelli énonce au plus vite pour mieux les éjecter. De New York à Los Angeles en passant par Pittsburgh, le quotidien de Em se dévoile avant tout comme une antithèse des idées préconçues sur elle, interrogeant le spectateur sur son désir par rapport au film documentaire. Faut-il regarder Em comme elle regarde les passants dans la rue, par la fenêtre de son hôtel ? La drogue est invisible, si ce n’est dans les mots, et le sexe n’est plus qu’une performance pop-shakespearienne filmée en HD. Autour du travail, des étapes pour y entrer et en sortir : déplacement, maquillage, attente… De ce quotidien à priori composé de temps morts surgit la véritable vie de Em et un certain portrait des États-Unis. Dans ses confessions se révèlent rêves d’indépendance et présence du lointain, attirance et dégoût envers les autres. Si à la fin le 16mm semble accueillir une libération secrète du personnage, le spectateur se doutera bien que c’est parce que c’est Em qui s’est emparé du film et désormais le façonne. (V.P., FID Marseille catalogue)

Jeffrey Dunn Rovinelli was born in 1988 in Boston, USA. Following a degree in Film Studies from Wesleyan University. They currently reside in New York City, where they also work as a critic, editor, and colorist. Empathy is their first feature, following two short films.

Parallelograms is an experimental documentary film and mapping project aimed at representing corruption and dark money in American politics. Political Action Committees, think tanks, trade associations, lobbying agencies, and advocacy groups are institutions where experts gather to discuss, map, and strategize, creating political and economic environments that help secure their visions of the future. This project is concerned with the multiverse of these near futures -- some more probable than others -- as well as with the present. Parallelograms is about where vectors of geography, landscape, politics, finance, and temporality intersect and how they are manifested. It also serves as a linear “cognitive mapping” experiment in which the viewer experiences a compressed, systematic tour of a dense and complex political terrain. Abstraction coexists with the real as a reflection of the current state of political discourse in America today. Corrupted power and distorted influence affects us all by exacerbating economic disparity, resource depletion, environmental degradation, and civil rights abuses. The intent of Parallelograms is not simply to present documentation from an exhaustive list, or to dictate any particular activist agenda, but rather, to extrapolate from the political landscape in a way that compels discussion about dark money.

Steve Rowell is a research-based artist who works with still and moving images, sound, installation, maps, and spatial concepts. Currently based in Los Angeles, he has lived in Berlin, Chicago, and Washington DC, over the past 20 years. His transdisciplinary practice focuses on overlapping aspects of technology, perception, and culture as related to ontology and landscape. Rowell contextualizes the built environment with the surrounding medium of nature; appropriating the methods and tools of the geographer and archaeologist. In addition to being Program Manager at The Center for Land Use Interpretation (Los Angeles) since 2001, he has collaborated with SIMPARCH (Chicago) and The Office of Experiments (London).

THE RED TREE / L`ALBERO ROSSO is short documentary that tells the little known history of Italian gay men being arrested and exiled to a remote island during Mussolini`s Fascist regime. In the film, an elderly man returns to the island of San Domino where 60 years before during the Fascist era he was imprisoned with hundreds of other men for being homosexual. As he walks the island alone, memories come back - of all-male dances in his home town in Sicily in the 1930s, of his beating and arrest, the difficulty of prison life on the island, the suffering of gay men under fascism, and their public humiliation after their return. And of this unique island where all the prisoners were gay, and the seeds of a community were first sown.

A visual artist and filmmaker, Paul began making films in 1995. Since then he has completed over forty shorts, documentaries, video installations, and experimental films, which have shown internationally from the Berlin Film Festival to San Francisco International to the Centre Pompidou.

DMC-13 is a short video produced on analog video synthesisers at the Experimental Television Center in New York. The film uses images from a documentary on John DeLorean - the ill fated automobile manufacturer - who opened his luxury sports car factory in Belfast at the height of the troubles in the north of Ireland. As the US car industry collapsed, and DeLorean was arrested for alleged cocaine smuggling, his dream of `affordable luxury`, which had spent over £100 million of taxpayers money, also perished.

Paul Rowley is a visual artist and filmmaker. He first began making films in 1995. Since then he has completed over 30 shorts, feature films, video installations, and documentaries. The works are shown both in galleries and film festivals. Previous screenings include - Centre Pompidou Paris, Hammer Museum Los Angeles, Forum Expanded at the Berlin Film Festival, Photographers` Gallery, London, Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, Museum of Modern Art Dublin. He recently completed a 60 screen permanent installation at Los Angeles International Airport.

The Rooms looks back at the remnants of the 20th century through the eyes of the 21st. Watching the film is like wandering through a ghosted world. You find yourself in unfamiliar places as if arriving in a dream, suddenly and without direction, yet with apparent logical precision. A theatre operates by and for itself; a museum archives its own contents; a city attempts to replicate language; an unfinished embassy recalls political turmoil; an abandoned spy station collects fragments of historical data and re-programmes itself. These Rooms operate as quantum architectures, forming and collapsing by themselves, defying categorisation. With rich sound design and diverse formats, the film is a visually complex study of a world abandoned that somehow continues to operate. People exist only as echoes in the empty spaces. Filmed in Italy, Germany, Spain, the United States and Korea, the numerous locations become the interconnected sites of a post-human environment. Disparate fragments come together to form a whole through the film`s unique reading of time. The wages of human endeavour are leveled and treated as data. The perspectives of the past ? modernist, machine, space-age ? are scrutinized by a future that escaped prediction. The Rooms is a collaborative project by Paul Rowley and Tim Blue made with the support of a Projects Grant from the Irish Arts Council

BIO: Paul Rowley Paul Rowley is a filmmaker and visual artist. He began making experimental short films in 1995, and has presented his work internationally since. His films have received numerous awards over the years from the Irish Arts Council, New York State Council for the Arts, Irish Film Board, Culture Ireland, the Glen Dimplex Artists? Award (Irish Museum of Modern Art?s contemporary art prize), the Irish American Arts Awards, and a Golden Spire at the San Francisco International Film Festival. His recent documentary, Seaview premiered at the Berlin Film Festival, was nominated for an Irish Film and Television Award and received a Special Jury Mention at the DMZ Documentary Festival in Korea. Recently completed projects include a feature length experimental film, The Rooms, and a perma- nent public video art installation for LAX airport Los Angeles. He is currently in production on a new feature documentary commissioned by the Dublin Film Festival. BIO: Tim Blue Tim Blue is a film maker who also works in other diverse media. His videos have screened at many international festivals including the Berlin Film Festival, Oberhausen, Art Basel, Mix, Rencontres Internationales, and Darklight, among others. Based in Berlin, he also composes music for theatre and film, has conducted video workshops for youth, and has performed throughout Europe with his group, CHEAP. Tim?s recorded audio work is prolific, and includes several solo as well as collaborative works. The Rooms is his first feature film.

« The Rooms » est une collaboration entre amis. Tim (Blue) a filmé sa ville natale lors d'une visite, après de nombreuses années d?absence. Le film a été envoyé à Paul (Rowley), qui l?a retravaillé, en combinant les séquences non traitées avec des abstractions animées à partir du film. Les images pleines se fracturent. Une séquence basée sur la grammaire a été construite. Dans chaque section, les chambres ont été imaginées en tant que fragments d'une architecture quantique - discrète, finie, infime.

Paul Rowley et Tim Bleu se sont connus à San Francisco (USA) en 1997. Ils ont ensuite collaboré sur de nombreux projets, notamment sur le long-métrage expérimental « As Lathair » (2002) et sur cette nouvelle ?uvre « The Rooms ». Tim Bleu est basé à Berlin, où il fait des films expérimentaux et de la musique. Il est membre de la performance collective « Cheap ». Paul Rowley est basé à Dublin et à Brooklyn (USA) et travaille comme artiste d?installation et réalisateur de films. Son documentaire-reportage « Seaview » a été projeté en première au Festival du Film de Berlin en 2008.

"Commonwealth" examine les idées du progrès social en revisitant le programme spatial russe des années soixante, en particulier, l'orbite de la terre de Youri Gargarin en 1961. La présentation des évènements publics formants la perception de ce qui est bon pour la communauté et relevant l'esprit d'une communauté est examinée en relation avec le rôle d'une figure de proue individuelle, sélectionné dans la masse pour représenter une société internationalement. Inspiré d'une part par les écrits de Hobbes sur les politiques du corps, et les écrits sur l'histoire de la science, l'?uvre examine les idées de gouvernance et de communauté et l'usage de la division des modèles sociaux pour créer l'ordre. Une riche collection de références visuelles est rassemblée pour construire l'?uvre; par exemple, les Allégories d'un Bon Gouvernement: Les effet d'un bon gouvernement sur les villes et les campagnes d'Ambrogio Lorenzetti, des mosaïques murales soviétiques, l'iconographie de la course spatiale, le langage visuelle du progrès et les architectures utopiques et le design des expositions universelles de la fin des années soixante au début des années soixante-dix.

Paul Rowley est né à Dublin. David Phillips est né à Memphis. Ils travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et le son. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers` Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, à la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d`Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d`Art de Bonn, et "Bambi" à l`ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro. Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. Ils viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonates and Interludes" de John Cage. Ils ont été sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l`aéroport Lax de Los Angeles.

"Gravity Loop" est une série de photographies et de vidéos qui reconfigure une image unique dans le but de présenter différentes manières d'appréhender le temps. Prenant son point de départ dans la relativité, la série conduit à réfléchir sur les récentes découvertes en physique théorique et en String Theory, qui interrogent les possibilités du temps en tant que dimension non-continue, soit le fait, au niveau quantique, qu'il puisse y avoir des trous dans le temps. Bien que le modèle de l'atome comme sphère solide de matière ait été remplacé au début du XXe siècle par un modèle qui décrit l'atome comme espace presque vide, la vidéo recourt à de semblables idées pour illustrer d'éventuels modèles de capture du temps dans un temps non-continu. Une manière d'imaginer ce concept visuellement est de considérer l'utilisation des horloges pour indiquer l'heure. A la place d'une horloge unique qui montre le passage du temps de manière continue, au lieu de devoir imaginer un nombre infini d'horloges identiques, chacune d'entre elle parvient à l'existence pour une infime fraction de seconde, montre l'heure, et puis disparaît. Dans les intervalles des apparitions de ces horloges, il n'y a rien, un trou dans le temps où aucune manière et aucun movement ne peuvent exister.

Paul Rowley (né à Dublin) et David Phillips (né à Memphis) travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et des sons. Ils présentent leurs oeuvres sur les écrans des galeries, des musées et des festivals. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers? Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d'Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d'Art de Bonn, et "Bambi" à l'ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, "Prog:ME". Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. En 2000, ils ont été récompensés par le Glen Dimplex Artists? Award, le prix annuel d'art contemporain du Musée irlandais d'Art Moderne, qui est une sorte de Turner Prize irlandais. Cette vidéo brève intitulée "Suspension" a reçu le Golden Spire du Festival International de Cinéma de San Francisco et ces artistes ont remporté le prix du New Langton Arts Award. Paul a récemment remporté les prix du Irish American Arts, à la fois celui de la catégories des films hors 35mm et le prix général. Paul a été en résidence d'artiste à l'Atlantic Center for the Arts de Floride avec Gillian Wearing et il a reçu pour le travail qu'il poursuit depuis 1997, de nombreux prix de l'Irish Arts Council. Il a été membre de Macdowell Artist Colony à New Hampshire, et récemment, il s'est rendu en Italie pour travailler sur une nouvelle série de vidéos à la Bogliasco Fondation. Il a bénéficié d'une résidence à l' Experimental television Center de New York en 2005, qui lui a permis d'obtenir récemment une bourse du NYCSA, le New York State Council for the Arts. Paul et David viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonatas and Interludes" de John Cage, dont la première a eu lieu au mois de juillet dernier, au Stone de New York, en collaboration avec le pianiste Emily Manzo. Paul est en train d'achever un documentaire long métrage tourné dans le camp de vacances ouvert par Billy Butlin à Mosney, et qui est aujourd'hui utilisé comme centre d'accueil pour les demandeurs d'asile. Ils ont aussi été récemment sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l'aéroport Lax de Los Angeles, annoncée pour 2007.

En physique classique, l'énergie d'un système dans lequel la matière passe d'un état à un autre semble atteindre un plateau quand on approche du niveau de température critique. Issu d'observations basiques en physique, la vidéo examine comment un changement structurel et les états intermédiaires qui lui sont associés peuvent être appliqués à des lectures sociologiques. Analysant les sociétés en temps de crise, et appréhendant les moments de situation explosive comme des catalyseurs d'un changement social accéléré, la vidéo relie entre eux esthétiquement le champ social et les sciences physiques afin de voir ce à quoi une société peut ressembler à un moment d'extrême agitation.

Paul Rowley (né à Dublin) et David Phillips (né à Memphis) travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et des sons. Ils présentent leurs oeuvres sur les écrans des galeries, des musées et des festivals. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers? Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d'Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d'Art de Bonn, et "Bambi" à l'ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, "Prog:ME". Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. En 2000, ils ont été récompensés par le Glen Dimplex Artists? Award, le prix annuel d'art contemporain du Musée irlandais d'Art Moderne, qui est une sorte de Turner Prize irlandais. Cette vidéo brève intitulée "Suspension" a reçu le Golden Spire du Festival International de Cinéma de San Francisco et ces artistes ont remporté le prix du New Langton Arts Award. Paul a récemment remporté les prix du Irish American Arts, à la fois celui de la catégories des films hors 35mm et le prix général. Paul a été en résidence d'artiste à l'Atlantic Center for the Arts de Floride avec Gillian Wearing et il a reçu pour le travail qu'il poursuit depuis 1997, de nombreux prix de l'Irish Arts Council. Il a été membre de Macdowell Artist Colony à New Hampshire, et récemment, il s'est rendu en Italie pour travailler sur une nouvelle série de vidéos à la Bogliasco Fondation. Il a bénéficié d'une résidence à l' Experimental television Center de New York en 2005, qui lui a permis d'obtenir récemment une bourse du NYCSA, le New York State Council for the Arts. Paul et David viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonatas and Interludes" de John Cage, dont la première a eu lieu au mois de juillet dernier, au Stone de New York, en collaboration avec le pianiste Emily Manzo. Paul est en train d'achever un documentaire long métrage tourné dans le camp de vacances ouvert par Billy Butlin à Mosney, et qui est aujourd'hui utilisé comme centre d'accueil pour les demandeurs d'asile. Ils ont aussi été récemment sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l'aéroport Lax de Los Angeles, annoncée pour 2007.

La nuit du 27 avril 1974, des membres d?une branche armée de l?IRA volent 19 peintures à la Russborough House pour une valeur de 8 millions de livres. Parmi ces toiles, des Vermeer, Gainsborough, Velásquez. Les voleurs demandent le retour de prisonniers républicains irlandais détenus en Angleterre et une rançon de 500 000 livres. Les autorités répondent en offrant 100 000 livres de récompenses pour toute information sur l?affaire. Dix jours après le vol, la police irlandaise récupère les peintures dans le comté de York. Rose Dugdale, anglaise fortunée, est inculpée et condamnée. Elle est également condamnée pour son implication dans une opération précédente de l?IRA, l?attaque d?un poste de la Royal Ulster Constanbulary (forces de police d?Irlande du nord), au moyen d?un hélicoptère détourné. Rose Dugdale eut une peine de 18 ans de prison et en effectua 9. Dans cette vidéo, le déroulement des événements est retracé par l?utilisation d?images archivées sur microfiche, disponibles en bibliothèque, système actuellement obsolète. Ces images diffusées par les informations de l?époque sont rephotographiées sur internet, et montées dans une séquence qui les apparie. Ce qui permet une reconstitution de l?événement. L?intérêt de cet exercice pour celui qui regarde la vidéo est la série d?échanges qui y est présentée. La fortune de la famille Beit, initialement utilisée pour l?acquisition de ces peintures, a été accumulée par Alfred Beit, partenaire avec Cecil Rhodes des Mines de Beers en Afrique du Sud, qui, en 1891, détenait 90% de la production mondiale de diamant. Ces profits ont donc été utilisés pour l?achat des peintures, qui ont été volées quatre fois à la Russborough House depuis ces trente dernières années. La séquence des échanges est ici ce qui est intéressant, où des diamants d?Afrique deviennent des chefs d?oeuvres de l?art occidental, des valeurs d?échange pour des prisonniers politiques, et enfin, des objets de marchandage utilisés par des bandes criminelles organisées pour négocier avec l?Etat irlandais.

David Phillips est né en 1970 à Memphis, il a étudié les arts à Washington et à Rome. Paul Rowley est né à Dublin en 1971. Il a étudié au Trinity College de Dublin et à San Francisco. Ils collaborent ensemble depuis 1998, et vivent actuellement à New York. Ils réalisent des films, des installations vidéos, des photographies et des travaux sonores. Depuis les débuts de leur collaboration, ils ont reçu de nombreux prix. En 2000, ils ont obtenu le Glen Dimplex Artists? Award, prix annuel d?art contemporain de l?Irish Museum of Modern Art, considéré comme l?équivalent irlandais du Tate?s Turner Prize. Leur vidéo SUSPENSION a reçu le Golden Spire en 1999 au San Francisco International Film Festival. La même année, ils ont reçu le New Langton Arts Bay Area Award for Video. Ils ont récemment exposé à la Photographer?s Gallery de Londres, et ont eu une exposition personnelle au Carillo Gil Museum of Contemporary Art de Mexico City. Leur travail a également été projeté à la Videonale au Kunst Museum de Bonnn ; au ICA de Philadelphie ; au festival Impakt; à Séville ; au Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, à Impakt, au nouveau musée d?art contemporain de Bucarest

Contrasting the promise of rescue with threats of captivity and injury, ?Security Fugue? examines personal responses to crisis in the current arena of ubiquitous security. Images of a rescue helicopter move across the screen in exaggerated slow motion, while on a second screen, the camera tracks over aeriel views of a hospital and rescue crew on the ground below. In the audio track, stuttering confessions and dislocated murmurs echo in unison with the constant rhythm of chopping helicopter blades which fills the space. Sources for the piece are varied; a small excerpt of a 35mm Hollywood trailer from the early 1970`s, a 16mm educational film about psychological responses to disasters, taped recordings of phone calls made by Patty Hearst from captivity in 1974, interviews with Hearst from 2003 describing her revisited experiences of captivity, and original sound compositions by the artists. The memory lapse of the amnesiac is taken as a starting point from which to investigate the process of forgetting, remembering and rewriting of recent memories. These editorial patterns of amnesia are juxtaposed visually with images of physical constraint that parallel the collective mental state of a society in a state of siege. Musically, the imitative polyphonic compositional structure of the fugue in which a theme is stated successively in several voices is used both to determine the editing structure of the work and for its references to pursuit and flight. In psychiatry, the fugue is described as a condition of pathological amnesia during which one is apparently conscious of one`s actions, but has no recollection of them after returning to a normal state. This condition, usually resulting from severe mental stress, is of interest in describing a trauma that is experienced both individually and collectively. In installation, the piece is presented as two side-by-side large-scale projections with a surround sound audio mix. A single channel version is also available for cinema and festival screenings.

Artists David Phillips (Memphis, Tennessee 1970) and Paul Rowley (Dublin, Ireland 1971) have been working together collaboratively since 1998, primarily with film, video installation and sound. In 2000, they won the Glen Dimplex Artists? Award, the Irish Museum of Modern Art?s annual contemporary art prize, and seen as the Irish equivalent of the Tate?s Turner prize. Their short video Suspension was awarded a Golden Spire at the 1999 San Francisco International Film Festival. In the same year they were the recipients of the New Langton Arts Bay Area Award for video. Recent exhibitions include Re:mote at the Photographers? Gallery, London, Videonale at the Bonn Kunst Museum, and Bambi at the ICA in Philadelphia. Their work was recently selected by New Museum?s senior curator Dan Cameron to participate in the annual ev+a exhibition in Limerick, Ireland. Recent fesitval screeings include the Impakt festival in Holland, special mention at the Zemos:98 festival in Sevilla, and retrospectives at the Darklight Digital Festival in Dublin and Prog:ME, the Rio de Janeiro festival of Media Arts. Paul has been artist in residence at the Atlantic Center for the Arts, Florida, with Gillian Wearing, and a fellow at the Macdowell Artist Colony in New Hampshire. He has received numerous awards and bursaries from the Irish Arts Council for his work.

THE RED TREE / L`ALBERO ROSSO is short documentary that tells the little known history of Italian gay men being arrested and exiled to a remote island during Mussolini`s Fascist regime. In the film, an elderly man returns to the island of San Domino where 60 years before during the Fascist era he was imprisoned with hundreds of other men for being homosexual. As he walks the island alone, memories come back - of all-male dances in his home town in Sicily in the 1930s, of his beating and arrest, the difficulty of prison life on the island, the suffering of gay men under fascism, and their public humiliation after their return. And of this unique island where all the prisoners were gay, and the seeds of a community were first sown.

A visual artist and filmmaker, Paul began making films in 1995. Since then he has completed over forty shorts, documentaries, video installations, and experimental films, which have shown internationally from the Berlin Film Festival to San Francisco International to the Centre Pompidou.

DMC-13 is a short video produced on analog video synthesisers at the Experimental Television Center in New York. The film uses images from a documentary on John DeLorean - the ill fated automobile manufacturer - who opened his luxury sports car factory in Belfast at the height of the troubles in the north of Ireland. As the US car industry collapsed, and DeLorean was arrested for alleged cocaine smuggling, his dream of `affordable luxury`, which had spent over £100 million of taxpayers money, also perished.

Paul Rowley is a visual artist and filmmaker. He first began making films in 1995. Since then he has completed over 30 shorts, feature films, video installations, and documentaries. The works are shown both in galleries and film festivals. Previous screenings include - Centre Pompidou Paris, Hammer Museum Los Angeles, Forum Expanded at the Berlin Film Festival, Photographers` Gallery, London, Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, Museum of Modern Art Dublin. He recently completed a 60 screen permanent installation at Los Angeles International Airport.

The Rooms looks back at the remnants of the 20th century through the eyes of the 21st. Watching the film is like wandering through a ghosted world. You find yourself in unfamiliar places as if arriving in a dream, suddenly and without direction, yet with apparent logical precision. A theatre operates by and for itself; a museum archives its own contents; a city attempts to replicate language; an unfinished embassy recalls political turmoil; an abandoned spy station collects fragments of historical data and re-programmes itself. These Rooms operate as quantum architectures, forming and collapsing by themselves, defying categorisation. With rich sound design and diverse formats, the film is a visually complex study of a world abandoned that somehow continues to operate. People exist only as echoes in the empty spaces. Filmed in Italy, Germany, Spain, the United States and Korea, the numerous locations become the interconnected sites of a post-human environment. Disparate fragments come together to form a whole through the film`s unique reading of time. The wages of human endeavour are leveled and treated as data. The perspectives of the past ? modernist, machine, space-age ? are scrutinized by a future that escaped prediction. The Rooms is a collaborative project by Paul Rowley and Tim Blue made with the support of a Projects Grant from the Irish Arts Council

BIO: Paul Rowley Paul Rowley is a filmmaker and visual artist. He began making experimental short films in 1995, and has presented his work internationally since. His films have received numerous awards over the years from the Irish Arts Council, New York State Council for the Arts, Irish Film Board, Culture Ireland, the Glen Dimplex Artists? Award (Irish Museum of Modern Art?s contemporary art prize), the Irish American Arts Awards, and a Golden Spire at the San Francisco International Film Festival. His recent documentary, Seaview premiered at the Berlin Film Festival, was nominated for an Irish Film and Television Award and received a Special Jury Mention at the DMZ Documentary Festival in Korea. Recently completed projects include a feature length experimental film, The Rooms, and a perma- nent public video art installation for LAX airport Los Angeles. He is currently in production on a new feature documentary commissioned by the Dublin Film Festival. BIO: Tim Blue Tim Blue is a film maker who also works in other diverse media. His videos have screened at many international festivals including the Berlin Film Festival, Oberhausen, Art Basel, Mix, Rencontres Internationales, and Darklight, among others. Based in Berlin, he also composes music for theatre and film, has conducted video workshops for youth, and has performed throughout Europe with his group, CHEAP. Tim?s recorded audio work is prolific, and includes several solo as well as collaborative works. The Rooms is his first feature film.

« The Rooms » est une collaboration entre amis. Tim (Blue) a filmé sa ville natale lors d'une visite, après de nombreuses années d?absence. Le film a été envoyé à Paul (Rowley), qui l?a retravaillé, en combinant les séquences non traitées avec des abstractions animées à partir du film. Les images pleines se fracturent. Une séquence basée sur la grammaire a été construite. Dans chaque section, les chambres ont été imaginées en tant que fragments d'une architecture quantique - discrète, finie, infime.

Paul Rowley et Tim Bleu se sont connus à San Francisco (USA) en 1997. Ils ont ensuite collaboré sur de nombreux projets, notamment sur le long-métrage expérimental « As Lathair » (2002) et sur cette nouvelle ?uvre « The Rooms ». Tim Bleu est basé à Berlin, où il fait des films expérimentaux et de la musique. Il est membre de la performance collective « Cheap ». Paul Rowley est basé à Dublin et à Brooklyn (USA) et travaille comme artiste d?installation et réalisateur de films. Son documentaire-reportage « Seaview » a été projeté en première au Festival du Film de Berlin en 2008.

"Commonwealth" examine les idées du progrès social en revisitant le programme spatial russe des années soixante, en particulier, l'orbite de la terre de Youri Gargarin en 1961. La présentation des évènements publics formants la perception de ce qui est bon pour la communauté et relevant l'esprit d'une communauté est examinée en relation avec le rôle d'une figure de proue individuelle, sélectionné dans la masse pour représenter une société internationalement. Inspiré d'une part par les écrits de Hobbes sur les politiques du corps, et les écrits sur l'histoire de la science, l'?uvre examine les idées de gouvernance et de communauté et l'usage de la division des modèles sociaux pour créer l'ordre. Une riche collection de références visuelles est rassemblée pour construire l'?uvre; par exemple, les Allégories d'un Bon Gouvernement: Les effet d'un bon gouvernement sur les villes et les campagnes d'Ambrogio Lorenzetti, des mosaïques murales soviétiques, l'iconographie de la course spatiale, le langage visuelle du progrès et les architectures utopiques et le design des expositions universelles de la fin des années soixante au début des années soixante-dix.

Paul Rowley est né à Dublin. David Phillips est né à Memphis. Ils travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et le son. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers` Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, à la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d`Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d`Art de Bonn, et "Bambi" à l`ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro. Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. Ils viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonates and Interludes" de John Cage. Ils ont été sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l`aéroport Lax de Los Angeles.

"Gravity Loop" est une série de photographies et de vidéos qui reconfigure une image unique dans le but de présenter différentes manières d'appréhender le temps. Prenant son point de départ dans la relativité, la série conduit à réfléchir sur les récentes découvertes en physique théorique et en String Theory, qui interrogent les possibilités du temps en tant que dimension non-continue, soit le fait, au niveau quantique, qu'il puisse y avoir des trous dans le temps. Bien que le modèle de l'atome comme sphère solide de matière ait été remplacé au début du XXe siècle par un modèle qui décrit l'atome comme espace presque vide, la vidéo recourt à de semblables idées pour illustrer d'éventuels modèles de capture du temps dans un temps non-continu. Une manière d'imaginer ce concept visuellement est de considérer l'utilisation des horloges pour indiquer l'heure. A la place d'une horloge unique qui montre le passage du temps de manière continue, au lieu de devoir imaginer un nombre infini d'horloges identiques, chacune d'entre elle parvient à l'existence pour une infime fraction de seconde, montre l'heure, et puis disparaît. Dans les intervalles des apparitions de ces horloges, il n'y a rien, un trou dans le temps où aucune manière et aucun movement ne peuvent exister.

Paul Rowley (né à Dublin) et David Phillips (né à Memphis) travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et des sons. Ils présentent leurs oeuvres sur les écrans des galeries, des musées et des festivals. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers? Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d'Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d'Art de Bonn, et "Bambi" à l'ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, "Prog:ME". Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. En 2000, ils ont été récompensés par le Glen Dimplex Artists? Award, le prix annuel d'art contemporain du Musée irlandais d'Art Moderne, qui est une sorte de Turner Prize irlandais. Cette vidéo brève intitulée "Suspension" a reçu le Golden Spire du Festival International de Cinéma de San Francisco et ces artistes ont remporté le prix du New Langton Arts Award. Paul a récemment remporté les prix du Irish American Arts, à la fois celui de la catégories des films hors 35mm et le prix général. Paul a été en résidence d'artiste à l'Atlantic Center for the Arts de Floride avec Gillian Wearing et il a reçu pour le travail qu'il poursuit depuis 1997, de nombreux prix de l'Irish Arts Council. Il a été membre de Macdowell Artist Colony à New Hampshire, et récemment, il s'est rendu en Italie pour travailler sur une nouvelle série de vidéos à la Bogliasco Fondation. Il a bénéficié d'une résidence à l' Experimental television Center de New York en 2005, qui lui a permis d'obtenir récemment une bourse du NYCSA, le New York State Council for the Arts. Paul et David viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonatas and Interludes" de John Cage, dont la première a eu lieu au mois de juillet dernier, au Stone de New York, en collaboration avec le pianiste Emily Manzo. Paul est en train d'achever un documentaire long métrage tourné dans le camp de vacances ouvert par Billy Butlin à Mosney, et qui est aujourd'hui utilisé comme centre d'accueil pour les demandeurs d'asile. Ils ont aussi été récemment sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l'aéroport Lax de Los Angeles, annoncée pour 2007.

En physique classique, l'énergie d'un système dans lequel la matière passe d'un état à un autre semble atteindre un plateau quand on approche du niveau de température critique. Issu d'observations basiques en physique, la vidéo examine comment un changement structurel et les états intermédiaires qui lui sont associés peuvent être appliqués à des lectures sociologiques. Analysant les sociétés en temps de crise, et appréhendant les moments de situation explosive comme des catalyseurs d'un changement social accéléré, la vidéo relie entre eux esthétiquement le champ social et les sciences physiques afin de voir ce à quoi une société peut ressembler à un moment d'extrême agitation.

Paul Rowley (né à Dublin) et David Phillips (né à Memphis) travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et des sons. Ils présentent leurs oeuvres sur les écrans des galeries, des musées et des festivals. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers? Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d'Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d'Art de Bonn, et "Bambi" à l'ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, "Prog:ME". Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. En 2000, ils ont été récompensés par le Glen Dimplex Artists? Award, le prix annuel d'art contemporain du Musée irlandais d'Art Moderne, qui est une sorte de Turner Prize irlandais. Cette vidéo brève intitulée "Suspension" a reçu le Golden Spire du Festival International de Cinéma de San Francisco et ces artistes ont remporté le prix du New Langton Arts Award. Paul a récemment remporté les prix du Irish American Arts, à la fois celui de la catégories des films hors 35mm et le prix général. Paul a été en résidence d'artiste à l'Atlantic Center for the Arts de Floride avec Gillian Wearing et il a reçu pour le travail qu'il poursuit depuis 1997, de nombreux prix de l'Irish Arts Council. Il a été membre de Macdowell Artist Colony à New Hampshire, et récemment, il s'est rendu en Italie pour travailler sur une nouvelle série de vidéos à la Bogliasco Fondation. Il a bénéficié d'une résidence à l' Experimental television Center de New York en 2005, qui lui a permis d'obtenir récemment une bourse du NYCSA, le New York State Council for the Arts. Paul et David viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonatas and Interludes" de John Cage, dont la première a eu lieu au mois de juillet dernier, au Stone de New York, en collaboration avec le pianiste Emily Manzo. Paul est en train d'achever un documentaire long métrage tourné dans le camp de vacances ouvert par Billy Butlin à Mosney, et qui est aujourd'hui utilisé comme centre d'accueil pour les demandeurs d'asile. Ils ont aussi été récemment sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l'aéroport Lax de Los Angeles, annoncée pour 2007.

La nuit du 27 avril 1974, des membres d?une branche armée de l?IRA volent 19 peintures à la Russborough House pour une valeur de 8 millions de livres. Parmi ces toiles, des Vermeer, Gainsborough, Velásquez. Les voleurs demandent le retour de prisonniers républicains irlandais détenus en Angleterre et une rançon de 500 000 livres. Les autorités répondent en offrant 100 000 livres de récompenses pour toute information sur l?affaire. Dix jours après le vol, la police irlandaise récupère les peintures dans le comté de York. Rose Dugdale, anglaise fortunée, est inculpée et condamnée. Elle est également condamnée pour son implication dans une opération précédente de l?IRA, l?attaque d?un poste de la Royal Ulster Constanbulary (forces de police d?Irlande du nord), au moyen d?un hélicoptère détourné. Rose Dugdale eut une peine de 18 ans de prison et en effectua 9. Dans cette vidéo, le déroulement des événements est retracé par l?utilisation d?images archivées sur microfiche, disponibles en bibliothèque, système actuellement obsolète. Ces images diffusées par les informations de l?époque sont rephotographiées sur internet, et montées dans une séquence qui les apparie. Ce qui permet une reconstitution de l?événement. L?intérêt de cet exercice pour celui qui regarde la vidéo est la série d?échanges qui y est présentée. La fortune de la famille Beit, initialement utilisée pour l?acquisition de ces peintures, a été accumulée par Alfred Beit, partenaire avec Cecil Rhodes des Mines de Beers en Afrique du Sud, qui, en 1891, détenait 90% de la production mondiale de diamant. Ces profits ont donc été utilisés pour l?achat des peintures, qui ont été volées quatre fois à la Russborough House depuis ces trente dernières années. La séquence des échanges est ici ce qui est intéressant, où des diamants d?Afrique deviennent des chefs d?oeuvres de l?art occidental, des valeurs d?échange pour des prisonniers politiques, et enfin, des objets de marchandage utilisés par des bandes criminelles organisées pour négocier avec l?Etat irlandais.

David Phillips est né en 1970 à Memphis, il a étudié les arts à Washington et à Rome. Paul Rowley est né à Dublin en 1971. Il a étudié au Trinity College de Dublin et à San Francisco. Ils collaborent ensemble depuis 1998, et vivent actuellement à New York. Ils réalisent des films, des installations vidéos, des photographies et des travaux sonores. Depuis les débuts de leur collaboration, ils ont reçu de nombreux prix. En 2000, ils ont obtenu le Glen Dimplex Artists? Award, prix annuel d?art contemporain de l?Irish Museum of Modern Art, considéré comme l?équivalent irlandais du Tate?s Turner Prize. Leur vidéo SUSPENSION a reçu le Golden Spire en 1999 au San Francisco International Film Festival. La même année, ils ont reçu le New Langton Arts Bay Area Award for Video. Ils ont récemment exposé à la Photographer?s Gallery de Londres, et ont eu une exposition personnelle au Carillo Gil Museum of Contemporary Art de Mexico City. Leur travail a également été projeté à la Videonale au Kunst Museum de Bonnn ; au ICA de Philadelphie ; au festival Impakt; à Séville ; au Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, à Impakt, au nouveau musée d?art contemporain de Bucarest

Contrasting the promise of rescue with threats of captivity and injury, ?Security Fugue? examines personal responses to crisis in the current arena of ubiquitous security. Images of a rescue helicopter move across the screen in exaggerated slow motion, while on a second screen, the camera tracks over aeriel views of a hospital and rescue crew on the ground below. In the audio track, stuttering confessions and dislocated murmurs echo in unison with the constant rhythm of chopping helicopter blades which fills the space. Sources for the piece are varied; a small excerpt of a 35mm Hollywood trailer from the early 1970`s, a 16mm educational film about psychological responses to disasters, taped recordings of phone calls made by Patty Hearst from captivity in 1974, interviews with Hearst from 2003 describing her revisited experiences of captivity, and original sound compositions by the artists. The memory lapse of the amnesiac is taken as a starting point from which to investigate the process of forgetting, remembering and rewriting of recent memories. These editorial patterns of amnesia are juxtaposed visually with images of physical constraint that parallel the collective mental state of a society in a state of siege. Musically, the imitative polyphonic compositional structure of the fugue in which a theme is stated successively in several voices is used both to determine the editing structure of the work and for its references to pursuit and flight. In psychiatry, the fugue is described as a condition of pathological amnesia during which one is apparently conscious of one`s actions, but has no recollection of them after returning to a normal state. This condition, usually resulting from severe mental stress, is of interest in describing a trauma that is experienced both individually and collectively. In installation, the piece is presented as two side-by-side large-scale projections with a surround sound audio mix. A single channel version is also available for cinema and festival screenings.

Artists David Phillips (Memphis, Tennessee 1970) and Paul Rowley (Dublin, Ireland 1971) have been working together collaboratively since 1998, primarily with film, video installation and sound. In 2000, they won the Glen Dimplex Artists? Award, the Irish Museum of Modern Art?s annual contemporary art prize, and seen as the Irish equivalent of the Tate?s Turner prize. Their short video Suspension was awarded a Golden Spire at the 1999 San Francisco International Film Festival. In the same year they were the recipients of the New Langton Arts Bay Area Award for video. Recent exhibitions include Re:mote at the Photographers? Gallery, London, Videonale at the Bonn Kunst Museum, and Bambi at the ICA in Philadelphia. Their work was recently selected by New Museum?s senior curator Dan Cameron to participate in the annual ev+a exhibition in Limerick, Ireland. Recent fesitval screeings include the Impakt festival in Holland, special mention at the Zemos:98 festival in Sevilla, and retrospectives at the Darklight Digital Festival in Dublin and Prog:ME, the Rio de Janeiro festival of Media Arts. Paul has been artist in residence at the Atlantic Center for the Arts, Florida, with Gillian Wearing, and a fellow at the Macdowell Artist Colony in New Hampshire. He has received numerous awards and bursaries from the Irish Arts Council for his work.

THE RED TREE / L`ALBERO ROSSO is short documentary that tells the little known history of Italian gay men being arrested and exiled to a remote island during Mussolini`s Fascist regime. In the film, an elderly man returns to the island of San Domino where 60 years before during the Fascist era he was imprisoned with hundreds of other men for being homosexual. As he walks the island alone, memories come back - of all-male dances in his home town in Sicily in the 1930s, of his beating and arrest, the difficulty of prison life on the island, the suffering of gay men under fascism, and their public humiliation after their return. And of this unique island where all the prisoners were gay, and the seeds of a community were first sown.

A visual artist and filmmaker, Paul began making films in 1995. Since then he has completed over forty shorts, documentaries, video installations, and experimental films, which have shown internationally from the Berlin Film Festival to San Francisco International to the Centre Pompidou.

DMC-13 is a short video produced on analog video synthesisers at the Experimental Television Center in New York. The film uses images from a documentary on John DeLorean - the ill fated automobile manufacturer - who opened his luxury sports car factory in Belfast at the height of the troubles in the north of Ireland. As the US car industry collapsed, and DeLorean was arrested for alleged cocaine smuggling, his dream of `affordable luxury`, which had spent over £100 million of taxpayers money, also perished.

Paul Rowley is a visual artist and filmmaker. He first began making films in 1995. Since then he has completed over 30 shorts, feature films, video installations, and documentaries. The works are shown both in galleries and film festivals. Previous screenings include - Centre Pompidou Paris, Hammer Museum Los Angeles, Forum Expanded at the Berlin Film Festival, Photographers` Gallery, London, Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, Museum of Modern Art Dublin. He recently completed a 60 screen permanent installation at Los Angeles International Airport.

The Rooms looks back at the remnants of the 20th century through the eyes of the 21st. Watching the film is like wandering through a ghosted world. You find yourself in unfamiliar places as if arriving in a dream, suddenly and without direction, yet with apparent logical precision. A theatre operates by and for itself; a museum archives its own contents; a city attempts to replicate language; an unfinished embassy recalls political turmoil; an abandoned spy station collects fragments of historical data and re-programmes itself. These Rooms operate as quantum architectures, forming and collapsing by themselves, defying categorisation. With rich sound design and diverse formats, the film is a visually complex study of a world abandoned that somehow continues to operate. People exist only as echoes in the empty spaces. Filmed in Italy, Germany, Spain, the United States and Korea, the numerous locations become the interconnected sites of a post-human environment. Disparate fragments come together to form a whole through the film`s unique reading of time. The wages of human endeavour are leveled and treated as data. The perspectives of the past ? modernist, machine, space-age ? are scrutinized by a future that escaped prediction. The Rooms is a collaborative project by Paul Rowley and Tim Blue made with the support of a Projects Grant from the Irish Arts Council

BIO: Paul Rowley Paul Rowley is a filmmaker and visual artist. He began making experimental short films in 1995, and has presented his work internationally since. His films have received numerous awards over the years from the Irish Arts Council, New York State Council for the Arts, Irish Film Board, Culture Ireland, the Glen Dimplex Artists? Award (Irish Museum of Modern Art?s contemporary art prize), the Irish American Arts Awards, and a Golden Spire at the San Francisco International Film Festival. His recent documentary, Seaview premiered at the Berlin Film Festival, was nominated for an Irish Film and Television Award and received a Special Jury Mention at the DMZ Documentary Festival in Korea. Recently completed projects include a feature length experimental film, The Rooms, and a perma- nent public video art installation for LAX airport Los Angeles. He is currently in production on a new feature documentary commissioned by the Dublin Film Festival. BIO: Tim Blue Tim Blue is a film maker who also works in other diverse media. His videos have screened at many international festivals including the Berlin Film Festival, Oberhausen, Art Basel, Mix, Rencontres Internationales, and Darklight, among others. Based in Berlin, he also composes music for theatre and film, has conducted video workshops for youth, and has performed throughout Europe with his group, CHEAP. Tim?s recorded audio work is prolific, and includes several solo as well as collaborative works. The Rooms is his first feature film.

« The Rooms » est une collaboration entre amis. Tim (Blue) a filmé sa ville natale lors d'une visite, après de nombreuses années d?absence. Le film a été envoyé à Paul (Rowley), qui l?a retravaillé, en combinant les séquences non traitées avec des abstractions animées à partir du film. Les images pleines se fracturent. Une séquence basée sur la grammaire a été construite. Dans chaque section, les chambres ont été imaginées en tant que fragments d'une architecture quantique - discrète, finie, infime.

Paul Rowley et Tim Bleu se sont connus à San Francisco (USA) en 1997. Ils ont ensuite collaboré sur de nombreux projets, notamment sur le long-métrage expérimental « As Lathair » (2002) et sur cette nouvelle ?uvre « The Rooms ». Tim Bleu est basé à Berlin, où il fait des films expérimentaux et de la musique. Il est membre de la performance collective « Cheap ». Paul Rowley est basé à Dublin et à Brooklyn (USA) et travaille comme artiste d?installation et réalisateur de films. Son documentaire-reportage « Seaview » a été projeté en première au Festival du Film de Berlin en 2008.

"Commonwealth" examine les idées du progrès social en revisitant le programme spatial russe des années soixante, en particulier, l'orbite de la terre de Youri Gargarin en 1961. La présentation des évènements publics formants la perception de ce qui est bon pour la communauté et relevant l'esprit d'une communauté est examinée en relation avec le rôle d'une figure de proue individuelle, sélectionné dans la masse pour représenter une société internationalement. Inspiré d'une part par les écrits de Hobbes sur les politiques du corps, et les écrits sur l'histoire de la science, l'?uvre examine les idées de gouvernance et de communauté et l'usage de la division des modèles sociaux pour créer l'ordre. Une riche collection de références visuelles est rassemblée pour construire l'?uvre; par exemple, les Allégories d'un Bon Gouvernement: Les effet d'un bon gouvernement sur les villes et les campagnes d'Ambrogio Lorenzetti, des mosaïques murales soviétiques, l'iconographie de la course spatiale, le langage visuelle du progrès et les architectures utopiques et le design des expositions universelles de la fin des années soixante au début des années soixante-dix.

Paul Rowley est né à Dublin. David Phillips est né à Memphis. Ils travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et le son. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers` Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, à la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d`Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d`Art de Bonn, et "Bambi" à l`ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro. Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. Ils viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonates and Interludes" de John Cage. Ils ont été sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l`aéroport Lax de Los Angeles.

"Gravity Loop" est une série de photographies et de vidéos qui reconfigure une image unique dans le but de présenter différentes manières d'appréhender le temps. Prenant son point de départ dans la relativité, la série conduit à réfléchir sur les récentes découvertes en physique théorique et en String Theory, qui interrogent les possibilités du temps en tant que dimension non-continue, soit le fait, au niveau quantique, qu'il puisse y avoir des trous dans le temps. Bien que le modèle de l'atome comme sphère solide de matière ait été remplacé au début du XXe siècle par un modèle qui décrit l'atome comme espace presque vide, la vidéo recourt à de semblables idées pour illustrer d'éventuels modèles de capture du temps dans un temps non-continu. Une manière d'imaginer ce concept visuellement est de considérer l'utilisation des horloges pour indiquer l'heure. A la place d'une horloge unique qui montre le passage du temps de manière continue, au lieu de devoir imaginer un nombre infini d'horloges identiques, chacune d'entre elle parvient à l'existence pour une infime fraction de seconde, montre l'heure, et puis disparaît. Dans les intervalles des apparitions de ces horloges, il n'y a rien, un trou dans le temps où aucune manière et aucun movement ne peuvent exister.

Paul Rowley (né à Dublin) et David Phillips (né à Memphis) travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et des sons. Ils présentent leurs oeuvres sur les écrans des galeries, des musées et des festivals. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers? Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d'Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d'Art de Bonn, et "Bambi" à l'ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, "Prog:ME". Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. En 2000, ils ont été récompensés par le Glen Dimplex Artists? Award, le prix annuel d'art contemporain du Musée irlandais d'Art Moderne, qui est une sorte de Turner Prize irlandais. Cette vidéo brève intitulée "Suspension" a reçu le Golden Spire du Festival International de Cinéma de San Francisco et ces artistes ont remporté le prix du New Langton Arts Award. Paul a récemment remporté les prix du Irish American Arts, à la fois celui de la catégories des films hors 35mm et le prix général. Paul a été en résidence d'artiste à l'Atlantic Center for the Arts de Floride avec Gillian Wearing et il a reçu pour le travail qu'il poursuit depuis 1997, de nombreux prix de l'Irish Arts Council. Il a été membre de Macdowell Artist Colony à New Hampshire, et récemment, il s'est rendu en Italie pour travailler sur une nouvelle série de vidéos à la Bogliasco Fondation. Il a bénéficié d'une résidence à l' Experimental television Center de New York en 2005, qui lui a permis d'obtenir récemment une bourse du NYCSA, le New York State Council for the Arts. Paul et David viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonatas and Interludes" de John Cage, dont la première a eu lieu au mois de juillet dernier, au Stone de New York, en collaboration avec le pianiste Emily Manzo. Paul est en train d'achever un documentaire long métrage tourné dans le camp de vacances ouvert par Billy Butlin à Mosney, et qui est aujourd'hui utilisé comme centre d'accueil pour les demandeurs d'asile. Ils ont aussi été récemment sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l'aéroport Lax de Los Angeles, annoncée pour 2007.

En physique classique, l'énergie d'un système dans lequel la matière passe d'un état à un autre semble atteindre un plateau quand on approche du niveau de température critique. Issu d'observations basiques en physique, la vidéo examine comment un changement structurel et les états intermédiaires qui lui sont associés peuvent être appliqués à des lectures sociologiques. Analysant les sociétés en temps de crise, et appréhendant les moments de situation explosive comme des catalyseurs d'un changement social accéléré, la vidéo relie entre eux esthétiquement le champ social et les sciences physiques afin de voir ce à quoi une société peut ressembler à un moment d'extrême agitation.

Paul Rowley (né à Dublin) et David Phillips (né à Memphis) travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et des sons. Ils présentent leurs oeuvres sur les écrans des galeries, des musées et des festivals. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers? Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d'Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d'Art de Bonn, et "Bambi" à l'ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, "Prog:ME". Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. En 2000, ils ont été récompensés par le Glen Dimplex Artists? Award, le prix annuel d'art contemporain du Musée irlandais d'Art Moderne, qui est une sorte de Turner Prize irlandais. Cette vidéo brève intitulée "Suspension" a reçu le Golden Spire du Festival International de Cinéma de San Francisco et ces artistes ont remporté le prix du New Langton Arts Award. Paul a récemment remporté les prix du Irish American Arts, à la fois celui de la catégories des films hors 35mm et le prix général. Paul a été en résidence d'artiste à l'Atlantic Center for the Arts de Floride avec Gillian Wearing et il a reçu pour le travail qu'il poursuit depuis 1997, de nombreux prix de l'Irish Arts Council. Il a été membre de Macdowell Artist Colony à New Hampshire, et récemment, il s'est rendu en Italie pour travailler sur une nouvelle série de vidéos à la Bogliasco Fondation. Il a bénéficié d'une résidence à l' Experimental television Center de New York en 2005, qui lui a permis d'obtenir récemment une bourse du NYCSA, le New York State Council for the Arts. Paul et David viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonatas and Interludes" de John Cage, dont la première a eu lieu au mois de juillet dernier, au Stone de New York, en collaboration avec le pianiste Emily Manzo. Paul est en train d'achever un documentaire long métrage tourné dans le camp de vacances ouvert par Billy Butlin à Mosney, et qui est aujourd'hui utilisé comme centre d'accueil pour les demandeurs d'asile. Ils ont aussi été récemment sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l'aéroport Lax de Los Angeles, annoncée pour 2007.

La nuit du 27 avril 1974, des membres d?une branche armée de l?IRA volent 19 peintures à la Russborough House pour une valeur de 8 millions de livres. Parmi ces toiles, des Vermeer, Gainsborough, Velásquez. Les voleurs demandent le retour de prisonniers républicains irlandais détenus en Angleterre et une rançon de 500 000 livres. Les autorités répondent en offrant 100 000 livres de récompenses pour toute information sur l?affaire. Dix jours après le vol, la police irlandaise récupère les peintures dans le comté de York. Rose Dugdale, anglaise fortunée, est inculpée et condamnée. Elle est également condamnée pour son implication dans une opération précédente de l?IRA, l?attaque d?un poste de la Royal Ulster Constanbulary (forces de police d?Irlande du nord), au moyen d?un hélicoptère détourné. Rose Dugdale eut une peine de 18 ans de prison et en effectua 9. Dans cette vidéo, le déroulement des événements est retracé par l?utilisation d?images archivées sur microfiche, disponibles en bibliothèque, système actuellement obsolète. Ces images diffusées par les informations de l?époque sont rephotographiées sur internet, et montées dans une séquence qui les apparie. Ce qui permet une reconstitution de l?événement. L?intérêt de cet exercice pour celui qui regarde la vidéo est la série d?échanges qui y est présentée. La fortune de la famille Beit, initialement utilisée pour l?acquisition de ces peintures, a été accumulée par Alfred Beit, partenaire avec Cecil Rhodes des Mines de Beers en Afrique du Sud, qui, en 1891, détenait 90% de la production mondiale de diamant. Ces profits ont donc été utilisés pour l?achat des peintures, qui ont été volées quatre fois à la Russborough House depuis ces trente dernières années. La séquence des échanges est ici ce qui est intéressant, où des diamants d?Afrique deviennent des chefs d?oeuvres de l?art occidental, des valeurs d?échange pour des prisonniers politiques, et enfin, des objets de marchandage utilisés par des bandes criminelles organisées pour négocier avec l?Etat irlandais.

David Phillips est né en 1970 à Memphis, il a étudié les arts à Washington et à Rome. Paul Rowley est né à Dublin en 1971. Il a étudié au Trinity College de Dublin et à San Francisco. Ils collaborent ensemble depuis 1998, et vivent actuellement à New York. Ils réalisent des films, des installations vidéos, des photographies et des travaux sonores. Depuis les débuts de leur collaboration, ils ont reçu de nombreux prix. En 2000, ils ont obtenu le Glen Dimplex Artists? Award, prix annuel d?art contemporain de l?Irish Museum of Modern Art, considéré comme l?équivalent irlandais du Tate?s Turner Prize. Leur vidéo SUSPENSION a reçu le Golden Spire en 1999 au San Francisco International Film Festival. La même année, ils ont reçu le New Langton Arts Bay Area Award for Video. Ils ont récemment exposé à la Photographer?s Gallery de Londres, et ont eu une exposition personnelle au Carillo Gil Museum of Contemporary Art de Mexico City. Leur travail a également été projeté à la Videonale au Kunst Museum de Bonnn ; au ICA de Philadelphie ; au festival Impakt; à Séville ; au Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, à Impakt, au nouveau musée d?art contemporain de Bucarest

Contrasting the promise of rescue with threats of captivity and injury, ?Security Fugue? examines personal responses to crisis in the current arena of ubiquitous security. Images of a rescue helicopter move across the screen in exaggerated slow motion, while on a second screen, the camera tracks over aeriel views of a hospital and rescue crew on the ground below. In the audio track, stuttering confessions and dislocated murmurs echo in unison with the constant rhythm of chopping helicopter blades which fills the space. Sources for the piece are varied; a small excerpt of a 35mm Hollywood trailer from the early 1970`s, a 16mm educational film about psychological responses to disasters, taped recordings of phone calls made by Patty Hearst from captivity in 1974, interviews with Hearst from 2003 describing her revisited experiences of captivity, and original sound compositions by the artists. The memory lapse of the amnesiac is taken as a starting point from which to investigate the process of forgetting, remembering and rewriting of recent memories. These editorial patterns of amnesia are juxtaposed visually with images of physical constraint that parallel the collective mental state of a society in a state of siege. Musically, the imitative polyphonic compositional structure of the fugue in which a theme is stated successively in several voices is used both to determine the editing structure of the work and for its references to pursuit and flight. In psychiatry, the fugue is described as a condition of pathological amnesia during which one is apparently conscious of one`s actions, but has no recollection of them after returning to a normal state. This condition, usually resulting from severe mental stress, is of interest in describing a trauma that is experienced both individually and collectively. In installation, the piece is presented as two side-by-side large-scale projections with a surround sound audio mix. A single channel version is also available for cinema and festival screenings.

Artists David Phillips (Memphis, Tennessee 1970) and Paul Rowley (Dublin, Ireland 1971) have been working together collaboratively since 1998, primarily with film, video installation and sound. In 2000, they won the Glen Dimplex Artists? Award, the Irish Museum of Modern Art?s annual contemporary art prize, and seen as the Irish equivalent of the Tate?s Turner prize. Their short video Suspension was awarded a Golden Spire at the 1999 San Francisco International Film Festival. In the same year they were the recipients of the New Langton Arts Bay Area Award for video. Recent exhibitions include Re:mote at the Photographers? Gallery, London, Videonale at the Bonn Kunst Museum, and Bambi at the ICA in Philadelphia. Their work was recently selected by New Museum?s senior curator Dan Cameron to participate in the annual ev+a exhibition in Limerick, Ireland. Recent fesitval screeings include the Impakt festival in Holland, special mention at the Zemos:98 festival in Sevilla, and retrospectives at the Darklight Digital Festival in Dublin and Prog:ME, the Rio de Janeiro festival of Media Arts. Paul has been artist in residence at the Atlantic Center for the Arts, Florida, with Gillian Wearing, and a fellow at the Macdowell Artist Colony in New Hampshire. He has received numerous awards and bursaries from the Irish Arts Council for his work.

THE RED TREE / L`ALBERO ROSSO is short documentary that tells the little known history of Italian gay men being arrested and exiled to a remote island during Mussolini`s Fascist regime. In the film, an elderly man returns to the island of San Domino where 60 years before during the Fascist era he was imprisoned with hundreds of other men for being homosexual. As he walks the island alone, memories come back - of all-male dances in his home town in Sicily in the 1930s, of his beating and arrest, the difficulty of prison life on the island, the suffering of gay men under fascism, and their public humiliation after their return. And of this unique island where all the prisoners were gay, and the seeds of a community were first sown.

A visual artist and filmmaker, Paul began making films in 1995. Since then he has completed over forty shorts, documentaries, video installations, and experimental films, which have shown internationally from the Berlin Film Festival to San Francisco International to the Centre Pompidou.

DMC-13 is a short video produced on analog video synthesisers at the Experimental Television Center in New York. The film uses images from a documentary on John DeLorean - the ill fated automobile manufacturer - who opened his luxury sports car factory in Belfast at the height of the troubles in the north of Ireland. As the US car industry collapsed, and DeLorean was arrested for alleged cocaine smuggling, his dream of `affordable luxury`, which had spent over £100 million of taxpayers money, also perished.

Paul Rowley is a visual artist and filmmaker. He first began making films in 1995. Since then he has completed over 30 shorts, feature films, video installations, and documentaries. The works are shown both in galleries and film festivals. Previous screenings include - Centre Pompidou Paris, Hammer Museum Los Angeles, Forum Expanded at the Berlin Film Festival, Photographers` Gallery, London, Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, Museum of Modern Art Dublin. He recently completed a 60 screen permanent installation at Los Angeles International Airport.

The Rooms looks back at the remnants of the 20th century through the eyes of the 21st. Watching the film is like wandering through a ghosted world. You find yourself in unfamiliar places as if arriving in a dream, suddenly and without direction, yet with apparent logical precision. A theatre operates by and for itself; a museum archives its own contents; a city attempts to replicate language; an unfinished embassy recalls political turmoil; an abandoned spy station collects fragments of historical data and re-programmes itself. These Rooms operate as quantum architectures, forming and collapsing by themselves, defying categorisation. With rich sound design and diverse formats, the film is a visually complex study of a world abandoned that somehow continues to operate. People exist only as echoes in the empty spaces. Filmed in Italy, Germany, Spain, the United States and Korea, the numerous locations become the interconnected sites of a post-human environment. Disparate fragments come together to form a whole through the film`s unique reading of time. The wages of human endeavour are leveled and treated as data. The perspectives of the past ? modernist, machine, space-age ? are scrutinized by a future that escaped prediction. The Rooms is a collaborative project by Paul Rowley and Tim Blue made with the support of a Projects Grant from the Irish Arts Council

BIO: Paul Rowley Paul Rowley is a filmmaker and visual artist. He began making experimental short films in 1995, and has presented his work internationally since. His films have received numerous awards over the years from the Irish Arts Council, New York State Council for the Arts, Irish Film Board, Culture Ireland, the Glen Dimplex Artists? Award (Irish Museum of Modern Art?s contemporary art prize), the Irish American Arts Awards, and a Golden Spire at the San Francisco International Film Festival. His recent documentary, Seaview premiered at the Berlin Film Festival, was nominated for an Irish Film and Television Award and received a Special Jury Mention at the DMZ Documentary Festival in Korea. Recently completed projects include a feature length experimental film, The Rooms, and a perma- nent public video art installation for LAX airport Los Angeles. He is currently in production on a new feature documentary commissioned by the Dublin Film Festival. BIO: Tim Blue Tim Blue is a film maker who also works in other diverse media. His videos have screened at many international festivals including the Berlin Film Festival, Oberhausen, Art Basel, Mix, Rencontres Internationales, and Darklight, among others. Based in Berlin, he also composes music for theatre and film, has conducted video workshops for youth, and has performed throughout Europe with his group, CHEAP. Tim?s recorded audio work is prolific, and includes several solo as well as collaborative works. The Rooms is his first feature film.

« The Rooms » est une collaboration entre amis. Tim (Blue) a filmé sa ville natale lors d'une visite, après de nombreuses années d?absence. Le film a été envoyé à Paul (Rowley), qui l?a retravaillé, en combinant les séquences non traitées avec des abstractions animées à partir du film. Les images pleines se fracturent. Une séquence basée sur la grammaire a été construite. Dans chaque section, les chambres ont été imaginées en tant que fragments d'une architecture quantique - discrète, finie, infime.

Paul Rowley et Tim Bleu se sont connus à San Francisco (USA) en 1997. Ils ont ensuite collaboré sur de nombreux projets, notamment sur le long-métrage expérimental « As Lathair » (2002) et sur cette nouvelle ?uvre « The Rooms ». Tim Bleu est basé à Berlin, où il fait des films expérimentaux et de la musique. Il est membre de la performance collective « Cheap ». Paul Rowley est basé à Dublin et à Brooklyn (USA) et travaille comme artiste d?installation et réalisateur de films. Son documentaire-reportage « Seaview » a été projeté en première au Festival du Film de Berlin en 2008.

"Commonwealth" examine les idées du progrès social en revisitant le programme spatial russe des années soixante, en particulier, l'orbite de la terre de Youri Gargarin en 1961. La présentation des évènements publics formants la perception de ce qui est bon pour la communauté et relevant l'esprit d'une communauté est examinée en relation avec le rôle d'une figure de proue individuelle, sélectionné dans la masse pour représenter une société internationalement. Inspiré d'une part par les écrits de Hobbes sur les politiques du corps, et les écrits sur l'histoire de la science, l'?uvre examine les idées de gouvernance et de communauté et l'usage de la division des modèles sociaux pour créer l'ordre. Une riche collection de références visuelles est rassemblée pour construire l'?uvre; par exemple, les Allégories d'un Bon Gouvernement: Les effet d'un bon gouvernement sur les villes et les campagnes d'Ambrogio Lorenzetti, des mosaïques murales soviétiques, l'iconographie de la course spatiale, le langage visuelle du progrès et les architectures utopiques et le design des expositions universelles de la fin des années soixante au début des années soixante-dix.

Paul Rowley est né à Dublin. David Phillips est né à Memphis. Ils travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et le son. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers` Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, à la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d`Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d`Art de Bonn, et "Bambi" à l`ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro. Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. Ils viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonates and Interludes" de John Cage. Ils ont été sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l`aéroport Lax de Los Angeles.

"Gravity Loop" est une série de photographies et de vidéos qui reconfigure une image unique dans le but de présenter différentes manières d'appréhender le temps. Prenant son point de départ dans la relativité, la série conduit à réfléchir sur les récentes découvertes en physique théorique et en String Theory, qui interrogent les possibilités du temps en tant que dimension non-continue, soit le fait, au niveau quantique, qu'il puisse y avoir des trous dans le temps. Bien que le modèle de l'atome comme sphère solide de matière ait été remplacé au début du XXe siècle par un modèle qui décrit l'atome comme espace presque vide, la vidéo recourt à de semblables idées pour illustrer d'éventuels modèles de capture du temps dans un temps non-continu. Une manière d'imaginer ce concept visuellement est de considérer l'utilisation des horloges pour indiquer l'heure. A la place d'une horloge unique qui montre le passage du temps de manière continue, au lieu de devoir imaginer un nombre infini d'horloges identiques, chacune d'entre elle parvient à l'existence pour une infime fraction de seconde, montre l'heure, et puis disparaît. Dans les intervalles des apparitions de ces horloges, il n'y a rien, un trou dans le temps où aucune manière et aucun movement ne peuvent exister.

Paul Rowley (né à Dublin) et David Phillips (né à Memphis) travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et des sons. Ils présentent leurs oeuvres sur les écrans des galeries, des musées et des festivals. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers? Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d'Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d'Art de Bonn, et "Bambi" à l'ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, "Prog:ME". Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. En 2000, ils ont été récompensés par le Glen Dimplex Artists? Award, le prix annuel d'art contemporain du Musée irlandais d'Art Moderne, qui est une sorte de Turner Prize irlandais. Cette vidéo brève intitulée "Suspension" a reçu le Golden Spire du Festival International de Cinéma de San Francisco et ces artistes ont remporté le prix du New Langton Arts Award. Paul a récemment remporté les prix du Irish American Arts, à la fois celui de la catégories des films hors 35mm et le prix général. Paul a été en résidence d'artiste à l'Atlantic Center for the Arts de Floride avec Gillian Wearing et il a reçu pour le travail qu'il poursuit depuis 1997, de nombreux prix de l'Irish Arts Council. Il a été membre de Macdowell Artist Colony à New Hampshire, et récemment, il s'est rendu en Italie pour travailler sur une nouvelle série de vidéos à la Bogliasco Fondation. Il a bénéficié d'une résidence à l' Experimental television Center de New York en 2005, qui lui a permis d'obtenir récemment une bourse du NYCSA, le New York State Council for the Arts. Paul et David viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonatas and Interludes" de John Cage, dont la première a eu lieu au mois de juillet dernier, au Stone de New York, en collaboration avec le pianiste Emily Manzo. Paul est en train d'achever un documentaire long métrage tourné dans le camp de vacances ouvert par Billy Butlin à Mosney, et qui est aujourd'hui utilisé comme centre d'accueil pour les demandeurs d'asile. Ils ont aussi été récemment sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l'aéroport Lax de Los Angeles, annoncée pour 2007.

En physique classique, l'énergie d'un système dans lequel la matière passe d'un état à un autre semble atteindre un plateau quand on approche du niveau de température critique. Issu d'observations basiques en physique, la vidéo examine comment un changement structurel et les états intermédiaires qui lui sont associés peuvent être appliqués à des lectures sociologiques. Analysant les sociétés en temps de crise, et appréhendant les moments de situation explosive comme des catalyseurs d'un changement social accéléré, la vidéo relie entre eux esthétiquement le champ social et les sciences physiques afin de voir ce à quoi une société peut ressembler à un moment d'extrême agitation.

Paul Rowley (né à Dublin) et David Phillips (né à Memphis) travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et des sons. Ils présentent leurs oeuvres sur les écrans des galeries, des musées et des festivals. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers? Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d'Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d'Art de Bonn, et "Bambi" à l'ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, "Prog:ME". Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. En 2000, ils ont été récompensés par le Glen Dimplex Artists? Award, le prix annuel d'art contemporain du Musée irlandais d'Art Moderne, qui est une sorte de Turner Prize irlandais. Cette vidéo brève intitulée "Suspension" a reçu le Golden Spire du Festival International de Cinéma de San Francisco et ces artistes ont remporté le prix du New Langton Arts Award. Paul a récemment remporté les prix du Irish American Arts, à la fois celui de la catégories des films hors 35mm et le prix général. Paul a été en résidence d'artiste à l'Atlantic Center for the Arts de Floride avec Gillian Wearing et il a reçu pour le travail qu'il poursuit depuis 1997, de nombreux prix de l'Irish Arts Council. Il a été membre de Macdowell Artist Colony à New Hampshire, et récemment, il s'est rendu en Italie pour travailler sur une nouvelle série de vidéos à la Bogliasco Fondation. Il a bénéficié d'une résidence à l' Experimental television Center de New York en 2005, qui lui a permis d'obtenir récemment une bourse du NYCSA, le New York State Council for the Arts. Paul et David viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonatas and Interludes" de John Cage, dont la première a eu lieu au mois de juillet dernier, au Stone de New York, en collaboration avec le pianiste Emily Manzo. Paul est en train d'achever un documentaire long métrage tourné dans le camp de vacances ouvert par Billy Butlin à Mosney, et qui est aujourd'hui utilisé comme centre d'accueil pour les demandeurs d'asile. Ils ont aussi été récemment sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l'aéroport Lax de Los Angeles, annoncée pour 2007.

La nuit du 27 avril 1974, des membres d?une branche armée de l?IRA volent 19 peintures à la Russborough House pour une valeur de 8 millions de livres. Parmi ces toiles, des Vermeer, Gainsborough, Velásquez. Les voleurs demandent le retour de prisonniers républicains irlandais détenus en Angleterre et une rançon de 500 000 livres. Les autorités répondent en offrant 100 000 livres de récompenses pour toute information sur l?affaire. Dix jours après le vol, la police irlandaise récupère les peintures dans le comté de York. Rose Dugdale, anglaise fortunée, est inculpée et condamnée. Elle est également condamnée pour son implication dans une opération précédente de l?IRA, l?attaque d?un poste de la Royal Ulster Constanbulary (forces de police d?Irlande du nord), au moyen d?un hélicoptère détourné. Rose Dugdale eut une peine de 18 ans de prison et en effectua 9. Dans cette vidéo, le déroulement des événements est retracé par l?utilisation d?images archivées sur microfiche, disponibles en bibliothèque, système actuellement obsolète. Ces images diffusées par les informations de l?époque sont rephotographiées sur internet, et montées dans une séquence qui les apparie. Ce qui permet une reconstitution de l?événement. L?intérêt de cet exercice pour celui qui regarde la vidéo est la série d?échanges qui y est présentée. La fortune de la famille Beit, initialement utilisée pour l?acquisition de ces peintures, a été accumulée par Alfred Beit, partenaire avec Cecil Rhodes des Mines de Beers en Afrique du Sud, qui, en 1891, détenait 90% de la production mondiale de diamant. Ces profits ont donc été utilisés pour l?achat des peintures, qui ont été volées quatre fois à la Russborough House depuis ces trente dernières années. La séquence des échanges est ici ce qui est intéressant, où des diamants d?Afrique deviennent des chefs d?oeuvres de l?art occidental, des valeurs d?échange pour des prisonniers politiques, et enfin, des objets de marchandage utilisés par des bandes criminelles organisées pour négocier avec l?Etat irlandais.

David Phillips est né en 1970 à Memphis, il a étudié les arts à Washington et à Rome. Paul Rowley est né à Dublin en 1971. Il a étudié au Trinity College de Dublin et à San Francisco. Ils collaborent ensemble depuis 1998, et vivent actuellement à New York. Ils réalisent des films, des installations vidéos, des photographies et des travaux sonores. Depuis les débuts de leur collaboration, ils ont reçu de nombreux prix. En 2000, ils ont obtenu le Glen Dimplex Artists? Award, prix annuel d?art contemporain de l?Irish Museum of Modern Art, considéré comme l?équivalent irlandais du Tate?s Turner Prize. Leur vidéo SUSPENSION a reçu le Golden Spire en 1999 au San Francisco International Film Festival. La même année, ils ont reçu le New Langton Arts Bay Area Award for Video. Ils ont récemment exposé à la Photographer?s Gallery de Londres, et ont eu une exposition personnelle au Carillo Gil Museum of Contemporary Art de Mexico City. Leur travail a également été projeté à la Videonale au Kunst Museum de Bonnn ; au ICA de Philadelphie ; au festival Impakt; à Séville ; au Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, à Impakt, au nouveau musée d?art contemporain de Bucarest

Contrasting the promise of rescue with threats of captivity and injury, ?Security Fugue? examines personal responses to crisis in the current arena of ubiquitous security. Images of a rescue helicopter move across the screen in exaggerated slow motion, while on a second screen, the camera tracks over aeriel views of a hospital and rescue crew on the ground below. In the audio track, stuttering confessions and dislocated murmurs echo in unison with the constant rhythm of chopping helicopter blades which fills the space. Sources for the piece are varied; a small excerpt of a 35mm Hollywood trailer from the early 1970`s, a 16mm educational film about psychological responses to disasters, taped recordings of phone calls made by Patty Hearst from captivity in 1974, interviews with Hearst from 2003 describing her revisited experiences of captivity, and original sound compositions by the artists. The memory lapse of the amnesiac is taken as a starting point from which to investigate the process of forgetting, remembering and rewriting of recent memories. These editorial patterns of amnesia are juxtaposed visually with images of physical constraint that parallel the collective mental state of a society in a state of siege. Musically, the imitative polyphonic compositional structure of the fugue in which a theme is stated successively in several voices is used both to determine the editing structure of the work and for its references to pursuit and flight. In psychiatry, the fugue is described as a condition of pathological amnesia during which one is apparently conscious of one`s actions, but has no recollection of them after returning to a normal state. This condition, usually resulting from severe mental stress, is of interest in describing a trauma that is experienced both individually and collectively. In installation, the piece is presented as two side-by-side large-scale projections with a surround sound audio mix. A single channel version is also available for cinema and festival screenings.

Artists David Phillips (Memphis, Tennessee 1970) and Paul Rowley (Dublin, Ireland 1971) have been working together collaboratively since 1998, primarily with film, video installation and sound. In 2000, they won the Glen Dimplex Artists? Award, the Irish Museum of Modern Art?s annual contemporary art prize, and seen as the Irish equivalent of the Tate?s Turner prize. Their short video Suspension was awarded a Golden Spire at the 1999 San Francisco International Film Festival. In the same year they were the recipients of the New Langton Arts Bay Area Award for video. Recent exhibitions include Re:mote at the Photographers? Gallery, London, Videonale at the Bonn Kunst Museum, and Bambi at the ICA in Philadelphia. Their work was recently selected by New Museum?s senior curator Dan Cameron to participate in the annual ev+a exhibition in Limerick, Ireland. Recent fesitval screeings include the Impakt festival in Holland, special mention at the Zemos:98 festival in Sevilla, and retrospectives at the Darklight Digital Festival in Dublin and Prog:ME, the Rio de Janeiro festival of Media Arts. Paul has been artist in residence at the Atlantic Center for the Arts, Florida, with Gillian Wearing, and a fellow at the Macdowell Artist Colony in New Hampshire. He has received numerous awards and bursaries from the Irish Arts Council for his work.

Une voiture conduit dans la direction de Nouvelle Belgrade (Novi Beograd). Sur la route, on aperçoit beaucoup de panneaux publicitaires. De place en place, et de panneau d'affichage en panneau d'affichage, la voiture roule accompagnée de voix-off qui parlent de la ville et des différents lieux traversés. Ces histoires vont d?une sorte de style purement informatif à des impressions, des expériences ou des réflexions historiques beaucoup plus subjectives, donnant différents points de vue sur l'urbanisme, l'histoire, les graffiti ou l'art. Le projet « Boulevard of Illusions » examine des aspects historiques du développement de Nouvelle Belgrade sur l'ancien « Boulevard Lénine », que Tito avait parcouru de haut en bas dans sa Mercedes, face à des milliers de personnes qui le saluaient de la main.

Artiste actif dans le domaine de l?art déconceptuel, la critique de l'espace public, les rapports image-texte des arts et nouveaux médias, ainsi que dans l'interculturalité, Stefan Römer expose ses ?uvres et publie dans des revues et des magazines de façon régulière. Il lui a été décerné le Prix de la Critique d'Art du Arbeitskreis deutscher Kunstvereine (AdKV) en 2000. Professeur en nouveaux médias à l'Académie des Beaux-Arts de Munich (Allemagne) depuis 2003, il était précédemment assistant à l'Université des Médias de Cologne (Allemagne) en 1999-2002. Depuis 2007, il est conférencier invité à l'Institut d?Études culturelles de l?Université Leuphana de Lüneburg (Allemagne). Parmi ses récentes créations artistiques, signalons notamment « The (never ending) movie », à la Biennale de Photo de Rotterdam (Pays-Bas)/Cologne (Allemagne) en 2003, « Begegnungen mit Deutschen/Encounters with Germans », à Cologne et Francfort (Allemagne) en 2003, le livre de photo d?art « Temporäre Architektur » en 2005 et « Berichte aus dem Conceptual Paradise » en 2006. Son film-documentaire « Conceptual Paradise » a pu être réalisé grâce au soutien du Kulturstiftung des Bundes (Fondation Culturelle Fédérale, Allemagne) en 2005 et a été présenté en collaboration avec le Musée K21 et le Cinéma Black Box de Düsseldorf (Allemagne). Son film documentaire « Boulevard of Illusions ? Learning from New Belgrade » a été réalisé pour le Musée d?Art Contemporain de Belgrad en 2008.

"The Times, replayed" se déroule dans une boucle temporelle à la fois énigmatique et très concrète. Depuis une pièce isolée, des images du monde apparaissent, désynchronisées et en même temps en phase avec le flux d’informations. La matérialité des images est remise en question, leur façon d’être contextualisées et de se décomposer, la vitesse à laquelle elles sont rendues obsolètes ou prennent un nouveau sens. Dans cet espace, une présence réelle commence lentement à émerger.

Pia Rönicke est artiste et vit à Copenhague (Danemark). Ces dernières années, elle a étudié différentes collections botaniques qui portent les traces de conditions coloniales et géopolitiques. Son travail s'intéresse aux problèmes d'espace et aux transformations spatiales. Elle interroge le lien entre l'espace de travail et l'espace filmique, ainsi que la façon dont nous concevons les questions historiques par rapport à nos activités quotidiennes. Pia Rönicke travaille souvent avec des archives, et la pratique de la collecte est un thème récurrent dans ses œuvres. Sa pratique artistique englobe le film, la gravure, la sculpture et les objets, qui construisent ensemble des récits. Elle a plusieurs expositions personnelles à son actif, notamment: "Drifting Woods", Gävle Art Center, Gävle (Suède); "Word for Forest", Parallel Oaxaca (Mexique) [2018]; "The Cloud Document", Overgaden Institute of Contemporary Art, Copenhague (Danemark) [2017]; "The Pages of Day and Night", gb agency, Paris (France) [2015]; et "Aurora", Museo Rufino Tamayo, Mexico (Mexique) [2012]. Elle a également participé à divers festivals de films et expositions collectives, notamment: le CPH:DOX, Copenhague (Danemark) [2018]; le FIDMarseille (France) [2018]; "Botany Under Influence", Apexart, New York (USA) [2016]; "A story within a Story", Biennale internationale d'art contemporain de Göteborg (Suède) [2015]; "Buildering : Misbehaving the City", Contemporary Arts Center, Cincinnati (USA) [2014]; "Réhabilitation", WIELS, Bruxelles (Belgique) (2012); "After Architecture", Centre d'Art Santa Mònica, Barcelone (Espagne) [2010]; "Imagine Action", Lisson Gallery, Londres (Royaume-Uni) [2008]; "Elephant Cemetery", Artists Space, New York (USA) [2007]; "Anachronisme", ARGOS, Bruxelles (Belgique) [2007]; et "GNS", Palais de Tokyo, Paris (France) [2003].

Word for Forest is a cinematic journey that travels from the Botanical Garden in Copenhagen to Santiago Comaltepec in the mountains of Oaxaca. The film records a seed's displacement from Mexico, where it was collected by the botanist Frederik Liebmann in 1842, to the Botanical Garden in Copenhagen. The film returns to the plant`s original home, the unique habitat of the cloud forest. The cloud forest in this region has an exceptionally high biodiversity, where specific oaks and pines grow side by side with a rich plant life that is not found anywhere else. In Santiago Comaltepec, the forest is taken care of by the community, which has long resided in this area, but has not always had the right to use the land. Both the Spanish colonial empire and the Mexican state have previously demanded control over the forest. In the 1980s, the community fought for the forest's rights. Through "comunalidad", the forest became common land and only the naturally fallen wood can be logged. The film invites one to listen to the rhythms of the language and the sounds of the forest and to absorb the variations in the many ferns.

In recent years, I have been investigating different botanical collections. These plant collections show traces of geopolitical conditions not only within the practices of botany but also map out colonial territorializations. This work including, The Pages of Day and Night (2015) and The Cloud Document (2017) attempts to examine some of the consequences of botanical systemization.I am interested in how we conceive historical matters in relationship to our daily activities and the connection between workspace and filmic space. I often work with different kinds of archives and the practice of collecting is a recurring subject in my practice - The personal, ethical and political dimensions of it. I work with blind spots' that which contains spatial dimensions, and a set of coordinates of unnoticed, undisclosed material.

In an unknown near future and past, a filmmaker is trying to retrace the steps of Silvia. “Who is Silvia? What is Silvia?” Silvia has gone missing. In this filmic reconstruction, Silvia drifts with the forest, attempting to attune with its temporalities. In a quest for co-existence, Silvia bridges the supposedly opposing world-views of ‘Sequency and Simultaneity’, presence and duration. At the borders of not only the forest but also of science, the destructive powers of a proprietarian society only obey the laws of succession. Here, the socialists plans of the post war era are being demolished and cleared for new and profitable housing. But in Silvia’s archive, city infrastructure and forest root systems are being integrated. Silvia’s recordings are cut in intervals where time itself becomes unstable. Through a numbering system of repeating patterns, progression is broken. Silvia has abandoned the society of ‘means to an end’. In this movement lays the path to un-build the walls that have infiltrated all aspects of this world. In the film there are excerpts by: Ursula K. Le Guin, The Author of the Acacia Seeds' and Other Extracts from the Journal of the Association of Therolinguistics and The Dispossessed, 1974. Walter Benjamin, Painting, or Signs and Marks, 1917. Una Canger, What the Eye Sees, 1986. Prints, photographs, drawings and architectural plans by among others: Florence Henri, Lotte Stam-Beese, Alma Buscher and Silvia.

In recent years, Pia Rönicke has been investigating different botanical collections that show traces of colonial and geopolitical conditions. She is in her work concerned with problems of space and spatial transformations. She is interested in the connection between workspace and filmic space, and how we conceive historical matters in relationship to our daily activities. Rönicke often works with archives and the practice of collecting is a recurring theme in her practice. She works with film, prints, sculptures and objects, which together builds narratives. CURRICULUM VITAE Pia Rönicke Born: Denmark, Roskilde. 1974 Education 1995-1999 The Royal Danish Academy of Fine Art 1999-2001 California Institute of the Arts. Solo Exhibitions (selected): 2022: Drifting Woods, Munkeruphus, Denmark 2021: Drifting Woods, Deserted Forest, Gävle Konstcentrum, Sweden 2020 Astrid, Lotte og Florence, Astrid Noacks Atelier, Copenhagen 2019: one artist / 2 films / one week, gb agency, Paris 2018: Word for Forest, Parallel Oaxaca, Mexico 2017: the Cloud Document, Overgaden. Institute of Contemporary Art 2015: The Pages of Day and Night, gb agency. 2012: Aurora, Museo Tamayo, M?xico City. Dream and action find equal support in it, gb agency, Paris 2011: Dream and action find equal support in it, Andersen’s Contemporary, Copenhagen 2010: Scanning Through Landscapes, WALDEN AFFAIRS, Den Haag 2009: Facing, CENTRO CULTURAL MONTEHERMOSO KULTURENEA, Vitoria, Spain. 2008: A Usual Story from a Nameless Country, gb Agency, Paris Travel Stories, Casco, Utrecth, Holland. 2007: Rosa’s Letters - Telling a Story, croy nielsen, Berlin. 2006: Rosa’s Letters - Telling a Story, gb Agency, Paris Capitol Punishment, in collaboration with Olga Koumoundouros Glassell School of Arts, Houston. The Plan is Dictator. Lunds Konsthall, Lund, Sweden.* 2005: Hoardings II, public project, Tate Modern. London Without a Name. Gallery Andersen’s, Copenhagen. Land/Documents. Display Gallery, Prague. 2004: Without a Name, Gallery gb Agency, Paris. Landscapes of Resistance,Trafo Gallery, Budapest. Six Architects – An Architectural Rorschach Test, •• A collaporation with Michael Bears. Lunds Kunsthal, Sweden. 2003: Seven Architects – An Architectural Rorschach Test, Schindler residency, The Makey Apartments, Los Angeles ••A collaporation with Michael Bears. 2002: ‘A Place Like Any Other’, Gallery Tommy Lund, Copenhagen, Denmark. Group Exhibitions (selected): 2022: Busan Biennale, Museum of Contemporary Art, Busan (MoCA Busan) Flowers, MAMAC, Museum of Modern and Contemporary Art, Nice 2021: Acts of Listening: A Common Attempt to (Re) Articulate a Feminist Position, Astrid Noacks Atelier, Copenhagen Perspectives #01,Fonds regional d’art contemporain, Alsace The Secret Life of Plants, Casa da Cerca, Almada, Portugal 2020: The City, BEK – Bergen Centre for Electronic Arts, Bergen 2019: Artistic Undressings of the Royal Seaport, Moss exhibitions, Stockholm Drawing Attention, DEN FRIE, Contemporary Artcenter. Kbenhavn I slipped into my metamorphosis so quietly that no one noticed, DEN FRIE This is Not An Apricot, SixtyEight Art Institute, Copenhagen 2018: Case of Emergency, public project, Gävle, Sverige 2018: Word for Forest, Parallel Oaxaca, Mexico 2017: AMIF, LUX Scotland. Tramway, Glasgow. Collaboration with Henriette Heise, Deirdre Humphrys, Mia Edelgart Conversation I: Family, work, art, surroundings, Tom Christoffersen. Pia R?nicke, S?nder Boulevard 88, 3.tv 1720 Copenhagen V. E-mail: piaronicke@gmail.com Mapping with Plants, book work and symposium, Hamborg Art Academy. DFU Kino, screening, Den Frie Udstillingsbygning. 2016: Botany Under Influence, Apexart, New York. But Still Tomorrow Builds into My Face, Lawrie Shabibi, Dubai. 2015: A story within a Story G?teborg International Biennial for Contemporary Art.Old News, cneai, Paris. Kvinder frem. Museum of Contemporary Art, Denmark. Lokale, Flensborggade 57, Copenhagen 2014: Photography and Architecture. Photographic Center, Copenhagen Human- Space-Machines. Henie Onstad Kunstsenter (HOK), Oslo. Buildering : Misbehaving the City, Contemporary Arts Center (CAC), Cincinnati, Ohio 2013: Reports from New Sweden, Tensta Konsthall. Human- Space-Machines: Stage Experiments At The Bauhaus, Stiftung Bauhaus, Dessau Fokus, Nikolaj Kunsthal, Copenhagen. 2012: Horizons persistants, Centre d’art le LAIT, Albi Cities of Light: Film Programme curated by Inheritance Projects, Devi Art Foundation, Gurgaon, India. Newtopia: The State of Human Rights, exhibition for the City of Mechelen, Belgium VISIT TINGBJERG, Artfestival in Tingbjerg. A Gathering, locus Athens, Athen Envisioning Buildings, MAK, Wien 2011: Ficciones Urbanas, Centro Cultural Koldo Mitxlena, San Sebastian. Community without Propinquity, Milton Keynes Art Gallery, UK Terms of Belonging (gaaafstand collaboration with Nis R?mer) Overgaden. Institute of Contemporary Art, Copenhagen. L'idee de nature, Mulhouse Kunsthalle, Frankrig 2010: hem ljuva hem, Konsthall C, Stockholm. THIS STORY IS NOT READY FOR ITS FOOTNOTES, Ex Elettrofonica, Roma. Danmark 2010 - en vejledning til nationen for 'verdens lykkeligste folk'. (gaaafstand collaboration with Nis R?mer) Overgaden. Institute of Contemporary Art, Copenhagen. Wiels, Rehabilitation, Bruxelles – Brussel Both Before and After, gb agency, Paris Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona, Film festival, Barcelona. Where are yesterday's tomorrow? Film screening, Mus?e d'Art Contemporain de Montreal. Montreal. 2009: Changes in the contemporary city, Sculpture International Rotterdam (SIR), Coolsingel cinema, Rotterdam. The Curve is Ruinous (film screening program), Grazer Kunstverein, Graz. After Architecture, CASM, Barcelona. In May (After October), Gallery TPW Toronto Gets Under the Skin (film screening program), The Storefront for Art and Architecture, New York Os demos, Publik, Copenhagen 2008: Overcoming, Ernst Museum, Budapest After October, Elizabeth Dee gallery, New York Zero Gravity, The Week of Contemporary Art in Plovdiv, Bulgaria U-TURN Quadrennial for Contemporary Art, Copehagen The Map is not the Territory, Esbjeg Artmuseum, Denmark Technically Sweet, Participant Inc, New York Danskjävlar – A Swedish declaration of love, Kunsthal Charlottenborg. Copenhagen. A NEW STANCE FOR TOMORROW, The Gallery Sketch, London 2007: “The Other City”, Hungarian cultural center, New York. “Sue?o de casa propia”, La casa encendida, Madrid “Archaeologies of the Future, Sala Rekalde, Bilboa. ”Building Society”, Contemporary artcenter La Panera, Lleida, Spain. “Imagine Action”, Lisson Gallery, London. “A Number of Worlds Resembling Our Own”, Smart Project Space, Amsterdam. Habitat/Variations, B?timent d'art con temporain, Geneve “Anachronism”, ARGOS, Brussels. "Elephant Cemetary”, Artist Space, New York "Dibujos animados (Cartoons)", Museo Colecciones ICO, Madrid 2006: Exportable Goods, Krinzinger Projekte, Vienna Dreamlands Burn, Mucsarnok / Kunsthalle Budapest Version Animee, Centre pour l'image contemporaine, Geneve. Urban Appearances, video parcour at Rosa-LuxemburgPlatz, Berlin Closely Observed Plans, Transit workshops, Bratislava. Super nova, Pommery#3, Reims, France Esplanaden, The Frie, Exhibition Hall, Copenhagen. 2005: At the Same Time Somewhere Else, Fruitmarket Gallery, Edinbourg gb Agency. Paris. Opening exhibition, Andersen’s Gallery, Copenhagen. Urban Cirkulation, public project, Berlin. 2004: Channel _0, CATV Project, Local TV-NETWORK, AIAV, Japan Non Standard Cities, Stadtkunstverein, Berlin. Cycle Tracks Will Abound In Utopia, ACCA, Melbourne Architectual Adventures, Overgaden, Institute of Contemporary Art, Copenhagen. Monument, an exhibition in the city of Copenhagen. 2003: Abcity, Trafo, Budapest. Plunder, Dundee Contemporary Arts, Dundee, Scotland. Feu de bois, Frac des Pays de la Loire, Nantes, France. Rent a Bench, Trapholt Moderne Museum of Art, Kolding, Denmark. Coup de Coeur- a sentimental choice, CRAC Alsace, Altkirch, France. Video festival, Creating New Spaces, Kunstverein Langenhagen, Germany. Venice biennale, Utopia Station, Venice. gb agency, Present Perfect, Paris. GNS, Palais de Tokyo, Paris Nomadic Structures, Cubiitt Gallery, London. Mursollaici, Centre Culturel Suisse, Paris. 2002: Home Scenes: 8 days of revision. The Schindler House, Los Angeles. Site-seeing: disneyfication of cities? Ku?nstlerhaus, Vienna. The Fall Exhibition, Charlottenborg, Copenhagen, Denmark. ••A collaporation with Johan Tiren. Rent-a-bench, in the street on bus benches, Los Angeles. Culture meets culture, Busan Biannale, Korea. Urbane Sequenzen, Kunsthalle Erfurt/Museum Schloss Hardenberg Manifesta 4, European Biennial of Contemporary Art, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt am Main, Germany* ’Concrete Garden’, Museum of Modern Art, Oxford 2001: ‘Dedalic Convention’, MAK – Austrian Museum for Applied Arts, Wien. ‘Blick’, Screening touring Nordic and international venues. ‘Exile Video’, Rum46, Aarhus, Denmark. ‘New Settlements’, Nikolaj Contemporary Art Center, Copenhagen, Denmark. ‘Take Off’, Aarhus Art Museum, Aarhus, Denmark 2000:‘Site Geist’, The Porter Troupe Gallery, SanDiego, USA. ‘No swimming’, org. by Heike Ander, Kunstverein Mu?nchen, Germany. ‘Use your illusion/part 3’, Duchamp's Suitcase, Arnolfini, Bristol, England. ‘Momentum’. Nordic Biennale for Contemporary Art, Moss, Norway. ’Taenk om/What if?’, Moderna Museet, Stockholm,Sweden.

"Drifting Woods" is a filmic work that engages with the local histories of a dense forestland located two hours north of Stockholm. A forest has existed in this area for as long as records have been kept, and only in the last 250 years has it been extensively utilized for industrial production. Through a non-linear composition, the work brings forth the various stages of the forest's development: from the planting and cultivation of saplings, through the different phases of tree felling, to the production of paper pulp and lumber. The work captures how the forest is documented and consistently represented – through scientific experiments, data collections, botanical studies, and retellings of the area's history. The film conveys the histories of both local and migratory perspectives, showing how the expulsion of nomadic practices from the forest is closely linked to the forest's enclosure. What becomes evident through the film is that the capitalization of forests is intertwined with surveillance technology derived from racist ideologies. The work collaborates with biologists to gain a deeper understanding of tree life and its interconnection with the underground mycelium, forming what the biologist Suzanne Simard refers to as network topologies. "Drifting Woods" is also a network topology, connecting the forest with the narratives that inhabit it. Listening to the stories of this network also means hearing how the forest is portrayed and understanding that its future depends on how the forest's stories are retold within a broader narrative.

Pia Rönicke's work spans from film, prints, sculptures to objects, which together build narratives. Her work arises from perspectives of a drifting practice that opens up to new connections to land and ways of being present within an everyday, to zones where plant life transgresses existing borders of occupation. Collecting is a recurring aspect of her practice, the personal, ethical and political dimensions of it.

Agustín Pérez Rubio (Valence, Espagne 1972), historien d'art, critique d'art et commissaire d'exposition, est aussi conservateur en chef du MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (musée d'art contemporain de Castille y Léon). Il a été directeur du Jornadas de Estudios de la Imagen de Madrid de 2001 à 2004. Des contributions régulières dans des magazines internationaux comme NU : The Nordic Art Review (Suède); Art Journal (Philadelphie), Kalias (Espagne), Tema Celeste (Milan), Arts Mediterranea (Milan, Barcelone, Paris), Atlantica, (Espagne), Le Journal des Arts (Paris), entre autres. Il a organisé de nombreuses manifestations telles que Trasvases: artistas españoles en vídeo (Buenos Aires, Mexico D.F., Lima, 2000); Antro-apologías (Valence, 2001), Michael Elmgreen & Ingar Dragset (Madrid, 2002); mais aussi BAD BOYS, la biennale off espagnole officielle au sein de la 50ème biennale de Venise; Cruising Danubio (Madrid, 2003), et Tobias Rehberger. "I die everyday. Cor I 15,31", (Madrid, 2005). Son poste de conservateur au MUSAC l'a amené être co-commissaire d'expositions de groupe comme Fusion. "Aspects of Asian Culture" dans la collection MUSAC en co-commissiariat avec Kristine Guzmàn, ou "Globos Sonda / Trial Balloons", en commissariat avec Octavio Zaya et Yuko Hasegawa; sans compter l'organisation et de montage d'expositions monographiques d'artistes comme Dora Garcia, Julie Mehretu, Muntean & Rosemblum, Pierre Huyghe ? avec Marta Gerveno-, ou l'équipe d'architectes japonais SANAA. Il a aussi été co-commissaire avec Octavio Zaya des Project Rooms de l'ARCO ?06 intitulé Curva de Persecución / Pursuit Curve, sans mentionner son projet Present-Future organisé avec Katerina Gregos pour Artissima -Torino´06.

Forever NL, installation, configuration 16`52? Un nombre de femme américaines bien habillées, se prélassant autour de la piscine sur des transats ou bien flânant dans le jardin, sont vues tour à tour dans cette installation sur double écran. Individuellement, chacune nous dit ce qui est important pour elles, ce qui les rend heureuses et comment elles se voient. Les femmes de "Forever" parlent principalement de leurs apparences extérieures. Et pourtant la beauté intérieur est ce qui il y a de plus important, dit l'une d'elle, "même si elle reflétée par l'apparence d'une personne", ajoute-t-elle. Est-ce qu'elle veut dire que l'important est de préserver la beauté extérieure qui reste malgré tout le reflet du soi intérieur inchangeable? Il est difficile de deviner quel age elles ont exactement. Néanmoins, la voix sombre et quelque peu usée que nous entendons lorsque nous voyons une silhouette de jeune fille avec des cheveux ruisselant et une petite robe d'été rose, trahit que ce ne peut pas possiblement être une jeune femme d'une trentaine d'années. Elles se prennent en photo avec un retardateur. La camera du réalisateur garde toujours précautionneusement ses distances. L'illusion créé avec attention de se donner l'age de leur choix n'est jamais ébranler juste pour rendre l'image plus réaliste. "Forever" est un portrait de la manière dont ces femmes veulent se voir et aussi de la manière dont elles aimeraient être vues si un réalisateur venait à les mettre en scène. Rudelius le leur en donne gracieusement la chance. Le quart d'heure de célébrité. Pour toujours aussi jeunes qu'elles l'étaient à cet instant, avec la promesse d'un future préservé.

Le projet de trio d?improvisation est une première collaboration entre trois musiciens venus d?horizons différents. Slovaques (MACHAJDIK et RUDOLF) et américains d?origine (MOSS), leurs villes d?adoptions sont respectivement Paris et Berlin. Ces deux capitales forment un axe idéal pour une course imaginaire. C?est autour de ce thème et à l?image du Tour de France ou du fameux Prague ? Berlin - Varsovie (un course cycliste de l?époque communiste), que les trois interprètes ? commentateurs, plongent dans le peloton de coureurs (cyclistes ou autres ? ) pour livrer une radiographie des instants vécus par les participants, en mélangeant l?atmosphère de l?événement aux exposés officiels et photos musicales instantanées. Il s?agit d?un sorte de bloc-notes intense et incomplet d?une compétitions où l?important est de survivre. Peter MACHAJDIK ? guitare électrique David MOSS ? percussions et voix RUDOLF Robert - ordinateurs

Rudolf Robert is born in Bratislava in 1963. He studied composition and computer music. After his composition studies at the Conservatory and University of Fine Arts in Bratislava, he continued his studies in Paris. The classes with Yoshihisha Taira and François-Bernard Mache inspired his musical and compositional development. Curses of computer music at Stockholm and to work in Bratislava Experimental Studio confirmed his interest in electroacoustic and computer music. His recent work is inspired by the live electroacoustic performance and the possibilities of the Pedalophone (some live electroacoustic equipment). He takes part as composer, organisator and musical advisor, to several contemporary music and electrocoustic concerts and workshops. Born in 1964, Peter Machajdik grew also up in Bratislava, Slovakia, but he has been living in Germany for the past 14 years. At six, he began music lessons and at seven he took up the piano. In the 1980?s he wasn?t accepted into the Music Academy of Bratislava, because of his concept of music, at that time, was heavily influenced by the Western avant-garde. At 27, Machajdik graduates from the University of Economics in Bratislava. In 1992 he was invited to live and work in Berlin as a guest of the DAAD Künstlerprogramm and in 1999 he was a composer in residence at the Schloss Wiepersdorf, also in Germany. In 2003 he was a composer in residence at the Künstlerhäuser Worpswede. In autumn 2004 Machajdik was a composer in residence at the Künstlerhaus Lukas in Ahrenshoop on the Germanic Baltic coast. He has received commissions and award, among others, from the Slovak Music Fund, the Kulturfonds Foundations and the Luigi Rossolo Foundation. He has also lectured on new music, led workshops and curated festivals of contemporary music, his music has been broadcast many times on radio a TV, all over the world. David Moss is considered as one of the most innovative singers and percussionists in contemporary music. He was born in New York City in 1949 and with 14 he began to study percussions at Hartt College of Music and Hartford Symphony with Joe Procaro, Al Lepark and Richard Lepore. Between 1969 and 1970 he is percussion student for Tanjore Ranganathan at Wesleyan University and then during two years composition student for Bill Dixon at Bennington College. Since 1973 he has performed over 1000 solo percussion/voice concerts and over 3000 concerts with groups, collaborator, theatres and orchestras all around the world and received for his achievements a Guggenheim Fellowship (1991) and a DDAD Fellowship (1992 ? Berlin). David Moss is co-founder and artistic director of the Institute for Living Voice (ILV), which had his premiere in September 2001 in Ghent, Belgium, in 2004 their participated at the Holland Festival in Amsterdam and at the Melbourne Festival. Since 1995 he has also performed as guest with the Ensemble Modern, most recently in their ?Frank Zappa Project? at the Paris Festival and Hamburg Music Fest in 2002. Moss is considered as an accomplished opera singer, improvising musician, performer, composer, percussionist, vocalist, artistic director and project organiser.

Le film est l?observation de rencontres humaines mises en scène dans un contexte d?ombre et de lumière. La succession de portraits noue des relations où le regard est mouvement du corps.

Né en 1977 à Stuttgart. Formation de cuisinier. Depuis 2002 études à l?université des arts de Berlin, cursus de création expérimentale en arts des médias.

ElectroClass is a film about the imaginary of labour made by a regional television broadcasting channel in Spain starting from the 80s. Taking the archives of ETB (Basque Country broadcasting channel) as source material and the city of Bilbao as a specific case study, ElectroClass reflects upon the dissolution of the traditional concept of the working class, the changes in our working conditions from industrial capitalism to cognitive capitalism,the expansion of the tertiary sector and the radical transformation of the 'polis' city into the 'Bilbao brand'.

born in 1976. Artist, filmmaker, researcher and cultural producer, since 1998, María Ruido has been developing interdisciplinary projects about the imaginaries of labour in postfordist capitalism, as well as about the mechanisms for the construction of memory and its relation to the narrative forms of history. She lives in Madrid and Barcelona, where she works as a teacher at University of Barcelona, and she is part of various research studies on politics of representation and its contextual relations.

?Artist, filmmaker, researcher and cultural producer, since 1998, María Ruido has been developing interdisciplinary projects about the imaginaries of labour in postfordist capitalism, as well as about the mechanisms for the construction of memory and its relation to the narrative forms of history. She lives in Madrid and Barcelona, where she works as a teacher at University of Barcelona, and she is part of various research studies on politics of representation and its contextual relations? http://www.workandwords.net/en

Plan Rosebud 2 focuses its attention specifically in the Spanish Transition period and in its cultural context, as well as in the last years of British labour period in the seventies and in the arrival to power on the conservative leader Margaret Thatcher. It tries to dismantle, trough the analysis of some specific cases of social movements and productions of the popular culture, the idea of Transition as a pact among elites, the official discourse, teleological and compact of a political class that, with Adolfo Suárez and the king Juan Carlos at the front, it ?saved? the Spanish state from a new civil war thus making it possible the ?pacific? change to a democratic regime (as we can see and listen, for example in the most famous mythological-media account, La Transición española, the series directed by the journalist Victoria Prego in the first years of the government of Felipe González).

María Ruido (Spain) works as a filmmaker, cultural producer and researcher. Since 1995 she has been developing, mainly through video and writing, interdisciplinary projects about the social elaboration of the body and its place in the imagining of work, as well as about the mechanisms of constructing memories and their relationship with narrative forms of history. She is a teacher at the Department of Media at Barcelona University. She has published many texts about representation and its contextual relationships, such as Ana Mendieta (2002), Corpos de producción: miradas críticas e relatos feministas en torno aos suxeitos sexuados nos espacios públicos (2005) and Plan Rosebud: sobre imágenes, lugares y políticas de memoria (2008). Her audio-visual projects include the videoactions Cronología (1997) or La voz humana (1997), and the documentary-essays La memoria interior (2002), Tiempo real (2003), Ficciones anfibias (2005), Las narrativas del trabajo (2005) and Plan Rosebud (2008).

Title: PLAN ROSEBUD 1 Genre: DOCUMENTARY ESSAY Producer: CGAC (GALICIAN CENTER OF CONTEMPORARY ART) Director: MARIA RUIDO Year: 2008 Length: 114 MINTS. Country: SPAIN Synopsis: Plan Rosebud 1: Crime scene Plan Rosebud 1 is focused on the recent social debate around ?The Historical Memory Act? in Spain, and the current relations between the sites of memory and the politics of memory that are produced through cultural industries. They are studied in details, in our case, through war tourism and commemorative tourism. In Plan Rosebud 1we visit Museums and Commemorative Historical War Sites and these materials form the main part of Plan Rosebud 1. This study, is not only limited to the Spain, and especially to the Spanish province of Galicia (where I, and General Franco were born), but it is presented as a comparative study with war and commemorative tourism site in Great Britain and Normandy as the European memory policy site of the WWII. The reason to choose Great Britain as more significant comparative variable was related to the fact that Britain is a well established European democracy with a completely different past from the one we have inherited from the Franco dictatorship and, nonetheless, as we discovered throughout the process, we have much more similar dynamics than expected in terms of links between cultural industries and production of memory (as an unstoppable and supra-state phenomenon due to economic globalisation). The politics of memory is in fact equally selective in relation to episodes that may contradict or question the compact and linear heroic narratives that are transmitted by the state or the media (I am referring, for example, to the very low interest in research about the condition of German and Italian prisoner in detention camps in the United Kingdom until very recently).

María Ruido (Spain) works as a filmmaker, cultural producer and researcher. Since 1995 she has been developing, mainly through video and writing, interdisciplinary projects about the social elaboration of the body and its place in the imagining of work, as well as about the mechanisms of constructing memories and their relationship with narrative forms of history. She is a teacher at the Department of Media at Barcelona University. She has published many texts about representation and its contextual relationships, such as Ana Mendieta (2002), Corpos de producción: miradas críticas e relatos feministas en torno aos suxeitos sexuados nos espacios públicos (2005) and Plan Rosebud: sobre imágenes, lugares y políticas de memoria (2008). Her audio-visual projects include the videoactions Cronología (1997) or La voz humana (1997), and the documentary-essays La memoria interior (2002), Tiempo real (2003), Ficciones anfibias (2005), Las narrativas del trabajo (2005) and Plan Rosebud (2008).

Une légende africaine : Voilà quelques années, un étranger apporta une pierre au village. La pierre se trouvait parmi les décombres de la ville verticale. La pierre fut introduite dans l'aquarium de la tribu, aquarium qui étouffait tous les secrets depuis des générations. Depuis ces temps-là, les animaux semblent moins familiers, depuis ces temps-là, n'ont pas cessé de se produire des accélérations dans le temps. (Video appartenant au projet "ecosistemas". Version mono-chaîne d'un spectacle en préparation.) Structuré comme une expérience schizophrénique, la vidéo réussit à évoquer un paysage apocalyptique d'une terre inondée. La bande son crée une sensation d'angoisse qui trois mois après commença à porter ses fruits : une boue de petits organismes informes. La réalité propre au domestique interprétée comme réalités autres, paysages autres, cultures autres. Un voyage imaginaire où l'on s'interroge sur le déplacement , sur la rencontre avec d'autres cultures et d'autres coutumes. Recherchant l'énigme de l'autre dans une reflexion introspective suscitée par les puissances du déplacement. Un lieu exploré sans médiation à travers le signes, les symboles, les vestiges du temps et ses conditions. "Comme si s'en retourner d'un long exil, sans encore avoir voyagé et se retrouver à son retour dans un paysage immobile." Francisco Ruiz de Infante travaille avec la tension de la menace constante explorant les comportements naturels et l'inconscient dans tous leurs effets destructifs et transformateurs, une véritable agitation intérieure. Une structure qui réagit de façon inespéré face à autrui, agitation qui contribue au progrès du système naturel. "La notion d'écosystème dans l'acceptation des sciences naturelles mais aussi en un sens politique et poétique s'enrichit chaque fois que j'observe et entre en dialogue avec un nouveau contexte".

Francesco Ruy est né en 1966 dans la ville de Vitoria-Gasteiz au Pays basque. Actuellement il vit et travaille à Paris, Auberive et Strasbourg où il enseigne à l'Ecole Nationale Supérieure des Arts depuis 1999. Il obtient un master en beaux-arts à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 1992 et une licence en Peinture et Audiovisuel à la Faculté des Beaux-Arts du Pays Basque en 1991. Artiste polyvalent, il prend des cours de cinéma, vidéo, photographies, théâtre, danse et arts plastiques. Il a réalisé des expositions individuelles en Europe, aux Etats-Unis, installations et expositions collectives dans les capitales européennes, ainsi qu' au Mexique et au Brésil et a réalisé des spectacles, performances et interventions publiques. Son travail sur la pellicule a été exposé lors de nombreux festivals dans le monde entier. Depuis 2002 il est co-directeur à l'établissement du "Centre des Rives", un centre d'art contemporain et de documentation en milieu rural en Haute-Marne et depuis 2001, il est co-directeur du Festivals Transmédia de la Chaufferie (ESAD de Strasbourg.)

Dans le roman de J. M. Barrie, le personnage de Peter Pan nous enseigne que pour voler, il suffit de penser à des choses merveilleuses. Certaines personnes savent (vraiment ?) que nous avons appris à voler il y a longtemps et que nous volons maintenant très vite. Mais ce que nous avons oublié - ou peut-être même jamais appris - c'est comment descendre lentement, parcourir le paysage et, après une lente décélération, éteindre les moteurs. Champs éventuels n'est pas un essai audiovisuel. Ce n'est pas non plus un projet de science-fiction linéaire avec une esthétique rétro, ou un poème épique. Il contient cependant des caractéristiques de ces trois genres pour nous aider à nous lancer dans l'aventure. Divisée en une série de «vols» et de «simulateurs de vol», l'œuvre est la métaphore d'une société (la nôtre) propulsée vers l’avant à des vitesses toujours croissantes, et qui n'a aucune idée de l'endroit où atterrir (ou si elle le souhaite vraiment). La vidéo progresse le long (et à l'intérieur) de plusieurs lignes narratives où le réel et l'irréel se confondent. Le vol a commencé il y a longtemps et pour en profiter il va falloir se laisser emporter par les courants.

Francisco RUIZ DE INFANTE Vitoria-Gasteiz (Espagne), 1966. Vit et travaille entre Strasbourg et Auberive (Fr). Artiste hors-format, il appartient à une génération dont la sensibilité est marquée par la rencontre et la confrontation des machines audiovisuelles avec les maté­riaux les plus simples, voire les plus quotidiens. Il jongle sans complexes entre la haute technologie et le bricolage d'urgence pour construire ses installations et ses films. Il a exposé d'importants projets au Musée Guggenheim de Bilbao, à l’ARC Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, au MNCA Reina Sofía de Madrid, à la Kunsthalle de Bonn, au PAC de Milan, au Stedelijk Museum d’Amsterdam, à la Ferme du Buisson (Noisiel), à la Biennal Site Santa Fe (USA), au ZKM de Karlsruhe, au musée Artium (Vitoria-Gasteiz), à la Fundación Telefónica de Buenos Aires. Dans le champ de la vidéo, on peut signaler les longs métrages Les Loups (1995) et le tout récent Champs Éventuels (2019) parmi une large production de courts métrages. Plusieurs de ses films peuvent être vus dans la collection du Centre Pompidou à Paris et du Musée Reina Sofía à Madrid, parmi de nombreuses autres collections de musées et de médiathèques internationales. Dans le domaine du spectacle, il collabore avec le chorégraphe Loïc Touzé et le compositeur Christian Sebille. Depuis 2010, il poursuit le développement du cycle de création BlueSky et travaille intensément avec la chorégraphe Olga Mesa, notamment au sein du projet thématique Carmen // Shakespeare. Ces dernières années, Francisco se partage donc entre son activité au sein de la compagnie Hors Champ // Fuera de Campo (en collaboration avec Olga Mesa), la direction de l'enseignement du département Arts Hors-Format / Arts du temps (Haute École des Arts du Rhin, Strasbourg) et sa production plastique et audiovisuelle personnelle.

Synopsis : Un serpent guidé par une main parcourt différents espaces. Un serpent guide une main et regarde plusieurs espaces. Plusieurs espaces bougent lentement derrière une « main à la tête de serpent » : le grenier, l`étagère des livres, le studio de montages vidéo, la salle des machines-contrôle? Le nid de serpents (en réalité des câbles non coupés) se cache au c?ur des machines. Le serpent est libéré et chassé à tour de rôles. La vidéo laisse entendre doucement une chanson de sirènes: qué sera sera?

Fabriquant : Francisco RUIZ DE INFANTE enfante@club-internet.fr ? Quelques Links : www.ruizdeinfante.org ? Forme : Fragiles constructions à habiter- dispositifs - parcours expositifs - images fixes et mouvantes - sons - dessins - textes. Ruiz de Infante a exposé au MNCA Reina Sofía de Madrid, à la Kunst-halle de Bonn, au PAC de Milan, au Musée Guggenheim de Bilbao, à l?ARC Musée d?Art Moderne de la Ville de Paris, à la Biennal Site SANTA FE (USA), au Stedelijk Museum d?Amsterdam... Parmi les projets importants on peut signaler ?BlueSky / Laboratorio de laboratoiros? au EFT de Buenos Aires, ?Banquete? au ZKM de Karlshure, ?Zone 1 et 2? au festival Mirages et désirs de Izmir, ?3+4=8 mètres en tout? au CAC Le Plateau de Paris, un complexe parcours d?installations intitulé ?Trembling? au Musée de l?Université de Houston (Blaffer Gallery). L?installation ?Hymnes? (Art Statements / Foire Internationale de Bâle), ?L?âge des serpents? dans l?exposition Vidéo-Topiques au MAMC Strasbourg, ?Black Sky? (Salle La Gallera de Valencia), et les projets ?Tables amplifiées?, FRAC Champagne-Ardenne, ?+Insectes? La Panera de Lleida. Certains de ses films sont visibles dans la collection permanente du Centre Georges Pompidou. ? COMPOSITION Excipients Quelques états éphémères (présent/passé/futur), quelques espaces instables, quelques paradoxes (mammifères aquatiques/mauvaises graines), plusieurs dualités faussement ressemblantes (réel/imaginaire), plusieurs journaux télévisés (ou pas) et d?autres complexes accélérateurs de l?inconscient. Catalogation Artiste hors-format, Ruiz de Infante appartient à une génération dont la sensibilité est marquée par la rencontre et la confrontation des machines audiovisuelles avec les matériaux les plus simples, voire les plus quotidiens. Jongler sans complexes entre la haute technologie et le bricolage d`urgence. Il reconstruit la manière dont fonctionne la mémoire lorsqu?elle nourrit le présent : par saccades pleines d?erreurs d?information, ou comme un torrent d`images qui recommencent sans fin. Tâches de recherche (objectifs, obsessions et terrains d?observation) 1. Retrouver les modes de construction (sans hiérarchies) de l?enfance. 2. Rendre visibles (sans les trahir) quelques lieux cachés. 3. Inventer des situations avec un désordre hautement sophistiqué.... et dessiner leurs cartographies. 4. Regarder fixement la diversité des EAHCI (Espaces et Actes Humains, Complexes et Inefficaces) 5. Tester les limites du dicton : ?on dit ce qu?on fait... on fait ce qu?on dit? 6. Comprendre et relativiser la notion ?d?interdit?... par l?invention de règles pour d?étranges jeux. 7. Construire des écosystèmes (dans lesquels la notion d?intrus, de catastrophe, de transformation et/ou d?évolution sont prises en compte) 8. Montrer, parfois d?une manière très physique, que la vie est une affaire de risques et qu?il faut être en alerte. Tâches d?ordre alchimique 10. Creuser la problématique de l?échelle. 11. Problématiser ?la chose non-finie? 12. Fabriquer les bouillons de culture inflammables qui génèrent des symétries inexactes. 13.Nourrir l?aquarium des idées cancérigènes à polysémie vertigineuse. (Cf. Projet INDEX) ? Co-opérateurs: Ermeline Le Mézo / Pierre Mercier / Christian Sebille / Eléonore Hellio / les BlueSkyers. ? Références: Les beaux mensonges de la tradition orale (enfantine et adulte), les déraillements violents de Nietzsche, le froid/chaud de Bob Wilson et ses organisations sonores, les grimaces de Kantor, les enfants de Kanevski, les aventures contrastées de Courrier International... et aussi les voyages de Tarkovski, Deligny, Savitskaya et Daumal. ? Dans quel cas utiliser ce produit : Quand le désir d?un voyage vers la zone molle devient grand. ? Mises en gardes spéciales : La trajectoire parabolique de ce produit peut produire des vertiges et états métaphoriques délirants.

One man dipped into a pool made him recall his childhood memory and feel that moment.

“TEUN” is my final year project that I`m graduated from King`s Mongkut Institute of Technology Ladkrabang in film and digital media in Thailand.(2016)