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La ville de Dehli, comme toute autre métropole du monde, possède un système économique parallèle qui n´est pas contrôlé par l´État ni par les entreprises. Cela opère parmi les millions d´immigrants ruraux qui arrivent en masse dans la ville, tentant chaque jour de survivre. Ils ont été élevés différemment et n´ont pas le même style de vie que la classe moyenne urbaine. Il n´ont fait aucune étude de management, et n´ont même pas suffisamment d´éducation pour comprendre les outils sophistiqués de l´économie globale ou locale. Cependant ils possèdent une "intelligence innée" et un courage énorme. Les idées leur viennent alors qu´ils se baladent sans but, dorment sur le trottoir ou sous le soleil de plomb. A partir de là ils agissent : par exemple ils louent quotidiennement un rickshaw , préparent des snacks sur un stand mobile et les vendent dans la rue, toujours en mouvement, ils vendent des fleurs, des mouchoirs, des magazines, des stylos, des ballons, lunettes de soleil, cartes touristiques ou autres produits locaux inventés en vitesse et vendus aux feux rouges. Leurs inventions tiennent compte des fêtes religieuses, des changements de saison et des événements patriotiques du pays. Muhammad Kurshid Alam est un garçon de 13 ans venant d´Ajim Nagar, un village du Bihar (État), et qui a immigré à Dehli pour aider sa famille de retour au village. Nous nous sommes rencontrés en face de la mosquée Jama Masjid, dans le vieux Dehli, pendant la première semaine d´avril, alors qu´il me courait après pour que je lui achète quelques posters. Ca m´intéressait de voir ses posters ainsi que d´observer l´"esthétique locale" et la technologie rassemblées dans chacun de ses cadres. Mis à part les lieux saints il ne savait pas du tout où se situaient les lieux représentés sur sa collection de posters. Il varie aussi sa séléction et son emplacement en fonction de la saision des festivals. La qualité "esthétique" de son travail minutieux font se rencontrer un monde parallèle et le monde high-tech, multinational et sophistiqué. Parmi les milliers de différences entre ces deux mondes, la différence la plus frappante est que ce dernier est intentionnel alors que l´autre est accidentel.

Né à Kerala, India, Gigi Scaria obtient sa licence en arts à l´Ecole des Beaux Arts, Thiruvananthapuram, en 1995, et son Master en arts à l´Université de Jamia Milia, Dehli, 1998. Bourses/Prix 2005 Prix Sanskriti en arts visuels. 2002 Elu pour un bourse Inlaks. 1995 to 1997 Ministère des Ressources Humaines et du développement, Bourse en Arts Visuels. Résidences 2005 à CCA7 (Caribbean Contemporary Arts), Trinidad et Tobago, Antilles. Khoj 2004 aux studios Khoj, Kirkee Village,New Delhi. Unidee 2002 à la Cittadellarte, Fondation Pistoletto, Biella, Italie. Ateliers 2006 ?Dilli Dur Ast? un atelier sur les lentilles, dans la partie fortifiée de Dehli. 2005 Sandarbh, un atelier d´artistes et programme de résidence prganisé par Beneshwer Lok Vikas Sansthan à Partapur ,Rajastan. 2002 GASTHOF 2002, un événement organisé par la Stadelschule à Francfort, Allemagne 2002. Travailla pendant un mois aux Beaux Arts de Sydney, Australie, en rapport avec le projet d´exposision intitulé ?Indians + Cowboys?. 2001 Atelier international d´artistes Khoj à Modinagar, près de Merrut. Shows Solos 2005 ?Where are the Amerindians?? à l´Inter America Space at CCA7, Trinid. 2001 Exposition de travaux récents à Art Inc., Shaprjhat, New Delhi. 1998 Exposision de paintures et sculptures à la The Great Art Gallery, New Delhi. . Participations Séléctives. 2006 ?Impossible India? à la Frankfurt Kunstverein. Commissaire d´exposition Nina Montmann, encouragé par l´Institut Goethe, Allemagne. 2006 ?Gost in the machine and other stories? (video, interactive media et son) à la galerie Apeejay Media, Delhi. Commissaire d´exposition Pooja Sood 2006 ?REAL 2006? organisé par Matters of art .com à la galerie d´art visuel, Habitat Center, New Delhi 2005 Double ? Enders à la galerie d´art Jehangir , Mumbai. 2005 Self x Social Self stranger parent resource worker à la School of Arts and Aesthetics Gallery J N U Delhi. Commissaire d´exposition Geeta Kapur. 2005 ?Are we like this only?? à Rabindra Bhavan, New Delhi, commissaire d´exposition Vidya Shivdas. Organisé par la galerie Vadera, New Delhi. 2003 ?Crossing Generations Diverge? à la galerie Nationale d´Art Moderne, Mumbai. Commissaires d´exposition Geeta Kapur et Chaitanya Sambrani. 2003 ?Indians + Cowboys? à la Galerie 4A, Asian-Australia Arts Center, Sydney Australie. Commissaire d´exposition Ruth Watson. 2003 Arting Jerusalem, un projet artistique à Jérusalem, Israel. 2002 ?Photographica? à la Cittadellarte, Biella, Italie. 2002 Circo Fragile a story telling event à l´Université Pavia, Italie. 2002 Unidee in Progress à la fondation Pistoletto, Biella, Italie.

Selon qui l’on est, une entrée peut être ouverte ou fermée. Ceux qui se servent de leur hasard comme d’une idée peuvent déjouer cette mécanique. Lancer le dé dans un jeu de cartes, et donc le rituel qui inclut ou exclut des cartes afin d’en rassembler - ou non - un certain nombre pour compléter un groupe, n’en est pas le seul exemple. On le voit également dans le jeu de la "Communauté" de Kafka, qui compte cinq membres ne sachant pas comment exclure le sixième, rejeté mais revenant sans cesse. Incarne-t-il ce premier accident de toute biographie, le fait d’être né quelque part? Parle-t-il avec un accent qui, depuis l’époque de la Bible, peut interdire l'accès? Adapter son langage, sa tenue vestimentaire et ses gestes peut-il aider? C'est ce que se demande le pensionnaire d'un immeuble new-yorkais, quand le portier ne se contente pas d’accepter comme mot de passe le "How are you?" qu’il a tant répété. Le hasard de leur rencontre transforme l'entrée en une salle de répétition pour des histoires qui transcendent les personnes, les lieux et les époques, et mélangent à nouveau leurs affiliations.

Eva Meyer est auteure et réalisatrice. Elle vit à Berlin (Allemagne). Elle a publié entre autres livres: "Zählen und Erzählen. Für eine Semiotik des Weiblichen" (1983, Nouvelle édition 2013); "Architexturen" (1986); "Die Autobiographie der Schrift" (1989); "Der Unterschied, der eine Umgebung schafft. Kybernetik-Psychoanalyse-Feminismus" (1990); "Tischgesellschaft" (1995); "Faltsache" (1996); "Glückliche Hochzeiten" (1999); "Gedächtnis zu zweit. For the Performance of Europe" (co-écrit avec Eran Schaerf, 2000); "Von jetzt an werde ich mehrere sein" (2003); "What Does the Veil Know?" (co-édité avec Vivian Liska, 2009); "Frei und indirect" (2010); "Legende sein" (2016). Eran Schaerf est artiste et réalisateur. Il vit à Berlin et a étudié l'architecture, la photographie et l'urbanisme à Givatayim (Israël) et à Berlin (Allemagne). Il a participé à des expositions et projets divers, notamment à la documenta 9, Kassel (Allemagne) [1992]; à la Biennale de Venise (Italie) [1993, 1995, 2011]; au Skulptur Projekte Münster (Allemagne) [2007]; au Berlin Documentary Forum (Allemagne) [2014]; à Theatrical Fields, Singapour (Singapour) [2014]; à l’exposition "Günter Peter Straschek: Emigration - Film – Politique", Cologne (Allemagne) [2018]. Entre autres livres, il a publié: "Re-enactment" (1996), "Blue Key" (2002), "Frequency-Modulated Scenario" (2015), et "Mischmasch the Elephant" (2019). Ils ont participé ensemble à des festivals, programmes et expositions, notamment: la 3e International Biennale Film+Arc – Graz (Autriche) [1998]; le Festival du film de Rotterdam / Cinema Without Walls (Pays-Bas) [1999]; Intermedium 1, Berlin (Allemagne) [1999]; le Internationale Medienkunstpreis SWR/ZKM Karlsruhe (Allemagne) [2000]; Utopia Station, Haus der Kunst, Munich (Allemagne) [2004]; le Münster Skulptur Projekte (Allemagne) [2007]; Ambulante, Documentary Film Festival, Mexico (Mexique) [2010]; Séance: Performing Film, Vienne (Autriche) [2012]; Theatrical Fields - NTU Centre for Contemporary Art, Singapour (Singapour) [2013]; "La répétition mise à l’épreuve", VOX Centre de l'image contemporaine, Montréal (Canada) [2016]; "Komplexe Bilder: Verstrickungen, Referenzen, Zensur", Bern (Suisse) [2019]; le Festival Droste, Havixbeck (Allemagne) [2020].

Skulptur21 is an 8 meter long sculpture made of wood, wire, carbon fiber and acrylic paint. It consists of individual hollow elements that are loosely assembled together, partly elevated on wires, on a specially constructed table. The different elements are painted white, light and dark grey, and black. The sculpture is a structural visualisation of Hans Richter‘s experimental film Rhythmus 21. The film, created around 1921, is considered a milestone in film history and is one of the first abstract films ever made. It consists of varying geometric elements that move within the pictorial frame of the screen and change in shape. The elements also change in size, giving the impression of movement towards and away from the viewer, thereby creating a feeling of depth. Skulptur21 shows this movement in space. In the sculpture, every element of the film is shown as a three- dimensional object. Size, position and colour of the elements correspond to those shown in the film. The viewer can physically retrace the elements of the lm by walking along the sculpture. One second of the 3-minute lm corresponds to about 5 cm of the 8 meter long sculpture. The lm can be seen in its entirety at one glance. The sculpture reveals relationships between the elements over the entire duration of the film. However, the translation of the film Rhythmus 21 into sculpture goes beyond a mere reinterpretation of the lm. Skulptur21 creates a connection between the time present in film and the space of architecture. In his paintings, Hans Richter was concerned with studying movement and rhythm. Taking as a basis musical theories, he started developing horizontal rolls depicting geometric elements that gradually change in shape and thus suggest movement. Skulptur21 can likewise be read as a musical score, a linear experimental notation that visualises dynamic proportions and progressions. In addition to o ering a new way of looking at the film Rhythmus 21, the aim of Skulptur21 is to enable the viewer to make their own personal discoveries and experiences, no matter what background or field they come from.

Gerald Schauder a.k.a. KABELTON, born and raised in Munich, socialized in Graz, now living in Cologne, produces media art, electronic music and electroacoustic compositions. He is working as a sound engineer for film and music

In her video installation “Westerwald: A Visitation”, the Berlin artist Sandra Schäfer - based on August Sander's series of Westerwald farmers - deals with the transformation of the rural region in which the artist herself grew up. Sandra Schäfer juxtaposes August Sander's perspective with her own and contemporary view. For it is also about how a region, its landscape and agricultural use have changed over the course of time. In her artistic work, Schäfer is interested in the various contemporary witnesses and their entanglements: How do the relatives/portrait subjects speak about the (artistic/documentary) pictures by August Sander? What does it mean to hear the dialect that always also marks a class difference? What knowledge is there about the photographer and his approach? How does this differ from that of photo curators in the museum context? And what does it mean for the artist, who was born and raised there, to return to create this artistic work?

The artist Sandra Schäfer works with film and video installations. Therein she deals with processes of unfolding and rereading of documents, images, spatial narratives and performative gestures. Often her works are based on longer researches, in which she is concerned with the margins, gaps and discontinuities of our perception of history, political struggles, urban and geopolitical spaces. Her works were exhibited at 66th and 67th Berlinale (Forum Expanded), Berlin; Camera Austria, Graz; Museum für Gegenwartskunst, Siegen; Schirn Kunsthalle Frankfurt; mumok, Vienna; Museum Ludwig, Cologne; Depo, Istanbul; La Virreina, Barcelona. Schäfer also is professor at the Academy of Fine Arts Munich and an associated member of the feminist film distributor Cinenova in London. She edited the books: Moments of Rupture: Space, Militancy & Film, Spector Books, Leipzig (2020), stagings. Kabul, Film & Production of Representation, b_books, Berlin (2009) and Kabul/ Teheran 1979ff. Filmlandschaften, Städte unter Stress und Migration, b_books, Berlin (2006, together with Jochen Becker and Madeleine Bernstorff).

The film Passing the Rainbow, shot in Kabul by Sandra Schäfer and Elfe Brandenburger in 2007, serves as the starting point for the installation stagings. The film presents female Afghan filmmakers and their strategies for subverting the gender norms of Afghan society. The practice of filmmaking in Afghanistan and the activities of everyday life are the film?s central concerns. At issue are changing roles and the enabling of freedom of action. Passing the Rainbow dramatizes scenes from its protagonists? daily lives, making visible the interactions and contradictions between constructed images and real living conditions. The installation stagings is devided in two parts: In the two-channel video installation to act in history, Sandra Schäfer uses images from the photo archives of Nancy Hatch Duprée and the Williams Afghan Media Project. Schäfer has combined this rarely seen material with footage of her own, shot during multiple research trips between 2002 and 2008. The installation reflects the creative process behind Passing the Rainbow as well as its reception in Kabul and Berlin, and it uses historical images to trace the representation of women in Afghanistan. A mobile cinema installation will show Passing the Rainbow as well as two films made in 2007 by Afghan women: 25 Darsad (25 Percent), by Diana Saqeb, and Nejat (The Rescue) by Saba Sahar. With the short film Saya (Shadow) by Nacir Alqas an historical arc is drawn to the short and changeful history of Afghan cinema.

The artist, writer and curator of film programs is located in Berlin. In her artistic work, Sandra Schäfer has previously dealt with themes of representation of gender, urbanity and (post-) colonialism. Schäfer has made repeated visits to Kabul and Tehran since 2002. She has been involved in different collaborative projects with filmmakers, activists and theoreticians. Together with the Berlin based filmmaker Elfe Brandenburger and in cooperation with actresses, filmmakers and activists from Kabul she made the film Passing the Rainbow. She is co-curator of the film festival Kabul/Teheran 1979ff: Filmlandschaften, Städte unter Stress und Migration that took place 2003 at the Volksbühne Berlin. She is co-editor of a book with the same title, published in 2006 by b_books, Berlin. 2007/08 she co-curated the film festival SPLICE IN and a lecture program on gender and society in Afghanistan, its neighboring countries and Europe. In 2009 her book stagings. Kabul, Film & Production of Representation got published in the series metroZones/media at b_books, Berlin. www.mazefilm.de

Au coeur de ce film se trouve la reconstitution d'une manifestation de femmes protestant contre l'interdiction de travailler introduite par les talibans. Ces séquences sont nées pendant le tournage du film "Osama" en Novembre 2002 dans les rues de Kaboul. Un millier de femmes s'étaient présentées pour jouer la scène. La plupart d'entre elles jouent dans la scène de la manifestation pour gagner de l'argent. En demandant du travail, elles espérent une amélioration de leur situation.

Sandra Schäfer a étudié l'art, les sciences politiques et la sociologie à Kassel, Londres et Karlsruhe. Elle est réalisatrice et curatrice de films, vit et travaille à Berlin. En Novembre 2002 elle a séjourné à Kaboul et à Téhéran pour des recherches en vue de son film documentaire »Passing the rainbow« et du festival du film »Kabul/ Teheran: 1979ff«. Elle a géré des séries de films pour l'Afghanistan et Téhéran à Belfast, Lüneburg, Karlsruhe et Berlin. Elle travaille actuellement en collaboration avec Elfe Brandenburger sur le film documentaire »Passing the rainbow«. Elle est co-éditrice du livre Kabul/ Teheran 1979ff: Filmlandschaften, Städte unter Stress und Migration, paru en 2006 à Berlin aux éditions b_books-Verlag. Films/vidéos/installations vidéo: »Traversée de la Mangroves« (2006), »The Making of a Demonstration« (2004), »A country?s new dawn« (2001), »Die unsichtbare Dienstleistung« (2000), »Kontaktfreudig, offen und gewandt im Umgang« (1999), »England-Deutschland« (1997), »Shift« (1996).

What waves and signals run through the hybrid landscapes between agricultural use and fallow land? Who passes through them? Working, traversing, and intervening in the landscape and space meet the atmosphere, the wind, the earth. Posthuman modes of production encounter magnetism and visions of Afrofuturism. The settings of the film include a field in the Lower Rhine region, outer space, a forest in Bad Marienberg, and a research site for migratory birds. Generated voices quoting texts by feminist science fiction author Ursula K. Le Guin, theorist Mark Fisher, artist Lygia Clark, and interviews with foresters and bird researchers form the soundtrack together with music by Dominik Eulberg, Manuela Schininà, Maya Shenfeld, and Tim Tetzner.

Sandra Schäfer’s artistic practice deals with the production of urban, rural and geopolitical space, history, and visual politics. Often her works are based on researches, in which she is concerned with the margins, gaps and discontinuities of our perception of history, political struggles, urban, rural and geopolitical spaces. Her works were exhibited at 66th and 67th Berlinale (Forum Expanded), Berlin; at Camera Austria, Graz; Museum für Gegenwartskunst, Siegen; Schirn Kunsthalle Frankfurt; mumok, Vienna; Museum Ludwig, Cologne; Depo, Istanbul; La Virreina, Barcelona; Zentrum für Kunst und Medien, Karlsruhe. In 2018, she completed her doctorate focusing on militant visual and spatial politics at HFBK University of Fine Arts Hamburg. Schäfer also is professor at the Academy of Fine Arts Munich and an associated member of the feminist film distributor Cinenova in London. Schäfer’s practice involves curating film and lecture programmes. In 2003, for example, she curated the film festival Kabul/ Tehran 1979ff: Film Landscapes, Cities under Stress and Migration at the Volksbühne Berlin and the Filmkunsthaus Babylon together with Jochen Becker and Madeleine Bernstorff.

In the city of Essen, the Zollverein coal mine, once the dynamic center of the region, has been closed for many years. Adjacent to the empty factory, most of the residential buildings and shops are now abandoned. People have moved away from here. However, in 2001, the deserted coal mine received the UNESCO World Heritage status. A museum and the new `Zollverein Cube`, designed in 2006 by the Japanese architects Kazuyo Sejima and Ryue Nishizawa (SANAA), could be seen as an attempt to bring back life to the area. Yet the site appears only as a shadow of its former self; a vast, grey void is pervading the air. On a search to find some traces of life here, the film comes across an old veteran worker and meets visiting tourists from China, both with conflicting opinions on the old mine.

Cyril Schäublin was born in 1984 in Zurich, Switzerland. In 2005 he left to study filmmaking in Beijing, Berlin and Paris. In 2012 he graduated (M.F.A.) in film directing at the German Film and Television Academy Berlin (dffb). Cyril Schäublin lives and works in Zurich and Berlin. Valentin Merz was born in 1985 in Zurich. Trained as a graphic designer, he moved to Mexico City in 2007 to study Art History and Spanish Literature at the Universidad Nacional Autónoma de México. That aside, he worked as an actor, directing assistant and director on films in the US, Mexico and in Berlin. Valentin Merz lives and works in Zurich and Berlin.

La petite histoire de la famille de l?auteur se tisse à l?aide de photos provenant de l?album de famille. Mais il ne s?agit pas seulement de l?histoire propre à la famille; le film essaie de relier la petite histoire à l?Histoire tout court. L?auteur se penche sur la question: comment se voit elle, elle-même, par rapport à la guerre ? Elle essaie de s?approcher de la réponse en regardant le passé de ses parents qui vécurent tous deux la 2ème Guerre Mondiale en Allemagne, respectivement au Japon.

Née et grandie au Japon Vit et travaille à Berlin

Entre 1957 et 1960, l?anthropologue Jorge Dias, l`une des figures majeures de l?ethnographie coloniale portugaise et du courant lusotropicaliste, réalisa trois études de champ dans le Plateau des Macondes, au Nord du Mozambique. Le matériel y recueillit allait donner origine à la vaste monographie « Os Macondes de Moçambique » (« Les Macondes du Mozambique », 1964-70), l?une des ?uvres les plus fondamentales de l?anthropologie moderne portugaise. En 1960, lors de la quatrième expédition au Mozambique et la troisième au Plateau des Macondes, Jorge Dias resta quelques jours dans la résidence de ma famille, à Mucojo, où mon grand-père était l?administrateur colonial. Le récit d?un épisode prosaïque du séjour de Jorge Dias à Mucojo est le point de départ d?une tentative de réflexion visuelle sur le rapport entre le système colonial et l?anthropologie, notamment sur les processus d?observation empirique, comparaison, imitation et acculturation. Les lignes de continuité sont tracées entre systèmes de représentation paroxystiques à travers la combinaison d?un film anthropologique apocryphe, d?archives familières et de la mise en scène de mémoires du Mozambique colonial.

Raquel Schefer (Porto, 1981) est réalisatrice et doctorante en Études Cinématographiques à l?Université de la Sorbonne Nouvelle - Paris 3, où elle prépare une thèse sur la représentation cinématographique de l?histoire, sous la direction de Philippe Dubois. Elle a publié en Argentine le livre « El Autorretrato en el Documental » («L?autoportrait dans le documentaire », 2008), résultat de sa thèse de Master en Cinéma Documentaire. Ses courts-métrages ont été présentés dans festivals et expositions comme le FIDMarseille, Berlinale Talent Campus, DocumentaMadrid, Fundación Telefónica, Fondation Calouste Gulbenkian, Fundación Laboral, DocLisboa Festival, Musée du Quai Branly, Festival Dockanema, parmi d?autres. Pour savoir plus, veuillez consulter le site-web http://www.raquelschefer.com.

Marseille #01-#30 s?inscrit dans une série de films de 3 secondes intitulés spots, série débutée en 2006. Les spots consistent en la reconstruction de mémoire de fragments de scènes du quotidien, à partir de dessins qui deviennent ensuite de brèves animations. Cet ensemble de 30 spots se concentre sur des moments spécifiques observés dans l?espace urbain marseillais. Une animation de trois secondes est constituée d?environ 36 dessins. Chacun est reconstruit indépendamment des autres et de mémoire. Montées en boucle et en alternance avec des écrans noirs d?une durée identique, les images apparaissent et disparaissent avant que l?on puisse vraiment les saisir, comme des souvenirs qui infiltrent inconsciemment la perception. Les spots Marseille #01-#30 ont été réalisés en 2011 dans le cadre d?une carte blanche proposée par les Rencontres Parallèles, à Marseille. À cette occasion les spots furent dispersés dans divers lieux de la ville, privés comme publics, sur des supports de tous types mais déjà existants : télévision d?un bar, magasin d?audiovisuel, librairie, cinéma, restaurant, etc. Les films agissent alors de manière diffuse sur la perception des spectateurs inconscients de leur statut. Ils ont ensuite fait l?objet d?un montage expérimental et d?une édition DVD offrant plusieurs approches de la matière.

Basé à Berlin, Alexander Schellow est né en 1974. Depuis 1999, il développe une pratique continue de reconstruction de la mémoire par le dessin et l?animation. Récemment, on a pu voir son travail au FIDMarseille 2012, à la Biennale de Lyon 2011, au Fresnoy, au Festival d?Upssala (Suède), à la Biennale de Tirana (Albanie), à la Biennale de Thessalonique (Grèce), au Museion de Bolzano (Italie), au Kunstmuseum de Stuttgart (Allemagne), ou encore au DeApple Artcenter (Amsterdam). En 2012, le Musée d?Art Contemporain de Lyon a fait l?acquisition de son installation Ohne Titel (Fragment). Il a créé en 2011 la société index.film, basé à Berlin. Il collabore régulièrement avec la plateforme internationale de production MELD (New York/Paris/Athènes), le label d`avant-garde Lowave (Paris), la société de production Films de Force Majeure (Marseille), et l?association Catalogue du Sensible. Depuis 2007, Alexander Schellow intervient comme enseignant dans diverses universités (Paris, Londres, Anvers, Constance). Il a obtenu plusieurs bourses et résidences - dernièrement à l`Akademie Schloss Solitude dirigée par Jean-Baptiste Joly ou au Zukunftskolleg de l`Université de Constance. Il termine actuellement le documentaire d?animation Tirana et prépare la création de la performance Ohne Titel (Live).

fragment / Vienna 2009 DVD, S/W, Ton mono, 10:10 fragment ist die Rekonstruktion einer visuellen Situation im U-Bahnhof Karlsplatz in Wien anhand von drei Fragmenten dort (strikt in Mono) aufgenommenen Audio-Materiales. Dieses wurde in der Folge als eine Art Score genutzt, um die visuelle Situation in einer scheinbar lineraren timeline zu verorten und dabei das Erinnerte frame für frame zu rekontruieren. fragment kopiert dabei in einer Art künstlich erzeugter Kamerabewegung den Duktus der Objektivität einer ?echten? visuellen Aufnahme. Sichtbar ist einer jener Überwachungsräume in Wiener U-Bahnhöfen, in denen eine Reihe von CCTV-Monitoren dem Fahrgast in einer Art öffentlicher Installation präsentiert wird. Oft sieht der Betrachter von hinten wiederum einen Angestellten der Verkehrbetriebe, der seinerseits die Monitore beobachtet. Der Film gräbt in der gefundenen Oberfläche, legt in einer Art prospektiver Archäologie die zeitweise beinahe surreal anmutenden Schichtungen der Überwachungssituation frei. Jeder der drei Teile tut dies mit einem etwas anderen Fokus der Analyse, so dass sich in der Relation der Teile ein komplexes Gefüge zu bilden und dieses in der Wahrnehmung des Betrachters zu oszillieren beginnt. Jeweils nach die visuell rekonstruierten Sequenzen ist das zugrunde liegende auditive Material hart geschnitten. Es ist zu hören, während das Bild Schwarz bleibt. Die betrachtende Arbeit der Überlagerung und Verknüpfung des gehörten und (erinnert) gesehenen spiegelt sich an den Konstruktionsachsen zwischen Bild und Ton.

Alexander Schellow Berlin *1974 Germany. Since 1999 solo- and groupshows, screenings works for performance theater and lectures. Publications include the book-project ?Storyboard? at Merz/Solitude (Stuttgart) and the DVD ?still lives? by Filmarmalade (London). Most recent projects for example ?out take Bozen/Bolzano? (for the opening-exhibition ?Museion ? Museum of Modern and Contemporary Art? /Bolzano, 2008, ?miniature? (with David Weber-Krebs?) at deAppel, Amsterdam 2009, ?tirana north ? trajectories? for ?Tirana International Contemporary Art Biannual?, Albania / 2009 and ?2481 desaster zone? (spatial conception) with theatercombinat, Vienna 2009. 2006/07 fellow at Akademie Schloss Solitude (Stuttgart). 2008 Pechstein-fellow. ?Bambiland? (theatercombinat, Vienna, 2009), to which Schellow contributed with films and spatial conception, won the Nestroy (best Off-Production, 2009) He tought spatial research practices at Metropolitan-University London and in the frame of workshops, for example at APT (Advanced Performance Training, Antwerp).

"Still lives" est une tentative de retravailler et de re-utiliser la mémoire. En faisant de tel, l'exercice n'est pas de se concentrer sur ces expériences quotidiennes qui attirent notre attention la plus forte, mais plutôt l'opposé. Cette tentative se concentre sur la perception involontaire, ce que à quoi l'un n'a pas vraiment porté attention mais qui est quand même inscrit dans la mémoire: un groupe de personne dans le train, une personne derrière une fenêtre, une cage d'escalier vide. Alexander Schellow construit une série de trente images de 3 secondes chacune de trajets dans le métro de Londres de mémoire et les ré-assemble en un film. La séquence de trois seconde correspo,nd avec la perception du présent de l'esprit humain. C'est ce que l'on appelle la plus petite unité de mémoire, à partir de laquelle sont défini le passé et le future. La reproduction en film animé devient la reconstruction de ce moment présent condensé au maximum. Basé sur la perception de ces "natures mortes", le film montre un échantillon possible de possibilités de reconstruire le scénario. Avec ses descriptions scéniques lentes et répétitives, Alexander Schellow réussi à constituer la réalité d'une manière compréhensive.

Alexander Schellow Born 1974 in Germany Hannover, Alexander Schellow studied ?visual arts? at the Universität der Künste Berlin and the Glasgow School of Art. Since 1999 several solo- and groupshows in Europe, works for performance-theatre and lectures ? recently Steirischer Herbst, Graz (film-installation) / Kunstmuseum Stuttgart (solo-show) / Centre Pompidou, Paris (lecture with live-mapping) / 1. Biennale Thessaloniki / Galerie Ute Parduhn, Düsseldorf (solo-show) / Kunstsammlungen Zwickau (show of nominated artists) / Storefront for Art and Architecture, New York (screening of ?spots?). Publications 2007 beside catalogues of the Kunstmuseum Stuttgart and the Kunstsammlungen Zwickau include his book-project ?STORYBOARD? (published by Merz/Solitude, Stuttgart) and the DVD ?still lives? by Filmarmalade (London) such as contributions to magazines as DOMUS or LICHTUNGEN. Recent performancetheater-work 2007/2008 with David Weber-Krebs, Amsterdam, and Philipp Gehmacher, Vienna. 2006/07 Alexander Schellow was resident fellow of the Akademie Schloss Solitude (Stuttgart) and is Pechstein-fellow 2007. He lives in Berlin and teaches at the Metropolitan University in London.

Dans ??Galour Girls? ? comme dans beaucoup de ses courts-métrages, la caméra de Hester Scheurwater explore la relation entre les êtres humains et l?espace, et entre les êtres humains eux-mêmes. Cette relation n?est en général pas très épanouissante. L?individu moderne évoqué par trois femmes emprisonnées dans un immeuble de verre et de béton apparaît dans GLAMOUR GIRLS comme isolé de la réalité, incapable de se connecter à lui-même ou à son environnement. Ces femmes sont des geishas modernes, avec un maquillage excessif, les membres couverts de sang. Après avoir essayé de combler le vide par la sophistication, elles s?affalent en silence, réalisant que l?innocence est perdue. Et se brosser les dents après coup n?enlève pas le goût du péché. « Quand je lèche tes lèvres, elles se transforment en pierre », chantent les Chicks on Speed, « tes mains sont froides, je peux voir au travers d?elles, il ne reste que l?arrière-goût ». Dans l?univers de Hester Scheurwater, il n?y a presque pas de place pour la chaleur humaine. Le seul être vivant qui évoque un sens une forme de pitié est un chien. Et le seul espoir qui reste est la caméra elle-même, recherchant fébrilement de la compassion dans les vestiges de ce qui est déchu.

Hester Scheurwater est née en 1971 aux Pays-Bas (H.I. Ambacht). Elle étudie l?art monumental à la Royal Academy of Fine Arts à la Haye, où elle participe à des ateliers avec Frans Zwartjes et Nan Hoover. Elle y enseigne actuellement la vidéo. Depuis 1996, ses installations vidéos et films expérimentaux ont été montrés dans de nombreux festivals partout dans le monde, dans des musées, des galeries et des centres d?art. Dans beaucoup de ses courts métrages, et de ses vidéos, la caméra d?Hester Scheurwater explore les relations entres les êtres humains et l?espace, des relations qui ne s?épanouissent que rarement. L?individu moderne apparaît isolé de la réalité, incapable de se connecter avec lui-même ou ce qui l?entoure. Dans l?univers de Sheurwater, il n?y a que peut de place pour la chaleur humaine, le seul espoir qui reste est la caméra elle-même qui cherche fébrilement de la compassion dans les restes de ce qui est déchu.

Dans Glamour Girls, comme dans beaucoup de ses courts métrages, la caméra de Hester Scheurwater explore la relation entre les êtres humains et l'espace, et entre les êtres humains eux-mêmes. Cette relation ne s'épanouit pas. L'individu moderne -dans ce cas trois femmes emprisonnées dans de lisses structures de verre et de béton - apparaît comme isolé de la réalité, incapable de se relier avec son environnement. Les femmes sont des geisha modernes, avec un maquillage excessif et des lèvres couvertes de sang. Après avoir essayé de remplir le vide de charme, de beauté, elles se couchent en silence, comprenant que l'innocence a été perdue. Et se brosser les dents ne fait pas disparaitre le goût du péché. "Quand je lèche tes lèvres, elles deviennent de pierre", chantent les Chicks on Speed. "Tes mains sont froides, je peux voir à travers elles, et seul reste l'arrière goût".Dans l'univers de Scheurwater, il n'y a presque plus de place pour la chaleur humaine. Le seul être vivant qui évoque le sentiment de pitié est un chien. Et le seul espoir qui reste est la caméra elle-même, cherchant fiévreusement de la compassion dans les débirs de la déchéance.

Hester Scheurwater (née en 1971, H.I. Ambacht, aux Pays Bas)a étudié l'art monumental à l'Académie royale des Beaux-Arts de La Hague, où elle a participé aux ateliers de Frans Zwartjes et Nan Hoover. Elle enseigne maintenant l'art vidéo à l'Académie.Depuis 1996, Scheurwater a réalisé des installations vidéo et des films expérimentaux qui ont été montrés à travers le monde dans des festivals, des musées, des galeries, des espaces dédiés à l'art. Dans nombre de ses courts-métrages, la caméra de Hester Scheurwater explore les relations entre les êtres humains, et entre les humains et l'espace, relations qui s'épanouissent rarement. L'individu moderne apparaît comme isolé de la réalité, incapable de se lier à son environnement. Dans l'univers de Scheurwater il y a peu de place pour la chaleur humaine; le seul espoir réside dans la caméra elle-même, qui recherche fiévreusement la compassion dans les débris de la décadence.

Audrey joins a participatory isolated workcamp where Kathleen, Laurence and Baptiste, volunteers from different backgrounds, live and work under the supervision of Aymeric. In a group marked by its disparity, each one tries to find one’s way around, to form bonds and to create a community.

Brieuc Schieb graduated from Paris Arts Déco. His work moves between films and installations. His projects are built around characters, environments or pre-existing materials. His first short fiction “La Tourbière” premiered at FID in 2019 and was screened in numerous festivals.

A women is sitting on a couch while focussing her iron view into the camera and suddenly starts to talk. Out of her grows a canny and calm monologue which manifests her world of thoughts and ideas. The at first independently created monologue starts to get tangled up into contradictions, torn between different views and ideologies. It is a result of phrases taken out from different commercials which were combined into a continuously ongoing monologue. The women monologue turns out to be commanded and alienated by advertisement.

Marko Schiefelbein (*1984 in Stralsund, Germany) is a German artist living and working in Berlin. He studied Art History and graduated in Fine Arts in 2011 from University of Fine Arts Braunschweig (Germany). He is a master student of Prof. Candice Breitz. His works deals with the human estrangement in the century of modern life in a consumer society. His work was shown in

In a small Sequence of a documentary film about the hostage taking at the Olympic Games 1972 in Munich Timo Schierhorn discovers a man on the screen that is similar to a picture of his father in a family photo. Furthermore the filmmaker learns that his father, who had died young, had worked as a BGS official at the Olympics. Additionally, in talking to a friend of his father?s he finds out that his father was given the name Uncle Luten, when he was mimicking his own father. For the film, ?Night in Olympia?, Schierhorn slips into the roll of this artificial figure whose staged biography investigates the mechanisms of memory and captures, that which has been forgotten, in images. Again and again over the last three years Schierhorn has encouraged his circle of acquaintances to re-enact every-day scenes of his parents, from their small town, between 1972 and 1980 ? similar to the of followers of living history re-enactments. This semi autobiographical film combines super 8 found-footage documentary sequences with staged scenes, which provide filmic links to the home movie memories. The ties between private films auctioned on eBay and the small film documentary performances, try to play two genres against one another: the home and art movie.

Timo Schierhorn Born in Winsen/Luhe, 1979, lives and works in Hamburg and Berlin 2009 Diploma (Fine Arts) Prof. Marie José Burki and Prof. Gerd Roscher, Hochschule für bildende Künste Hamburg

« Marbre » est une ?uvre de l?artiste français Marc Couturier, de 1999, faisant partie de la série : « Redressement ». Elle se présente sous la forme de deux blocs de marbres de Carrare juxtaposés au sol (chacun au format 30X42 sur 12 cm de haut). Sur celui de gauche sont empilés 375 lavis à l?encre de chine sur papier bouffant (au même format 30X42). Accéder à l?appréhension intégrale de l??uvre consiste à feuilleter ce « livre » de dessins représentant 375 bouquets de fleur dans leur vase. On comprend la difficulté de faire vivre au public cette expérience dans un musée. Ce film met scène, en un plan fixe, l?artiste entrain de nous offrir cette expérience. Son accomplissement filmé devient une performance éphémère de l?artiste ayant valeur de portrait de l??uvre et de l?artiste. Le film crée la performance. Le film témoigne de la performance. Le film est performance.

Jérôme Schlomoff. Je suis né en 1961. Je suis photographe. Depuis 1984, je travaille sur le thème du portrait ; mon terrain de prédilection est le monde de l?art contemporain et je photographie sans cesse de nombreux créateurs. A partir de 1996, mon intérêt pour l?architecture s?affirme et je développe la série des « Sténopés d?Architecture », projet qui montre les liens étroits qui existent entre la photographie et l?architecture, en transformant l?architecture en appareil photo. Enfin, en l`an deux mille je construis ma caméra sténopé 35mm en carton et j?entreprends, image après image, la réalisation de films cinématographiques 35mm, où je prends le temps de poser un regard sur la ville, avec en tête toujours cette même question : « Comment habiter la ville aujourd?hui » ?. Portrait, architecture, cinéma sont ainsi les territoires essentiels à partir desquels s?organisent et se structurent mes recherches sur l?acte de photographier et sa signification actuelle. C?est au croisement de ces trois disciplines, dans leur dialogue permanent et leur enrichissement respectif que prend place mon attitude de photographe, de réalisateur & d?artiste.

Film réalisé à la demande du groupe Blonde redhead, à l?occasion de leur concert en hommage à Gainsbourg, le 25 octobre 2008, à la Cité de la Musique, Paris.

Jérôme Schlomoff. Je suis né en 1961, je vis & travaille à Amsterdam & Paris. Je suis photographe. Depuis 1984, je travaille sur le thème du portrait ; mon terrain de prédilection est le monde de l?art contemporain et je photographie sans cesse de nombreux créateurs. A partir de 1996, mon intérêt pour l?architecture s?affirme et je développe la série des « Sténopés d?Architecture », projet qui montre les liens étroits qui existent entre la photographie et l?architecture, en transformant l?architecture en appareil photo. Enfin, en l`an deux mille je construis ma caméra sténopé 35mm en carton et j?entreprends, image après image, la réalisation de films cinématographiques 35mm, où je prends le temps de poser un regard sur la ville, avec en tête toujours cette même question : « Comment habiter la ville aujourd?hui ? ». Portrait, architecture, cinéma sont ainsi les territoires essentiels à partir desquels s?organisent et se structurent mes recherches sur l?acte de photographier et sa signification actuelle. C?est au croisement de ces trois disciplines, dans leur dialogue permanent et leur enrichissement respectif que prend place mon attitude de photographe, de réalisateur & d?artiste.

Ce film propose une visite du chantier de la villa K construite, à la sortie d?un petit village à 20 km de Marrakech, par les architectes Karl Fournier & Olivier Marty, fondateurs de l?agence Studio KO. Le dialogue qu?instaurent les architectes entre la tradition et la modernité, à travers leur travail, rejoint ma démarche cinématographique, aussi, je me suis attaché à filmer la magie et la poésie qui résulte de ce dialogue.

Jérôme Schlomoff. Je suis né en 1961, je vis & travaille à Amsterdam. Je suis photographe. Depuis 1984, je travaille sur le thème du portrait ; mon terrain de prédilection est le monde de l?art contemporain et je photographie sans cesse de nombreux créateurs. A partir de 1996, mon intérêt pour l?architecture s?affirme et je développe la série des « Sténopés d?Architecture », projet qui montre les liens étroits qui existent entre la photographie et l?architecture, en transformant l?architecture en appareil photo. Enfin, en l`an deux mille je construis ma caméra sténopé 35mm en carton et j?entreprends, image après image, la réalisation de films cinématographiques 35mm, où je prends le temps de poser un regard sur la ville, avec en tête toujours cette même question : « Comment habiter la ville aujourd?hui ? ». Portrait, architecture, cinéma sont ainsi les territoires essentiels à partir desquels s?organisent et se structurent mes recherches sur l?acte de photographier et sa signification actuelle. C?est au croisement de ces trois disciplines, dans leur dialogue permanent et leur enrichissement respectif que prend place mon attitude de photographe, de réalisateur & d?artiste. La littérature, le théâtre, toutes les formes de création, qui nourrissent mon imaginaire en poésie, attirent mon attention. Elles deviennent les territoires d?une expérimentation partagée autour d?un même langage.

Ce film sténopé propose une visite de la ville d?Amsterdam à travers les chantiers de reconstruction de quatre institutions culturelles qui sont : la salle de cinéma de la Maison Descartes ; le Rijksmuseum ; le Stedelijk Museum Amsterdam ; le centre d?art W139. Ces lieu sont actuellement en travaux. Ce film est construit comme une mystérieuse balade du regard à travers ces 4 chantiers chargés d?histoire, où la magie de l?architecture mise à nu nous plonge dans un univers étrange et dont la caméra sténopé nous révéler la force poétique. Tout au long de cette balade, les éléments poétiques successivement rencontrés sont confrontés à la vision d?un monde industriel, en analogie ou en opposition, avec celle de la nature intacte. Cette vision d?Amsterdam permet de créer lien dynamique entre les quatre chantiers. Il s?agit d?une histoire de reconstruction, reconstruction de la ville à travers notre propre reconstruction du regard.

Jérôme Schlomoff. je suis né en 1961. J`habite & travaille à Amsterdam. Je suis photographe. Depuis 1984, je travaille sur le thème du portrait ; mon terrain de prédilection est le monde de l?art contemporain et je photographie sans cesse de nombreux créateurs. A partir de 1996, mon intérêt pour l?architecture s?affirme et je développe la série des « Sténopés d?Architecture », projet qui montre les liens étroits qui existent entre la photographie et l?architecture, en transformant l?architecture en appareil photo. Enfin, en l`an deux mille je construis ma caméra sténopé 35mm en carton et j?entreprends, image après image, la réalisation de films cinématographiques 35mm, où je prends le temps de poser un regard sur la ville, avec en tête toujours cette même question : « Comment habiter la ville aujourd?hui » ?. Portrait, architecture, cinéma sont ainsi les territoires essentiels à partir desquels s?organisent et se structurent mes recherches sur l?acte de photographier et sa signification actuelle. C?est au croisement de ces trois disciplines, dans leur dialogue permanent et leur enrichissement respectif que prend place mon attitude de photographe, de réalisateur & d?artiste. La littérature, le théâtre, toutes les formes de création, qui nourrissent mon imaginaire en poésie, attirent mon attention. Elles deviennent les territoires d?une expérimentation partagée autour d?un même langage.

New York, 19 mars 2003, 20H00. Fin de l?ultimatum fixé par George W. Bush à Saddam Hussein. Toutes les télévisons diffusent en direct l?allocution du président, l?Amérique vient d?entrer en guerre contre l?Irak. A ces images de la télévision américaine, répondent celles de New York comme un monde dévasté, plongé dans un chaos urbain que menace un grand cataclysme. L?humain déserte la ville sous une tempête de neige. De déambulation en déambulation, de quartier en quartier, la ville est brisée, abandonnée. Puis vient la rencontre avec Jerzy W. Sulek. Polonais d?origine, architecte, il vit dans la rue et dort dans son pick-up stationné devant son terrain vague. Il récupère des meubles et des objets dont il vit de la vente, dans l?attente d?un hypothétique permis de construire déposé il y a bien des années à la mairie. Il nous livre son rêve d?architecture, son regard sur la question « comment habiter la ville aujourd?hui » ?

Jérôme Schlomoff. J`ai quarante-quatre ans, je vis et travaille à Paris. Je suis photographe. Depuis 1984, je travaille sur le thème du portrait ; mon terrain de prédilection est le monde de l?art contemporain et je photographie sans cesse de nombreux créateurs. A partir de 1996, mon intérêt pour l?architecture s?affirme et je développe la série des « Sténopés d?Architecture », projet qui montre les liens étroits qui existent entre la photographie et l?architecture, en transformant l?architecture en appareil photo. Enfin, en l`an deux mille je construis ma caméra sténopé 35mm en carton et j?entreprends, image après image, la réalisation de films cinématographiques 35mm, où je prends le temps de poser un regard sur la ville, avec en tête toujours cette même question : « Comment habiter la ville aujourd?hui ? ». Portrait, architecture, cinéma sont ainsi les territoires essentiels à partir desquels s?organisent et se structurent mes recherches sur l?acte de photographier et sa signification actuelle. C?est au croisement de ces trois disciplines, dans leur dialogue permanent et leur enrichissement respectif que prend place mon attitude de photographe, de réalisateur et d?artiste. La littérature, le théâtre, toutes les formes de création, qui nourrissent mon imaginaire en poésie, attirent mon attention. Elles deviennent les territoires d?une expérimentation partagée autour d?un même langage.

Eske Schlüters geb. 1970 Studierte an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg. Diplom 2004. Seither arbeitet sie als freie Künstlerin vor allen Dingen mit Bewegtbild. Sie hatte Gastprofessuren in Hamburg und Zürich und zahlreiche Stipendien (Kunstfonds Bonn, Villa Romana Preis, Künstlerstätte Bleckede) und diverse internationale Einzel- und Gruppenausstellungen (Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Bundeskunsthalle Bonn, Frankfurter Kunstverein, Museum für Gegenwartskunst Siegen, Haus am Waldsee Berlin, Kunsthaus Hamburg)

Un jeune homme est traversé par les ondes. Elles sont stoppées par les montagnes. Il commence à observer plus précisément les grandes masses rocheuses qui l’entourent, et découvre des phénomènes romantiques. Par amour, il tourne autour.

Thomas Schmahl est né en 1994 à Annecy (France). Il vit et travaille entre Annecy (France) et Reims (France). Il est diplômé de l’ESAD – École Supérieure d’Art et de Design de Reims (France). Son travail s’intéresse à l’anecdotique, à la carence, à l’instable. L’artiste propose des situations, films ou installations dans lesquelles le récit et les protagonistes évoquent souvent un ailleurs. Il est lauréat du Prix de la Jeune Création de la Biennale d’art contemporain de Mulhouse (France) en 2019.