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Une nuit, dans les tranchées, lors de la guerre civile espagnole, Joan Brossa entendit une voix appeler son nom. Il ne vit personne et marcha vers l'endroit où il lui semblait avoir perçu le son d'une voix. Un moment plus tard, un coquillage tomba sur le sol, là où il se tenait. Depuis cet instant, Brossa voudrait être un poète. Après la guerre, Barcelone était un "désert d?espoir", selon le philosophe Arnau Puig. La dictature de Franco avait mis fin a toute liberté. Plus aucun espoir n?était possible. Mais Brossa et ses amis, Antoni Tàpies, Modesto Cuixart, Ponç et Arnau Puig ont fondé un groupe qu?ils ont appelé Dau al Set : Le sept du dé. Bien sûr, on ne peut jamais tirer un sept aux dés, mais c?est ce qu?ils voulaient, dans toute la témérité de leur jeunesse : l?impossible. Ils créèrent un magazine, ils tinrent des discussion sur Nietzsche, ils écoutaient Tristan et Iseult de Wagner et passèrent des jours inoubliables dans une vieille maison qui appartenait à un de leurs amis, Lluis Riera. Le chemin qu'ils avaient parcouru jusqu'ici les mena dans une petite station au pied des montagnes, où ils décidèrent de faire un film. En 1948, Brossa en écrivit le script. Il adorait les films, il les trouvaient magiques cependant il ne savait rien de la pratique filmique. Lluis Riera allait devenir réalisateur et ses amis allaient jouer les rôles. Mais le film ne fut jamais fait et le script réapparut 50 ans plus tard pour marquer le 100e anniversaire du cinéma dans un livre nommé Anthologie du Cinéma Invisible par Christian Janicot. Brossa était convaincu que tout pouvait prendre une forme différente. La lettre A devient la tête d'une chèvre si vous la mettez à l?envers. La transformation des choses le fascina tout au long de sa vie. C?est pourquoi il aimait la présidentialisation tout comme le cinéma. Pour lui, l?illusion qu'offrait l?art était une condition nécessaire à la vie. Joan Brossa est mort en 1998, après être tombé dans les escaliers de son studio. Ses amis parlent toujours de lui avec amour et admiration. Le documentaire "Brossa" n?est pas un portrait de l?artiste, mais essaie d?examiner sous tous les angles les sujets qui sont la raison pour laquelle le monde change toujours un peu.

Digna Sinke est né en 1949 en Zonemaire en Zélande. Entre 1968 et 1972 elle étudie à l?Académie des Pays-Bas du film et de la télévision à Amsterdam. Elle créé en tant que projet final SALUTATIONS DE ZONNEMAIRE (Groeten uit Zonnemaire), un court métrage où elle est à la fois écrivain et directrice. En 1973, elle fait deux documentaire courts, BORDS DE VILLE (Stadrand), qu?elle dirige et édite en coopération avec Pieter de Vos et Peter Jansaï. Deux ans plus tard, c?est LES FRERES HELLE ( De Gebroeders Helle), qu?elle écrit et dirige, un court métrage sur lequel elle a travaillé avec Cor van Rijn, Hidde Maas, Jeanne Verstraete et Loes Vos. Le deuxième court métrage est RADIO REVE (De Radio-froom), qui fut dirigé pas Filip Jansen et où elle est co-auteur. En 77, elle participe à RIEN NE SE PASSE (Er gebeurt helemaal niets) dirigé par Ernie Damen, un documentaire qu?elle édite, suivit deux ans plus tards de UN VAN GOGH AU MUR (Een Van Gogh aan de muur), un documentaire de 50 minutes qu?elle écrit et dirige et qui est diffusé par NOS. Ce film participera en tant de candidat des Pays-Bas au Prix Italia 78. La même année, BAL-LET A QUOI CA SERT ? (Bal-let, waarvoor dient dat?-), film commissionné de 38 minutes qu?elle écrit et dirige reçoit le prix de Qualité Italien. En 79, elle écrit et dirige CARRY VAN BRUGGEN, un film de 40 minutes, documentaire sur l?auteur néerlandaise éponyme, diffusé à nouveau par NOS. Elle fera aussi LES ARCHIVES (Het Archief) que dirige Kees Hin. Il s?en suivra Donna en 80 dirigé par Yvonne Scholten, De Hoop van het Vaderland en 82, documentaire de 90 min qu?elle écrit dirige et édite mais qui est diffusé pas Kunstkanaal, LE PACIFIQUE SILENCIEUX (De Stille Ocean)qui fera de la sélection du festival du film de Berlin en 84. En 85, elle réalisé et écrit LA NOUVELLE VAGUE (De niewe golf) qui est un documentaire de 105 minutes sur la musique d?avant garde au Pays-Bas et diffusé par VPO. Elle réalise en 88 LA LETTRE (De Brief), un projet vidéo avec les étudiants de l?école de la performance des arts d?Amsterdam. Deux ans plus tard, RIEN NE DURE ETERNELLEMENT (Niets voor de eeuwigheid), un documentaire sur l?archéologie industrielle est diffusé par NOS, elle en est l?écrivain et l?éditrice. La même année, c?est AU REVOIR (Afscheid), un court métrage expérimental qu?elle dirige et monte. En 92, AU DESSUS DES MONTAGNES, en 93, BELLE VAN ZUYLEN/MANDAME DE CHARRIERE (primé au Filmfestival Mannheim/Heidelberg 1994) puis AVANTI (Voorwaarts), en 96, TIENGEMETEN, A TEMPORARY REPORT (Tiengemeten, een voorlopig verslag) en 98, SPACE TO THINK (Lucht om na te denken) en 2001 TIENGEMETEN PART ONE (Tiengemeten deel 1), En 2003, elle créé le site internet de l?ile de Tiengemeten puis en 2004 revient au cinéma avec HOPE & EXPECTATIONS (Hoop & Verwachting) l?année dernière avec BROSA, le documentaire qu?elle a écrit et réalisé.

Le poème épique du Tasse, "La Jérusalem délivrée" (1582), a influencé pendant plus de trois siècles les représentations de l’amour dans les arts en Europe. "Madrigal" nous fait découvrir trois oeuvres éblouissantes d’Annibale Carracci, Nicolas Poussin et Giambattista Tiepolo interprétant l’épisode de la relation amoureuse entre le chevalier Renaud et la magicienne Armide. L’oeil de la caméra caresse la surface sensuelle de la peinture guidé par la réflexion de l’historien de l’art Giovanni Careri sur les pouvoirs de l`image et sur ceux de l’amour.

Thomas Sipp réalise des films documentaires et des documentaires sonores. Il vit à Paris et à Toulouse, où il enseigne le cinéma et la vidéo à l’Ecole des beaux-arts. Il a réalisé de nombreux films documentaires diffusés sur les télévisions françaises et étrangères (France 3, Arte, Canal +, RTBF, TSR, Sky UK, TVE, Movistar, Avro, SVT1) et sur Internet (Radio France, Condé Nast et Arte Creative). Ses films ont été sélectionnés et primés dans de nombreux festivals (Festival du Réel à Paris, Visions du Réel à Nyons, Pariscience, DocScient Roma) ainsi qu’à la XXXème Biennale de São Paulo, au MAC de Marseille, au Musée Berardo de Lisbonne, etc. Il a collaboré régulièrement à l’émission de documentaires sonores « Surpris par la nuit » de Alain Veinstein sur France Culture. Il est notamment l’auteur des films ACD (1997), Hotel Humboldt (1999), Madame B. (2004), Les champignons pourront-ils sauver le monde ? (2012, co-réalisation) et des séries Sacrés Caractères ! (2014) et Safari Typo ! (2016).

Lost in time and translation, images transport us on a journey behind the modernist façade of Beirut?s electricity building. The images shot on Super 8 are accompanied by droning noises reminiscent of the experimental, electronic sounds of the 1950s and 60s.

Une oeuvre basée sur le concept de la théorie quantique comme décrite par David Bohm. La vidéo consiste en une photo totalement fixe d?un parking vide. Une lampe à vapeur de sodium centrée éclaire le paysage nocturne. 28 balles rouges rebondissent dans un ordre chaotique. Chaque balle représente une entité individuelle qui rebondit à son propre rythme. Au milieu de la vidéo, les balles s?alignent en une couverture harmonieuse. Inspirant et expirant à une fréquence identique, elles atteignent le point où elles rebondissent en même temps et retournent au chaos.

Elevé à Barcelone, en Espagne, Sisto est diplômé d?un BFA en arts au Center College of Design en Californie. Il commence à travailler comme artiste en effets spéciaux freelance avant de signer avec Satellite Film pour des représentations musiques et vidéos jusqu?à sa fermeture en 2001. Son court métrage OCEANO (2002) fut projeté dans des festivals dans le monde entier et a remporté de nombreux prix avant de débuter sur TVE en Espagne. En 2004, il a fondé Swift Gallery, un espace d?exposition non-lucratif dirigé par des artistes pour de l?art provocateur et basé à Los Angeles. Ses propres vidéos et installations furent exposées dans aussi bien dans tout Los Angeles que dans le monde entier.

The Troubled Bear and the Palace. 11 minuets. Walid Siti 2019. At the 7,000 ft peak of the Gara mountains in Kurdistan of Iraq, the remains of Saddam's palace, built in 1989, still stand. 29 years later, in March of 2018, two caged bears were escorted by a group of local media and Kurdish women forces to be ceremoniously freed at the helipad adjacent to the palace. Having lived dependently and in captivity throughout its life, the bears struggled to survive in the wild. One vanished whilst the other was at the mercy of the personnel that guard the telecommunication towers erected at the palace. The surreal juxtaposition of the stressed bear and the dilapidated palace, set amongst the magnificent mountains, encapsulates the tragedy of the people of this land throughout history, from the time of Gilgamesh to the present.

Walid Siti (b. 1954, Duhok, Kurdistan-Iraq). After graduating in 1976 from the Institute of Fine arts in Baghdad, Siti left Iraq to continue his arts education in Ljubljana, Slovenia before seeking political asylum in the UK in 1984 where he now lives and works. The work of Walid Siti traverses a complex terrain of memory and loss, in a world, which for him has been a place of constant change. The narrative of Siti’s experience, of a life lived far from but still deeply emotionally connected to the place of one’s birth, is one he shares with many exiles.

The mayor of Or Yehuda changed the face of the city by introducing new, uniquely aesthetic roundabouts : Tacky, Las Vegas hotel courtyards meet life-size recreations of country life. It`s a sight you simply couldn?t miss. Filming the squares at night shows off the roundabouts? elaborate lighting design, inviting an expressive soundtrack. All this against the backdrop of Or Yehuda night life ? joyriders encircling the roundabouts pumping out music, similar to a mating ritual in nature. The roundabouts give Or Yehuda a new, bold front in the face its residents harsh day-to-day life; as though the city underwent plastic surgery, crass yet at the same time revitalizing.

Avishai Sivan (1977, Israel) is a filmmaker, visual artist and published author. Sivan?s first feature film, "The Wanderer", premiered at Cannes Film Festival 2010, in the Directors? Fortnight section. The film won Best First Feature Film and Best Cinematography at the Jerusalem Film Festival 2010. His second film Visa, won Best Independent Feature Film at the Cinema South Festival 2013. Sivan?s documentary film, "Soap Opera of a Frozen Filmmaker", a seven-part video diary, won Best Experimental Film at the Jerusalem Film Festival, 2007. In 2010, Sivan received the Israel Ministry of Culture?s Cinema Prize. His first book, "Musings on Filmmaking whilst Cycling through the City", was published in 2011. Sivan is currently completing his second novel "Crook", and is in the process of shooting his third feature film "Tikkun", winner of Torino Film Lab Production Award. This film is made the additional support of The Jerusalem Film Fund and the Rabinovich Film Fund Cinema Project. Sivan also exhibits artwork in galleries in Israel and London.

Goebbels? Pupils Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Sumugan Sivanesan Son de Durán Vázquez

Sumugan Sivanesan vit à Sydney, Australie. Ayant joué dans divers groupes de rock au début des années 1990, il s'intéresse à la musique expérimentale et aux arts électroniques à travers son association aux nouveaux médias et à la vidéo numérique. Ses oeuvres vidéo/audio ont été présentées dans le monde entier lors de divers festivals internationaux, notamment le International Symposium for Electronic Art (ISEA), à Nagoya, Japon, en 2002.

?..text..map..? est une carte interactive (texte/image). La carte construite de manière dynamique explore quelques-unes unes des expressions spatiales, des signes et des symboles sur d?Internet dans un contexte de lieu et d?espace. Le code en perl/cgi utilise des principes génératifs et géométriques. L?interaction est dynamique et en temps réel.

Eva Sjuve, artiste et conservatrice, explore le spectre transdisciplinaire des arts médias avec le son, le spectacle et les évènements dans l?espace publique. Elle construit des interfaces pour des procédés radios en temps réels et d?autres interfaces mobiles. Elle détient un Master de l?Interactive Telecommunication Program de l?université de New York et un autre de l?université de Lund en Suède. Eva Sjuve a aussi étudié au Centre de Création Musicale de Iannis Xenakis, CCMIX à Paris et à la School of Visual Arts dans la ville de New York. Elle a fait des expositions à divers des endroits comme le Australian Centre Of Comtemporary Art en Australie, le Kiasma Museum of Contemporary Art à Helsinki en Finlande mais aussi l?European Media Arts Festival allemand. L?artiste est aussi venue exposer au Centre d?Art Contemporain de Basse Normandie en France et est allée au CAEIT et le California Institute of the Arts aux Etats-Unis. Eva Sjuve a reçue beaucoup de récompenses et en 2000, elle s?est vue décernée le Honorary Award au CYNETart 2000 à Dresde en Allemagne pour sa composition audio ?Astro Turf? qui explore les espaces de l?auditoire.

A python slithers and curls over the abandoned control room of Chernobyl’s sister, the Ignalina Nuclear Power Plant, its radioactive core an unleashed monster that will slither through time for a million years. From Etruscan ruins and sunken cities to the most modern of underground repositories, director Emilija Škarnulyt? follows our attempts to bury the immortal. Addressing the epochal effects of nuclear technology on all levels, Burial follows the cycle of power, an eternal return, another serpent eating its tail.

Emilija Škarnulyt? (b. Vilnius, Lithuania 1987) is an artist and filmmaker. Working between documentary and the imaginary, Škarnulyt? makes films and immersive installations exploring deep time and invisible structures, from the cosmic and geologic to the ecological and political. Winner of the 2019 Future Generation Art Prize, Škarnulyt? represented Lithuania at the XXII Triennale di Milano. Recent solo exhibitions include Tate Modern (2021), Kunsthaus Pasquart (2021), and the National Gallery in Vilnius (2021). Her films are in the IFA, Kadist Foundation and Centre Pompidou collections and have been screened at the Serpentine Gallery, The Museum of Modern Art, New York, and numerous film festivals. She is a founder and co-director of Polar Film Lab, and a member of artist duo New Mineral Collective.

La teinte pourpre bleuté qui recouvre l'image est le résultat d'un défaut de fabrication de la série de smartphones HTC One. Fabriqué par une entreprise taïwanaise, ce téléphone retourne là d'où il vient. De petits changements dans le système le mettent face à une toute nouvelle présence. La caméra se déplace à travers les espaces, passant de l'un à l'autre comme si elle essayait d'entrer en contact avec son environnement. Mais, accompagnées d’un paysage sonore actif, les images déformées de l'environnement créent un nouvel espace, ouvert à l'imagination.

Ieva Kotryna Skirmantaite (née à Vilnius (Lituanie), en 1994) est artiste audiovisuelle. Elle vit actuellement à Paris. Après avoir travaillé pendant quelques années dans l'industrie du cinéma en Lituanie, elle a obtenu, en 2019, une Licence de cinéma à l'Université Paris 8 (France). En 2019, elle a également été acceptée dans un Master à l'École universitaire de recherche ArTeC, Paris (France). En ce moment, elle développe sa recherche audiovisuelle sur les dolines. En dehors de ses projets personnels, elle collabore souvent avec d'autres artistes sur leurs œuvres.

How post-contemporary critique of post-truth post-index post-everything could look or sound like? What tools are available when language renders meaning sense-less? Do You Speak Peking Opera? is an enquiry in the state of pre-emptive post-contemporaneity, open ended, delivered to you by artificial intelligence, provoking genuine physical reaction.

Natalia Skobeeva is an internationally recognised award winning artist, based in Deptford, whose hybrid experimental practice explores ideas of transnational and multicultural existence in the post-truth society. She is a graduate of MA Fine Art, Royal College of Art, London, UK Solo shows include ” This Territory is Time ” Espronceda Art Centre, Barcelona, “ Horrors of Archiving ” in Objectief Exhibitions, Antwerp, “ Carpets in St Petersburg, former Leningrad, former St Petersburg”in the State Museum of Political History of Russia, St Petersburg, Camera Club London and Viewfinder gallery London, solo projects in Moscow, Istanbul, Brussels, Berlin and London. Recent group exhibitions include Manifesta 11, LOOP festival Barcelona 2017, Tenderflix 2016, Bristol Biennale 2016, Vision in the nunnery 2016, 4th Moscow Biennale of Contemporary art, 15th WRO Media Art Biennale, Miden 2013 Festival of Video art, Retrospective of Now&After Video art festival among others.

The shadow of a tall and hunched man moves around a labyrinthine apartment full of bookcases, video tapes and plastic bags like a modern Max Schreck who is restlessly looking for something that has been lost forever. The mystery and melancholy from Murnau’s vampire classic is preserved in John Skoog’s interpretation of « Nosferatu », which is a (self-)portrait of the Swedish « outsider artist » Richard Vogel, with whom Skoog has created his latest film work. A film that gives a new meaning and dignity to the concept of Scandinavian Expressionism by being filmed on an antiquated video format and copied from an antique video projector, whose three colours constantly threaten to dissolve the porous picture into a vacuum of abstraction. The recently deceased Vogel was a close friend of Skoog’s family, but lived a quiet life dedicated to accumulating hours of videotaped television shows and almost aggressively meaningless own projects, which in an almost lexical fashion document the welfare state’s invisible corners and waste products in countless works.

In his films, videos, and photography John Skoog combines research into history and everyday life with a poetic and fictional atmosphere that is grounded in the film and literary traditions. His work explores social contexts of individuals and communities; unpacking their complex relationship to collective rituals and historical forces, as well as to existential and natural scenarios of transition. Skoog’s works make clear references to mythological iconography; they remind us of the profane origins of myth and in this way they aim to demystify both nature and society.

A film that shows locations in California that has "played" other parts of the world in early Hollywood films. By revisiting these old locations, documenting them as they look today and by letting sounds from the old films inhabit them, the films constructs the Californian landscape as a place out of time and place.

John Skoog (born 1985 in Malmö, lives and works in Copenhagen) studied at the Städelschule in Frankfurt. He was awarded the Baloise Art Prize in 2014 and the Ars-Viva prize in 2013. Recent exibitions and screenings include Mad Horizon, Index Contemporary Art Foundation, Stockholm, SE (2016) Värn, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (MUMOK, 2015), Slow Return, Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main (2015), Shadowland, Pilar Corrias, London (2015),Berlin International Film Festival (2015) and Federsee, Johan Berggren Gallery, Malmö (2013). Skoog is currently the professor of the film class at the Art Academy in Mainz.

In the early 1940’s the farm-worker Karl-Göran Persson started to fortify his small house in the flat farmlands of southern Sweden. He wanted to build a place where he and the people in the village could find refuge in the event of a Soviet invasion. He took any metal he could get cheap or for free from the neighboring farmers and used it as reinforcement for the cement casting of the house`s new exterior walls. Karl-Göran lived alone in the house and continued his re-construction until his death in 1975.

Working with film and video John Skoog follows in the tradition of Scandinavian film making through the use of stark landscapes and slow pacing. The poetic use of the Swedish landscape and powerful studies of character and emotion evoke memories of film works by cinema greats such as Victor Sjostrom and Mauritz Stiller. Skoog has been awarded the Baloise Art Prize, Art Basel (2014), ’1KM film scholarship’ from Stockholm Film festival (2013), the Hessische Kulturstiftung travel grant (2013), the ARS-VIVA Prize (2013/14), Malmö Art Museum 2013 Art Grant, Aase & Richard Björklund fund, and the ARTFILM Prize, Lichter International Film Festival (2013) and a one year working grant from Stiftung Kunstfonds, Bonn (2014). As part of winning the Ars-Viva Prize 2013/14, Skoog has shown at Neues Museum Weimar, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main and GAM – Galleria civica d’arte moderna e contemporanea Torino. In 2015, as the winner of the Baloise Art Prize, Skoog will have two major solo exhibitions at Museum für Moderne Kunst (MMK), Frankfurt am Main and Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (MUMOK). Born in Kvidinge 1985, Skoog graduated from the Staedelschule, Frankfurt in 2012. Selected shows and festivals include: Slow Return, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main (2015); 65th Berlinale, Berlin (2015); Real DMZ Project 2014, Cheorwon-gun, Gangwon-do & Artsonje Center, Seoul (2014); Redoubt, Towner Contemporary Art Museum, Eastbourne (2014); A Time for Dreams: 4th Moscow International Biennale for Young Art, National Centre for Contemporary Arts (NCCA), Moscow (2014); Ars Viva Prize: Truth/Reality, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main; GAM Galleria civica d’arte moderna e contemporanea, Turin (2014); Taming the Narrative, Basis as a part of b3 Biennale, Frankfurt am Main (2013); Echo Release, NKV Nassauischer Kunstverein Wiesbaden, Wiesbaden (2013); Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (2014 & -13); Video_Dumbo, Eyebeam Art + Technology Center, New York (2013); Spectrum Rotterdam International Film Festival, Rotterdam (2013); Sent på Jorden, Art Lab Gnesta, Gnesta (2013); Indielisboa, Lisbon International Film Festival, Lisbon, (2014 & -12), Rencontres Internationales: Paris, Centre Pompidou, Paris, (2014 & -11). John Skoog lives and works in Frankfurt.

A film that looks at the traditional folklore surrounding the celebration of Fasnet (carnival) in the small Schwabian town of Bad Buchau.

Working with film and video John Skoog follows in the tradition of Scandinavian film making through the use of stark landscapes and slow pacing. The poetic use of the Swedish landscape and powerful studies of character and emotion evoke memories of film works by cinema greats such as Victor Sjostrom and Mauritz Stiller. Skoog has been awarded the Baloise Art Prize, Art Basel (2014), ’1KM film scholarship’ from Stockholm Film festival (2013), the Hessische Kulturstiftung travel grant (2013), the ARS-VIVA Prize (2013/14), Malmö Art Museum 2013 Art Grant, Aase & Richard Björklund fund, and the ARTFILM Prize, Lichter International Film Festival (2013) and a one year working grant from Stiftung Kunstfonds, Bonn (2014). As part of winning the Ars-Viva Prize 2013/14, Skoog has shown at Neues Museum Weimar, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main and GAM – Galleria civica d’arte moderna e contemporanea Torino. In 2015, as the winner of the Baloise Art Prize, Skoog will have two major solo exhibitions at Museum für Moderne Kunst (MMK), Frankfurt am Main and Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (MUMOK). Born in Kvidinge 1985, Skoog graduated from the Staedelschule, Frankfurt in 2012. Selected shows and festivals include: Real DMZ Project 2014, Cheorwon-gun, Gangwon-do & Artsonje Center, Seoul (2014); Redoubt, Towner Contemporary Art Museum, Eastbourne (2014); A Time for Dreams: 4th Moscow International Biennale for Young Art, National Centre for Contemporary Arts (NCCA), Moscow (2014); Ars Viva Preis: Truth/Reality – Björn Braun, John Skoog and Adrian Williams, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main – DE; GAM – Galleria civica d’arte moderna e contemporanea, Turin – IT (2014); Taming the Narrative, Basis as a part of b3 Biennale, Frankfurt am Main (2013); Echo Release, NKV Nassauischer Kunstverein Wiesbaden, Wiesbaden (2013); Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (2014 & -13); Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main (2013); Video_Dumbo, Eyebeam Art + Technology Center, New York (2013); Spectrum Rotterdam International Film Festival, Rotterdam (2013); Sent på Jorden, Art Lab Gnesta, Gnesta (2013); Indielisboa, Lisbon International Film Festival, Lisbon, (2014 & -12), Onde, Torino International Film Festival, (2011), Rencontres Internationales: Paris, Centre Pompidou, Paris, (2014 & -11), En passant (with et al.*), Schirn Kunsthalle, Frankfurt am Main, (2011), In the absence of Glenn Gould, Ludlow 38, Goethe Institute, New York City (2008) and PS1 Contemporary Art Center, Long Island City, New York, (2007), Malm1, Malmö Konsthall, Malmö (2004). John Skoog lives and works in Frankfurt.

Förår is loosely based on the news-story about an 11-year old girl that stole her fathers hunting rifle and paraded down main-street in the small town she lived in. Captured is the memory of a day re-collected. Things happened but its hard to remember exactly the right order, how you got to one place from another, what someone said.

John Skoog, b. 1985, in Kvidinge, Sweden, started making experimental video as a teenager. His photography and film installations have been shown at museum and film festivals around the world. In 2013 he was, as the youngest person ever, awarded the prestigious Ars-Viva Kunstpreis. John studied fine arts at Staatliche Hochschule für bildende Kunst, Städelschule in Frankfurt am Main.

Synopsis: A film taking place in the dusk hour between that the sun has set and it gets dark. Thirteen scenes that show a rural village in the southern provinces of Sweden. Dusk falls, and you`re walking home and suddenly you can?t tell if it is the neighbor?s dog or a wolf standing further down the road.

Sent på Jorden is John Skoog?s debut film. Skoog, b. 1985, started as a teenager making experimental film, photography and film installations, shown at film festivals and museums around the world. John studied fine arts at Staatliche Hochschule für bildende Kunst, Städelschule in Frankfurt am Main.

Les récits épiques du Far West hollywoodien ont inspiré un univers de jeu de rôle aliénant, quelque part dans la forêt sauvage suédoise à notre époque. Ici, un grand groupe de personnes éprises de liberté, vêtues de bottes de cow-boy et de chapeaux Stetson, se réunissent pour reconstituer un passé qui n'a jamais été le leur. La fiction et la réalité se rencontrent dans "Rendezvous", mais seulement devant la caméra. Les participants habitent collectivement leur simulation, et, tant qu'ils peuvent la maintenir ensemble, ils peuvent la vivre en toute sécurité. Il s'agit d'échapper au monde moderne, à sa technologie et à sa morale, pour retrouver une vie authentique, centrée sur l’essentiel. Que cette vie puisse être exprimée par la fiction est le paradoxe qu'Ernst Skoog interroge, notamment au travers d’un esthétique granuleuse proche du found footage. "Rendezvous" est tourné en Digital Video - un format déjà désuet – ce qui ajoute une distance temporelle désorientante entre les images et ce qu'elles représentent. Une antithèse de l'Hollywood dont s’inspire leur monde.

Ernst Skoog est né en 1991 à Kvidinge (Suède). Il vit et travaille actuellement à Francfort-sur-le-Main (Allemagne). Il a obtenu un diplôme au Royal Institute of Art, Stockholm (Suède) en 2020. Travaillant à la fois comme artiste et réalisateur, il centre son travail sur les images en mouvement. Dans son travail, il étudie et s’approprie les chevauchements entre la réalité, la mémoire et la fiction, et explore les perceptions et les nuances qu’elles contiennent. "Rendezvous" est son premier film en tant que réalisateur. Il a été nommé pour le prix Next:Wave, Guangzhou (Chine), et a été présenté en première au CPH:DOX, Copenhague (Danemark) en 2020.

The shadow of a tall and hunched man moves around a labyrinthine apartment full of bookcases, video tapes and plastic bags like a modern Max Schreck who is restlessly looking for something that has been lost forever. The mystery and melancholy from Murnau’s vampire classic is preserved in John Skoog’s interpretation of « Nosferatu », which is a (self-)portrait of the Swedish « outsider artist » Richard Vogel, with whom Skoog has created his latest film work. A film that gives a new meaning and dignity to the concept of Scandinavian Expressionism by being filmed on an antiquated video format and copied from an antique video projector, whose three colours constantly threaten to dissolve the porous picture into a vacuum of abstraction. The recently deceased Vogel was a close friend of Skoog’s family, but lived a quiet life dedicated to accumulating hours of videotaped television shows and almost aggressively meaningless own projects, which in an almost lexical fashion document the welfare state’s invisible corners and waste products in countless works.

In his films, videos, and photography John Skoog combines research into history and everyday life with a poetic and fictional atmosphere that is grounded in the film and literary traditions. His work explores social contexts of individuals and communities; unpacking their complex relationship to collective rituals and historical forces, as well as to existential and natural scenarios of transition. Skoog’s works make clear references to mythological iconography; they remind us of the profane origins of myth and in this way they aim to demystify both nature and society.

A film that shows locations in California that has "played" other parts of the world in early Hollywood films. By revisiting these old locations, documenting them as they look today and by letting sounds from the old films inhabit them, the films constructs the Californian landscape as a place out of time and place.

John Skoog (born 1985 in Malmö, lives and works in Copenhagen) studied at the Städelschule in Frankfurt. He was awarded the Baloise Art Prize in 2014 and the Ars-Viva prize in 2013. Recent exibitions and screenings include Mad Horizon, Index Contemporary Art Foundation, Stockholm, SE (2016) Värn, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (MUMOK, 2015), Slow Return, Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main (2015), Shadowland, Pilar Corrias, London (2015),Berlin International Film Festival (2015) and Federsee, Johan Berggren Gallery, Malmö (2013). Skoog is currently the professor of the film class at the Art Academy in Mainz.

In the early 1940’s the farm-worker Karl-Göran Persson started to fortify his small house in the flat farmlands of southern Sweden. He wanted to build a place where he and the people in the village could find refuge in the event of a Soviet invasion. He took any metal he could get cheap or for free from the neighboring farmers and used it as reinforcement for the cement casting of the house`s new exterior walls. Karl-Göran lived alone in the house and continued his re-construction until his death in 1975.

Working with film and video John Skoog follows in the tradition of Scandinavian film making through the use of stark landscapes and slow pacing. The poetic use of the Swedish landscape and powerful studies of character and emotion evoke memories of film works by cinema greats such as Victor Sjostrom and Mauritz Stiller. Skoog has been awarded the Baloise Art Prize, Art Basel (2014), ’1KM film scholarship’ from Stockholm Film festival (2013), the Hessische Kulturstiftung travel grant (2013), the ARS-VIVA Prize (2013/14), Malmö Art Museum 2013 Art Grant, Aase & Richard Björklund fund, and the ARTFILM Prize, Lichter International Film Festival (2013) and a one year working grant from Stiftung Kunstfonds, Bonn (2014). As part of winning the Ars-Viva Prize 2013/14, Skoog has shown at Neues Museum Weimar, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main and GAM – Galleria civica d’arte moderna e contemporanea Torino. In 2015, as the winner of the Baloise Art Prize, Skoog will have two major solo exhibitions at Museum für Moderne Kunst (MMK), Frankfurt am Main and Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (MUMOK). Born in Kvidinge 1985, Skoog graduated from the Staedelschule, Frankfurt in 2012. Selected shows and festivals include: Slow Return, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main (2015); 65th Berlinale, Berlin (2015); Real DMZ Project 2014, Cheorwon-gun, Gangwon-do & Artsonje Center, Seoul (2014); Redoubt, Towner Contemporary Art Museum, Eastbourne (2014); A Time for Dreams: 4th Moscow International Biennale for Young Art, National Centre for Contemporary Arts (NCCA), Moscow (2014); Ars Viva Prize: Truth/Reality, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main; GAM Galleria civica d’arte moderna e contemporanea, Turin (2014); Taming the Narrative, Basis as a part of b3 Biennale, Frankfurt am Main (2013); Echo Release, NKV Nassauischer Kunstverein Wiesbaden, Wiesbaden (2013); Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (2014 & -13); Video_Dumbo, Eyebeam Art + Technology Center, New York (2013); Spectrum Rotterdam International Film Festival, Rotterdam (2013); Sent på Jorden, Art Lab Gnesta, Gnesta (2013); Indielisboa, Lisbon International Film Festival, Lisbon, (2014 & -12), Rencontres Internationales: Paris, Centre Pompidou, Paris, (2014 & -11). John Skoog lives and works in Frankfurt.

A film that looks at the traditional folklore surrounding the celebration of Fasnet (carnival) in the small Schwabian town of Bad Buchau.

Working with film and video John Skoog follows in the tradition of Scandinavian film making through the use of stark landscapes and slow pacing. The poetic use of the Swedish landscape and powerful studies of character and emotion evoke memories of film works by cinema greats such as Victor Sjostrom and Mauritz Stiller. Skoog has been awarded the Baloise Art Prize, Art Basel (2014), ’1KM film scholarship’ from Stockholm Film festival (2013), the Hessische Kulturstiftung travel grant (2013), the ARS-VIVA Prize (2013/14), Malmö Art Museum 2013 Art Grant, Aase & Richard Björklund fund, and the ARTFILM Prize, Lichter International Film Festival (2013) and a one year working grant from Stiftung Kunstfonds, Bonn (2014). As part of winning the Ars-Viva Prize 2013/14, Skoog has shown at Neues Museum Weimar, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main and GAM – Galleria civica d’arte moderna e contemporanea Torino. In 2015, as the winner of the Baloise Art Prize, Skoog will have two major solo exhibitions at Museum für Moderne Kunst (MMK), Frankfurt am Main and Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (MUMOK). Born in Kvidinge 1985, Skoog graduated from the Staedelschule, Frankfurt in 2012. Selected shows and festivals include: Real DMZ Project 2014, Cheorwon-gun, Gangwon-do & Artsonje Center, Seoul (2014); Redoubt, Towner Contemporary Art Museum, Eastbourne (2014); A Time for Dreams: 4th Moscow International Biennale for Young Art, National Centre for Contemporary Arts (NCCA), Moscow (2014); Ars Viva Preis: Truth/Reality – Björn Braun, John Skoog and Adrian Williams, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main – DE; GAM – Galleria civica d’arte moderna e contemporanea, Turin – IT (2014); Taming the Narrative, Basis as a part of b3 Biennale, Frankfurt am Main (2013); Echo Release, NKV Nassauischer Kunstverein Wiesbaden, Wiesbaden (2013); Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (2014 & -13); Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main (2013); Video_Dumbo, Eyebeam Art + Technology Center, New York (2013); Spectrum Rotterdam International Film Festival, Rotterdam (2013); Sent på Jorden, Art Lab Gnesta, Gnesta (2013); Indielisboa, Lisbon International Film Festival, Lisbon, (2014 & -12), Onde, Torino International Film Festival, (2011), Rencontres Internationales: Paris, Centre Pompidou, Paris, (2014 & -11), En passant (with et al.*), Schirn Kunsthalle, Frankfurt am Main, (2011), In the absence of Glenn Gould, Ludlow 38, Goethe Institute, New York City (2008) and PS1 Contemporary Art Center, Long Island City, New York, (2007), Malm1, Malmö Konsthall, Malmö (2004). John Skoog lives and works in Frankfurt.

Förår is loosely based on the news-story about an 11-year old girl that stole her fathers hunting rifle and paraded down main-street in the small town she lived in. Captured is the memory of a day re-collected. Things happened but its hard to remember exactly the right order, how you got to one place from another, what someone said.

John Skoog, b. 1985, in Kvidinge, Sweden, started making experimental video as a teenager. His photography and film installations have been shown at museum and film festivals around the world. In 2013 he was, as the youngest person ever, awarded the prestigious Ars-Viva Kunstpreis. John studied fine arts at Staatliche Hochschule für bildende Kunst, Städelschule in Frankfurt am Main.

Synopsis: A film taking place in the dusk hour between that the sun has set and it gets dark. Thirteen scenes that show a rural village in the southern provinces of Sweden. Dusk falls, and you`re walking home and suddenly you can?t tell if it is the neighbor?s dog or a wolf standing further down the road.

Sent på Jorden is John Skoog?s debut film. Skoog, b. 1985, started as a teenager making experimental film, photography and film installations, shown at film festivals and museums around the world. John studied fine arts at Staatliche Hochschule für bildende Kunst, Städelschule in Frankfurt am Main.

Smoke and Mirrors / Ran Slavin / Video and sound / Length: 3:54 minutes/ Loop / Media: 1 or 3 channel HD video file screening. Exterior, south Tel Aviv, night, a gas station`s spot lights suddenly burst with steam, a nearby car suddenly sets on fire. Mirrored smoke patters appear to hover under a bridge and to burst in old dusty luck machines in a beat pinball game arcade. A silhouette of a mysteriously still man blinks on and off nervously. Smoke and Mirrors. from Wikipedia: Smoke and mirrors is a metaphor for a fraudulent, deceptive or insubstantial explanation or description. The source of the name is based on magician`s illusions, where magicians make objects appear or disappear by extending or retracting mirrors amid a confusing burst of smoke and also a slang for magic acts and `freak show` displays that depend on`trompe l`oeil` effects. More generally, "smoke and mirrors" may refer to any sort of presentation by which the audience is intended to be deceived. The term is derived from the dubious vaudeville ( vaudeville etymology: voix de ville, or "voice of the city") techniques traditionally used by stage magicians.

Ran Slavin is a video and digital media artist. After graduating from the Art Academy in Jerusalem in 1990, continuously treading both visual and sound paths. Today Ran works with video installation, cinema, experimental film and live-video-sound performance. Attracted to the uncanny, a world of wonder and a universe of unresolved mysteries, some of the narratives and visual vocabulary in his work feature images of an abandoned gas station bursting in steam and a car on fire (Smoke and Mirrors), a sunken man underwater with a gun, a tied tattooed woman in a hotel room in Shanghai plotting with a stranger on the phone and a dancing dandy assassin in the corridor (The Insomniac City Cycles), people sound-synched to the barking of dogs (Everything Is Urgent), a medieval science fiction history revealed under Jerusalem (Ursulimum). Sound; With various wide activity in the Israeli underground music scene, from pioneering punk in the early 80`s and post punk in late 80`s in London, to experimental and contemporary electronica. Ran`s brief history in music includes collaborations with musicians and dance ensembles, groups, and performances with over ten solo records released on the labels Crónica, Mille Plateaux, Sub Rosa, Ak Duck, Earsay, Hed Arzi, Nana Discs. Ran has explored metal music, drum and bass, punk, ambient, glitch, experimental. His sound is restless and currently verges on drone compositions. Live video-sound; In Ran`s live performances, pulses of video and texts translate live into a visual-sound meltdown in a process of randomization. Disturbance and contradiction form a visual-musical score. Accidental esthetics form a music of chance. A custom Module, interprets video data of motion, color velocity, mouse movements into sound. The result can`t be fully predetermined. This exploration questions the true essence of live performance. Is it destined to be a repetition and presentation of a well rehearsed and predetermined score or a complete new and unforeseen event? How does video interpret into sound? What kind of meanings will it produce? Selected exhibitions, screenings and presentations include Mediations Biennale (Polin), Manifesta (Belgium), Venice Architecture Biennial, Liverpool Biennial, The Torino Film festival, Maerzmusic (Berlin) Ars Electronica [Austria, an honorary mention], Transmediale [Berlin], Deaf [Rotterdam], Rencontres Internationales [Madrid-Berlin-Paris], 9th International Istanbul Biennial, Videoformes (France) Netwerk Contemporary Art Centre [Aalst], Petah Tikva Art Museum [Israel], Museum on the Seam (Jerusalem), Gallery Givon (Israel)

THE INSOMNIAC CYCLES Written produced and directed by Ran Slavin 70" min. A man is waking up in a parking lot, shot in the shoulder, he can?t recall how he ended up there, where did the gun he carried with him disappear and whether he is a victim of a crime, or alternatively, a killer. ?The insomniac city cycles?, fluctuates at that point on the axis of reality versus fiction, reality versus imagination and creates an affinity between the protagonist?s mental space and the urbanite one. The colossal and frantic urban topography which envelops the protagonist exhibits a limbo which fables to a mental state where the character is ?stuck? between wakefulness and sleep up to the point where all borders become blurred and reality itself resembles a dream, or better said, a nightmare, in which one can no longer distinguish between truth and lie. He continuously asks himself, ?Is it real??, ?Am I dreaming??, ?Where am I?? Slavin succeeded in creating a spectacular cinematic process in which opposites simultaneously occur as an action of self negation (for example, through the intelligent and rational use of instant replay) and by doing so constructs a space-time devoid reality, both imaginary and real at the same time, which enables us to examine all occurrences, including dreams and memories, as having an equal ontological status. The 2nd part of the film starts when a woman waking up in a hotel room in Shanghai to the sound of a ringing phone. Her legs are weakly tied and she is lying alone in bed. On the line there is a guy who, according to the woman, ?resembles the shot man from the dream?. That is to say, was it a dream after all? The plot keeps branching out and the photogenic solitude asks for her own death. She paid in advance and she is entitled to it. A serial killer enters the frame. The city?s denseness clears off itself to re-repeated images of helpless caged animals which exhibits the woman?s hallucinatory mental space, which in itself, is the mind, the consciousness. The first encounter with a narrative based screenplay (after more than 30min into the film) initially creates a factious sense of a firm grasping point, of orientation, though Slavin creates a screenplay without determination. By that, it enables the viewer to continuously ask himself ? Is it real? A dream? Or is it a memory? The fact that the tale of the protagonist is actually the woman?s own dream (which her own story might be a dream, a hallucination or a nightmare deprived of concrete time and space) discerns the veracity question of ?what?s real? as irrelevant and thus expands the discussion to the rational recognition and the perception of time as an a-priory conscious idea. In order to understand the artistic process in ?The insomniac city cycles? one must remember that this film is actually the 4th version of this film project, created as a direct continuation to the 3rd version named ?Insomniac City? (which is the first part of this film with slight changes). The fact that the film is so much different from one version to the other, changing the narrative using the same images in a different cut, and thus expand and deepen the discussion over it, while using documentary photography to create a hallucinatory alternative reality. (Liora Belford) Cast: Lee Trifon, Adi Gilad, Yaniv Abraham, Irad Mazliah, Ran Slavin Crew Dialogues co-written with Monika Bielskyte Voice of man in pet shop: Ohad Naharin Line Producer; Lior Ianai Lighting; Nimrod Golan Dressing; Maayan Goldman Makeup; Dorit Cohen Camera; Ran Slavin Underwater camera; Alain Daniel Editor; offline, online and post production; Ran Slavin Music and soundtrack design; Ran Slavin Sound mix; Itzik Cohen Sound editors; Ran Slavin, Itzik Cohen, Omri levy

Ran Slavin, who is in charge of writing the screenplay, directing, editing, sound design and original music of ?The insomniac city cycles?, is one of the most prominent new video-sound artists to emerge from Israel with continuous international screenings and exhibitions. His work is cross media and includes photography, cinema, video and sound installations, digital and acoustic music and lives video/sound improvisations. He is active in both the contemporary international music and art scenes. His audio work is a culmination of digitally processed acoustic sources which he turns into generative yet evasive atmospheres. It exists somewhere between the audible and the visual, at times, combined into real time performances.

Alenbi Moment. Scénario imaginé. Ce court métrage se focalise sur la mémoire d'un lieu. Comme si ce "lieu", dans ce cas Alenbi street à Tel Aviv, aurait sa propre mémoire fantasmagorique d'un meurtre. Les seuls témoins et commentateurs silencieux sont les mystérieux mannequins abrités dans la devanture d'un magazine sombrement éclairés et les images couvertes de graffiti d'un signe d'arrêt de bus.

Ron Slavin est un artiste cross media audio-visuel, un chasseur d'images. Il travaille avec différentes formes de vidéos et de sons, improvisation audio-visuelles en direct, de la vidéo non-interactive, cinéma, de la musique digitale et acoustique et de la peinture. Il travaille dans le monde de l'art contemporain et de la nouvelle scène musicale, ses ?uvres visuelles et sonores sont difficiles à définir. Elles ont été décrites comme ayant plusieurs facettes, étant intensivement urbaines, sombres et souvent surréelles. Ses travaux audio sont une vaste culmination de procédés soniques et de panoramas de manipulations digitales électro-acoustiques souvent dérivées du piano et de la guitare. Son exploration de l'improvisation audio-visuelle en direct est basée sur l'image, effondre la narration pour en faire une formation digitale non linéaire et générant des sons. Ses improvisations maintiennent une interaction proche entre le son à temps réel et la vidéo où le flux visuel provoque des sons, alternativement comme un flux mental ou bien un re-assemblement de la mémoire basé sur des données telles que les couleurs ou bien la vitesse du mouvement des images. Pour cela il à crée un programme avec lequel il peut prendre ou bien perdre contrôle sur le cours des choses, en temps réel, dans une plate-forme ou le texte, le son et l'image se juxtaposent et ou le flux d'images se transforme et fait surface. Son catalogue divers de vidéos est un corps hybride de travaux allant de courtes mini histoires jusqu'à des vidéos de moyenne longueur. Il publia sur les labels musicaux Cronica, Mille Plateaux et Sub Rosa entre autres et montra et présenta ses ?uvres dans différentes plates-formes

"Insomniac City" est une mutation du cinéma expérimental et du thriller noir, combinant les interventions numériques sur des images documentaires. Tel Aviv est découpée et comme greffée dans un paysage à la fois physique et mental, entre réalité et rêve, documentaire et fiction. Au travers des figures qui sont en jeu, cette vidéo explore les espaces de la ville, qui est expérimentée au travers d?une insomnie labyrinthique, depuis les nouvelles tours étincelantes, jusqu'aux quartiers les plus pauvres, de l?air à la mer. Elle explore une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine.

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Aviv. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centres d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé avec "Insomniac City" à la 9ème biennale de Venise d?architecture. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner.

A Radiophonic Fairytale Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de The Beautiful Schizophonic

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

GOLDEN TWILIGHT MOMENTS Film numérique, fait spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images et Son par Ran Slavin

ran slavin alias Tonr, extrait, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Insomniac City [version 1] ??Insomniac City? ? se base sur des clichés instantanés et des fictions contemporaines urbaines entrelacées qui présentent la ville de Tel Avive, ainsi qu?un changement radical instable de l?espace-temps et de la substance de la ville. Cette vidéo travaille avec l?espace de la ville, avec ses lieux et ses sons, combinant les interventions numériques dans le réel (dans le documentaire) dérivant entre une réalité connue et hallucinatoire. Le film mélange l?espace urbain et les modes de perceptions. Il rencontre une perte d?identité, la brouille, l?eau, le rêve, un revolver, une fille, le présent, l?architecture futuriste, un taxi, des lieux désertés et une île artificielle. À travers les figures en jeu, il explore les lieux de la ville, des nouvelles tours rutilantes aux bidonvilles, de l?air de la mer, possédant la ville / l?expérience au travers d?un labyrinthe d?insomnies confuses. Il explore grâce à la vidéo et au son, une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine et offre un regard mélangé sur une ville en transit, en déplacement et décadente alors qu?elle vérifie continuellement les limites de la réalité et de l?illusion, du rêve présent et du futur, architecture (architecture possible et îles artificielle) à la fois physique et métaphysique. À travers un flux comme une insomnie, un regard dérive de la perception extérieure à la suspension interne, interprétant ce que nous voyons et ce que nous pensons en une zone de demi-jour émotionnelle. Insomnie : Une suspension temporaire des fonctions ainsi que celles de l?âme volontaire et rationnelle ; état de l?animal dans lequel il y a une perception sensorielle affaiblie, une confusion des idées et une perte du contrôle mental, suivie par un état plus ou moins inconscient. Insomniac City, par l?artiste sonore et vidéaste Ran Slavin, est une projection cinématographique en morceaux, qui changent de forme et de durée avec leur développement. Le premier morceau fut montré à la 9e Biennale d?Architecture de Venise en septembre 2004, puis à Tel Avive Haifa et la Cinémathèque de Jérusalem, lors du 27e festival du Cinéma Méditerranéen de Montpellier en octobre, au ??Documentaire sur Grand Ecran?? à Paris en novembre [part 1], à Audio-Frames Sonic festival à Lile, en France et au 9e International Itambul Biennal. Ecrit, dirigé, monté, musique, caméra et post production par Ran Slavin. Acteurs : Irad Matzliah, Ran Slavin Mixage stéréo : Ran Slavin Mixage Dolby : Itzik Cohen Caméra submersible : Alain Daniel Remerciement spéciaux à Daniel Milo et Itzik Cohen. Fait à Tel Avive (05/2004).

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Avive. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centre d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, où il est invité à la fois pour ses vidéos et pour des performances sonores en live, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé, avec cette vidéo, à la 9e biennale de Venise d?architecture. Ses pièces sonores sont dans le label portugais Cronica. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner. Le travail de Ran Slavin est présenté depuis plusieurs années aux Rencontres internationales Paris/Berlin, pour des projections et des interventions sonores en direct.

Radio Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de James Eck Rippie

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Smoke and Mirrors / Ran Slavin / Video and sound / Length: 3:54 minutes/ Loop / Media: 1 or 3 channel HD video file screening. Exterior, south Tel Aviv, night, a gas station`s spot lights suddenly burst with steam, a nearby car suddenly sets on fire. Mirrored smoke patters appear to hover under a bridge and to burst in old dusty luck machines in a beat pinball game arcade. A silhouette of a mysteriously still man blinks on and off nervously. Smoke and Mirrors. from Wikipedia: Smoke and mirrors is a metaphor for a fraudulent, deceptive or insubstantial explanation or description. The source of the name is based on magician`s illusions, where magicians make objects appear or disappear by extending or retracting mirrors amid a confusing burst of smoke and also a slang for magic acts and `freak show` displays that depend on`trompe l`oeil` effects. More generally, "smoke and mirrors" may refer to any sort of presentation by which the audience is intended to be deceived. The term is derived from the dubious vaudeville ( vaudeville etymology: voix de ville, or "voice of the city") techniques traditionally used by stage magicians.

Ran Slavin is a video and digital media artist. After graduating from the Art Academy in Jerusalem in 1990, continuously treading both visual and sound paths. Today Ran works with video installation, cinema, experimental film and live-video-sound performance. Attracted to the uncanny, a world of wonder and a universe of unresolved mysteries, some of the narratives and visual vocabulary in his work feature images of an abandoned gas station bursting in steam and a car on fire (Smoke and Mirrors), a sunken man underwater with a gun, a tied tattooed woman in a hotel room in Shanghai plotting with a stranger on the phone and a dancing dandy assassin in the corridor (The Insomniac City Cycles), people sound-synched to the barking of dogs (Everything Is Urgent), a medieval science fiction history revealed under Jerusalem (Ursulimum). Sound; With various wide activity in the Israeli underground music scene, from pioneering punk in the early 80`s and post punk in late 80`s in London, to experimental and contemporary electronica. Ran`s brief history in music includes collaborations with musicians and dance ensembles, groups, and performances with over ten solo records released on the labels Crónica, Mille Plateaux, Sub Rosa, Ak Duck, Earsay, Hed Arzi, Nana Discs. Ran has explored metal music, drum and bass, punk, ambient, glitch, experimental. His sound is restless and currently verges on drone compositions. Live video-sound; In Ran`s live performances, pulses of video and texts translate live into a visual-sound meltdown in a process of randomization. Disturbance and contradiction form a visual-musical score. Accidental esthetics form a music of chance. A custom Module, interprets video data of motion, color velocity, mouse movements into sound. The result can`t be fully predetermined. This exploration questions the true essence of live performance. Is it destined to be a repetition and presentation of a well rehearsed and predetermined score or a complete new and unforeseen event? How does video interpret into sound? What kind of meanings will it produce? Selected exhibitions, screenings and presentations include Mediations Biennale (Polin), Manifesta (Belgium), Venice Architecture Biennial, Liverpool Biennial, The Torino Film festival, Maerzmusic (Berlin) Ars Electronica [Austria, an honorary mention], Transmediale [Berlin], Deaf [Rotterdam], Rencontres Internationales [Madrid-Berlin-Paris], 9th International Istanbul Biennial, Videoformes (France) Netwerk Contemporary Art Centre [Aalst], Petah Tikva Art Museum [Israel], Museum on the Seam (Jerusalem), Gallery Givon (Israel)

THE INSOMNIAC CYCLES Written produced and directed by Ran Slavin 70" min. A man is waking up in a parking lot, shot in the shoulder, he can?t recall how he ended up there, where did the gun he carried with him disappear and whether he is a victim of a crime, or alternatively, a killer. ?The insomniac city cycles?, fluctuates at that point on the axis of reality versus fiction, reality versus imagination and creates an affinity between the protagonist?s mental space and the urbanite one. The colossal and frantic urban topography which envelops the protagonist exhibits a limbo which fables to a mental state where the character is ?stuck? between wakefulness and sleep up to the point where all borders become blurred and reality itself resembles a dream, or better said, a nightmare, in which one can no longer distinguish between truth and lie. He continuously asks himself, ?Is it real??, ?Am I dreaming??, ?Where am I?? Slavin succeeded in creating a spectacular cinematic process in which opposites simultaneously occur as an action of self negation (for example, through the intelligent and rational use of instant replay) and by doing so constructs a space-time devoid reality, both imaginary and real at the same time, which enables us to examine all occurrences, including dreams and memories, as having an equal ontological status. The 2nd part of the film starts when a woman waking up in a hotel room in Shanghai to the sound of a ringing phone. Her legs are weakly tied and she is lying alone in bed. On the line there is a guy who, according to the woman, ?resembles the shot man from the dream?. That is to say, was it a dream after all? The plot keeps branching out and the photogenic solitude asks for her own death. She paid in advance and she is entitled to it. A serial killer enters the frame. The city?s denseness clears off itself to re-repeated images of helpless caged animals which exhibits the woman?s hallucinatory mental space, which in itself, is the mind, the consciousness. The first encounter with a narrative based screenplay (after more than 30min into the film) initially creates a factious sense of a firm grasping point, of orientation, though Slavin creates a screenplay without determination. By that, it enables the viewer to continuously ask himself ? Is it real? A dream? Or is it a memory? The fact that the tale of the protagonist is actually the woman?s own dream (which her own story might be a dream, a hallucination or a nightmare deprived of concrete time and space) discerns the veracity question of ?what?s real? as irrelevant and thus expands the discussion to the rational recognition and the perception of time as an a-priory conscious idea. In order to understand the artistic process in ?The insomniac city cycles? one must remember that this film is actually the 4th version of this film project, created as a direct continuation to the 3rd version named ?Insomniac City? (which is the first part of this film with slight changes). The fact that the film is so much different from one version to the other, changing the narrative using the same images in a different cut, and thus expand and deepen the discussion over it, while using documentary photography to create a hallucinatory alternative reality. (Liora Belford) Cast: Lee Trifon, Adi Gilad, Yaniv Abraham, Irad Mazliah, Ran Slavin Crew Dialogues co-written with Monika Bielskyte Voice of man in pet shop: Ohad Naharin Line Producer; Lior Ianai Lighting; Nimrod Golan Dressing; Maayan Goldman Makeup; Dorit Cohen Camera; Ran Slavin Underwater camera; Alain Daniel Editor; offline, online and post production; Ran Slavin Music and soundtrack design; Ran Slavin Sound mix; Itzik Cohen Sound editors; Ran Slavin, Itzik Cohen, Omri levy

Ran Slavin, who is in charge of writing the screenplay, directing, editing, sound design and original music of ?The insomniac city cycles?, is one of the most prominent new video-sound artists to emerge from Israel with continuous international screenings and exhibitions. His work is cross media and includes photography, cinema, video and sound installations, digital and acoustic music and lives video/sound improvisations. He is active in both the contemporary international music and art scenes. His audio work is a culmination of digitally processed acoustic sources which he turns into generative yet evasive atmospheres. It exists somewhere between the audible and the visual, at times, combined into real time performances.

Alenbi Moment. Scénario imaginé. Ce court métrage se focalise sur la mémoire d'un lieu. Comme si ce "lieu", dans ce cas Alenbi street à Tel Aviv, aurait sa propre mémoire fantasmagorique d'un meurtre. Les seuls témoins et commentateurs silencieux sont les mystérieux mannequins abrités dans la devanture d'un magazine sombrement éclairés et les images couvertes de graffiti d'un signe d'arrêt de bus.

Ron Slavin est un artiste cross media audio-visuel, un chasseur d'images. Il travaille avec différentes formes de vidéos et de sons, improvisation audio-visuelles en direct, de la vidéo non-interactive, cinéma, de la musique digitale et acoustique et de la peinture. Il travaille dans le monde de l'art contemporain et de la nouvelle scène musicale, ses ?uvres visuelles et sonores sont difficiles à définir. Elles ont été décrites comme ayant plusieurs facettes, étant intensivement urbaines, sombres et souvent surréelles. Ses travaux audio sont une vaste culmination de procédés soniques et de panoramas de manipulations digitales électro-acoustiques souvent dérivées du piano et de la guitare. Son exploration de l'improvisation audio-visuelle en direct est basée sur l'image, effondre la narration pour en faire une formation digitale non linéaire et générant des sons. Ses improvisations maintiennent une interaction proche entre le son à temps réel et la vidéo où le flux visuel provoque des sons, alternativement comme un flux mental ou bien un re-assemblement de la mémoire basé sur des données telles que les couleurs ou bien la vitesse du mouvement des images. Pour cela il à crée un programme avec lequel il peut prendre ou bien perdre contrôle sur le cours des choses, en temps réel, dans une plate-forme ou le texte, le son et l'image se juxtaposent et ou le flux d'images se transforme et fait surface. Son catalogue divers de vidéos est un corps hybride de travaux allant de courtes mini histoires jusqu'à des vidéos de moyenne longueur. Il publia sur les labels musicaux Cronica, Mille Plateaux et Sub Rosa entre autres et montra et présenta ses ?uvres dans différentes plates-formes

"Insomniac City" est une mutation du cinéma expérimental et du thriller noir, combinant les interventions numériques sur des images documentaires. Tel Aviv est découpée et comme greffée dans un paysage à la fois physique et mental, entre réalité et rêve, documentaire et fiction. Au travers des figures qui sont en jeu, cette vidéo explore les espaces de la ville, qui est expérimentée au travers d?une insomnie labyrinthique, depuis les nouvelles tours étincelantes, jusqu'aux quartiers les plus pauvres, de l?air à la mer. Elle explore une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine.

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Aviv. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centres d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé avec "Insomniac City" à la 9ème biennale de Venise d?architecture. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner.

A Radiophonic Fairytale Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de The Beautiful Schizophonic

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

GOLDEN TWILIGHT MOMENTS Film numérique, fait spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images et Son par Ran Slavin

ran slavin alias Tonr, extrait, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Insomniac City [version 1] ??Insomniac City? ? se base sur des clichés instantanés et des fictions contemporaines urbaines entrelacées qui présentent la ville de Tel Avive, ainsi qu?un changement radical instable de l?espace-temps et de la substance de la ville. Cette vidéo travaille avec l?espace de la ville, avec ses lieux et ses sons, combinant les interventions numériques dans le réel (dans le documentaire) dérivant entre une réalité connue et hallucinatoire. Le film mélange l?espace urbain et les modes de perceptions. Il rencontre une perte d?identité, la brouille, l?eau, le rêve, un revolver, une fille, le présent, l?architecture futuriste, un taxi, des lieux désertés et une île artificielle. À travers les figures en jeu, il explore les lieux de la ville, des nouvelles tours rutilantes aux bidonvilles, de l?air de la mer, possédant la ville / l?expérience au travers d?un labyrinthe d?insomnies confuses. Il explore grâce à la vidéo et au son, une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine et offre un regard mélangé sur une ville en transit, en déplacement et décadente alors qu?elle vérifie continuellement les limites de la réalité et de l?illusion, du rêve présent et du futur, architecture (architecture possible et îles artificielle) à la fois physique et métaphysique. À travers un flux comme une insomnie, un regard dérive de la perception extérieure à la suspension interne, interprétant ce que nous voyons et ce que nous pensons en une zone de demi-jour émotionnelle. Insomnie : Une suspension temporaire des fonctions ainsi que celles de l?âme volontaire et rationnelle ; état de l?animal dans lequel il y a une perception sensorielle affaiblie, une confusion des idées et une perte du contrôle mental, suivie par un état plus ou moins inconscient. Insomniac City, par l?artiste sonore et vidéaste Ran Slavin, est une projection cinématographique en morceaux, qui changent de forme et de durée avec leur développement. Le premier morceau fut montré à la 9e Biennale d?Architecture de Venise en septembre 2004, puis à Tel Avive Haifa et la Cinémathèque de Jérusalem, lors du 27e festival du Cinéma Méditerranéen de Montpellier en octobre, au ??Documentaire sur Grand Ecran?? à Paris en novembre [part 1], à Audio-Frames Sonic festival à Lile, en France et au 9e International Itambul Biennal. Ecrit, dirigé, monté, musique, caméra et post production par Ran Slavin. Acteurs : Irad Matzliah, Ran Slavin Mixage stéréo : Ran Slavin Mixage Dolby : Itzik Cohen Caméra submersible : Alain Daniel Remerciement spéciaux à Daniel Milo et Itzik Cohen. Fait à Tel Avive (05/2004).

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Avive. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centre d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, où il est invité à la fois pour ses vidéos et pour des performances sonores en live, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé, avec cette vidéo, à la 9e biennale de Venise d?architecture. Ses pièces sonores sont dans le label portugais Cronica. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner. Le travail de Ran Slavin est présenté depuis plusieurs années aux Rencontres internationales Paris/Berlin, pour des projections et des interventions sonores en direct.

Radio Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de James Eck Rippie

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Smoke and Mirrors / Ran Slavin / Video and sound / Length: 3:54 minutes/ Loop / Media: 1 or 3 channel HD video file screening. Exterior, south Tel Aviv, night, a gas station`s spot lights suddenly burst with steam, a nearby car suddenly sets on fire. Mirrored smoke patters appear to hover under a bridge and to burst in old dusty luck machines in a beat pinball game arcade. A silhouette of a mysteriously still man blinks on and off nervously. Smoke and Mirrors. from Wikipedia: Smoke and mirrors is a metaphor for a fraudulent, deceptive or insubstantial explanation or description. The source of the name is based on magician`s illusions, where magicians make objects appear or disappear by extending or retracting mirrors amid a confusing burst of smoke and also a slang for magic acts and `freak show` displays that depend on`trompe l`oeil` effects. More generally, "smoke and mirrors" may refer to any sort of presentation by which the audience is intended to be deceived. The term is derived from the dubious vaudeville ( vaudeville etymology: voix de ville, or "voice of the city") techniques traditionally used by stage magicians.

Ran Slavin is a video and digital media artist. After graduating from the Art Academy in Jerusalem in 1990, continuously treading both visual and sound paths. Today Ran works with video installation, cinema, experimental film and live-video-sound performance. Attracted to the uncanny, a world of wonder and a universe of unresolved mysteries, some of the narratives and visual vocabulary in his work feature images of an abandoned gas station bursting in steam and a car on fire (Smoke and Mirrors), a sunken man underwater with a gun, a tied tattooed woman in a hotel room in Shanghai plotting with a stranger on the phone and a dancing dandy assassin in the corridor (The Insomniac City Cycles), people sound-synched to the barking of dogs (Everything Is Urgent), a medieval science fiction history revealed under Jerusalem (Ursulimum). Sound; With various wide activity in the Israeli underground music scene, from pioneering punk in the early 80`s and post punk in late 80`s in London, to experimental and contemporary electronica. Ran`s brief history in music includes collaborations with musicians and dance ensembles, groups, and performances with over ten solo records released on the labels Crónica, Mille Plateaux, Sub Rosa, Ak Duck, Earsay, Hed Arzi, Nana Discs. Ran has explored metal music, drum and bass, punk, ambient, glitch, experimental. His sound is restless and currently verges on drone compositions. Live video-sound; In Ran`s live performances, pulses of video and texts translate live into a visual-sound meltdown in a process of randomization. Disturbance and contradiction form a visual-musical score. Accidental esthetics form a music of chance. A custom Module, interprets video data of motion, color velocity, mouse movements into sound. The result can`t be fully predetermined. This exploration questions the true essence of live performance. Is it destined to be a repetition and presentation of a well rehearsed and predetermined score or a complete new and unforeseen event? How does video interpret into sound? What kind of meanings will it produce? Selected exhibitions, screenings and presentations include Mediations Biennale (Polin), Manifesta (Belgium), Venice Architecture Biennial, Liverpool Biennial, The Torino Film festival, Maerzmusic (Berlin) Ars Electronica [Austria, an honorary mention], Transmediale [Berlin], Deaf [Rotterdam], Rencontres Internationales [Madrid-Berlin-Paris], 9th International Istanbul Biennial, Videoformes (France) Netwerk Contemporary Art Centre [Aalst], Petah Tikva Art Museum [Israel], Museum on the Seam (Jerusalem), Gallery Givon (Israel)

THE INSOMNIAC CYCLES Written produced and directed by Ran Slavin 70" min. A man is waking up in a parking lot, shot in the shoulder, he can?t recall how he ended up there, where did the gun he carried with him disappear and whether he is a victim of a crime, or alternatively, a killer. ?The insomniac city cycles?, fluctuates at that point on the axis of reality versus fiction, reality versus imagination and creates an affinity between the protagonist?s mental space and the urbanite one. The colossal and frantic urban topography which envelops the protagonist exhibits a limbo which fables to a mental state where the character is ?stuck? between wakefulness and sleep up to the point where all borders become blurred and reality itself resembles a dream, or better said, a nightmare, in which one can no longer distinguish between truth and lie. He continuously asks himself, ?Is it real??, ?Am I dreaming??, ?Where am I?? Slavin succeeded in creating a spectacular cinematic process in which opposites simultaneously occur as an action of self negation (for example, through the intelligent and rational use of instant replay) and by doing so constructs a space-time devoid reality, both imaginary and real at the same time, which enables us to examine all occurrences, including dreams and memories, as having an equal ontological status. The 2nd part of the film starts when a woman waking up in a hotel room in Shanghai to the sound of a ringing phone. Her legs are weakly tied and she is lying alone in bed. On the line there is a guy who, according to the woman, ?resembles the shot man from the dream?. That is to say, was it a dream after all? The plot keeps branching out and the photogenic solitude asks for her own death. She paid in advance and she is entitled to it. A serial killer enters the frame. The city?s denseness clears off itself to re-repeated images of helpless caged animals which exhibits the woman?s hallucinatory mental space, which in itself, is the mind, the consciousness. The first encounter with a narrative based screenplay (after more than 30min into the film) initially creates a factious sense of a firm grasping point, of orientation, though Slavin creates a screenplay without determination. By that, it enables the viewer to continuously ask himself ? Is it real? A dream? Or is it a memory? The fact that the tale of the protagonist is actually the woman?s own dream (which her own story might be a dream, a hallucination or a nightmare deprived of concrete time and space) discerns the veracity question of ?what?s real? as irrelevant and thus expands the discussion to the rational recognition and the perception of time as an a-priory conscious idea. In order to understand the artistic process in ?The insomniac city cycles? one must remember that this film is actually the 4th version of this film project, created as a direct continuation to the 3rd version named ?Insomniac City? (which is the first part of this film with slight changes). The fact that the film is so much different from one version to the other, changing the narrative using the same images in a different cut, and thus expand and deepen the discussion over it, while using documentary photography to create a hallucinatory alternative reality. (Liora Belford) Cast: Lee Trifon, Adi Gilad, Yaniv Abraham, Irad Mazliah, Ran Slavin Crew Dialogues co-written with Monika Bielskyte Voice of man in pet shop: Ohad Naharin Line Producer; Lior Ianai Lighting; Nimrod Golan Dressing; Maayan Goldman Makeup; Dorit Cohen Camera; Ran Slavin Underwater camera; Alain Daniel Editor; offline, online and post production; Ran Slavin Music and soundtrack design; Ran Slavin Sound mix; Itzik Cohen Sound editors; Ran Slavin, Itzik Cohen, Omri levy

Ran Slavin, who is in charge of writing the screenplay, directing, editing, sound design and original music of ?The insomniac city cycles?, is one of the most prominent new video-sound artists to emerge from Israel with continuous international screenings and exhibitions. His work is cross media and includes photography, cinema, video and sound installations, digital and acoustic music and lives video/sound improvisations. He is active in both the contemporary international music and art scenes. His audio work is a culmination of digitally processed acoustic sources which he turns into generative yet evasive atmospheres. It exists somewhere between the audible and the visual, at times, combined into real time performances.

Alenbi Moment. Scénario imaginé. Ce court métrage se focalise sur la mémoire d'un lieu. Comme si ce "lieu", dans ce cas Alenbi street à Tel Aviv, aurait sa propre mémoire fantasmagorique d'un meurtre. Les seuls témoins et commentateurs silencieux sont les mystérieux mannequins abrités dans la devanture d'un magazine sombrement éclairés et les images couvertes de graffiti d'un signe d'arrêt de bus.

Ron Slavin est un artiste cross media audio-visuel, un chasseur d'images. Il travaille avec différentes formes de vidéos et de sons, improvisation audio-visuelles en direct, de la vidéo non-interactive, cinéma, de la musique digitale et acoustique et de la peinture. Il travaille dans le monde de l'art contemporain et de la nouvelle scène musicale, ses ?uvres visuelles et sonores sont difficiles à définir. Elles ont été décrites comme ayant plusieurs facettes, étant intensivement urbaines, sombres et souvent surréelles. Ses travaux audio sont une vaste culmination de procédés soniques et de panoramas de manipulations digitales électro-acoustiques souvent dérivées du piano et de la guitare. Son exploration de l'improvisation audio-visuelle en direct est basée sur l'image, effondre la narration pour en faire une formation digitale non linéaire et générant des sons. Ses improvisations maintiennent une interaction proche entre le son à temps réel et la vidéo où le flux visuel provoque des sons, alternativement comme un flux mental ou bien un re-assemblement de la mémoire basé sur des données telles que les couleurs ou bien la vitesse du mouvement des images. Pour cela il à crée un programme avec lequel il peut prendre ou bien perdre contrôle sur le cours des choses, en temps réel, dans une plate-forme ou le texte, le son et l'image se juxtaposent et ou le flux d'images se transforme et fait surface. Son catalogue divers de vidéos est un corps hybride de travaux allant de courtes mini histoires jusqu'à des vidéos de moyenne longueur. Il publia sur les labels musicaux Cronica, Mille Plateaux et Sub Rosa entre autres et montra et présenta ses ?uvres dans différentes plates-formes

"Insomniac City" est une mutation du cinéma expérimental et du thriller noir, combinant les interventions numériques sur des images documentaires. Tel Aviv est découpée et comme greffée dans un paysage à la fois physique et mental, entre réalité et rêve, documentaire et fiction. Au travers des figures qui sont en jeu, cette vidéo explore les espaces de la ville, qui est expérimentée au travers d?une insomnie labyrinthique, depuis les nouvelles tours étincelantes, jusqu'aux quartiers les plus pauvres, de l?air à la mer. Elle explore une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine.

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Aviv. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centres d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé avec "Insomniac City" à la 9ème biennale de Venise d?architecture. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner.

A Radiophonic Fairytale Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de The Beautiful Schizophonic

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

GOLDEN TWILIGHT MOMENTS Film numérique, fait spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images et Son par Ran Slavin

ran slavin alias Tonr, extrait, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Insomniac City [version 1] ??Insomniac City? ? se base sur des clichés instantanés et des fictions contemporaines urbaines entrelacées qui présentent la ville de Tel Avive, ainsi qu?un changement radical instable de l?espace-temps et de la substance de la ville. Cette vidéo travaille avec l?espace de la ville, avec ses lieux et ses sons, combinant les interventions numériques dans le réel (dans le documentaire) dérivant entre une réalité connue et hallucinatoire. Le film mélange l?espace urbain et les modes de perceptions. Il rencontre une perte d?identité, la brouille, l?eau, le rêve, un revolver, une fille, le présent, l?architecture futuriste, un taxi, des lieux désertés et une île artificielle. À travers les figures en jeu, il explore les lieux de la ville, des nouvelles tours rutilantes aux bidonvilles, de l?air de la mer, possédant la ville / l?expérience au travers d?un labyrinthe d?insomnies confuses. Il explore grâce à la vidéo et au son, une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine et offre un regard mélangé sur une ville en transit, en déplacement et décadente alors qu?elle vérifie continuellement les limites de la réalité et de l?illusion, du rêve présent et du futur, architecture (architecture possible et îles artificielle) à la fois physique et métaphysique. À travers un flux comme une insomnie, un regard dérive de la perception extérieure à la suspension interne, interprétant ce que nous voyons et ce que nous pensons en une zone de demi-jour émotionnelle. Insomnie : Une suspension temporaire des fonctions ainsi que celles de l?âme volontaire et rationnelle ; état de l?animal dans lequel il y a une perception sensorielle affaiblie, une confusion des idées et une perte du contrôle mental, suivie par un état plus ou moins inconscient. Insomniac City, par l?artiste sonore et vidéaste Ran Slavin, est une projection cinématographique en morceaux, qui changent de forme et de durée avec leur développement. Le premier morceau fut montré à la 9e Biennale d?Architecture de Venise en septembre 2004, puis à Tel Avive Haifa et la Cinémathèque de Jérusalem, lors du 27e festival du Cinéma Méditerranéen de Montpellier en octobre, au ??Documentaire sur Grand Ecran?? à Paris en novembre [part 1], à Audio-Frames Sonic festival à Lile, en France et au 9e International Itambul Biennal. Ecrit, dirigé, monté, musique, caméra et post production par Ran Slavin. Acteurs : Irad Matzliah, Ran Slavin Mixage stéréo : Ran Slavin Mixage Dolby : Itzik Cohen Caméra submersible : Alain Daniel Remerciement spéciaux à Daniel Milo et Itzik Cohen. Fait à Tel Avive (05/2004).

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Avive. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centre d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, où il est invité à la fois pour ses vidéos et pour des performances sonores en live, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé, avec cette vidéo, à la 9e biennale de Venise d?architecture. Ses pièces sonores sont dans le label portugais Cronica. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner. Le travail de Ran Slavin est présenté depuis plusieurs années aux Rencontres internationales Paris/Berlin, pour des projections et des interventions sonores en direct.

Radio Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de James Eck Rippie

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

"Walk" est une vidéo de 28 minutes qui devrait être projetée en boucle. On y voit l´Ordre d´Orange lors de leur parade annuelle à Portadown (comté d´Armagh, Irlande du Nord). Les orangistes ne disent ppas qu´ils défilent pas mais qu´ils marchent, accompagnés par des orchestres de flûtes, fifres, accordéons, cornemuses, tambours, cuivres. La bande-son stéréo qui accompagne la vidéo à été déformée. Les participants se marchent littéralement dedans et finissent par disparaître pour ne plus laisser qu´une route vide. L´Ordre d´Orange est un ordre Protestant essentiellement basé en Irlande du Nord. Il a été fondé près de Portdadown, dans le comté d´Armagh (Irlande du Nord) en 1795. Pour ses membres et ceux qui le soutiennent, l´ordre célèbre la culture et l´identité protestante, mais ceux qui le critiquent le taxent de sectarisme et d´anti catholicisme. Ces défilés ont lieu lors de la "saison de parade" estivale qui culmine le 12 Juillet. Ils célèbrent la victoire du roi protestant Guillaume d´Orange (Guillaume III) sur le roi catholique Jean II lors de la bataille de Boyne en 1690. Chaque année on observe des frictions au moment où le cortège tente d´emprunter la route catholique de Garvaghy en direction de l´église de Drumcree, et le tout finit souvent en bataille rangée avec la police et l´armée britannique assurant l´ordre.

Victor Sloan est né à Dungannon, comté de Tyrone en Irlande du Nord. Il vit et travaille à Portadown (comté d´Armagh). Il a etudié dans les Ecoles d´Art de Belfast et de Leeds. Victor Sloan est un educateur et un artiste d´influence. En tant qu´artiste majeur en Irlande dans les arts visuels, il s´est forgé une réputation internationale pour ses images puissantes qui mettent en avant son inventivité et sa versatilité prodigieuse. Il utilise la vidéo et la photo pour réaliser des oeuvres qui portent sur différents aspects politiques, sociaux et culturels en Irlande du Nord. La galerie Ormeau Bath de Belfast a lancé une exposition rétrospective majeure en 2001. Victor Sloan a reçu un MBE award (Member of the Order of the British Empire) en 2002. Il est Membre de la Société Royale d´Art, Membre de la Société Royale de Photographie et académicien à l´Académie Royale d´Ulster. Il a obtenu de nombreux prix dont l´Academy´s Conor Prize en 1988 et la Médaille d´Or en 1995. Victor Sloan a exposé de manière extensive à travers l´Europe, l´Amérique du Nord, l´Amérique du Sud et l´Asie. On peut trouver ses oeuvres dans nombre de collections privées et publiques.

Paris - temps incertain, temps de la fin. Une cycliste, cavalière d'une possible apocalypse, erre autour de la ville éteinte, déserte, muette - guettant d'hypothétiques survivances. La Samaritaine, cube blanc, désaffecté, semble s’offrir comme un refuge ; mais elle se révèle le théâtre d’univers parallèles où se décide, avec les quatre derniers vivants, le sens de l'effondrement en cours. Les personnages qui y vivent sont en “arrêt de mort”, suspendus entre deux états, traversant les possibles, pris dans une fin du monde sans cesse imminente, et pourtant sans cesse différée, et encore sans cesse recommencée. C’est le bâtiment même qui va incarner de manière vivante cet interstice travaillant toutes les apparitions qui semblent traverser le lieu. Ce sont les modalités fluctuantes de cet espace de la Samaritaine qui vont se déployer, amenant d’oracles SM en chansons nihilistes, de danses de séduction désespérées en rituels de mutation, la révélation claire qu’il n’y aura pas de révélation. Les fins du mondes et les croyances sont défaites. Il n'est plus question de fin du monde, mais de commencements d'autres mondes - par la métamorphose. Apocalypse nous-autres.

SMITH ?http://www.fillesducalvaire.com/artiste/smith/ Le travail de SMITH s’appréhende comme une observation des mues de l’identité humaine. La photographie y côtoie le cinéma, la vidéo, la chorégraphie, le bio-art, la sculpture et l’utilisation des nouvelles technologies, dans une exploration des combinaisons des approches scientifique et philosophique, ouvertes sur les potentiels de la fiction. Après l’obtention d’un Master de Philosophie à la Sorbonne, du diplôme de l’Ecole Nationale Supérieure de Photographie d’Arles, et du Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains, SMITH engage l’écriture d’une thèse de doctorat, à l’UQAM (Montréal). Ses travaux furent présentés sous la forme d’expositions personnelles aux Rencontres internationales de la photographie d’Arles, à la galerie les Filles du Calvaire et au Palais de Toyko à Paris, au musée de la Photographie d’Helsinki en Finlande, mais aussi dans de nombreux pays d’Europe (Suisse, Suède, Autriche, Luxembourg, Allemagne, Espagne, Italie...), d’Asie (Chine, Cambodge, Corée du Sud) et d’Amérique Latine (Mexique, Chili, Uruguay) et aux USA. Sa première monographie, «Löyly», est parue aux éditions Filigranes en 2013, suivie de « Saturnium » aux éditions Actes Sud en 2017, et d’un livre d’entretien avec l’historienne de l’art Christine Ollier en 2017 aux éditions André Frère. Paraissent en 2018 puis 2019 deux autres livres de photographie : "Astroblème" (Filigranes) et "Valparaiso" (André Frère). Son premier et son second moyen-métrages, "Spectrographies" et "TRAUM", furent diffusés en festivals et cinémas en Europe. Ses performances artistiques et chorégraphiques furent présentées au Centre Pompidou, au Théâtre de la Cité Internationale avec le soutien de la Fondation Hermès – New Settings, au CND (Pantin), au Musée de la Danse (Rennes) et au CCN de Montpellier. SMITH travaille actuellement à l’élaboration de son nouveau projet-monde "Désidération", avec la Cellule Cosmiel (Lucien Raphmaj, Jean-Philippe Uzan, SMITH) et le studio DIPLOMATES, qui explore les liens entre l’humanité contemporaine et son cosmos originaire : http://www.desideration.space ** Lucien Raphmaj https://lucienraphmaj.wordpress.com/ Lucien Raphmaj, écrivain né d’une œuvre élaborée avec SMITH, a écrit avec lui le scénario de ses films, depuis "Spectrographies" (2015) jusqu’aux "Apocalyptiques" (2019) en passant par leurs projets multidisciplinaires tels que "TRAUM" (film, exposition, textes, vidéos, spectacle de danse). C’est cette écriture à mille voix, fruit d’un travail personnel, mais aussi expérience d’une spectralisation de l’écriture qui se laisse traverser par d’autres voix, qui est celle qu’il mène encore à travers l’univers des « Apocalyptiques ». Il participe, en tant que critique, à la revue culturelle en ligne Diacritik et tient un blog sur la latérature. Son premier ouvrage, "Blandine Volochot", paraît aux éditions Abrüpt en Janvier 2020.

Synopsis ? Love, jealousy and wanting to be in two places at once Like a nighthawk at the diner, a young man recounts his story of love gone wrong. His marriage has been quietly growing lifeless, when his wife proposes that they attempt to rekindle their passion through, the dance which first brought them together, the tango. But not any old tango, rather a more risqué partner swapping form of the dance, with different partners in separate venues.

Gregg Smith: biography Gregg Smith is an artist from Cape Town, South Africa. He completed his studies at the Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town, in 1991 and since then has been active in a range of contemporary art and theatre projects in South Africa and abroad. With origins in painting, performance, and art in public space, his present work incorporates aspects of all these practices in the development of video installations. Until 2000, he lived in Cape Town, where he was active as an artist and also a professor of painting at the Michaelis School of Fine Art. In 2001-02, Gregg was a participant at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam, and following this moved to France where he studied film-making at Le Fresnoy studio national des arts contemporains (2002-04). His work is equally accepted in contemporary art and film festival circuits; recent projects have been shown at the Rotterdam International Film Festival, Le Centre Georges Pompidou (Paris, France), La Biennale de Dakar (Senegal) and Galerie Krinzinger (Vienna, Austria). He is at present based in Paris, France and is a professor in the Master of Arts in public sphere program (MAPS) at ECAV.

A young man (Hubert Brown) arrives in a quiet rural location in order to present his candidature for job there. As the interview procedures are to take place over several days, he has traveled together with his wife (Christine), so that they might both benefit from a few days in the countryside. Though he has little working experience as yet, he has been recommended for the post by the wife of an acquaintance, who seems to have some influence. The project involves the redevelopment of a piece of land previously used as a nature reserve. As the day unfolds a precarious web of power relations becomes evident as various individuals struggle to find a firm footing in a scheme which at this stage remains highly speculative. It becomes evident that there are several forces already at play in this seemingly empty landscape. For one thing, it is inhabited by residents who have a strong bond with the land, and are resistant to the development plans. The area seems also to physically affect all those who move through it, animating their gestures with sporadic dancelike movements. These movements are never noticed or remarked upon. The film takes the dance-musical form as a point of departure, but eliminates the element of music. The issue of land is remains a charged and unresolved issue in South Africa. In the video project Underexposed, notions of ownership and empowerment are taken a level further. The film questions the dynamics at play in daily exchanges which determine who has the means to exploit their own resources : their body, their ideas and beliefs. The loose fiction follows the redevelopment of a large piece of seemingly vacant land. A precarious web of power relations becomes evident as various individuals struggle to find a firm footing in a scheme which at this stage remains highly speculative. It becomes evident that there are several forces already at play. For one thing, it is inhabited by residents who have a strong bond with the land, and are resistant to the development plans. The area seems also to physically affect all those who move through it, animating their gestures with sporadic dancelike movements. These movements are never noticed or remarked upon.

Gregg Smith is an artist of South African origin, born in Cape Town and currently living and working in Paris, France. with origins in the traditions of painting and performance his video works experiment with the narrative form as means to question the relation between personal perceptions and social interactions. His work is equally traverses the realms of cinema of contemporary art traditions Recent exhibitions and screenings include : Fondation Espace Ecureuil (Toulouse), Rotterdam International Film Festival, FIDMarseille International Documentary Film Festival, Galeria dels Angels - Carmelitas Gallery, LOOP `07 (Barcelona), Fundació Joan Miró, (Barcelona), Le Plateau, Espace Experimantal (Paris) et Musé du Jeu de Paume (Paris).

La narration suit librement les progrès d'un jeune homme arrivé dans une petite ville de province afin d?y présenter sa candidature. Le travail disponible consiste en la supervision de l?aménagement d?une parcelle de terre. Comme l'agriculture a diminué dans la région, certains voudraient voir les terres utilisées de façon plus rentable, grâce à la construction d'une cité-dortoir dans une ville voisine. Toutefois, en vue de faciliter la réalisation d?un tel projet, il faudrait que la personne chargée de sa gestion tolère des procédures assez peu orthodoxes. Le jeune homme est considéré comme adapté à ce poste. Il devient cependant vite évident qu'il existe dans ce territoire d?autres forces en jeu. La région semble affecter physiquement tous ceux qui s?y déplacent, par diverses formes de mouvements. Il semble que le corps de ceux qui sont touchés est investi par une force rythmique, qui les fait bouger en des danses sporadiques et involontaires durant les activités quotidiennes.

Gregg Smith, biographie. Résident à la Rijksakademie d?Amsterdam en 2001-2002 et au Studio des arts contemporains du Fresnoy à Tourcoing en 2002-2004, le travail de Gregg Smith consiste en des films, vidéos, installations, performances et peintures dans lesquelles l?artiste évoque la fragilité des êtres humains. Utilisant le mode de la narration comme un vecteur pour réinvestir la subjectivité de l?individu, son travail vise à créer une connivence, une complicité avec et entre les spectateurs/acteurs, à réintroduire avec subtilité des désirs et des possibilités de contrer le désintérêt pour l`autre. Ayant vécu en Afrique du Sud jusqu?en 2000, Gregg Smith n?est pas sans convoquer dans plusieurs de ses ouvres les traumatismes de l?Apartheid et un conscience du perspective personnelle de l?individuelle dans son milieu sociale.

"The End" est une installation vidéo utilisant les empreintes digitales et d'autres éléments. Deux hommes circulent dans un espace de bureau, engagés dans un projet commun dont l'objectif reste flou. Leur travail les conduit à une activité constante à laquelle ils sont tellement habitués qu'ils semblent à peine conscients de leurs actions: ranger des papiers, classer des documents, prendre des notes brèves, se passer les documents l'un à l'autre. Pour occuper leurs esprits, ils parlent d'autres choses. Ils se connaissent visiblement depuis longtemps. À force de travailler dans une telle proximité sur une si longue période, ils ont développé une sorte d'intimité. Chacun connaît les forces et les faiblesses de l'autre. Peut-être pour briser la monotonie, ils explorent des territoires plus vulnérables, dans lesquels chacun se montre tour à tour tendre et manipulateur, révélant la lutte personnelle pour le pouvoir qui préoccupe son existence. Le film a été tourné dans un décor construit dans une mine de charbon abandonnée à Genk, en Belgique.

Gregg Smith est originaire de Cape Town, en Afrique du Sud. Il a terminé ses études à la Michaelis School of Fine Arts de Cape Town, en 1991. Depuis, il a mené à bien des projets d'art contemporain et de théâtre en Afrique et Sud et à l'étranger. S'étant adonné à la peinture, la performance et l'art en espace publique, son oeuvre actuelle inclut les aspects de ces pratiques dans le développement de projets vidéos et cinématographiques. De 2002 à 2004, il a étudié la réalisation en France, au studio national des arts contemporains Le Fresnoy. Son travail a récemment été exposé dans différents lieux : biennale de Dakar, au Sénégal (2004), musée du jeu de Paume (Paris), Rotterdam Film Festival (Holland), Hidden Rhythms (Nijmegen, NL), Hilchot Schschenim C au Digital Art Lab (Tel Aviv, Israël), Model Missed Opportunities, Brandenburger Kunstverein, Berlin, Videobrazil, Sao Paulo et Rotterdam International Film Festival (2004, 2005), Le Plateau, Espace Experimental, Paris, France, 2006, et Architecture au corps, Galerie Anton Weller, une proposition d?Alexandra Fau, Paris, France. Parmi d'autres projets remarquables dans le domaine de l'art en espace publique, on peut citer "The Lovephones" (Cape Town, 2000) et "The Lovephones in London" (Gasworks Gallery, Londres, 2001), "The Long Street Baths Mural Project" (Cape Town, 1994-98), et son projet à venir à Cape Town, "Very Real Time" (www.veryrealtime.co.za). Récemment, l'espace d'art contemporain de Castellon en Espagne lui a commandé une nouvelle oeuvre pour son exposition "Our hospitality", dirigée par Rodrigo Alonso.

« Should we never meet again » Installation vidéo Durée : 26 minutes Un jeune homme traverse Paris, il appelle de son portable et se parle à lui-même. Il connaît des difficultés et cherche un abri pour la nuit. Il se récite mentalement la liste de tous ses amis, mais en fait il n'ose approcher aucun d'eux. Il aimerait accuser tout le monde pour cette vie inconfortable et étroite où toute chance semble avoir été gâchée. De temps à autre, il s'arrête, il est alors poussé dans une autre dimension, une dimension où limites et formalités n'existent pas et où, très brièvement, il prend contact avec des étrangers. Le décor très simple et fonctionnel de cette "quatrième dimension" rend son existence plausible. Chacun pourrait de temps en temps s'y réfugier. Ce film a été tourné dans les quartiers très animés de Barbès, Château Rouge et Gouttes d'Or, à Paris devant le ?blue screen? de Le Fresnoy. Avec Mireille Abadi, Manon Querelle, Feyçal Bagriche, Gérard Abela et Gregg Smith. « Should we never meet again » Scénario pour 5 acteurs, une ville et des éléments de 3D Ce film suit un homme à travers la ville. Il est plongé dans ses pensées à la suite d?une dispute à la maison et ne sait où passer la nuit. Il parcourt la ville à la recherche d?une solution à ses difficultés personnelles, mais plus il cherche, plus sa frustration grandit. Il se met à accuser tout le monde de la vie triste et étriquée qu?il mène, lui que la chance semble avoir abandonné. Mais une autre dimension existe dans sa vie, qui semble l?attirer à chaque occasion. Dans ses brefs moments de repos, il s?expose à cette dimension, et s?il attend juste assez, le passage se fait. Il est alors transporté en un instant dans un lieu intérieur où les bruits et ennuis de la ville ne l?atteignent plus. Il y passe de courts moments de quiétude avec d?innocents inconnus qui passaient par hasard dans la rue au même moment. Dans cette dimension, il n?y a ni limites ni formalités ni reproches: chacun est là simplement pour les autres pendant un bref instant. Puis c?est le retour à la rue, ces personnes se séparent comme si aucun contact n?avait eu lieu. Et la quête recommence.

Gregg Smith: biographie www.greggsmith.co.za Gregg Smith est né au Cap (Afrique du Sud). Enfant, il était sportif et passionné par l?observation des oiseaux. Après des études suivies à l'Ecole des Beaux-Arts de Michaelis et à l'Université de Cape Town en 1991, il se fait un nom dans le domaine de l'art contemporain : il crée des projets variés, d?ordre performatif, visuel ou contextuel et se lance dans des projets de théâtre en Afrique du Sud et à l'étranger. Son travail actuel incorpore les aspects de toutes ces pratiques dans le développement de projets de film et de vidéo. En 2001-2002, Gregg Smith est résident à la Rijksakademie d?Amsterdam et développe en même temps des projets au Studio des arts contemporains du Fresnoy à Tourcoing en 2002-2004. Son ?uvre est multiple : films, vidéos, installations, performances et peintures dans lesquelles l?artiste évoque la fragilité des êtres humains. Utilisant le mode de la narration comme un vecteur pour réinvestir la subjectivité de l?individu, son travail vise à créer une connivence ou au contraire un rejet du sujet présenté. Ayant vécu en Afrique du Sud jusqu?en 2000, Gregg Smith n?est pas sans évoquer les traumatismes de l?Apartheid et la violence des affrontements sociaux. Gregg Smith vit et travaille actuellement à Paris. Son travail a récemment été exposé à la Biennale de Dakar (Sénégal, 2004), au Musée du Jeu de Paume (Paris),et au Festival du film de Rotterdam (Hollande), Hidden Rhythms (Nijmegen, NL), Hilchot Schschenim C au Digital Art Lab (Tel Aviv, Israel), Model Missed Opportunities, Brandenburger Kunstverein, à Berlin, Videobrazil, à Sao Paulo et au Festival du film International de Rotterdam (2004, 2005), Le Plateau, Espace Experimantal, Paris, France, 2006. Autres projects notables dans le domaine de l'art en espace public : The Lovephones (Cape Town, 2000) et The Lovephones in London (Gasworks Gallery, London, 2001), The Long Street Baths Mural Project (Cape Town, 1994-98), son projet en cours basé à Cape Town et ses séries de discussion Very Real Time (www.veryrealtime.co.za).