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'Covid Messages' is a video work in six parts, based around broadcasts of British Prime Minister Boris Johnson’s COVID-19 press conferences. The work focusses on the British government’s attempts to eliminate the virus through the use of magic spells and rituals. While the pandemic spreads and the death toll rises, the Prime Minister makes repeated errors of judgement. Exasperated by his many mistakes, the spirits of the dead rise up and intervene.

John Smith was born in Walthamstow, London in 1952 and studied at the Royal College of Art, after which he became an active member of the London Filmmakers' Co-op. Inspired in his formative years by conceptual art and structural film, but also fascinated by the immersive power of narrative and the spoken word, he is renowned for a diverse body of work that subverts the perceived boundaries between documentary, fiction, representation and abstraction, playfully exploring and exposing the language of cinema. Since 1972 he has made over sixty film, video and installation works that have been shown in museums, galleries and independent cinemas around the world. Smith’s solo exhibitions include Kestnergesellschaft, Hanover; Museum of Contemporary Art, Leipzig; Centre d'Art Contemporain de Noisy-le-Sec, Paris; Ikon Gallery, Birmingham; Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen, Magdeburg; Turner Contemporary, Margate; Weserburg Museum for Modern Art, Bremen; Uppsala Art Museum, Sweden and Royal College of Art Galleries, London. His work is held in public collections that include Tate Gallery; Arts Council England; Museum of Modern Art, New York; Muzeum Sztuki, Lodz; FRAC Île de France, Paris and Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen, Magdeburg.

Les Films du monde constituent une série inédite de 70 cinétracts, qui sont, à l’origine, des films de banc-titre réalisés à la prise de vue à partir de documents photographiques de l’actualité nationale, une initiative lancée en mai 1968 par Chris Marker. L’ensemble renoue avec cette expérience cinématographique, tant poétique que politique, en se concentrant sur les failles du monde contemporain. Selon leur protocole, les cinétracts devaient « contester-proposer-choquer-informer-interroger-affirmer-convaincre-penser-crier-rire-cultiver » afin de « susciter la discussion et l’action ». « Utilisant les moyens facilités d’appropriation qu’offrent les médias contemporains, les Cinétracts de Frank Smith sont autant de messages d’urgence, de réflexions sur le devenir d’un monde, celui de notre début de 21e siècle, devenu violent et chaotique. Il s’agit ici d’estampiller un devenir global, planétaire, « un état du monde » où une situation de tension politique au Venezuela, au fin fond du Texas ou sur la Méditerranée, est « un coup de couteau dans notre destin », comme l’aurait formulé le Sartre de Qu’est-ce que la littérature ? Portés par une réflexion profonde mêlant considérations politiques, humanistes, philosophiques et esthétiques, ces quelques 70 addenda rajoutés par Frank Smith au jet original de 1968 continuent le combat, dans un esprit de synthèse complexe — une complexité à la mesure de ce que l’on appelait naguère, au temps où l’on entendait encore changer l’Histoire, la « représentation du monde », à ce jour fuyante, démultipliée et multipolaire. » Paul Ardenne

Né en 1968, Frank Smith est écrivain et poète, vidéaste et réalisateur. Il vit à Paris et Los Angeles. Il est représenté par la Galerie Analix Forever (Genève). Frank Smith est le créateur du Bureau d'Investigations Poétiques depuis lequel il explore les jonctions/disjonctions actuelles s’exerçant entre Poésie, Politique et Image au moyen de livres, de films, d’installations, d’expositions et de performances. Sont ainsi délivrés « des protocoles d’expérimentation qui interrogent la possibilité, l’efficience, la performativité de la littérature et du film. Prolongeant le Pour en finir avec le jugement d’Artaud dans un "Pour en finir avec le régime de la représentation et de la narration", Frank Smith pose des dispositifs mettant en scène la question de l’émergence de la parole ou de l’image. » (Véronique Bergen, art press, déc. 2017). Frank Smith a publié à ce jour une vingtaine de livres et dans le prolongement de ces publications, il réalise des films et des installations vidéo à partir desquels est notamment mis en pratique le non-rapport entre Voir et Parler et sont développés les arcanes d’un nouveau « cinéma de poésie ». Tous ses films ont notamment fait l'objet d'une présentation au Centre Pompidou-Paris.

In the dead of winter, the gas flares and spectral sounds of an oil boom awaken the long-abandoned prairies and ghost towns of North Dakota.

Adam James Smith is a British filmmaker based in New York. His filmmaking practice spans rural and urban environments across China, Japan, and the United States. His first feature film, The Land of Many Palaces, on the Chinese "ghost city" of Ordos, participated in the Sundance Institute workshop and premiered at the 2015 Santa Barbara International Film Festival. The film then went on to screen at festivals and on television around the world, picking up awards in Moscow, Rome, and Kyoto. His follow-up film, Americaville, on the Chinese replica of Jackson Hole, Wyoming was sponsored by the Whicker's Foundation and the Asian Cinema Fund. The film was released in 2020 and has since been screened around the world at festivals and universities. Adam is currently completing a series of films documenting the diversity of the rural experience throughout the American heartland, including the country’s oldest Black rodeo in Okmulgee Invitational, the oil boom awakening the abandoned homesteads of North Dakota in Frontier Phantom, and Native American cowboys in Arapaho Pasture. Adam was educated in film at Stanford and anthropology at Cambridge, the latter of which he is currently an Affiliated Filmmaker at the university’s Visual Anthropology Lab.

Au fil d’une nuit fantastique, un personnage arpente sans fin des avenues froides et nues, des institutions désertes, des non-lieux inhabités, en marche, en quête, solitaire - guettant les apparitions de fantômes venant se glisser dans son sillage. Suspendu aux télé-technologies (téléphone, puce électronique) de l’intime, il semble se nourrir de l’absence d’un être aimé, ailleurs, loin, intouchable, dont l’absence hante sa déambulation.

Dorothee Smith est une photographe née au milieu des années 80, c’est une enfant de la chute du mur de Berlin, cet évènement qui marque la fin d’une ère, celui de la guerre froide du capitalisme républicain contre le communisme soviétique, et le début d’une autre, celui de la guerre informelle entre l’occident judéo-chrétien et les extrémistes islamiques (Palestine, Irak, Iran, Afghanistan). C’est aussi l’enfant du mouvement queer, avec ses identités fleurissantes et sa nouvelle philosophie du corps. C’est encore et enfin l’enfant de la catastrophe de Tchernobyl, d’une planète maltraitée car trop polluée, d’une terre nucléaire menacée de destruction. C’est un peu ce court morceau d’histoire, qui a un peu plus de vingt ans maintenant, que l’on retrouve dans le sampling visuel de la photographe plasticienne.

Epoque et pays indéterminés. Yevgueni, à 21 ans, est un jeune technicien- astronaute. S’il rêve de voyager dans l’espace, son emploi consiste à travailler au sein d’une base de lancement d’un centre spatial, en tant qu’opérateur de lancement d’astronefs. Lors du lancement particulièrement critique d’une navette Soyouz habitée, Yevgueni perd brutalement connaissance, causant la perte de contact avec l’équipage en orbite, et l’explosion de l’astronef dans l’espace. Hanté par cette catastrophe, Y perd progressivement pied avec le réel, et se laisse contaminer par ce trauma qui le hante.

Née a? Paris, en 1985. Elle vit et travaille a? Paris. Le travail transdisciplinaire de Dorothée Smith, plastique et théorique, s’appréhende comme une observation des constructions, déconstructions, délocalisations et mues de l’identité?. La photographie y côtoie le cinéma, la vidéo, l’art hybride et l’utilisation des nouvelles technologies. Ses travaux furent présentés sous la forme d’expositions personnelles aux Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles, a? la galerie les Filles du Calvaire a? Paris, au Musée National de la Photographie d’Helsinki en Finlande, mais aussi dans de nombreux pays d’Europe (Danemark, Luxembourg, Allemagne, Espagne, Italie...) et d’Asie (Japon, Chine, Cambodge, Corée du Sud).

Paris - temps incertain, temps de la fin. Une cycliste, cavalière d'une possible apocalypse, erre autour de la ville éteinte, déserte, muette - guettant d'hypothétiques survivances. La Samaritaine, cube blanc, désaffecté, semble s’offrir comme un refuge ; mais elle se révèle le théâtre d’univers parallèles où se décide, avec les quatre derniers vivants, le sens de l'effondrement en cours. Les personnages qui y vivent sont en “arrêt de mort”, suspendus entre deux états, traversant les possibles, pris dans une fin du monde sans cesse imminente, et pourtant sans cesse différée, et encore sans cesse recommencée. C’est le bâtiment même qui va incarner de manière vivante cet interstice travaillant toutes les apparitions qui semblent traverser le lieu. Ce sont les modalités fluctuantes de cet espace de la Samaritaine qui vont se déployer, amenant d’oracles SM en chansons nihilistes, de danses de séduction désespérées en rituels de mutation, la révélation claire qu’il n’y aura pas de révélation. Les fins du mondes et les croyances sont défaites. Il n'est plus question de fin du monde, mais de commencements d'autres mondes - par la métamorphose. Apocalypse nous-autres.

SMITH ?http://www.fillesducalvaire.com/artiste/smith/ Le travail de SMITH s’appréhende comme une observation des mues de l’identité humaine. La photographie y côtoie le cinéma, la vidéo, la chorégraphie, le bio-art, la sculpture et l’utilisation des nouvelles technologies, dans une exploration des combinaisons des approches scientifique et philosophique, ouvertes sur les potentiels de la fiction. Après l’obtention d’un Master de Philosophie à la Sorbonne, du diplôme de l’Ecole Nationale Supérieure de Photographie d’Arles, et du Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains, SMITH engage l’écriture d’une thèse de doctorat, à l’UQAM (Montréal). Ses travaux furent présentés sous la forme d’expositions personnelles aux Rencontres internationales de la photographie d’Arles, à la galerie les Filles du Calvaire et au Palais de Toyko à Paris, au musée de la Photographie d’Helsinki en Finlande, mais aussi dans de nombreux pays d’Europe (Suisse, Suède, Autriche, Luxembourg, Allemagne, Espagne, Italie...), d’Asie (Chine, Cambodge, Corée du Sud) et d’Amérique Latine (Mexique, Chili, Uruguay) et aux USA. Sa première monographie, «Löyly», est parue aux éditions Filigranes en 2013, suivie de « Saturnium » aux éditions Actes Sud en 2017, et d’un livre d’entretien avec l’historienne de l’art Christine Ollier en 2017 aux éditions André Frère. Paraissent en 2018 puis 2019 deux autres livres de photographie : "Astroblème" (Filigranes) et "Valparaiso" (André Frère). Son premier et son second moyen-métrages, "Spectrographies" et "TRAUM", furent diffusés en festivals et cinémas en Europe. Ses performances artistiques et chorégraphiques furent présentées au Centre Pompidou, au Théâtre de la Cité Internationale avec le soutien de la Fondation Hermès – New Settings, au CND (Pantin), au Musée de la Danse (Rennes) et au CCN de Montpellier. SMITH travaille actuellement à l’élaboration de son nouveau projet-monde "Désidération", avec la Cellule Cosmiel (Lucien Raphmaj, Jean-Philippe Uzan, SMITH) et le studio DIPLOMATES, qui explore les liens entre l’humanité contemporaine et son cosmos originaire : http://www.desideration.space ** Lucien Raphmaj https://lucienraphmaj.wordpress.com/ Lucien Raphmaj, écrivain né d’une œuvre élaborée avec SMITH, a écrit avec lui le scénario de ses films, depuis "Spectrographies" (2015) jusqu’aux "Apocalyptiques" (2019) en passant par leurs projets multidisciplinaires tels que "TRAUM" (film, exposition, textes, vidéos, spectacle de danse). C’est cette écriture à mille voix, fruit d’un travail personnel, mais aussi expérience d’une spectralisation de l’écriture qui se laisse traverser par d’autres voix, qui est celle qu’il mène encore à travers l’univers des « Apocalyptiques ». Il participe, en tant que critique, à la revue culturelle en ligne Diacritik et tient un blog sur la latérature. Son premier ouvrage, "Blandine Volochot", paraît aux éditions Abrüpt en Janvier 2020.

Synopsis ? Love, jealousy and wanting to be in two places at once Like a nighthawk at the diner, a young man recounts his story of love gone wrong. His marriage has been quietly growing lifeless, when his wife proposes that they attempt to rekindle their passion through, the dance which first brought them together, the tango. But not any old tango, rather a more risqué partner swapping form of the dance, with different partners in separate venues.

Gregg Smith: biography Gregg Smith is an artist from Cape Town, South Africa. He completed his studies at the Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town, in 1991 and since then has been active in a range of contemporary art and theatre projects in South Africa and abroad. With origins in painting, performance, and art in public space, his present work incorporates aspects of all these practices in the development of video installations. Until 2000, he lived in Cape Town, where he was active as an artist and also a professor of painting at the Michaelis School of Fine Art. In 2001-02, Gregg was a participant at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam, and following this moved to France where he studied film-making at Le Fresnoy studio national des arts contemporains (2002-04). His work is equally accepted in contemporary art and film festival circuits; recent projects have been shown at the Rotterdam International Film Festival, Le Centre Georges Pompidou (Paris, France), La Biennale de Dakar (Senegal) and Galerie Krinzinger (Vienna, Austria). He is at present based in Paris, France and is a professor in the Master of Arts in public sphere program (MAPS) at ECAV.

A young man (Hubert Brown) arrives in a quiet rural location in order to present his candidature for job there. As the interview procedures are to take place over several days, he has traveled together with his wife (Christine), so that they might both benefit from a few days in the countryside. Though he has little working experience as yet, he has been recommended for the post by the wife of an acquaintance, who seems to have some influence. The project involves the redevelopment of a piece of land previously used as a nature reserve. As the day unfolds a precarious web of power relations becomes evident as various individuals struggle to find a firm footing in a scheme which at this stage remains highly speculative. It becomes evident that there are several forces already at play in this seemingly empty landscape. For one thing, it is inhabited by residents who have a strong bond with the land, and are resistant to the development plans. The area seems also to physically affect all those who move through it, animating their gestures with sporadic dancelike movements. These movements are never noticed or remarked upon. The film takes the dance-musical form as a point of departure, but eliminates the element of music. The issue of land is remains a charged and unresolved issue in South Africa. In the video project Underexposed, notions of ownership and empowerment are taken a level further. The film questions the dynamics at play in daily exchanges which determine who has the means to exploit their own resources : their body, their ideas and beliefs. The loose fiction follows the redevelopment of a large piece of seemingly vacant land. A precarious web of power relations becomes evident as various individuals struggle to find a firm footing in a scheme which at this stage remains highly speculative. It becomes evident that there are several forces already at play. For one thing, it is inhabited by residents who have a strong bond with the land, and are resistant to the development plans. The area seems also to physically affect all those who move through it, animating their gestures with sporadic dancelike movements. These movements are never noticed or remarked upon.

Gregg Smith is an artist of South African origin, born in Cape Town and currently living and working in Paris, France. with origins in the traditions of painting and performance his video works experiment with the narrative form as means to question the relation between personal perceptions and social interactions. His work is equally traverses the realms of cinema of contemporary art traditions Recent exhibitions and screenings include : Fondation Espace Ecureuil (Toulouse), Rotterdam International Film Festival, FIDMarseille International Documentary Film Festival, Galeria dels Angels - Carmelitas Gallery, LOOP `07 (Barcelona), Fundació Joan Miró, (Barcelona), Le Plateau, Espace Experimantal (Paris) et Musé du Jeu de Paume (Paris).

La narration suit librement les progrès d'un jeune homme arrivé dans une petite ville de province afin d?y présenter sa candidature. Le travail disponible consiste en la supervision de l?aménagement d?une parcelle de terre. Comme l'agriculture a diminué dans la région, certains voudraient voir les terres utilisées de façon plus rentable, grâce à la construction d'une cité-dortoir dans une ville voisine. Toutefois, en vue de faciliter la réalisation d?un tel projet, il faudrait que la personne chargée de sa gestion tolère des procédures assez peu orthodoxes. Le jeune homme est considéré comme adapté à ce poste. Il devient cependant vite évident qu'il existe dans ce territoire d?autres forces en jeu. La région semble affecter physiquement tous ceux qui s?y déplacent, par diverses formes de mouvements. Il semble que le corps de ceux qui sont touchés est investi par une force rythmique, qui les fait bouger en des danses sporadiques et involontaires durant les activités quotidiennes.

Gregg Smith, biographie. Résident à la Rijksakademie d?Amsterdam en 2001-2002 et au Studio des arts contemporains du Fresnoy à Tourcoing en 2002-2004, le travail de Gregg Smith consiste en des films, vidéos, installations, performances et peintures dans lesquelles l?artiste évoque la fragilité des êtres humains. Utilisant le mode de la narration comme un vecteur pour réinvestir la subjectivité de l?individu, son travail vise à créer une connivence, une complicité avec et entre les spectateurs/acteurs, à réintroduire avec subtilité des désirs et des possibilités de contrer le désintérêt pour l`autre. Ayant vécu en Afrique du Sud jusqu?en 2000, Gregg Smith n?est pas sans convoquer dans plusieurs de ses ouvres les traumatismes de l?Apartheid et un conscience du perspective personnelle de l?individuelle dans son milieu sociale.

"The End" est une installation vidéo utilisant les empreintes digitales et d'autres éléments. Deux hommes circulent dans un espace de bureau, engagés dans un projet commun dont l'objectif reste flou. Leur travail les conduit à une activité constante à laquelle ils sont tellement habitués qu'ils semblent à peine conscients de leurs actions: ranger des papiers, classer des documents, prendre des notes brèves, se passer les documents l'un à l'autre. Pour occuper leurs esprits, ils parlent d'autres choses. Ils se connaissent visiblement depuis longtemps. À force de travailler dans une telle proximité sur une si longue période, ils ont développé une sorte d'intimité. Chacun connaît les forces et les faiblesses de l'autre. Peut-être pour briser la monotonie, ils explorent des territoires plus vulnérables, dans lesquels chacun se montre tour à tour tendre et manipulateur, révélant la lutte personnelle pour le pouvoir qui préoccupe son existence. Le film a été tourné dans un décor construit dans une mine de charbon abandonnée à Genk, en Belgique.

Gregg Smith est originaire de Cape Town, en Afrique du Sud. Il a terminé ses études à la Michaelis School of Fine Arts de Cape Town, en 1991. Depuis, il a mené à bien des projets d'art contemporain et de théâtre en Afrique et Sud et à l'étranger. S'étant adonné à la peinture, la performance et l'art en espace publique, son oeuvre actuelle inclut les aspects de ces pratiques dans le développement de projets vidéos et cinématographiques. De 2002 à 2004, il a étudié la réalisation en France, au studio national des arts contemporains Le Fresnoy. Son travail a récemment été exposé dans différents lieux : biennale de Dakar, au Sénégal (2004), musée du jeu de Paume (Paris), Rotterdam Film Festival (Holland), Hidden Rhythms (Nijmegen, NL), Hilchot Schschenim C au Digital Art Lab (Tel Aviv, Israël), Model Missed Opportunities, Brandenburger Kunstverein, Berlin, Videobrazil, Sao Paulo et Rotterdam International Film Festival (2004, 2005), Le Plateau, Espace Experimental, Paris, France, 2006, et Architecture au corps, Galerie Anton Weller, une proposition d?Alexandra Fau, Paris, France. Parmi d'autres projets remarquables dans le domaine de l'art en espace publique, on peut citer "The Lovephones" (Cape Town, 2000) et "The Lovephones in London" (Gasworks Gallery, Londres, 2001), "The Long Street Baths Mural Project" (Cape Town, 1994-98), et son projet à venir à Cape Town, "Very Real Time" (www.veryrealtime.co.za). Récemment, l'espace d'art contemporain de Castellon en Espagne lui a commandé une nouvelle oeuvre pour son exposition "Our hospitality", dirigée par Rodrigo Alonso.

« Should we never meet again » Installation vidéo Durée : 26 minutes Un jeune homme traverse Paris, il appelle de son portable et se parle à lui-même. Il connaît des difficultés et cherche un abri pour la nuit. Il se récite mentalement la liste de tous ses amis, mais en fait il n'ose approcher aucun d'eux. Il aimerait accuser tout le monde pour cette vie inconfortable et étroite où toute chance semble avoir été gâchée. De temps à autre, il s'arrête, il est alors poussé dans une autre dimension, une dimension où limites et formalités n'existent pas et où, très brièvement, il prend contact avec des étrangers. Le décor très simple et fonctionnel de cette "quatrième dimension" rend son existence plausible. Chacun pourrait de temps en temps s'y réfugier. Ce film a été tourné dans les quartiers très animés de Barbès, Château Rouge et Gouttes d'Or, à Paris devant le ?blue screen? de Le Fresnoy. Avec Mireille Abadi, Manon Querelle, Feyçal Bagriche, Gérard Abela et Gregg Smith. « Should we never meet again » Scénario pour 5 acteurs, une ville et des éléments de 3D Ce film suit un homme à travers la ville. Il est plongé dans ses pensées à la suite d?une dispute à la maison et ne sait où passer la nuit. Il parcourt la ville à la recherche d?une solution à ses difficultés personnelles, mais plus il cherche, plus sa frustration grandit. Il se met à accuser tout le monde de la vie triste et étriquée qu?il mène, lui que la chance semble avoir abandonné. Mais une autre dimension existe dans sa vie, qui semble l?attirer à chaque occasion. Dans ses brefs moments de repos, il s?expose à cette dimension, et s?il attend juste assez, le passage se fait. Il est alors transporté en un instant dans un lieu intérieur où les bruits et ennuis de la ville ne l?atteignent plus. Il y passe de courts moments de quiétude avec d?innocents inconnus qui passaient par hasard dans la rue au même moment. Dans cette dimension, il n?y a ni limites ni formalités ni reproches: chacun est là simplement pour les autres pendant un bref instant. Puis c?est le retour à la rue, ces personnes se séparent comme si aucun contact n?avait eu lieu. Et la quête recommence.

Gregg Smith: biographie www.greggsmith.co.za Gregg Smith est né au Cap (Afrique du Sud). Enfant, il était sportif et passionné par l?observation des oiseaux. Après des études suivies à l'Ecole des Beaux-Arts de Michaelis et à l'Université de Cape Town en 1991, il se fait un nom dans le domaine de l'art contemporain : il crée des projets variés, d?ordre performatif, visuel ou contextuel et se lance dans des projets de théâtre en Afrique du Sud et à l'étranger. Son travail actuel incorpore les aspects de toutes ces pratiques dans le développement de projets de film et de vidéo. En 2001-2002, Gregg Smith est résident à la Rijksakademie d?Amsterdam et développe en même temps des projets au Studio des arts contemporains du Fresnoy à Tourcoing en 2002-2004. Son ?uvre est multiple : films, vidéos, installations, performances et peintures dans lesquelles l?artiste évoque la fragilité des êtres humains. Utilisant le mode de la narration comme un vecteur pour réinvestir la subjectivité de l?individu, son travail vise à créer une connivence ou au contraire un rejet du sujet présenté. Ayant vécu en Afrique du Sud jusqu?en 2000, Gregg Smith n?est pas sans évoquer les traumatismes de l?Apartheid et la violence des affrontements sociaux. Gregg Smith vit et travaille actuellement à Paris. Son travail a récemment été exposé à la Biennale de Dakar (Sénégal, 2004), au Musée du Jeu de Paume (Paris),et au Festival du film de Rotterdam (Hollande), Hidden Rhythms (Nijmegen, NL), Hilchot Schschenim C au Digital Art Lab (Tel Aviv, Israel), Model Missed Opportunities, Brandenburger Kunstverein, à Berlin, Videobrazil, à Sao Paulo et au Festival du film International de Rotterdam (2004, 2005), Le Plateau, Espace Experimantal, Paris, France, 2006. Autres projects notables dans le domaine de l'art en espace public : The Lovephones (Cape Town, 2000) et The Lovephones in London (Gasworks Gallery, London, 2001), The Long Street Baths Mural Project (Cape Town, 1994-98), son projet en cours basé à Cape Town et ses séries de discussion Very Real Time (www.veryrealtime.co.za).

Le Centre d'Art Contemporain est un endroit de création et de documentation sur l?art sous toutes ses formes. Le centre atteint ses objectifs à travers des expositions, des performances, des représentations de théâtre visuel, des concerts de musique contemporaine, la projection de films expérimentaux, l?art vidéo, des spectacles et des ateliers créatifs, ainsi que différents événements interdisciplinaires. Douze ans se sont écoulés depuis que le Centre d'art contemporain a débuté son activité systématique et complète dans le domaine public. La création de ce centre n?est pas terminée. Une des caractéristiques uniques de ce processus est la manière dont le programme artistique en développement est en corrélation avec la reconstruction et l?organisation des espaces architecturaux du château qui héberge le centre.

WVLNT ("Wavelength For Those Who Don't Have the Time") is a reworking of Michael Snow's ground-breaking 45 minute experimental film Wavelength (1967). One of the most influential works of structuralist film, the original has been literally cut in three, with each section's visual and sound superimposed upon the others, resulting in a shortened yet intense video version.

Michael Snow is considered one of Canada's most important living artists, and one of the world's leading experimental filmmakers. His wide-ranging and multidisciplinary work explores the possibilities inherent in different media and genres, and encompasses film and video, painting, sculpture, photography, writing, and music. Snow's practice comprises a thorough investigation into the nature of perception. While Snow early established himself as a successful painter and musician in his native Toronto, it was his 1962 move to New York City that marked the beginning of his rise to international prominence. He entered into a long-lasting and fruitful dialogue with downtown Manhattan's artistic avant-garde, exchanging ideas with figures such as Yvonne Rainer, Philip Glass, Sol LeWitt, and Richard Foreman, and developing some of his most ambitious and influential works to date. Snow would continue to pursue improvised music, both on his own and in ensembles such as Toronto's CCMC. The generation and reception of sound in the broader sense emerged as one of his main concerns, reflected in performance and tape works that share qualities with contemporaneous experiments by composers like Steve Reich. At the same time, Snow made alliances within the underground film scene centered around Jonas Mekas 'Filmmakers' Cinematheque. He created his most famous experimental film "Wavelength" in 1967, which notoriously includes a 45-minute camera zoom within a fixed frame. Snow's other films of this period, including "Back and Forth" (1969), and "La Région Centrale" (1971), similarly explored the mechanics of filmmaking to simultaneously investigate the functional processes of cinema and of thinking itself. In the 1970s and 1980s Snow, responding to a growing institutional commitment to his work, experimented more with large-scale installations, including public sculptures such as "Flightstop" (1979) and "The Audience" (1988-89). In recent years he has focused on the specific nature and potential of digital media, yielding works like the video-film "Corpus Callosum" (2002). Regardless of artistic genre, Snow consistently engages in an analytical discourse on the nature of consciousness and experience, and language and temporality.

Sheeploop est un plan fixe, un paysage qui évolue lentement. Sheeploop offre un drôle d`instantané bucolique. Regarder des moutons mastiquer graduellement leur passage dans un pâturage, encore et encore, force le spectateur à reconsidérer la beauté de décors aussi idylliques. Typique des stratégies cinématographiques de Snow, cette oeuvre nous sensibilise au regard que nous portons sur un paysage, et sur la nature même de notre perception.

Michael Snow (né en 1929 à Toronto) est considéré comme l`un des plus importants artistes canadiens. En mars 2000, il recevait pour l`ensemble de son oeuvre cinématographique l`une des plus hautes distinctions au Canada, le Prix du Gouverneur général en arts visuels et arts médiatiques. Artiste multidisciplinaire, il est peintre, photographe, cinéaste et musicien. En 1956, il réalisait son premier film. Son film Wavelength (1967) le consacre comme l`un des cinéastes importants de « l`avant-garde américaine » (sic). À la fin des années 1960, pour la réalisation de son film La Région Centrale (1971), il collabore avec un ingénieur canadien à la conception et à la réalisation d`un bras mécanique qui permet à la caméra de tourner dans tous les sens et à des vitesses de rotation contrôlées par l`artiste. Au cours des dix dernières années, Snow a participé à toutes les expositions importantes ayant trait aux images dans le monde contemporain : Passages de l`image, réalisée par le Centre Pompidou; Projections, les transports de l`image, d`abord présenté au studio national des arts contemporains, Le Fresnoy; La Biennale d`art contemporain de Lyon, qui célébrait en 1995 les cent ans du cinéma, intégrait Snow à l`exposition. Enfin, le Musée des beaux-arts de l`Ontario et le Power Plant lui consacraient conjointement une grande rétrospective, Michael Snow Project. Encore récemment, on présentait en Europe une grande rétrospective de ses travaux filmiques et photographiques intitulée Panoramique : oeuvres photographiques et films=Photographic Works and Films : 1962-1999 et la Arnolfini Gallery de Bristol en Angleterre présentait en 2001 une exposition intitulée Michael Snow: almost Cover to Cover. Il est membre de l`Ordre du Canada et Chevalier de l`Ordre des arts et des lettres (France).

Réalisé à partir d`un concert que Michael Snow a donné avec son ensemble d`improvisation CCMC au Kunst-Werke en 2002, Reverberlin est la première œuvre pour laquelle Snow, à la fois cinéaste et musicien de renom, a co-composé son et image. Avec des images vidéo numériques du CCMC jouant à travers le monde, Snow crée des contrepoints et des juxtapositions à l`enregistrement non mixé de 2002.

Michael Snow est né en 1929 à Toronto (Ontario), d’une mère francophone, excellente pianiste, dit-il d’elle, et d’un père anglophone. Alors qu’il débute en arrondissant ses fins de mois en jouant du jazz, il découvre Louis Armstrong, His Hot Five, et les mélodies sonores, particulièrement sensuelles de Jelly Roll Morton. Complètement autodidacte, il apprend la musique sans même savoir la lire. Son art est le fruit de l’improvisation et du hasard. Il commence à peindre puis sculpter dans les années 50, passant alors de la figuration à l’abstraction. Sa peinture se traduit bientôt dans une synthèse entre le sujet figuré et la surface de la toile. Il entre alors dans le cinéma par une première animation, A to Z, réalisée en 1956, qu’il qualifie comme « deux chaises qui baisent ». Quelques années plus tard, il crée l’une des oeuvres les plus marquantes de sa carrière et de l’histoire du cinéma (expérimental), Wavelength. Elle le catapulte hors de l’atelier du peintre, et devient source d’inspiration pour les principaux critiques et théoriciens du cinéma (Manny Farber, Jonas Mekas, Annette Michelson). Depuis les années 60, le travail de Snow se trouve à l’avant-garde de l’art visuel et du cinéma expérimental. Pluridisciplinaire, son oeuvre aborde tous les médiums et matériaux. Abordant les matérialités, l’épaisseur et la minceur. Si son cinéma se conjugue toujours à l’art et à la performance, il tend à l’éclatement des frontières. La Région centrale (1971) sera l’une de ses oeuvres phares, marquée par les prouesses d’une caméra multidirectionnelle, conçue spécialement pour son tournage. Il invite le spectateur à tourner avec la machine, suivre son mouvement, encourageant ainsi une réflexion sur la réalité et vérité supposée de l’image. Snow approfondit notre conscience de la vision humaine. Son oeuvre se révèle dans l’expérience sensorielle, elle se trouve au coeur même des systèmes sensibles, des contrastes et des impressions, en en accentuant les distinctions. Snow trouve son inspiration dans une philosophie de l’esprit et du langage. Ses films sont des rituels de passage, entre la perception pure et sa représentation, des jeux conceptuels et extatiques sur le temps et l’espace. Si son oeuvre pouvait se définir, elle serait un immense film-essai. Évoluant constamment avec les mouvements technologiques, témoin de la mutation des médiums, sa créativité est autant marquée par un art visuel, le cinéma et le son, se faisant chacun complémentaire de l’autre. Son travail est marqué par l’empreinte d’un temps, de l’histoire de l’art, plus encore par celle de ses méthodes. Après avoir obtenu le prix Molson en 1979 et le prix d’excellence de l’IR AC en 1989. Il devient Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres en France en 1995. Il est récompensé du Prix du Gouverneur général en Arts visuels et en Arts médiatiques au Canada en 2000. Snow aura eu une carrière des plus internationales, son oeuvre traversant les plus grandes institutions, comme la Tate Modern, au Royaume-Uni, cette année. De nombreuses rétrospectives auront eu lieu dont notamment en 1978 au Musée des Beaux Arts du Canada à Ottawa qui s’installera ensuite au Centre Pompidou à Paris, au Kunstmuseum de Lucerne, au Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam; au Rheinisches Landesmusuem, Bonn; au Musée des Beaux-Arts de Montréal; à la Vancouver Art Gallery. Il exposera au Musée d’Art contemporain de Tokyo (1988), au Centre national de la photographie de Paris, au Centre pour l’image contemporaine de Saint Gervais et au MAMCO de Genève. Depuis les années 2000, il aura exposé à la Arnolfini Gallery, Bristol au Royaume-Uni, au MoMA de New York, à la Whitney Biennial, à la Albright Know Art Gallery, au Philadelphia Museum of Art aux Etats Unis. Une rétrospective de sa filmographie s’est également tenue au Toronto Film Festival, au Canada, en 2015.

WVLNT ("Wavelength For Those Who Don't Have the Time") is a reworking of Michael Snow's ground-breaking 45 minute experimental film Wavelength (1967). One of the most influential works of structuralist film, the original has been literally cut in three, with each section's visual and sound superimposed upon the others, resulting in a shortened yet intense video version.

Michael Snow is considered one of Canada's most important living artists, and one of the world's leading experimental filmmakers. His wide-ranging and multidisciplinary work explores the possibilities inherent in different media and genres, and encompasses film and video, painting, sculpture, photography, writing, and music. Snow's practice comprises a thorough investigation into the nature of perception. While Snow early established himself as a successful painter and musician in his native Toronto, it was his 1962 move to New York City that marked the beginning of his rise to international prominence. He entered into a long-lasting and fruitful dialogue with downtown Manhattan's artistic avant-garde, exchanging ideas with figures such as Yvonne Rainer, Philip Glass, Sol LeWitt, and Richard Foreman, and developing some of his most ambitious and influential works to date. Snow would continue to pursue improvised music, both on his own and in ensembles such as Toronto's CCMC. The generation and reception of sound in the broader sense emerged as one of his main concerns, reflected in performance and tape works that share qualities with contemporaneous experiments by composers like Steve Reich. At the same time, Snow made alliances within the underground film scene centered around Jonas Mekas 'Filmmakers' Cinematheque. He created his most famous experimental film "Wavelength" in 1967, which notoriously includes a 45-minute camera zoom within a fixed frame. Snow's other films of this period, including "Back and Forth" (1969), and "La Région Centrale" (1971), similarly explored the mechanics of filmmaking to simultaneously investigate the functional processes of cinema and of thinking itself. In the 1970s and 1980s Snow, responding to a growing institutional commitment to his work, experimented more with large-scale installations, including public sculptures such as "Flightstop" (1979) and "The Audience" (1988-89). In recent years he has focused on the specific nature and potential of digital media, yielding works like the video-film "Corpus Callosum" (2002). Regardless of artistic genre, Snow consistently engages in an analytical discourse on the nature of consciousness and experience, and language and temporality.

Sheeploop est un plan fixe, un paysage qui évolue lentement. Sheeploop offre un drôle d`instantané bucolique. Regarder des moutons mastiquer graduellement leur passage dans un pâturage, encore et encore, force le spectateur à reconsidérer la beauté de décors aussi idylliques. Typique des stratégies cinématographiques de Snow, cette oeuvre nous sensibilise au regard que nous portons sur un paysage, et sur la nature même de notre perception.

Michael Snow (né en 1929 à Toronto) est considéré comme l`un des plus importants artistes canadiens. En mars 2000, il recevait pour l`ensemble de son oeuvre cinématographique l`une des plus hautes distinctions au Canada, le Prix du Gouverneur général en arts visuels et arts médiatiques. Artiste multidisciplinaire, il est peintre, photographe, cinéaste et musicien. En 1956, il réalisait son premier film. Son film Wavelength (1967) le consacre comme l`un des cinéastes importants de « l`avant-garde américaine » (sic). À la fin des années 1960, pour la réalisation de son film La Région Centrale (1971), il collabore avec un ingénieur canadien à la conception et à la réalisation d`un bras mécanique qui permet à la caméra de tourner dans tous les sens et à des vitesses de rotation contrôlées par l`artiste. Au cours des dix dernières années, Snow a participé à toutes les expositions importantes ayant trait aux images dans le monde contemporain : Passages de l`image, réalisée par le Centre Pompidou; Projections, les transports de l`image, d`abord présenté au studio national des arts contemporains, Le Fresnoy; La Biennale d`art contemporain de Lyon, qui célébrait en 1995 les cent ans du cinéma, intégrait Snow à l`exposition. Enfin, le Musée des beaux-arts de l`Ontario et le Power Plant lui consacraient conjointement une grande rétrospective, Michael Snow Project. Encore récemment, on présentait en Europe une grande rétrospective de ses travaux filmiques et photographiques intitulée Panoramique : oeuvres photographiques et films=Photographic Works and Films : 1962-1999 et la Arnolfini Gallery de Bristol en Angleterre présentait en 2001 une exposition intitulée Michael Snow: almost Cover to Cover. Il est membre de l`Ordre du Canada et Chevalier de l`Ordre des arts et des lettres (France).

Joanna is a singer who performs in a bar six nights a week, inside a hotel where she lives a few floors below. Her voice guides us through her work routine and the circular route between her room and the stage, all while the video continuously interrupts itself, disrupting the linearity of her story. 'B Plots' looks into the connection between images and physical spaces and how they mirror and affect each other. The mechanic movements of the camera are not hidden, but amplified, directing ones attention towards the camera as a medium and the materiality of the video.

Freja Sofie Kirk works within video, photography and installation, often in connection with one another. Through her ongoing work with two-dimensional representations, Kirk’s practice investigates how images generate meaning in contemporary society. Her work takes the form of a continuous study of spatial and medial constructions, the violence they perform and the architecture they manifest. By utilizing the camera, Kirk attempts to renegotiate the power relations inherent in both architecture and image production.

The “Bibby Challenge” – a cross between a cruise ship and container ship – is a kind of improvised home on the water that German authorities in Hamburg set up to accommodate refugees from the Yugoslav Civil Wars. Adnan Softi? lived on this ship, which was anchored in the middle of the city on the river Elbe.?? We hear voices and we see pictures. People remember and we become witnesses of their memories. And while we become witnesses, we remember ourselves. Maybe. Not all memories are divisible, but there are bridges. There is the ship, there is the sea. There is the container. There is the living space, rather limited, four people in nine square meters. Fates of war, fates of refugees. Perhaps the experience on board the "Bibby Challenge" was not much different than on Noah's Ark - both ships with a grotesquely bloated belly. The form follows the function: to accommodate as much life as possible. The "Bibby Challenge" does not actually sail; it floats. The ship is part of the city and yet a body beyond space and time. Softi? addresses the ship as both a place and a non-place at the same time – as a floating, highly mobile vessel that knows how to navigate the boundaries between national and international waters, if only because twothirds of the Earth’s surface is covered with water.

Adnan Softi? is a director, author and visual artist. He is consistently dealing with historical and remembrance politics issues and his inter-disciplinary art activities are on display in numerous exhibitions and screenings in both Germany and abroad. Most recently: n.b.k., Berlin; Johann Jacobs Museum, Zurich; Berlinische Galerie, Berlin; MAXXI Museum, Rome; Collegium Artisticum, Sarajevo… Furthermore Softi? was recently awarded with the scholarships of the German Academy Rome Villa Massimo and Working Fellowship of the Senate of Berlin.

BIGGER THAN LIFE is a music film in four acts, based between fiction and documentation, between reality and wishful thinking. The focus is on the fabrication of national history through architecture and urban planning. In Skopje, the capital of Macedonia, a government plan costing several hundred million euros is creating a brand new, ancient city center. »Skopje 2014« is the name of the monumental construction plan, which wants to stage its capital as the cradle of ancient high civilization and as the origin of Europe. So far, some thirty government buildings and museums, as well as countless monuments in the classic style have been erected in the Macedonian capital, in an attempt to put Skopje on a par with Rome and Athens. In some cases, existing socialist structures were incorporated into the new builds. A city looks for a future in history, Macedonia is inventing itself as a nation with historical status based on a model of antiquity that never existed in that form. Would that be something new? Will we buy that (hi)story?

Adnan Softic is an author, visual artist and director. He studied Film and Aesthetic Theory at the University of Fine Arts of Hamburg, where he also taught as a professor of Film and Time Based Media. Softic? was recently awarded with the scholarships of the German Academy Rome Villa Massimo. The current lm "Bigger Than Life" won the 3sat Prize at the 64th International Short Film Festival Oberhausen.

The film is based on Lenin?s article ?Before the Storm? which tells about the First Russian Revolution of 1905. So it is a very short reenactment of the previous revolution. On the other hand it is taking place in today?s Moscow and labour migrants feature in the film, so it can be also a rehearsal of the future rebellion.

Haim Sokol b. 1973, Archangelsk, Russia Lives and works in Moscow Winner in 2009 for Special Stella Art Foundation prize Haim Sokol is an installation, sculpture, and video-based artist whose practice addresses the dramatic social histories of Russia and Eastern Europe. Though many of his works teeter on the edge of fiction and fantasy, Sokol roots his use of literary allusion in historical reality and the legacy of major 20th century uprisings, revolutions, massacres and genocides. By compounding the grim realities of urban life with the complexity of exile and socio-political diaspora, Sokol?s works effectively capture experiences of alienation, isolation and disrupted communication. Sokol is a graduate of the Hebrew University in Jerusalem (1996) and the Moscow Institute of Contemporary Art (2007). Sokol has exhibited in solo exhibitions at the M&J Guelman Gallery, Triumph Gallery, Anna Nova Gallery and other galleries in Moscow and St Petersburg. He has participated in the First Indian Biennale (Kochi-Muziris, 2012), Mediation Biennale (Poznan, Poland, 2010), the Third Moscow Biennale of Contemporary Art (2009), the Second Biennale of Contemporary Art in Thessaloniki (Greece, 2009), the First Moscow Biennial for Young Artists (2008) and other exhibitions in Russia and internationally.

Digital footage of the river near the filmmaker's childhood home is laser-printed directly onto 16mm film, creating a shifting, liquified halftone. Memory dissolves into the texture of time. The print bleeds onto the optical sound strip, the image obscuring the soundtrack. The landscape is impossible to return to.

Kate Solar is a filmmaker from Ottawa, Ontario, currently studying at NSCAD University in Halifax, Nova Scotia. She is interested in experimental documentary and the physicality of celluloid film. Conceptually, her work explores the intersections of landscape with memory, identity, and gender.

You have been tracking us, is a video work that reconstructs one of the scenes of the movie Lawrence of Arabia (directed by David Lean in 1962), the scene is the one that has an oasis as background, where the little army of Lawrence has stopped to rest. The video has been shot at the same spots of Tabernas? Desert (Almería, Spain) where the scene was orginally shot, copying the movements of the camera, in order to analyze the landscape that the cinematographic industry produced and, afterwards, left behind. The production team of the movie created the oasis for the shooting and did not remove the palm trees afterwards, so the trees have managed to survive and they still remain alive, 40 years after; this particular condition creates an interesting situation, where fictional elements have produced a?real? landscape. The video works with images aesthetically close from documentaries, but follows the shots ant the movements of the original scene, creating a contradictory and strange landscape.

Teresa Solar has studied Fine Arts at the Universidad Complutense, in Madrid and has obtained an MA in Contemporary Art at the European University of Madrid. She has been selected in different national contests such as ?Momentos de paisaje 09? (CDAN) and has participated in various exhibitions like ?Yo no tengo razón? (Off Limits, Madrid, 2009) and LOOP Festival (Barcelona, 2009). Since 2008 she has been investigating the relationships between touristic and cinematographic industry and landscape. Nowadays she is producing a new project in Cairo, Egypt.

Un prolongement du court-métrage de 15` de Isabelle Solas intitulé En un temps suspendu. A Bordeaux, la Bourse du Travail, qu`on appelait la "Maison du Peuple", semble endormie, oubliée de tous. Pourtant, dans le ventre de l`édifice, des femmes et des hommes militent, et s`interrogent sur la façon de maintenir à flot la lutte syndicale aujourd`hui. Orchestrés par la Mairie, des travaux de rénovation sont en cours. On ravale la façade pour redonner bonne mine au bâtiment, et on se félicite de défendre le "patrimoine" de la ville. Mais dans quel but ? Par soucis des conditions de travail des syndicalistes, affectataires des lieux ? Ou pour en faire un musée et raconter l`histoire d`une classe ouvrière qu`on préférerait voir sous vitrine, appartenant au passé ? Des artistes se glissent discrètement dans les murs pour investir l`ancienne salle de spectacle... Entre échafaudages, débats internes, concerts et projections sauvages, avant qu’il ne soit trop tard, chacun se prend à rêver à de nouveaux possibles.

ISABELLE SOLAS Isabelle Solas est réalisatrice et cadreuse. Suite à des études en anthropologie et en langues orientales, elle intègre la prestigieuse Ecole du Doc de Lussas, en 2005, où elle réalise Dorsale sur le proche Atlantique, et rencontre les différents acteurs issus de ce "village documentaire". Depuis, elle travaille comme cadreuse pour d`autres réalisateurs (Gilles Kerpen, Galés Moncomble, Anna Feillou). Elle réalise son premier long métrage Inventaire en 2009, diffusé à l`Utopia à Bordeaux, et au festival Traces De Vies 2009. Elle se consacre ensuite à la réalisation de films engagés, Anastasie, portrait d’une sans-papier, La Presqu’Île, portrait d’un SDF (Programmation au Festival Traces de Vie 2011), et Voisins, Rencontres et jardins cachés, documentaire sur la question du logement social à Begles, programmé en 2010 au Festival Traces de Vie. Elle travaille également comme vidéaste avec le collectif "Monts et Merveilles", autour d`expériences artistiques et participatives, dans Soupe 3, et Cocktail Manoir, en collaboration avec Florent Ghys, contrebassiste et compositeur, elle réalise des vidéos musicales, 4, et Déviation. Son long métrage Pas de Nostalgie Camarades, filmé dans les murs de la bourse du travail de Bordeaux, vient confirmer une envie de cinéma liée au huis clos et aux lieux délaissés, déjà présente dans Dorsale sur le proche Atlantique, Inventaire et En un temps suspendu.

Au c?ur de Bordeaux demeure l?imposante Bourse du travail, lieu témoin d?une époque où la valeur travail et la lutte des classes étaient moteurs de la construction de la société. Sa façade égratignée, ses étages désertés sont autant de signes que le temps est passé, emportant avec lui la vivacité de l`idéal du Front Populaire. Un groupe visite le bâtiment, le patrimoine semble pousser l`action syndicale aux oubliettes, pourtant le lieu dévoile peu à peu ses habitants, bien vivants et animés par des problématiques sociales on ne peut plus actuelles.

Isabelle Solas est réalisatrice et cadreuse. Suite à des études en anthropologie et en langues orientales, elle intègre la prestigieuse Ecole du Doc de Lussas, en 2005, où elle réalise Dorsale sur le proche Atlantique, et rencontre les différents acteurs issus de ce "village documentaire". Depuis, elle travaille comme cadreuse pour d`autres réalisateurs (Gilles Kerpen, Galés Moncomble, Anna Feillou). Elle réalise son premier long métrage Inventaire en 2009, diffusé à l`Utopia à Bordeaux, et au festival Traces De Vies 2009. Elle se consacre ensuite à la réalisation de films engagés, Anastasie, portrait d?une sans-papier, La Presqu?Île, portrait d?un SDF (Programmation au Festival Traces de Vie 2011), et Voisins, Rencontres et jardins cachés, documentaire sur la question du logement social à Begles, programmé en 2010 au Festival Traces de Vie. Elle travaille également comme vidéaste avec le collectif "Monts et Merveilles", autour d`expériences artistiques et participatives, dans Soupe 3, et Cocktail Manoir, en collaboration avec Florent Ghys, contrebassiste et compositeur, elle réalise des vidéos musicales, 4, et Déviation. Elle travaille actuellement sur un nouveau projet de moyen métrage documentaire en coproduction avec France 3, intitulé PAS DE NOSTALGIE, CAMARADES avec la société Sister productions.

We all have dreams. What happens, however, when those longings radically intrude the taboo that society and culture impose upon us? A hair-raising psychological documentary by Jan Soldat portrays three men whose concealed fantasies will evoke disgust and shock in some viewers. The protagonists wish to be slaughtered, dismembered, and eaten. A more insightful audience member may find references to famous cannibalistic films (“Cannibal Holocaust,” “The Silence of the Lambs,” “Grimm Love”).

Born in Karl-Marx-Stadt (now Chemnitz) in 1984. He has been making short films at Chemnitzer Filmwerkstatt since 2006. He studied film and television directing at the Konrad Wolf College of Film and Television in Potsdam-Babelsberg. He has presented his film many times at Berlinale and the International Film Festival Rotterdam. He won the CineMAXXI Award for best short film at the 8th Rome Film Festival.

Inspiré par l'héritage d'événements historiques réels et de mythes fabriqués, "American Fables" réimagine, par le biais de vignettes vidéo, certains des moments les plus célébrés de l'histoire américaine. J'ai longtemps été influencé par les récits historiques, comiquement unidimensionnels et inexacts, que l'on retrouve dans la plupart des manuels scolaires américains, dans lesquels les perspectives ethnocentriques créent des récits de propagande sur le sentiment d'exception américain. Je suis sans cesse fasciné par la subjectivité de l'histoire, sa vulnérabilité face aux idéaux partisans et au nationalisme, ce qui rapproche plutôt les récits historiques des contes que des faits. C'est ce qui m'a poussé à créer ma propre bibliothèque d'histoire américaine, contrefaite et réimaginée, dans le but de soumettre ma propre voix à cette campagne de désinformation en constante expansion, ancrée dans la rhétorique occidentale.

Federico Solmi est né en Italie, en 1973. Il vit et travaille actuellement à New York (USA). Son œuvre utilise des couleurs vives et une esthétique satirique, afin de dépeindre une vision dystopique de la société actuelle. Ses expositions présentent souvent des installations articulées, composées d'une variété de médias, notamment la vidéo, la peinture, le dessin et la sculpture. Federico Solmi utilise son art comme un moyen de stimuler un dialogue direct avec son public, en soulignant les contradictions et la faillibilité qui caractérisent notre époque. À travers son œuvre, il examine les pulsions et les désirs inconscients de l'être humain, afin de critiquer l'obsession de la société occidentale pour la réussite individuelle, et de montrer les relations contemporaines entre nationalisme, colonialisme, religion et consumérisme. En reconfigurant les récits historiques à travers les époques, il crée des œuvres de commentaire social et politique qui perturbent les mythes définissant la société américaine. En scannant ses peintures à l’aide d’un moteur de jeu, ses vidéos confrontent le public à sa propre réécriture absurde du passé et du présent, mêlant humour noir, sens du grotesque et nouvelles technologies. Il crée une réalité virtuelle carnavalesque où nos dirigeants deviennent des marionnettes, animées par un scénario informatique et des performances de capture de mouvement plutôt que par des ficelles. Il crée une réalité virtuelle carnavalesque, dans laquelle nos dirigeants deviennent des marionnettes, animées non pas par des fils, mais par des scripts et captures de mouvement par ordinateur.

THE BALLROOM With his typical sardonic and irreverent approach, Federico Solmi has orchestrated a masquerade between history’s most feared and beloved leaders in his latest work, ‘The Ballroom’. In the installation, videos display surreal vignettes of a lavish ballroom party that converge multiple narratives of gluttony, gossip, and over the top exuberance. The follies of each overly ambitious leader result in a chaotic festival of drinking, smoking, dancing, and feasting. A vain display of ridiculous costumes, shining with medals and jewelry, promote a visual disorder that coalesces with the indulgent antics of these powerful figures. Rather than reimagining history, the leaders enter into our conceited present-day celebrity culture. They call to fault our own complacency and perpetuation of skewed historical myths and perspectives.

Solmi’s elaborate installations combine 3D animation and video game technology with paintings, drawings, and kinetic sculptures. Bright colors and a satirical aesthetic portray a dystopian vision of our present day society. Through an intricate process in which technology and hand-painting merge into an organic whole, his unique approach renders the most loathed aspects of modern life. With garish imagery and mesmerizing movement, Solmi expresses a harsh criticism toward the system that approves and trusts without questioning the fragile foundation on which our culture and post-modernist society is based. Federico Solmi, (lives and works in New York). In the year 2009, Federico Solmi was awarded with the John Simon Guggenheim Memorial Fellowship in the category of Video & Audio by the Guggenheim Foundation of New York. He is currently a visiting Professor at Yale University School of Art, New Haven (CT). Solmi has been featured in solo museum exhibitions at the Haifa Museum of Art, Israel (2016) Museo de Arte Contemporaneo del Zulia, Maracaibo Venezuela (forthcoming), and the Centro Cultural Matucana 100, Santiago, Chile (2015). His work has been included in several international Biennials, including the Frankfurt B3 Biennial of Moving image (2015), the First Shenzhen Animation Biennial in China (2013), the 54th Venice Biennial (2011), and the Site Santa Fe Biennial in New Mexico (2010).

In Chinese Democracy and the Last Day on Earth Federico Solmi aims to lampoon the contemporary society and the self–destructive nature of mankind. In contrast with their playful faux-naïve aesthetics, the videos indict a male dominated, hierarchal world controlled by corrupt, arrogant dictators, politicians, businessmen as forces behind the disintegration of ethical and moral values.

BIOGRAPHY Federico Solmi (Italy, 1973) currently lives and works in New York. His exhibitions, which often combine articulate installations composed of different media such as video, drawings, mechanical sculptures and paintings, use bright colors and a satirical aesthetic to portray a dystopian vision of our present day society. Irreverent, surrealistic, the videos and the works by Federico Solmi are as he is: extravagant, rowdy and ironic. They are satires about the evilness and the vices that affect contemporary society and mankind. The artist uses images culled from the video game industry, pop culture, and the Internet and collages them with a historical influence to produce original artworks about the seemingly disparate subject at hand. The universe that Solmi likes to represent is the exaltation of a present that is crumbling apart. His work is a criticism of a system that approves and trusts without questioning the fragile foundation on which our culture and post-modernist society is based. In the year 2009, Federico Solmi was awarded by the Guggenheim Foundation of New York with the John Simon Guggenheim Memorial Fellowship in the category Video & Audio. Solmi`s works has been exhibited in several international Biennials, such as First Shenzhen Animation Biennial in China (2013), the 54th Venice Biennial (2011), and Site Santa Fe Biennial in New Mexico (2010). His works have been exhibited and screened in the following museums and institutions for contemporary art: Centre De Pompidou, Palais De Tokyo, Paris; Drawing Center, New York; Reina Sofia National Museum, CA2M Centro De Arte Dos De Mayo (upcoming), Italian Cultural Institute, Madrid; Haus der Kulturen der Welt, Berlin; Herzliya Museum of Contemporary Arts, Israel; OCT Contemporary Art Terminal, Shanghai; Australian Center of Moving Images, Melbourne; Victoria Memorial Museum, Calcutta, India; Palazzo Delle Esposizioni, Rome, Palazzo Delle Belle Arti, Naples, Italy Solmi`s video have been screened in several film and video festivals around the world including the Kassel Documentary film and video festival; Tina B, Prague; Les Rencontres Internationales, Paris, Madrid, Berlin; The London International animation festival; Loop Barcelona and others. Federico Solmi has given lectures on his work in several universities and art schools in the United States and Europe, including Yale University in New Haven, School Of Visual Arts in New York, and Accademia di Belle Arti Brera and Universita` Cattolica in Milan.

"A Song of Tyranny", is the first video episode of the Trilogy entitled Chinese Democracy and The Last Day On Earth, a project by Federico Solmi, which was commissioned by the Guggenheim Foundation of New York after the artist was awarded the John Simon Guggenheim Fellowship for video. In this swarming animation, the artist investigates the self destructive nature of mankind through the examples of political dictatorship and authoritarian behaviors. Beyond the apparent Manichean character of such a vision, the video is articulated as a fictitious portrayal or the hagiography of an imaginary leader of the mid-21st century, idolized by his crowd of subjects. Solmi`s playful aesthetics integrate a series of visual metaphors to present viewers with a comedic-grotesque parabola on power and its excess. This sarcastic and irreverent tone allows Solmi to target the epitome of human folly, greed, and thirst for power, preventing a simple reproduction of the dichotomic good versus evil. A Song of Tyranny, centers on the protagonist in the phase of becoming a dictator while he is permeated with values and models that will influence his successive actions and decisions in the process of rising to power. Solmi?s complex technique combines traditional hand drawn animation with digital models, utilizing computer gaming engines. The result is an absolutely unique hand-made texture within a real-time 3D framework, created in collaboration with Australian based 3D artist, Russell Lowe.

Federico Solmi (Italy in 1973), currently lives and works in New York. His exhibitions, which often combine articulate installations composed of different media such as video, drawings, mechanical sculptures and paintings, use bright colors and a satirical aesthetic to portray a dystopian vision of our present day society. Irreverent, surrealistic, and sexually explicit, the videos and the works by Federico Solmi are as he is: extravagant, rowdy and ironic. They are satires about the evilness and the vices that affect contemporary society and mankind. The artist uses images culled from the video game industry, pop culture, and the Internet and collages them with a historical influence to produce original artworks about the seemingly disparate subject at hand. The universe that Solmi likes to represent is the exaltation of a present that is crumbling apart. His work is a criticism of a system that approves and trusts without questioning the fragile foundation on which our culture and post-modernist society is based. In the year 2009, Federico Solmi was awarded by the Guggenheim Foundation of New York with the John Simon Guggenheim Memorial Fellowship in the category Video & Audio. Solmi?s videos were featured in the 54th Venice Biennial, in the exhibition entitled ?Italians do it better?. His work was included in the year 2010 at the Site Santa Fe Biennial, an exhibition curated by Sarah Lewis and Daniel Belasco. His work has been exhibited in the following museums and Institutions for Contemporary art; Centre Pompidou, Paris, Reina Sofia National Museum, Madrid, Drawing Center, New York; Haus der Kulturen der Welt, Berlin, CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, National Center for Contemporary Art, Moscow, Australian Center of Moving Images, Melbourne, Victoria Memorial Museum, Calcutta, India, Contemporary Art Center of Rouboix, Palazzo Delle Arti, Naples, Palazzo Delle Esposizioni, Rome, Italy. In addition, his video animations have been screened in several film and video festivals, such the Kassel Documentary film and video festival, Tina B, Prague, The London International animation festival, Loop Barcelona, IndieLisboa, Lisbon, Impakt Film and Video festival, Utrecht.

Douche Bag City is a video installation of 24 drawing animated film. It was conceived by the artist to be a satire about the current world economic crisis. The main character ?Dick Richman? is a greedy, dishonest, and selfish Wall Street employee who has been banished to live in Douche Bag City. Douche Bag City is a hopeless place, where the greedy villains of society are imprisoned for their atrocities committed against the community. The video is made of several chapters. In the final version of the installation, 24 videos/episodes will be playing simultaneously; each episode represents a mission for the main character. The ultimate goal of the protagonist ? Dick Richman? is to survive different challenges, but the drawing animated /video games are set by the artist in a way that the main character ?Dick Richman? cannot win. For each video I used a combination hand-made drawings, video game technologies, 3D and 2D animation. The installation was made in collaboration with Russell Lowe, an Australia-based 3D artist and professor at the New South Wales University in Sidney.

Federico Solmi was born in Bologna, Italy in April 1973 and currently lives and works in New York. His exhibitions, which often combine articulate installations composed of different media such as video, drawings, mechanical sculptures and paintings, use bright colors and a satirical aesthetic to portray a dystopian vision of our present day society. Irreverent, surrealistic, and sexually explicit, the videos and the works by Federico Solmi are as he is: extravagant, rowdy and ironic. They are satires about the evilness and the vices that affect contemporary society and mankind. In the year 2009, Federico Solmi was awarded by the Guggenheim Foundation of New York with the John Simon Guggenheim Memorial Fellowship in the category Video & Audio. Federico?s work has been featured in the following museums and Institutions for Contemporary art; Santa Fe Biennal (upcoming June 2010), Centre Pompidou, Paris, Drawing Center, New York; Haus der Kulturen der Welt, Berlin, National Center for Contemporary Art, Moscow, CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, Australian Center of Moving Images, Melbourne, Victoria Memorial Museum, Calcutta, India, Contemporary Art Center of Rouboix, Palazzo Delle Arti, Naples, Palazzo Delle Esposizioni, Rome, Italy.

« King Kong and the End of the World » (2005-2006) est un film d?animation dessiné à la main, sensationnel et sarcastique, basé sur le film King Kong original, paru en 1933. Dans cette version, King Kong (interprété par l?alter ego de l?artiste) détruit New York en utilisant comme arme le Guggenheim Museum, avant de grimper en haut de l?Empire State Building où il urine, puis il mange des courtiers de Wall Street au déjeuner, et se bat avec la Statue de la Liberté dans l?arène de Time Square. L?artiste utilise King Kong comme allégorie du monde de l?art et de la frénésie d?argent de la culture urbaine. Dans ce monde, l?art lutte contre son rôle d?objet à vendre. Les idées sur la nature de l?argent, la technologie, le naturel envisagé comme « fait par l?homme », viennent se mêler au minutieux dessin à la main réalisé image après image.

Federico Solmi est né à Bologne (Italie) en 1973, vit et travaille actuellement à New York (USA). Ses expositions, qui combinent souvent des installations articulées, composées de différents médias comme la vidéo, la sculpture mécanique et la peinture, utilisent des couleurs brillantes et une esthétique satiriste pour offrir une image de la société actuelle sous forme d?une dystopie. Dans ses univers, le pouvoir est souvent la némésis, et se manifeste sous l?aspect elliptiques du Guggenheim Museum (« King Kong and the End of the World », vidéo, 2006) ou des chaussures Prada luisantes du Pape (« The Evil Empire », vidéo, 2007). L?artiste utilise des images issues de l?industrie du jeu vidéo, de la culture pop et d?Internet et en fait des collages avec une influence historique afin de produire des ?uvres d?art originales sur le sujet, apparemment disparate, en question. Ce qui résulte de la combinaison de tous ces éléments est un art humoristique, absurde, qui fait une critique cinglante de notre société contemporaine.