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The Henia/Kamiare aboriginals inhabited the current territory of the Sierras de Córdoba (Argentina) for at least 1600 years. In 1575, the resistance led by cacique Onga was cornered and defeated by the spanish conquering troops. After resisting the spanish in the Charalqueta mountain (named after the God of Joy), hundreds of Hênia-Kâmîare women, children and elders jumped off the top of the Colchoquí mountain in order to avoid being enslaved. The Charalqueta mountain was renamed as Colchiqui, (after the God of Fate and Sadness). This was the biggest collective suicide in the territory currently known as Argentina.

Pablo Mazzolo was born in Buenos Aires in 1976. He graduated in Image and Sound Design at University of Buenos Aires. His films have participated in festivals like Rotterdam film festival, New York Film Festival: Views from the Avant Garde, Ann Arbor film Festival, Edinburgh Film Festival, Videoex, Chicago Underground, among others. He was also invited to attend in various film performances and solo presentations in museums like Rufino Tamayo (Mexico), MALBA (BsAs, Arg), MassArt (Boston,USA), FAMU (Ptague, Cz Rep.), San Francisco cinematheque, Excentric (Barcelona), La Mostra (S8) a Coruña. His work has been prized in Ann Arbor, Media City, National Fund of Ars, The Bienal of Moving Image, BAFICI, among others.

She is a sourse of my inspiration. She gives my life a meaning. I am part of her and she is part of me. We can`t live without each other because she gives ideas for my artistic creation.. She is my muse.

Born in 1965 in Viljandi, Estonia. Studied in Estonian Academy of Arts, MA 1995 Lives and works in Tallinn, Estonia. Works with a wide range of media including photography, sculpture, animations, painting and text. Mäetamm tells us the stories which happen behind the closed doors and pulled curtains of the intimate territory we called home. Mäetamm portrays the family as a little society -relaying through a dark humor the petty moments of daily life - and exploring the way our society manipulates the family dynamics through the macrocosms of economy, consumerism, and ?quality-of-life? standards. Inspired by his own private life and the recurrent feeling he could fail to preserve the balance in his existence, Mäetamm?s work explores the grey area where ambiguous feelings of being in control and being controlled merge. Marko Mäetamm has exhibited internationally and represented Estonia at the 52nd Venice Biennial in 2007. Contact: maetamm@yahoo.com HOMEPAGE: www.maetamm.net

Cette ?uvre parle de la façon dont les choses peuvent très souvent sembler différentes de ce qu?elles sont en réalité, et de la façon sont les choses sont absolument différentes de ce qu?elles semblent. Un beau vendredi soir, au début du mois de mars, l?auteur a emmené sa jolie femme et ses deux merveilleux enfants dans leur petite Honda Civic afin d?aller rendre visite à ses parents dans le Sud de l?Estonie...

Marko Mäetamm est né dans la petite ville de Nuia, au sud de l?Estonie. L'idée de devenir artiste lui est subitement venue, comme tombée du ciel, à l?âge de 18 ans. Il a étudié la gravure à l?Académie Estonienne des Arts, où il a obtenu sa licence en 1993 et son master en 1995. Marko Mäetamm a commencé à exposer alors qu?il était encore étudiant. Ses premiers travaux se sont basés essentiellement sur les techniques de gravure après quoi il est passé à la peinture, qu?il trouvait plus directe. À un certain moment, le texte est devenu essentiel dans ses projets. Puis, suivant ses idées, il a commencé à travailler avec les images en mouvement. À l?heure actuelle, Marko Mäetamm travaille en mélangeant différents types de médias. Il fait des photos, des objets, et des animations, il peint et produit des textes et mélange le tout dans ses installations. En 2007, Marko Mäetamm a eu la chance de représenter l?Estonie à la Biennale de Venise (Italie), avec le projet « Loser's Paradise », ce qui a fortement influé sur sa carrière artistique.

Un homme muni d?une hache court dans son appartement. Il semble être à la poursuite de sa femme et de ses deux enfants. Ces derniers essaient de se cacher derrière le canapé, le lit, le placard ou encore sous la couverture, mais l?homme à la hache parvient toujours à les trouver, et quelque chose se passe. Chaque fois l?homme se voit encore davantage couvert de sang, tandis que la femme et les enfants semblent se porter de mieux en mieux. Et c?est sans fin.

Son travail a été exposé au Pavillon estonien aux 50ème et 52ème Biennale de Venise, au Musée d?art contemporain deTallinn, à la kArton Gallery à Budapest, au centre d?art contemporain Rekalde, à Bilbao, au Musée d?art de Dubrovnik, Croatie, à la Nettie Horn Gallery, Londres, à la KunstRaum de Linz, Autriche, au centre d?art contemporain de Vilnius, Lituanie, à la Pinakothek der Moderne de Munich, au KUMU Art Museum, Tallinn, à la biennale Balticum 2006 au Rauma art museum, au Kunstraum Düsseldorf, Allemagne, au Art Hall et au KUMU art center de Tallinn, à Kiasma, au Musée d?art contemporain d?Helsinki, Finlande, au centre d?art contemporain de Vilnius, Lituanie.

Sanctuary Station traces a series of encounters with women and youth who have cultivated intrinsic attachments to the various life forms that inhabit the redwood forests and remote terrains of northwestern California. Oscillations between the desire for solitude and the need for collaboration recur through an album-like progression of personal stories and actions. These encounters are framed through the poems of Mary Norbert Körte (1934-2022), an ex-nun who built her own cabin deep in the forest, adjacent to a former logging railroad. Körte’s life and work bear witness to the daily phenomena of internal and external experience. Depictions of ongoing forest defense movements, collective and personal rites of mourning, and intimate everyday routines evoke cycles of life unfolding within this intricately interwoven environment.

Brigid McCaffrey is a Los Angeles-based artist and filmmaker whose work documents environments and people in states of flux. Her films explore extremes of autonomy and coexistence experienced by individuals who have distinct relationships with the land. Often taking shape as nuanced portraits, the films respond to the physical and emotional changes of their subjects while fusing representations of self and place. She has exhibited at venues such as the Hammer Museum, the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, the Harvard Film Archive, the New York Film Festival - Projections, the Rotterdam International Film Festival, and the Whitechapel Gallery in London, among others. Her work was presented by Ballroom Marfa for the 2015 edition of Artists’ Film International and she was a featured artist at the 2016 Flaherty Seminar. McCaffrey was named a Guggenheim fellow in Film & Video in 2019.

A l?espace perspectif et illusionniste conventionnel qui rabat le cinéma sur la peinture, les films de McCall substituent un espace projectif qui le ramène à la sculpture. Désormais le film n?est plus cette image projetée qui creuse dans la surface du mur une profondeur fictive mais un champ réellement constitué qui se confond avec l?événement de la projection même. C?est ainsi que les faisceaux lumineux découpés dans la fumée d?Anthony McCall, développant les propriétés proprement plastiques du film, passent les frontières de l?histoire du cinéma pour rejoindre les propositions minimalistes de la sculpture des années 70 et s?inscrire à côté des structures géométriques de Robert Morris, Saul Le Witt, ou Carl Andre, des champs colorés de Dan Flavin ou des fils de coton coloré tendus dans l?espace de Fred Sandback. Au commencement des années 2000, après un silence de 20 années et alors que les présentations des Solid Light Films se multipliaient aux Etats-Unis comme en Europe, Anthony McCall inaugurait une nouvelle série d??uvres réalisée non plus sur support argentique, mais en numérique, l?ordinateur lui permettant de concevoir des tracés complexes, et d?explorer les propriétés plastiques des lignes ondulantes : alors que les pièces géométriques des années 70 se fondaient sur un principe d?équivalence entre la ligne et le plan, les pièces néo-géométriques des années 2000 jouent de la réversibilité des formes, des échanges entre intérieur et extérieur ou encore de l?équivalence des vecteurs horizontaux et verticaux. Simultanément, la substitution aux machines à fumées traditionnelles de brumisateurs diffusant de la vapeur d?eau produisant une texture plus uniforme à plus grand échelle permettait à McCall de démultiplier la taille de ses pièces désormais conçues A l?espace perspectif et illusionniste conventionnel qui rabat le cinéma sur la peinture, les films de McCall substituent un espace projectif qui le ramène à la sculpture. Désormais le film n?est plus cette image projetée qui creuse dans la surface du mur une profondeur fictive mais un champ réellement constitué qui se confond avec l?événement de la projection même. C?est ainsi que les faisceaux lumineux découpés dans la fumée d?Anthony McCall, développant les propriétés proprement plastiques du film, passent les frontières de l?histoire du cinéma pour rejoindre les propositions minimalistes de la sculpture des années 70 et s?inscrire à côté des structures géométriques de Robert Morris, Saul Le Witt, ou Carl Andre, des champs colorés de Dan Flavin ou des fils de coton coloré tendus dans l?espace de Fred Sandback.

"Commercial Rhetoric Art Project" utilise la matière visuelle destinée aux marchés domestiques afin de créer une oeuvre recontextualisée en un énoncé social, politique et économique. En démantelant et réorganisant les messages commerciaux censés nous séduire, nous clients potentiels, le projet amène les spectateurs à questionner la rhétorique qui tente de coloniser nos foyers. Stratégie de collage, de juxtaposition, de satire et de parodie servent à inverser le mouvement dominant de la propagande publicitaire qui s'invite dans nos espaces privés. Une série de collages créés à partir de prospectus, des assemblages d'emballages de produits et de nourriture, reconfigurés dans des habillements marqués, des publicités digitalement remixées, des sites de web et des "spams" (des courriers indésirables) - "Commercial Rhetoric Art Project" utilise toute publicité indésirable dans son fourrage. Certains de ces objets fabriqués sont purement esthétiques, des critiques, consommateurs de culture et autres esquissent une fonctionnalité alternative. Plus de 100 publicités destinées à la télévision ont été enregistrées, éditées et remixées en 7 vidéos digitales courtes. Cette gamme de compilations dont la longueur varie de 30 à 90 secondes emploie différents montages visuels et structures narratives. Avec des thèmes récurrents tels que le désir sexuel, le drame familial, fétichisation du produit, nourriture, luxure et figure d'autorité de persuasion qui sont extraites pour en dénoncer le ridicule.

Steven McCarthy a obtenu une Maitrise de Graphisme (Design) à l' Université de Stanford, un programme hybride entre le "Département d' Art et d' Ingénierie" et une "Licence des Beaux-Arts" specialisé dans la sculpture et dessin à l'Université de Bradley. Il est actuellement professeur-associé de studio-graphique à l'Université du Minnesota, Twins City Campus. Ses actuelles recherches créatives se soucient de raconter des histoires et de fournir des expériences intéractives dans l'environnement digital de nos jours. Toutefois, son souci premier concerne la condition humaine- la technologie et les moyens lui importent peu. Le graphisme autodidacte de Steven a été publié dans "Graphis Poster", le "American Institute of Graphic Arts annual" et dans "Provocative Graphics: The Power of the Unexpected in Graphic Design". Ses registres sont dans de nombreux collections dont: le "Museum of Modern Art", le "Banff Centre" au Canada, le "Sackner Archive of Visual and Concrete Poetry", et la "Houghton Library" à l' Université de Harvard. Ses oeuvres intéractives ont été performées /exposées internationalement, avec des représentations récentes au "VideoFormes", France, FILE 2003, 2004 & 2006 (le Festival International du Langage Electronique), São Paulo, et le Festival d'Images 2005,de Toronto. Présentations récentes et conférences de Design dont "Declarations", Montréal (2001), "Mind the Map", Istanbul (2002), "Hidden Typography", Londres (2003), "Politics of Design", Belfast (2004), New Views, Londres(2005) et "Wonderground", Lisbonne (2006). Steven a aussi publié des articles en tant qu'examinateur-expert dans des journaux académiques. Pour en savoir plus sur Steven et son oeuvre, visitez son site personnel: http://www.episodic-design.com.

"I prayed to the wrong god for you", de Tiona Nekkia McClodden, combine des éléments vidéo et sculpturaux dans un rituel très personnel, dédié à Shango, une divinité (ou Orisha) de la religion afro-cubaine Santería/Lucumí, dont les origines remontent au peuple Yoruba du Nigeria. Dans ce projet, Tiona Nekkia McClodden fait converger ses exigences spirituelles en tant que prêtresse d'Ogun et son travail artistique, pour se remettre d’une période d'épuisement personnel, et pour interroger la relation entre christianisme et colonialisme qui a été imposée à ses ancêtres: des Africains réduits en esclavage, les Noirs du Sud. Pour commencer ce projet, elle a coupé un cèdre (un bois hybride, différent du cèdre pur traditionnellement associé à Shango), et a sculpté six outils dans ce bois. En voyageant avec ces objets à travers les États-Unis, Cuba et le Nigeria, l'artiste s'est engagée dans un rituel avec Shango, utilisant le casque exposé ici comme témoin de cérémonie. Les vidéos, qui retracent le travail et le temps consacrés à ce projet, offrent un compte rendu de la dévotion diasporique, et de la signification des objets en tant que conteurs d'histoires.

Tiona Nekkia McClodden [elle/la] est artiste visuelle, réalisatrice et curatrice. Son travail s'appuie souvent sur une pratique de la citation, qui explore et critique des questions au croisement des notions de race, de genre, de sexualité et du commentaire social. Son approche interdisciplinaire traverse ses films documentaires, ses vidéos expérimentales, sa sculpture et ses installations sonores. Elle a exposé et présenté ses œuvres, notamment au Institute of Contemporary Art, Philadelphie (USA); au MoMA - Museum of Modern Art, New York (USA); au Whitney Museum, New York (USA); au MOCA – Museum of Contemporary Art, Los Angeles (USA); au MCA – Museum of Contemporary Art Chicago (USA); et au MoMA PS1, New York (USA). Elle a récemment reçu le Bucksbaum Award - elle a été choisie parmi soixante-quinze artistes, dont les œuvres ont été présentées dans le cadre de la 2019 Whitney Biennial, New York (USA). Entre autres prix et bourses, elle a reçu la 2019 Guggenheim Fellowship in Fine Arts; la bourse Keith Haring Fellowship in Art and Activism 2018-2019; le Louis Comfort Tiffany Foundation Award 2017, Cold Spring Harbor (USA); et la Pew Fellowship in the Arts in Philadelphia, Philadelphie (USA). Tiona Nekkia McClodden a été curatrice des expositions itinérantes "A Recollection. + Predicated.", présentée dans le cadre de "Julius Eastman: That Which is Fundamental", et, plus récemment, "There Are No Shadows Here: The Perfect Moment at 30". Elle vit et travaille à Philadelphie (USA).

‘Agony to Ecstasy’ looks at the scope of the socio-addictive condition within Scottish people. It focuses on the relationship between pain and pleasure, between stress and relief and between entrapment and escape. The film in many ways, is a dissection of two spaces – euphoric clubbing and silent Scottish nature, offering a perspective on our need for salvation within both. Neurologically, there is very little difference between the brain addicted to something, as to when falling in love. As a result, the film fluctuates between these neurological and personal perspectives on addiction and connection – where their conflating and often paradoxical relationship are juxtaposed. The film is made with reflection as its key focus. Made during the middle of the first lockdown, it uses the collective state of withdrawal and loneliness to observe realities within clubs. A slow-motion strobe follows the film throughout, as a visual deconstruction of the joy, yet ghostly inhibition of the people in the shots. Vulnerability was key in Dej’s recollections – his words occupy the emotional worlds of mental health, stigma and the ecstasy of clubbing, without having a particular stance or opinion. Ultimately 'Agony to Ecstasy' looks beyond fixed stereotypes of addicts, and into the dependencies, shame and love between Scottish people.

Cal Mac is a visual artist working and living in Glasgow. Working between sculpture print and video, he explores themes of belonging and addiction through sociological, scientific and visual dialogues. His work often looks at clubbing and natural environments, to unravel truths about our current condition and need for connection. His work has been screened at Atlas Arts (skye), The Royal Scottish Academy (Edinburgh), Limerick Institute of Technology, and online for Lift off Festival, and Film and Video Umbrella. Following his first commission from Film and Video Umbrella in 2020, Mac has done residencies at Cove Park and Edinburgh Sculpture Workshop. In 2021 Mac was shortlisted for the Royal Scottish Academy Morton Award.

In Ernestine and me (2012) my alter-ego ?Whitey? presents herself as a cultural object to a range of contemporary Jamaicans, exposing their varied reactions to this forced encounter. This experimental video offers a double take on contemporary Jamaican life for a returning white female of part- Jamaican origin; with no living Jamaican relatives remaining, and very little information about my Jamaican heritage. Ernestine was my black great-grandmother, which I only discovered two years ago in a family photograph found at my late grandfather?s house upon my return to the island.

100 word bioraphy Born in Kingston (Jamaica) in 1981 to a French mother and a Jamaican father and educated in France and the U.K., I moved back to Jamaica in 2011 after completing a Photography M.A. at the London College of Communication in 2010. Since this sudden return, I have indulged my alter-ego Whitey in her appropriation of this space of utter difference; Jamaica; by exploring trans-location and physical expressions of emotional states in the search for my cultural identity. My practice has incorporated my body, remapping it within the tropical picturesque through photographic tableaux, performances and multi-layered videos.

Media performance artist Dayna McLeod asked ChatGPT to write an increasingly snarky and heated dialogue between Roland Barthes and Michel Foucault about The Death of the Author, inspired by Barthes' famous essay. This script is performed by AI actors of the theorists, with Dayna’s AI doppelgänger, DaynAI, acting as host to their debate.

Dayna McLeod is a queer performance-based media artist. Her work often uses humour and capitalizes on exploiting the body’s social and material conditions. Her video and performance work have been presented at the Impakt Festival in Utrecht Netherlands, the Mardi Gras Festival in Darlinghurst Australia, MIX Brasil Festival Of Sexual Diversity in São Paulo Brazil, the Modern Art Museum in Warsaw Poland, Le Centre d’art contemporain in Paris, the PHI Centre, OFFTA, and Rendez-vous du cinéma québécois in Montreal, the Summerworks Theatre Festival in Toronto, Sporobole in Sherbrooke, and Performatorium, Queer City Cinema’s performance festival in Regina. www.daynarama.com

In Spark From a Falling Star, an odd, unseen alien presence arrives, one that, beyond the usual fondness for abduction, transforms people into objects, public spaces to private real estate. At home in a world of windows and reflections, it floats unmoored through the real and virtual alike. While the world is devoured in its never-ending thirst for conquest, every zone becomes imprinted by the arrival. Where, finally, are you going to run?

Ross Meckfessel is an artist and filmmaker who works primarily in Super 8 and 16mm film. His films often emphasize materiality and poetic structures while depicting the condition of modern life through an exploration of apocalyptic obsession, contemporary ennui, and the technological landscape. His work has screened internationally and throughout the United States including in Toronto International Film Festival, New York Film Festival, Open City Documentary Festival, San Francisco Cinematheque’s CROSSROADS Film Festival, Hong Kong International Film Festival, Media City Film Festival, and Curtas Vila Do Conde among others.

When you question the very nature of your physical reality it becomes much easier to see the cracks in the system. Estuary charts the emotional landscape of a time in flux. Inspired by the proliferation of computer generated social media influencers and the growing desire to document and manipulate every square inch of our external and internal landscapes, the film considers the ramifications of a world where all aspects of life are curated and malleable. As time goes on all lines blur into vector dots.

Ross Meckfessel is an artist and filmmaker who works primarily in Super 8 and 16mm film. His films often emphasize materiality and poetic structures while depicting the condition of modern life through an exploration of apocalyptic obsession, contemporary ennui, and the technological landscape. His work has screened internationally and throughout the United States including in Toronto International Film Festival, New York Film Festival, San Francisco Cinematheque’s CROSSROADS Film Festival, Internationales Kurzfilm Festival Hamburg, Sheffield Doc/Fest, and Curtas Vila Do Conde among others.

Drones and GoPros survey the land while users roam digital forests, oceans, and lakes. Those clouds look compressed. That tree looks pixelated. A landscape film for the 21st century.

Ross Meckfessel is an artist and filmmaker who works primarily in Super 8 and 16mm film. His films often emphasize materiality and poetic structures while depicting the condition of modern life through apocalyptic obsession, contemporary ennui, and the technological landscape. His work has screened internationally and throughout the United States including Projections at the New York Film Festival, Wavelengths at Toronto International Film Festival, San Francisco Cinematheque's CROSSROADS Film Festival, Internationales Kurzfilm Festival Hamburg, Antimatter [Media Art], Iowa City International Documentary Film Festival, and The Artifact Small Format Film Festival where he was awarded best 16mm film.

Mehdi meddaci was born in 1980. He is a graduate of ?Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains? and of ?l?Ecole Nationale Supérieure de la Photographie d?Arles?. His works were shown in numerous exhibitions and festivals : le Grand Palais (Paris, 2008), « Festival Internacional de Artes et Culturas digitales de Gran Canaria » (Canary Islands, 2008) , Festival International du Cinéma Méditerranéen of Montpellier (2008), « FRAC PACA Marseille » (2007).

Comme un geste résiduel et diégétique.Comme un geste vers ce mur liquide qu?incarne la mer Méditerranée. Qui n?a jamais lancé une pierre afin de déclencher une vibration du monde ? Ou du moins de son image, pour encore pouvoir réactiver un lien sensible avec ce qu?il reste du réel? C?est alors que dans un espace en circuit fermé, entre l?image et le son, entre construction et déconstruction, immergé et émergé, que peuvent malgré tout coexister deux rives et quelques personnes lançant une pierre à l?endroit d?un manque.

Mehdi Meddaci né en 1980 Diplomé du Fresnoy Studio National des Arts Contemporains Diplomé de l?Ecole Nationale Supérieure de la Photographie, Arles Expositions Dec. 2008 Exposition collective «Dans la nuit, des images», Grand Palais, Paris Nov 2008 Festival internatioal de artes y culturas digitales de Gran Canaria Las palmas, îles Canaris Oct. 2008 festival international du cinéma Méditerranéen de Montpellier Festival «Temps d?images» la ferme du buisson, Paris Juin 2008 Exposition collective Panorama 9-10 Le Fresnoy studio national des arts contemporains Tourcoing Oct. 2007 Festival international du cinéma Méditerranéen de Montpellier Festival «Temps d?images» la ferme du buisson, Paris Juin 2007 Exposition collective Panorama 8 «Présumés coupables !» Le Fresnoy studio national des arts contemporains Tourcoing Janv. 2007 Exposition collectives «Duels» Frac PACA Marseille Sept. 2006 Montpellier Quartiers Libres, Parc du mas de la Paillade Fev. 2005 Exposition collective «Ludotype», Espace Van Gogh, Arles Sept. 2003 OFF du Printemps de Septembre Toulouse

Une balade virtuelle dans des archives cinématographiques oubliées.

Jurij Meden est né en 1977. Il est réalisateur, vidéaste, écrivain et curator.

A compressed version of idizwadidiz.

Isiah Medina was born in 1991 in Winnipeg, CANADA. His movies include Semi-auto colours (2010), 88:88 (2015), and idizwadidiz (2016).

You cannot pay your bill. – . Your heat and lights are cut off. -. You pay. The clocks initially flash 88:88, –:–. You set the clocks. You cannot pay. -. You pay. 88:88. –:–. Repeat. 88:88, –:–. Cut. -. You stop setting your clock to the time of the world. 88:88, –:– . Subtracted: – : you make do with suspension. 88:88, –:–, -.

Isiah Medina was born in 1991 and he lives in Toronto.

A philosopher is the child born under the divorce of being and thinking

Isiah Medina was born in 1991, went to university to receive debt and will always have been rabble.

"19: Victoria, Texas" est un court-métrage expérimental, abordant un incident qui s'est déroulé en mai 2003 près de la ville de Victoria (Texas) et au cours duquel 19 immigrés clandestins sont morts, enfermés dans la remorque d'un camion. Pas moins de 100 personnes, originaires du Mexique ou d'Amérique centrale, sont restées bloquées pendant des heures dans un camion par une chaleur étouffante, dans ce qui devint le cas le plus meurtrier de trafic humain de l'histoire des Etats-Unis. Parmi les victimes figurent un petit de garçon de cinq ans et son père. Soutenu par un design sonore particulièrement riche et des images tirées de journaux télévisés, "19 Victoria, Texas" rend hommage aux 19 victimes et retrace l'expérience sombre et claustrophobe de cette tragédie humaine.

Originaire du Texas, Dolissa Medina est une cinéaste, écrivain et administratrice établie à San Francisco. Elle a réalisé sept court-métrages, dont ?Cartography of Ashes? (2006), ?A Lineage of Kind Men (2004), ?Fight or Flight? (2002) et ?Grounds? (2000). Dolissa Medina a reçu différentes bourses: de la San Francisco Arts Commission, du Pacific Pioneer Fund, de la Bay Area Video Coalition (SF) et de la Film Arts Foundation (SF). Elle est titulaire d'un diplôme de journalisme de l'Université d'Etat de San Francisco.

Russian North. People who are living in that district pick in the bog the ?space garbage?, sell the scrap metal or use it in the housekeeping and farming. In Arkhangelsk area, 45-years since nuclear bomb experiments, life is going its ordinary way.

Pavel Medvedev was born in 1963 in Orenburg (Russia). In 1990 he a full course of studies in LGIK (Leningrad?s Krupskaja Institute of Culture), specialized in film production at the Gorin?s workshop. Since 1990 till 1992 studied at the Higher Program of Television Production (workshop of V. Sarukhanov). Since 1991 till 2000 he was working at the TV and Radio companies of Saint-Petersburg as a producer. Since January till May 2001 was producing the serial of documentaries ?Petersburg?s short stories?. In February 2002 he has made his first professional documentary film ?Vacations in November?.

Athene 2018. 42% des jeunes sont au chômage. Cinq, jeune, non-acteurs attendent l’entrance de leur vie mature, indépendante. Ils represent leur vrai vie tandis qu’ils se bougent dans un narratief fictionelle. Dans cela ils jouent ensemble dans des Airbnb’s luxueux pour oublier leur futures futile. Regardant leur ville ils rêves d’autres mondes ou les choses peuvent être différents.

Louisiana Mees (06.12.1994, Hasselt, Belgium) lives and works in Bruxelles, Belgium. Her childhood was a patchwork of worldly journeys she made with her mother. Her youth was filled with dans lessons and theatre. In January 2019 she graduated as Master in the Audiovisual Arts with great distinction and announced one of the legates of the Royals Academie of Fine Arts (Ghent). Currently she is studying International Politics, Conflict and Development at UGent, Belgium.

In his famous essay Mythologies(1957), Roland Barthes demystified the French colonial imperialism by means of a photograph that appeared on the cover of Paris-Match. This picture, that became an icon of modern criticism, shows a colonial cadet on guard.Vita Nova unveils the biographical ghost underneath the surface of this mythical picture. When recited, Barthes words reveal slowly their hidden meaning: the unmeasurable weight of an historically burdened heritage. Vita Nova is a spiral movie in which History (Histoire), now chaotic in its temporality, returns in a more certain form as story (histoire). The found Time of history is here the survival to the image. It is the now, the temporality of the living, the untimeliness of the reciter.

Vincent Meessen (U.S.A., 1971; lives in Brussels) produces work at the crossroads of the documentary and conceptual art, whose codes he manipulates in order to create hybrids he calls ?documents of experience?: films, texts, interventions, photographs, etc. He focuses on the cultural appropriation of usages, signs or documents, which he moulds and reshapes as narrative. His work is characterised by a recitative style in formats as diverse as the essay (Vita Nova), the fable (Dear Adviser) and the tale (Les Sociétaires). He has developed a poetics of re-reading and translation, wherein the document is transformed into experience and experience into a document. He often employs collaborative procedures which undermine the authority of the author and privilege the collective understanding of multiplicities. Vincent Meessen?s work has recently been the subject of a solo exhibition at the Stedelijk Museum Bureau Amsterdam (SMBA) and has been presented with the collective Potential Estate at the Brussels Biennial and at M HKA (off-site) in Anvers. His films have been widely screened at venues such as the Jeu de Paume and the Cinémathèque française in Paris, the Museo Reina Sofia in Madrid, the Swiss Institute in New York and in international festivals such as the IDFA in Amsterdam, the IFFR in Rotterdam, the Cinéma du Réel in Paris and Transmediale in Berlin. His films are distributed by par Argos centre for art & media in Brussels.

Six personnages éclairent la nuit dans une ville africaine. Ils portent chacun un mot. Une fois assemblés, ces mots produisent une phrase, indistinctement poétique et cependant politique en même temps. Comme avec les autres projets de Vincent Meesen, "A Broken Rule" est tiré d'une intervention du public puis déformé par la mise en récit filmique de l'artiste, mélangeant les traditionnels codes et conventions. Comme un documentaire sur une expérience, cette vidéo est à la croisé des chemins entre la performance, la fiction, la musique expérimentale et le film documentaire, résultant en ce qui peut être lu comme un appel ou une invitation à une "transformation irrégulière".