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In the course of one day, the flm follows various characters in their local environment, which is infuenced by the presence of an industrial plant. Their individual sights tell about the relation between human being and industry.

Jonas Matauschek 1987 born in Dresden, Germany 2007 – 2014 studies of photography at the Academy of Visual Arts, Leipzig since 2015 Meisterschüler in the class of Prof.Peter Piller, Academy of Visual Arts, Leipzig Emerson Culurgioni 1986 born in Munich, Germany 2007-2009 studies of visual communication at the Free University of Bolzano 2010 - 2014 studies of media art at the Academy of Visual Arts, Leipzig currently Meisterschüler in the class of Prof. Clemens von Wedemeyer, Academy of Visual Arts, Leipzig

Bakhmut, a small city in East of Ukraine, becomes an example of the dichotomy between the Soviet past and the present times. Until it finds the culmination of cultural and political borders in one product: the Soviet Champagne. The precarious, war-driven landscape and the dreams of financial stability dissolve in the remains of the leisure culture from the past.

Leri MATEHHA (b. in Tallinn, Estonia) is an Estonian-German artist and filmmaker. She studied Philosophy and Scandinavian studies before graduating from the Academia of Media Arts in Cologne, Germany with an emphasis on media theory and cinema. Her films and video works have been exhibited and awarded internationally. 2020 she received a development grant by the Wim Wenders Foundations for her debut „W“. 2021/22 she was working as a postgrad researcher in Tel Aviv, Israel with the DAAD grant. She lives and works between Germany, Estonia and Israel.

We live in a globalized world where national and supranational identity has been subsumed by the value and brand image; A world in which politics is written in capital letters on the desks of major companies and ends endorsed in the areas of representation of popular will: the parliaments, with the essential and necessary support of the media, which, in turn, are part of the fabric of these same corporations. However, it is a historical reality, the search for differentiation with respect to the other, from a political and socio-cultural. Today we can hardly distinguish the discourse of national identity distinct of riots, revolts and terrorism, for the sake of a flawed and corrupt information that is confusing the part with the whole in a universal metonymy, and that is where this project address. NATIONAL BUILDING TOOLS is formalized in video format that work as a manual that relates ideological instruments and tools, used to reaffirm a hypothetical national identity, using the techniques and applications specific to the media.

Ramón Mateos. (Madrid1968) Works and lives in Madrid. Graduated from the Faculty of Fine Arts ofthe Complutense University, Madrid. He has participated in numerous solo and group, nationals and internationals exhibitions, and his work is in major public and private collections. Founder and component, until its dissolution in 2006, of the ?EL PERRO? art collective. He has participated in: PROYECTO JUAREZ. Ciudad Juarez, Mexico (2007-2009); INTERFERENCIAS, PhotoEspaña 2008, Casa de America, Madrid, 10 th Istanbul Biennial, Istanbul (2007); FRECUENCIAS in 2008 and 2009 for the Cervantes Institute in Morocco

Le concept de camouflage s'est répandu dans presque toutes nos activités sociales. Au cours du siècle dernier, les entreprises ont progressivement acquis un pouvoir qui dépasse celui des Etats et ont inventé la science du marketing qui déguise les objets sous l'apparence du rêve : nous utilisons tous les marques comme une seconde peau pour nous intégrer au groupe social auquel nous voulons appartenir. Les produits que nous utilisons ne reflètent pas ce que nous sommes mais ce que nous voulons être ou simplement ce dont nous voulons avoir l'air. Le pouvoir économique s'est emparé du sens du mot vision qui signifiait jusqu'à présent "acte notarié de la vérité". Polyespan, Photoshop et la chirurgie esthétique ont fait de notre environnement un parc à thème où les objets, les messages et les corps sont faux. L'expression "Je ne crois que ce que je vois" ne veut plus rien dire aujourd'hui. Nous continuons pourtant à croire ce que nous voyons parce que nous sommes tous des acteurs évoluant sur la même scène, avec des rôles principaux ou secondaires, mais complices à différents niveaux. Le genre militaire s'est aujourd'hui étendu au niveau social. Les grandes chaînes de prêt-à-porter proposent maintenant des motifs camouflage pour l'école ou le travail, l'immobilier prend des airs de bunkers imprenables ou de kibboutz de "territoires occupés", même les véhicules sont contaminés par l'apparence des véhicules blindés. Avec la militarisation totale de nos frontières qui s'est faites sous prétexte de sécurité, nous sommes tous prêts pour une mobilisation générale. Nous ne savons pas quand et où naîtra le conflit, mais nous devons nous tenir prêt. Dans "Thanksgiving Turkey", un général harangue ses troupes et leurs fournit des instructions détaillées grâce auxquelles les soldats pourront, au cours d'un dîner mémorable, conquérir les invités avec la recette de la délicieuse et magistrale "Thanksgiving Turkey" (dinde de Thanksgiving). Mateo Maté, 2007

MATEO MATÉ Born in Madrid (Spain), 1964. Lives and works in Madrid (Spain) www.mateomate.com m.mate@mateo mate.com SOLO EXHIBITIONS 2007-?Paisajes uniformados?. Centro de Arte de Burgos, CAB. Spain. -?Nacionalismo Doméstico?. Galería Llucià Homs. Barcelona. Spain. -"Thanksgiving Turkey". Galería Trinta, Santiago de Compostela. España. 2006-?Cartografías personales?. Sala CAI Luzán. Zaragoza. Spain. -?Nacionalismo Ibérico?. Fundación Encosta, Lisboa. Portugal. -?Fronteras interiores?. Casa de España, Lima. Perú. 2005 -?Delirios de Grandeza?. Galería Grita Insam. Viena. -?Nacionalismo Doméstico?. Galería Oliva Arauna, Madrid. Spain. 2003 -?Desubicado?. Galería Oliva Arauna. Madrid, Spain. -?Desubicado?. Galerie Six Friedrich & Lisa Ungar, Munich. Germany.

Un film rapide et sale analogue pour accompagner mon morceau audio "Radiance".

Je suis né en octobre 1967 à Saarbrücken en Allemagne et j?ai passé une bonne partie des années 90 comme batteur professionnel à Berlin. En 1998, je suis retourné à Saarbrücken où je travaille aujourd?hui dans le domaine des arts numériques. Depuis 1999, seize de mes albums musicaux ont été publiés par des labels internationaux. En 2002, le magazine britannique The Wire a voté l?album ²frequencyLib³ parmi les 10 meilleurs albums de musique électronique de l?année. Je crée des installations sonores, graphiques, design et j?ai travaillé comme chargé de cours sur les arts numériques et leur conception à la Royal Academy off Art Göteborg, au Backhaus de Weimar, à la University off Arts and Designs HBKSaar à Saarbrücken et au Merz-akademie de Stuttgart parmi d?autres.

Dans ce film, Yuiko Matsuyama s'intéresse à la lumière et aux mouvements qui existent à l'échelle microscopique. Elle essaie notamment d'évoquer métaphoriquement une fleur. Pour la réalisation de ce film, elle a procédé à des surimpressions en utilisant la même pellicule à plusieurs reprises. Cette ?uvre réalisée avec de l?encre de Chine est la quatrième d?une série commencée avec Field en 2000.

Yuiko Matsuyama naît en 1972 à Mehime, au Japon. Elle étudie la psychologie sociale à l´école Tsuda et en 1997 commence à réaliser des films. Yuiko vit désormais à Tokyo. Elle fait partie du collectif ISLANDS.

Conical Intersect, la contribution de Matta-Clark à la Biennale de Paris de 1975, manifestait sa critique de l?embourgeoisement urbain sous la forme d?une incision radicale dans deux immeubles adjacents datant du 17ème siècle qui devaient être démolis, non loin du très contesté Centre Georges Pompidou qui était encore en construction à cette époque. Pour cet anti-monument, ou ?nonument?, qui envisageait la poétique de la ruine municipale, Matta-Clark a percé un trou en forme de tornade qui formait une spirale à 45 degrés pour sortir par le toit. Dans l?esprit d?un périscope, le vide offrait aux passants une vue sur les squelettes internes des immeubles.

Gordon Matta-Clark a étudié l?architecture à la Cornell University mais n?a jamais exercé en tant qu?architecte conventionnel. Il a également étudié la littérature française pendant un an à la Sorbonne à Paris et il se trouvait là-bas lors des manifestations étudiantes de Mai 68. C?est à Paris qu?il a découvert les philosophes déconstructionnistes, Guy Debord et les Situationnistes. Ces radicaux, aussi bien sur le plan politique que culturel, ont développé le concept du ?détournement? ou de la ?réutilisation d?éléments artistiques préexistants dans un nouvel ensemble.? Des concepts tels que celui-ci ont inspiré son travail par la suite. On le connaît surtout pour des travaux qui altèrent des structures existantes. Ses ?coupes d?immeubles? (dans lesquelles une maison est coupé en deux sur la hauteur par exemple) altèrent la perception de l?immeuble et de son environnement. Matta-Clark a utilisé bon nombre de media pour décrire son travail, y compris des films, des vidéos et des photos. Son travail comprend des performances et le recyclage de pièces, des travaux sur l?espace et la texture et ses ?coupes d?immeubles?. Matta-Clark utilisait également des calembours et autres jeux de mots pour re-conceptualiser des rôles et des relations pré conditionnées (ce sui était valable dans tous les domaines, allant des relations entre individus à l?architecture). Il a démontré que la théorie de l?entropie s?appliquait au langage aussi bien qu?au monde physique et que le langage n?est pas neutre mais qu?il est bel bien un outil qui porte les valeurs de la société et sert à véhiculer une des idéologies. Matta-Clark est mort d?un cancer du pancréas le 27 août 1978.

Cette ?uvre récente est une des rares traces de la performance de Gordon Matta-Clark en 1976 à Berlin. Le film s'ouvre sur le texte suivant : "En 1976, dans le cadre de l'exposition "Soho in Berlin" de l'Akademie der Kunst et de la Berliner Festwochen, Gordon Matta-Clark s'est rendu en Allemagne avec l'intention de faire exploser une section du mur de Berlin. Ses amis l'ayant finalement dissuadé d'entreprendre cette action suicidaire, il a réalisé la performance suivante.". Le film montre l'artiste écrire "Made in America" sur le Mur, coller des publicités sur des graffitis et s'empoigner avec la police. Enregistrement remarquable d'une performance peu connue de Gordon Matta-Clark, cette ?uvre constitue également un témoignage d'un paysage politique et physique aujourd'hui disparu.

Gordon Matta- Clark (New- York 1943- 1978) a étudié la littérature française à la Sorbonne et l'architecture à la Cornell University. À partir du début des années 1970 il a participé à plusieurs projets expositions collectives en tant que co-fondateur avec d'autres artistes du Food Restaurant à Soho (New- York). Ses ?uvres ont été présentées à la Documenta V, Kassel (Allemagne), à la 9e Biennale de Paris et dans des expositions à Sao Paulo, Berlin, Zurich. Certains de ses projets majeurs ont été montés à Aix-la-Chapelle, Paris et Anvers. Après sa mort, des rétrospectives lui ont été consacrées par le Musée d'Art Contemporain de Chicago, le Badischer Kunstverein, Karlsruhe (Allemagne) et IVAM Centro Julio Gonzalez, Valence, Espagne.

BloodLight (Draft 1) is an impressionistic depiction of vampires in real life, hungry and sensual beings among inky shadows. The vampires are observed in a document which blurs the distinction between fictional narrative and video documentary. Picking up on the reinvigorated interest in vampire mythology in the last 10 or so years (Twilight, Let the Right One In, etc..), BloodLight investigates this mythology from a perspective that is scaled down, sensual, and existing in shadows of our day to day. The vampire performers are Cameron Gibson, Claire Arctander, and Todd Mattei. As artists themselves, they live just outside the full exposure of 9 to 5, familial life.

Todd Mattei: Bio Todd Mattei is a media artist working in animation, video, music, performance, the written word, and the spaces in between these discrete media. Todd has screened and exhibited throughout the US and abroad, made records with several notable music groups, and toured and performed throughout the US, Europe, and Japan. www.toddmatteiart.com

In Transit À l`entrée des Offices, à Florence, un affichage numérique indique au public faisant la queue le temps d`attente qui lui reste. En pleine saison, cette attente peut durer jusqu`à quatre heures. Or, à peine entrée, la grande majorité des visiteurs s`efforce de passer en revue le plus vite possible les incontournables du musée. Six secondes ? à en croire l`hypothèse initiale de Reinhold Bidner ? est le temps que consacre le visiteur moyen à un tableau. Dans sa vidéo intitulée In Transit, Bidner analyse ce phénomène. Plan d`ouverture : un tableau accroché au mur devant lequel est assis un homme, visiblement en train de se reposer. La caméra fait un lent travelling avant sur le tableau jusqu`à ce que l`espace environnant ait disparu ? et le tableau se met à bouger : le Portrait d`une Jeune Fille de William-Adolphe Bouguereau, grand peintre de l`académisme français, se transforme tour à tour en portrait de la fille de Rubens, puis en Jeune Bacchus malade de Caravage, en Tête de méduse de ce dernier ainsi qu`en une quantité d`autres portraits appartenant au corpus de l`histoire de l`art ? avant que, finalement, le sourire de la jeune fille de Bouguereau ne réapparaisse à l`écran ; la caméra s`éloigne et filme l`environnement, qui a changé. Plan final : une femme qui bâille. Pendant tout ce parcours virtuel du musée flotte sur le tableau un voile de gouttelettes où se reflètent les mouvements des visiteurs, fatigués ou fébriles, du Louvre. Par ce choix formel, Bidner tient le spectateur à distance, tout en instaurant un second niveau : celui du public venu regarder, mais tellement sollicité qu`il ne voit rien. Conjointement avec Richard Eigner qui a élaboré le son croissant et décroissant du film, Reinhold Bidner a réalisé une étude toute en finesse sur le comportement des personnes dans le musée du XXIe siècle. Une étude qui incite le public à poser sur l`art un regard plus dense, plus attentif. (Nina Schedlmayer)

Née en 1973 à Kaboul (Afghanistan), Lida Abdul est retournée habiter dans cette ville. Elle a vécu en Allemagne et en Inde en tant que réfugiée après avoir été forcée de quitter l?Afghanistan alors envahi par l?armée soviétique. Son travaille mêle les tropes du formalisme occidental avec un certain nombre de traditions esthétiques ? islamiques, bouddhistes, indiennes, païennes et nomades ? qui ont influencé l?art et la culture afghans. Elle a réalisé des ?uvres avec différents médiums, notamment a vidéo, le film, la photographie, l?installation et la performance. Son ?uvre la plus récente a été montré dans plusieurs biennales, la Biennale de Venise en 2005, de São Paulo en 2006, de Gwanju en 2006, de Moscou en 2007 et de Sharjah en 2007, ainsi qu?à l?Istanbul Modern, la Kunsthalle de Vienne, l?Ok Centrum, le Museum of Modern Art Arnhem, la Tate Modern, le Moma NY, le National Museum of Kabul, le Netherlands and Miami Central, l?ICA London, le ZKM, le Capc Bordeaux, le CAC Centre d?Art Contemporain de Bretigny, et le Frac Lorraine Metz, France. Cette année, elle aura une exposition solo à l?Indianapolis Museum (IMA) et aux Smithsonian at Sackler galleries.

“Pianeta bianco” represents the border between dream and reality. It is a planet with a milky atmosphere, where the ground emanates light and on which the earth’s spatial-temporal rules, feelings and perceptions are altered. The planet is a wrinkled giant animating overflow, eating and disorienting the observer: it is not possible to recognize direction, size and distance. The protagonist of the story is a mineral researcher, heading towards his destination: a faraway light, which seems to be the only point of reference. A fragmented voice describes how a human feels when moving around without perceptual landmarks. The vision of the landscape is adult and doubtful about the trade-off of mankind dealing with nature. The gaze draws a gigantic and indifferent world, where the sun reflects on a rock and everything can swallow everything in an instant...

CV of FRANCESCO MATTUZZI Bio Francesco Mattuzzi was born in 1979, lives and woks in Milan. He’s an artist that uses photography and video as means of research and representation of the contemporary social reality. Work in progress movies and completed 2014: • The Weight of Dreams, director and author. 16:9, HDV, 60’ (post production) • Pianeta Bianco, Author, director. 16:9, HDV, 14’ 2012: • Shapes, director and author. 16:9, HDV, 10’ 2011: • The Weight of Dreams, video installation, three screen, 16:9, HDV, 10’ 2010: • Future Archaeology, directed by di Armin Linke and Francesco Mattuzzi. fim essay, Stereoscopic, Palestine, 16:9 HDV 2009: • E-Roads, video installation, monoscreen, 16:9, HDV, 7’ Grant/Awards and film festival 2014: • Official selection for the film “Pianeta Bianco” to 61°Trento Film Festival (Trento, Italy) • Official selection for the film “Pianeta Bianco” to FMK Film Festival. (Pordenone, Italy) • Official selection for the film “Pianeta Bianco” to Cervino Cine Mountain Film Festival (Cervinia, Italy) • Official selection for the film “Pianeta Bianco” to Festival Leggi Montagna (Tolmezzo, Italy). • Official selection for the film “Pianeta Bianco” to Bansko Film Festival (Bansko, Bulgaria) • Official selection for the film “il sublime e il banale” Civic Gallery of Trento, Italy. Curated by Giorgio Verzotti, director of arte fiera Bologna. • Official selection for the film “Future Archaeology” al MIDB, muestra internacional documental de Bogotà.(Colombia) 2013: • Official selection for the film “Shapes” all’ Italian institute of Moscow, in cooperation with fondazione Adriano Olivetti. • Winner of “Editors Online” for the magazine Abitare, for the web blog “the weight of dreams” 2012: • Official selection the international Filmaker Film Fesival, for the movie “Shapes” supported by Adriano Olivetti’s Foundation. • Selected project for the short movie “Shapes” to the Italian Pavillon during the 13° Architectural Biennal of Venice. • The documentary film “12wheels” has been supported by the Trentino Film commission. • The documentary film “White Planet” has been supported by the Valle d’Aosta Film Commission. • Future Archaeology screening to: La 3D : prises et déprises, Le Fresnoy – Studio National des Arts Contemporains, Tourcoing, Francia 2011: • Selected artist for Fondazione Galleria civica di Trento, Opera Civica project. Curated by Andrea Viliani. • 12 wheels, film selected for the workshop “Raccontare l’ avventura 2011” promoted by Trentino film commission, Trento film festival and Zelig. • Future Archaeology screening to: Le peuple qui manque, La géographie, ça sert, d’abord, à faire la guerre, Centre 
Pompidou, Paris, France • Future Archaeology screening to: BEYOND
Festival 3Days of Dimensions
Future, to the ZKM Medientheater, Karlsruhe, Germany 2010: • Selected film for the 67th. Mostra Internazionale d’ Arte Cinematografica, la Biennale di Venezia, official selection of the film “Future Archaeology”. 2009: • Winner of the DE.MO Movin’up Art Residency Program, at the Platform Garanti Contemporary Art Center (irp), Istanbul, Turkey. • Selected Artist for the project “Un ponte sul Mediterraneo”. Young art, Video.it, Startrucks. Turin, Italy Art Residency 2009: Artist in residency (IRP) at the Platform Garanti Contemporary Art Center, Istanbul, Turkey, with the project DEMO Movin’up Solo expositions 2012: • The weight of dreams – Studio Ermanno Cristini, Varese, Italy. Curated by Denis Isaia 2011: • The weight of dreams - Galleria civica di Trento, Opera Civica project. Curated by Andrea Viliani 2009: • Startrucks - Fabbrica del Vapore, Milan, Italy, presentation of the project. Collective expositions 2014: • Exhibition photo project “Future Archaeology” to the civic gallery of Trento, project AfterImage, in parallel to the celebration of the first world war exhibition at the MART museum of Rovereto. 2012: • Exhibition for the Olivetti’s project to the Italian Pavillon during the 13. Architecture Biennal of Venice in cooperation with the Olivetti’s Foundation 2011: • Sharjah Biennial 10 curated by Suzanne Cotter and Rasha Salti, Future Archaeology film, with Decolonizing Archtecture 2010: • Le peuple qui manque, QUE FAIRE ? Art, film, politique, Centre Pompidou, France, Paris, curated by Aliocha Imhoff. Future Archaeology • Redcat, Los Angeles, USA, curated by Clara Kim. Future Archaeology and photographic exhibition with Decolonizing Architecture. • Queensland Art Gallery, Stanley Place, Brisbane, Australia, curated by Kathryn Weir. Future Archaeology and photographic project with Decolonizing Architecture. • 67th. Mostra Internazionale d’ Arte Cinematografica, la Biennale di Venezia, official selection of the film Future Archaeology. • Ashkal Alwan, Home Works V, Beirut, Libano. Future Archaeology, two screen installation, with Decolonizing Architecture. • Officina dei Sensi, Villa Ciani Bassetti, Lasino, Trento, Italy. Curated by Marco Tomasini. E-Roads, video monoscreen installation and cartography. • Rassegna video dagli archivi Art Hub, complesso delle ex Murate, Firenze, Italy. Curated byFrancesca di Nardo. E-Roads, monoscreen installation.

Dans la ferme bien réelle d'un pays imaginaire, trois jeunes adultes plongent dans un rêve étrange, qui déforme petit à petit leur quotidien.

J'ai grandit dans une ville moyenne de l'Ouest, comme il y en a beaucoup en France. Je suis un fils de la classe sociale de la petite bourgeoisie. Après le lycée, j'ai commencé et vite abandonné la fac de philosophie. Je suis un cursus à l'école des beaux-arts de Lyon.

Nord de l`Iran, 2017: un jeune homme entreprend une recherche fantastique d'une pierre mythique, réputée pour apporter le bonheur. Au travers de sa recherche pour l'atteindre, il croisera le chemin de tout ceux qui ont eu, comme lui, à traverser les épreuves pour espérer trouver cette fameuse pierre. En dressant un portrait intergénérationnel de l'Iran moderne, La Vallée Heureuse met en scène la quête mythique et universelle du bonheur.

Né en 1989 au Kosovo, ex-Yougoslavie. émigre en Suisse, à Neuchâtel en 1993. Réfugié politique et apatride jusqu'à l'obtention des nationalités suisse et kosovare en 2005. Durant ses études de Bachelor en Relations Internationales à l'Université de Genève, il commence à réaliser ses premiers essais filmiques. En 2012, il diplôme du Master en Géopolitique à King's College London. Il est membre de la "London Film Society". Durant ses séjours au Japon (2012, en qualité d'assistant en diplomatie à l'ambassade suisse à Tokyo), en Indonésie (2013) et Bolivie (2014), il expérimente davantage le processus du film. Depuis 2014, études Master en Cinéma, option réalisation, entre l'ECAL et la HEAD. Il réalise "Ministarstvo Sjecanja" en 2015, sous l'égide de Béla Tarr à Sarajevo. En 2015, il participe à la Baushtellë Artists Residence à Zürich, Belgrade et Prishtina au cours de laquelle il publie un court roman anthropologique sur la perception des racines et des origines à l`époque moderne. Diplôme en 2016 avec son film "Lost Exile", tourné au Kosovo et présenté en première mondiale au Festival du Film de Locarno où il remporte un prix du jury. Il est invité à plus de 30 festivals dont Clermont-Ferrand, Soleure, Tirana, Lisbon, Prizren, New Delhi, Villeurbanne, Montréal, Den Haag, Montevideo, Los Angeles. Il remporte une dizaine de prix avec son film. En 2016, il est invité à participer aux Masterclasses pour jeunes talents organisés dans le cadre du Zürich Film Festival. En 2017, il fonde Visceral Films et produit deux films qu'il réalise lui-même : "La Vallée Heureuse", court-métrage de fiction, co-produit et tourné en Iran. Le film sera présenté à Winterthur, Solothurn et en première internationale au Festival International du Film de Sao Paolo. Puis "Zvicra", long-métrage documentaire co-produit par la RTS (Radio Télévision Suisse) sur la question de la "double identité" albano-suisse. Actuellement, il écrit depuis début 2018, "La Terre de mes Entrailles", son premier long-métrage de fiction. Au même moment, il travaille comme réalisateur 2nd unit sur la nouvelle série télévisée de la RTS, "Helvetica". Avec "La Terre de mes Entrailles", il a été sélectionné dans le cadre des Talents Sarajevo en 2018, où il aura l'occasion de pitcher le projet, après avoir déjà fait l'exercice dans le cadre du Festival de Cannes 2018. On Culture and Tropics (2014) 12` Ministarstvo Sjecanja (2015) 15` Lost Exile (2016) 29` La Vallée Heureuse (2017) 18` Zvicra (2017) 70" La Terre de mes Entrailles (2019) 110"

Séquences photographiques peintes d'or et de gris qui mettent en image la culpabilité d'une enfant lorsqu'elle se lave les mains dans l'évier et tue une fourmis. Monologues chuchotements et bruits parasites qui reflètent un royaume de cosmos, de pouvoir, de culpabilité, de prières et de l'existence.

Moe Myat May Zarchi (born in 1994, Myanmar) is a filmmaker, musician and a lens-based media artist. Her short films have been screened at International Short Film Festival Oberhausen, Vienna Shorts, Women Make Waves Int’l Film Festival and so on. Her films have won awards at Singapore International Short Film Festival (SGIFF), Bangkok Asean Film Festival (BAFF), UK Asian Film Festival and Vesoul International Film Festival of Asian Cinema (FICA). Her recent short film “The Altar” just won the Arte Award at Kurzfilm Hamburg in 2023. She was also nominated as a finalist in Julius Baer Next Generation Art Prize in the category Moving Image and was awarded Prince Clause seed awards for emerging artist. In most of her works, Moe loves to explore the metaphysical, identity, femininity and personal aspects in storytelling through innovative use of visuals and sound. She is also the founder of '3-ACT', a cinema magazine and a film education initiative, to support narrative storytelling in the film community in Myanmar. She also co-founded an interdisciplinary arts initiative called ‘MATTER audiovisual lab’ to interconnect innovative different forms of art and other disciplines.

On being there is a filmic encounter with the material and outputs of the office of Tom dePaor, drawing on 30 years of practice. There is the place itself. There are notebooks, drawings, prints, scale models, 35mm slides, photographs, films, files, books, writing. A diversity of materials and media, evidencing significant technological changes in production and reproduction. This is the raw material. The film is a rerecording, or sampling of this material, where scale, media, and modes of presentation and realisation merge. The linear transition from drawing to model to built landscape and documentation is disrupted. The film explores the permeability of the image. Animated or activated through movement and operation, everything can be superimposed, overlaid, or cut into. An audio-visual encounter with place, within the space of the screen and the loudspeaker.

Peter Maybury is an Irish multidisciplinary artist. His practice-based research encompasses works as an artist, graphic designer, filmmaker, publisher, writer, editor, curator, musician, and educator. He is a graduate of Central Saint Martins, London, and is a Doctoral Candidate at the Centre for Socially Engaged Practice-Based Research, TU Dublin. He has collaborated extensively with artists and institutions, editors and curators, on more than 200 art and architecture publications. Peter is a longstanding collaborator with Tom dePaor, making books, films, and works for exhibition. His film work includes Landfall (2020), an hour-long dual-screen film installation, and with dePaor the Gall films Drape (2018), and A Study (2015) made for exhibition at ETH Zurich. Peter is author of Make Ready (2015), and co-author with dePaor of Reservoir (2010) and Of (2012).

A curator, an archivist, an art dealer, a relative: in staged situations, four people discuss their relationship to an artist who, by means of a fictionalised biography, has pretended to be a Holocaust victim.

Maria Mayland (*1988) is a visual artist and filmmaker. She obtained her MFA from Basel’s Art Institute, taught by Chus Martínez, and took part in KKH Stockholm's postgraduate program Philosophy in the Context of Art, taught by Peter Osborne. Her short film works have been shown in various contexts across Europe. Screenings include International Short Film Festival Oberhausen, European Media Art Festival Osnabrück, IDFA Amsterdam, Hamburg International Short Film Festival, transmediale, Edinburgh Film Festival and Sharjah Film Platform. She won the German Short Film Award in 2022, the EMAF-Media Art Award of the German film critics association (VdFK) in 2021, and the award for the best entry in the NRW competition of the International Short Film Festival Oberhausen in 2018, as well as in 2022.

En août 1984, une maison habitée par des travailleurs immigrés a été incendiée à Duisburg. Sept personnes ont perdu la vie. La police a immédiatement exclu le motif raciste, mais les survivants se demandent encore aujourd'hui si l’incendie de leur maison était vraiment dû au hasard.

Ole-Kristian Heyer, né en 1981, a étudié la photographie à la FADBK – Freie Akademie der bildenden Künste, Essen (Allemagne), et la géographie à la Ruhr-Universität Bochum (Allemagne). Dans ses œuvres, les principes de la perception humaine fusionnent avec les fonctionnalités des médias visuels. Patrick Lohse, né en 1983, a étudié à la Folkwang Universität der Künste, Essen (Allemagne). À partir de stratégies documentaires, ses œuvres interrogent les récits habituels et renvoient ainsi à des perspectives sous-représentées. Marian Mayland, né(e) en 1988, a étudié aux académies d’art de Essen (Allemagne), Bâle (Suisse), Vienne (Autriche) et Stockholm (Suède). Marian Mayland travaille depuis 2015 avec diverses formes de documentaires narratifs.

untitled (a refusal of leave to land) is an essayistic short film on a prisoner of war camp from the second world war, the arms industry in the Ruhr area and the relation between individual and collective memory. Starting out with a childhood memory of finding a fossil in a bed of rocks of a former railroad track, the narration follows the connections between the former POW camp Stalag VI F in Bocholt and the Krupp company in Essen.

Marian Mayland was born in Bocholt, Germany, in 1988. Since 2013, after completing his studies in painting, Mayland has been working postconceptually with various media. He holds an MFA from Basel?s Art Institute and took part in KKH Stockholm?s postgraduate program Philosophy in the Context of Art, taught by Peter Osborne. His short film works have been shown in various contexts across Europe. Recent screenings include IDFA Amsterdam, Kasseler Dokfest, and Internationale Kurzfilmtage Oberhausen.

A curator, an archivist, an art dealer, a relative: in staged situations, four people discuss their relationship to an artist who, by means of a fictionalised biography, has pretended to be a Holocaust victim.

Maria Mayland (*1988) is a visual artist and filmmaker. She obtained her MFA from Basel’s Art Institute, taught by Chus Martínez, and took part in KKH Stockholm's postgraduate program Philosophy in the Context of Art, taught by Peter Osborne. Her short film works have been shown in various contexts across Europe. Screenings include International Short Film Festival Oberhausen, European Media Art Festival Osnabrück, IDFA Amsterdam, Hamburg International Short Film Festival, transmediale, Edinburgh Film Festival and Sharjah Film Platform. She won the German Short Film Award in 2022, the EMAF-Media Art Award of the German film critics association (VdFK) in 2021, and the award for the best entry in the NRW competition of the International Short Film Festival Oberhausen in 2018, as well as in 2022.

En août 1984, une maison habitée par des travailleurs immigrés a été incendiée à Duisburg. Sept personnes ont perdu la vie. La police a immédiatement exclu le motif raciste, mais les survivants se demandent encore aujourd'hui si l’incendie de leur maison était vraiment dû au hasard.

Ole-Kristian Heyer, né en 1981, a étudié la photographie à la FADBK – Freie Akademie der bildenden Künste, Essen (Allemagne), et la géographie à la Ruhr-Universität Bochum (Allemagne). Dans ses œuvres, les principes de la perception humaine fusionnent avec les fonctionnalités des médias visuels. Patrick Lohse, né en 1983, a étudié à la Folkwang Universität der Künste, Essen (Allemagne). À partir de stratégies documentaires, ses œuvres interrogent les récits habituels et renvoient ainsi à des perspectives sous-représentées. Marian Mayland, né(e) en 1988, a étudié aux académies d’art de Essen (Allemagne), Bâle (Suisse), Vienne (Autriche) et Stockholm (Suède). Marian Mayland travaille depuis 2015 avec diverses formes de documentaires narratifs.

untitled (a refusal of leave to land) is an essayistic short film on a prisoner of war camp from the second world war, the arms industry in the Ruhr area and the relation between individual and collective memory. Starting out with a childhood memory of finding a fossil in a bed of rocks of a former railroad track, the narration follows the connections between the former POW camp Stalag VI F in Bocholt and the Krupp company in Essen.

Marian Mayland was born in Bocholt, Germany, in 1988. Since 2013, after completing his studies in painting, Mayland has been working postconceptually with various media. He holds an MFA from Basel?s Art Institute and took part in KKH Stockholm?s postgraduate program Philosophy in the Context of Art, taught by Peter Osborne. His short film works have been shown in various contexts across Europe. Recent screenings include IDFA Amsterdam, Kasseler Dokfest, and Internationale Kurzfilmtage Oberhausen.

Avec les orientations spécifiques et la continuité qu'il a déployée depuis 1979, Ars Electronica est une plate-forme unique pour les arts digitaux et la culture média organisée en quatre divisions : Ars Electronica ? Festival d'Art, de Technologie et de Société. Le Prix Ars Electronica, Compétition Internationale pour les Arts cybernétiques. Ars Electronica Center- Musée du futur. Ars Electronica Futurelab ? Laboratoire pour les Innovations du futur. Le Festival Ars Electronica. Le Festival Ars Electronica, reconnu au niveau international, est une rencontre interdisciplinaire et ouverte entre experts internationaux en arts et en sciences avec un public large, d'horizons divers, et aux intérêts très différents. Chaque année depuis 1979, le festival se compose de conférences, d'expositions et de performances et d'événements conçus pour approfondir la confrontation scientifique et artistique avec les phénomènes sociaux et culturels qui sont les conséquences du changement technique. http://www.aec.at/en/festival2007/. Le Prix Ars Electronica En tant que compétition d'arts cybernétiques, le Prix Ars Electronica est un forum pour la créativité artistique et l'innovation depuis 1987. C'est le baromètre des tendances dans un monde du média art en constante évolution et de plus en plus diversifié. Du fait de sa fréquence annuelle, de sa visée internationale et de la variété incroyable des ?uvres sélectionnées pour le Prix, les Archives du Prix Ars Electronica permettent un regard précis sur le développement de l'art média et donnent une idée de son ouverture et de sa diversité. http://www.aec.at/en/prix/index.asp?nocache=165093 Le centre Ars Electronica : Le centre Ars Electronica a ouvert en 1996 en tant que prototype du "Musée du Futur". Sa mission est d'utiliser des formes interactives de médiation pour faciliter la rencontre du public avec la réalité virtuelle, les réseaux digitaux et le mlédia moderne. Une attention portée sur les sujets à l'interface du média art, nouvelles technologies et développements sociaux, caractérise les expositions innovantes du Centre. Le Centre Ars Electronica est la base permanente et aussi la structure organisationnelle des activités régionales et internationales d'Ars Electronica. http://www.aec.at/en/center/ Ars Electronica Futurelab: Le Futurelab est un modèle de laboratoire d'un type nouveau pour le média art dans lequel les innovations technologiques et artistiques génèrent une inspiration réciproque. L'équipe du laboratoire rassemble une grande variété d'aptitudes spécialisées, leur approche est caractérisée par l'interdisciplinarité et un travail en réseau international. Les activités multiples du Futurelab vont de l'organisation d'expositions et la création d'installations, à la poursuite d'une recherche en collaboration avec les universités et s'engage dans des partenariats avec des associés des secteurs privés.

Iris Mayr est née en 1971 en Autriche. Elle étudie la science de la communication et l'administration des affaires à Linz, Salzburg et Seville. En 2003 et 2004, elle est assistante de recherche et tutrice à l'Université de Salzburg (Departement de l'Audiovision et de la Communication digitale et le Centre ICT&S). Depuis 1996 elle est membre du Centre Ars Electronica de Linz (Festival Ars Electronica, Production and Curatorial Team). En 2006 elle est conservatrice auprès de Lev Manovich, Yuko Hasegawa et Pili à la Media City_Séoul à Séoul. De 2004 à 2007, elle est l'instigatrice du Prix Ars Electronica ? International Competition for CyberArts et conservatrice culturelle indépendante.

The material grain of the film fixes the light that, by installing mirrors that have been protagonist of my previous work (Reflecting Venice, 2012-2014), strikes a cumulation of straw, transforming it into biomass, the energy resource of the future. A step forward in scientific research that quotes Archimedes` experiments in order to work with energy sources at the reach of everyone.

Elena Mazzi was born in 1984 in Reggio Emilia (Italy). She received her BFA in 2007 in History of Art from Siena University, and her MFA in 2011 in Visual Art from IUAV, Venice University. She was selected for an exchange program at Royal Academy of Art (Konsthogskolan) of Stockholm. Her works have been displayed in many solo and collective exhibitions, among others: Palazzo Fortuny in Venice, 16° Rome Quadriennal, GAM Turin, 14° Istanbul Biennale, 17° BJCEM Mediterranean Biennale, EGE-European Glass Experience, Fittja Pavilion at the 14° Architecture Venice Biennale, COP17 in Durban, Festival of Contemporary Art in Slovenia, Botkyrka Konsthall, Italian Institute of Culture in Brussels and Stockholm, XIV BBCC Expo in Venice, Bevilacqua La Masa Foundation. She attended different residency programs and workshops such as HIAP (FI), GuilmiArtProject (IT), Via Farini (IT), Foundation Botin (SP), Bevilacqua La Masa (IT), Future Farmers A.I.R. (USA), Fondazione Spinola Banna in Turin (IT), Dolomiti contemporanee (IT), Botkyrka Konsthall Air (SE). She is one of the finalists at Celeste Prize, Fabbri prize, Meru prize and Termoli prize and the winner of Thalie Art Foundation grant 2017, VISIO Young Talent Acquisition prize, Eneganart prize, Illy grant for Unidee, Pistoletto Foundation 2016, ntcm e l’arte 2016, m-cult media and technology program 2016, Special mention for Arte Patrimonio e diritti umani, Antworks award 2015, Sandretto Re Rebaudengo prize 2015, Lerici Foundation grant in 2012 and Movin’up Italian prize for young Italian artists abroad in 2011. In 2016-2017 she is tutor artist for Spinola Banna Fondation program in collaboration with GAM, Turin.