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Un studio d'information,24 heures sur 24, vide, luit en silence sur un écran. L'arrière-plan est figé, mais le téléscripteur de nouvelles continue de taper haiku dans la nuit.

Michael Mandiberg est un artiste, programmeur d'ordinateur et un drôle d'économiste qui se sert de l'Internet, la vidéo et de la performance pour explorer la subjectivité, le travail et le commerce. Son travail en cours s'emploit à des "plug-ins Firefox et s'ouvre sur des plate-formes API afin de nous éclairer sur les coûts réels de l'économie mondiale pour l'environnement. Ses projets les plus récents sont "Oil Standard", un navigateur plug-in qui convertit tous les prix de n'importe quelle page de web dans leur valeur, l'équivalent en barils de pétrole, et "All Haiku, All the time", une vidéo d'un studio d'informations vide (24 heures sur 24), avec haiku défilant le long du télescripteur de nouvelles. En 2001, il distribua des copies parfaites faites à partir d'autres copies (AfterSherrieLevine.com), et il mit tous ses biens en vente sur Shop Mandiberg (Mandiberg.com/shop). Son oeuvre est exposée et analysée internationalement. Il vit et surtout en bicyclette violette dans le quartier de Brooklyn.

Une immersion dans les eaux sauvages et mystérieuses du Carnaval Indépendant de la Plaine et de Noailles. Sur fond d’aménagement de Marseille, les foules carnavalesques se cherchent, basculent, s’entrelacent. Des bras déchirent le présent et la foule part à l’assaut de l’hiver.

Alexandre Frigoult est ingénieur du son et monteur son. Bercé dès son plus jeune âge par le monde vibratoire et musical des chants de sa mère lorsqu'elle passait l'aspirateur, il peaufine en parallèle son oreille à l'école de musique d'à côté. Il étudiera par la suite l’ethnomusicologie à l'université Paris 8 Saint-Denis (France) et se passionnera pour le pouvoir narratif sonore lors de sa formation à l'ESAV - École Supérieure d'AudioVisuel, Toulouse (France). Actuellement ingénieur du son et monteur son pour le cinéma, il collabore aussi à d'autres formes telles que la musique, la radio et le spectacle vivant. Stephanos Mangriotis est photographe, réalisateur et chef opérateur. Il est né à Athènes (Grèce). Il a d’abord étudié les mathématiques et la philosophie à Bristol (Royaume-Uni), puis la photographie à Paris 8 - St. Denis (France). Dans son travail, il utilise l’image et les formes multimédias pour créer des récits autour des frontières, des migrations et du sentiment "d’entre-deux". Il aime bien prendre le temps de comprendre et discuter avec les gens avant de déclencher son appareil. Il est co-fondateur de la plateforme Dekadrage avec laquelle il élabore des projets depuis 2009. Gaël Marsaud est sociologue indépendant et vidéaste. Né en Guadeloupe en 1984, il est titulaire d'un doctorat en science politique à l'Université Paris 8 (France). Sa thèse consacrée à un ensemble de films documentaires tournés à Marseille (France) et Saint-Denis (France) au début des années 2000 aborde les questions suivantes: Comment les réalisateurs, leurs équipes et les publics politisent voire dépolitisent leurs films? Comment appréhender la fabrique collective des documentaires? Quelle méthode mobiliser pour analyser ces images? Comme vidéaste, il s’intéresse aux luttes et pratiques d'auto-organisation, là où elles sont les moins attendues et pourtant bien vivantes. Réalisées collectivement, ces chroniques vidéo donnent à voir Marseille et ses résistances.

A forest. A cave. A woman and her bird skin. A body animated by past and future lives. Film Credits Actress: Liana Lessa Screenwriter and Director: Barbara Marcel Cinematographer: Rodrigo Levy Sound Mixing: João Polido

Barbara Marcel (Rio de Janeiro, 1985) is an artist and filmmaker, interested in the cultural roots of nature and the problematic heritage of colonial imagery. In her current artistic research PhD at the Bauhaus-University in Weimar, Marcel investigates the essayfilm as a historiographical tool for decolonial thinking with and through images, with the Botanical Garden Berlin-Dahlem and its tropical plants being her current material of study. Barbara Marcel is a scholarship holder of the Heinrich Böll Foundation and lives in Berlin.

Série de phénomènes de rues.

Charlène Marchand est née en 1985 à Nancy, vit et travaille à Nancy. Après une année en Mise à niveau en Arts Appliqués, elle décide de développer sa pratique artistique en intégrant l?École des Beaux-arts de Metz pendant 5 ans, obtenant son DNSEP. Sa production s?emparant notamment des images du quotidien, elle s?oriente par la suite dans un Master cinéma et audiovisuel intitulé «filmer le réel» à l?IECA à Nancy. En parallèle et depuis 2007, elle s?investit en tant que reporter photo/vidéo au sein de l?association Monptidoi. "Comme écrit Pierre Tilman à propos de Robert Filliou, je tente de « donner une charge de sens aux actes de la vie ordinaire ». Ainsi, mon travail s?articule autour du quotidien, sa banalité, ses accidents et ses dérapages ; comme une peinture des choses qui nous entourent, traitée avec humour, ironie et/ou sensibilité. A travers des médiums tels que la photographie, la vidéo et l?édition notamment, je développe un travail où la notion d?association est quasi omniprésente : association d?images, de situations, d?états des choses? Partant d?une observation, d?un regard singulier sur le quotidien, mes images, issues d?une collection, créent du sens en se confrontant et proposent une dimension inopinée?"

Bruxelloise, « bourgeoise » et intellectuelle, Sonia a 52 ans et elle exerce la prostitution depuis 30 ans. Assise en vitrine, elle nous dit aimer son métier et ses clients. Mais comment définir cette manière d?aimer ? Quel est son rapport à la séduction, au corps et aux hommes ?

Nathalie Delaunoy est née à Etterbeek, en Belgique, en juin 1974. Après des études en communication elle participe, à divers postes, sur des productions belges, comme le documentaire Ouvrières du monde de Marie-France Collard en 1999 ou 25 degrés Celsius en hiver de Stéphane Vuillet en 2003. En 2004 elle réalise son premier documentaire Sonia.

A giant tiger mysteriously appears in a big city. It will reveal the hidden reality in an otherwise ordinary night.

Guilherme Marcondes was born in São Paulo, Brazil. He started working as an illustrator when he was still in Architecture school. In 2000 Guilherme went to the Brazilian animation studio Lobo where he worked for five years for clients such as Diesel, Cartoon Network, and Nickelodeon. After that he spent some time in London directing the build-up campaign for the Europe Music Awards 2005 for MTV Networks and then went back to São Paulo as a freelancer. Guilherme Marcondes is currently working at Motion Theory in California and directing short-films.

The work ?Seeds? explores the phenomenon of the buried mines that exist in Israel and the world over, exposing how these areas still carry the consequence of the war within their soil while supporting the new populations who must inhabit the conflict area. It examines the power of the present moment in these places where efforts are beginning to shift these death zones into places that consciously affirm life, embracing continuity in the very place where it once was blocked.

Shahar Marcus (b. 1971) is an Israeli based artist who primary works in the medium of performance and video art. His initial works dealt with the exploration of his own body and its limitations‐ incorporating various perishable materials, such as dough, juice and ice. His body served as an instrument, a platform on which various ?experiments? took place: lying on the operating table, set on fire, dressed in a ?bread suit? and more. Food is also a major theme in Marcus?s works. For instance, his recurrent use of bread as a symbol of essentiality and survival is juxtaposed with military symbols. By working with food, a perishable, momentary substance and by turning it into a piece of clothing or a set, Marcus also flirts with art history; transforming arbitrary objects and materials into something immortal and everlasting. His early video‐performances feature himself along with other artists, with whom he had collaborated in the past. However, in his recent works, Marcus appears by himself, while embodying different roles and characters. ?The man with the suit? is a personage that was born from an intuitive desire to create a ?clean‐cut? version of an artist, juxtaposed to the common visual stereotype of the artist as a laborer. Drawing influence from Magritte?s familiar figure‐ the headless suit, a symbol of Petite bourgeoisie, Marcus embodies this man with a suit as an artist who is in charge, a director. His most recent works deal with local political issues, by approaching iconic Israeli landmarks with a critical and humorous point of view. Thus, Marcus reflects on his own heritage, environment and the creation of local historical narratives. His works are influenced by the visual language of cinematography along with familiar themes and tributes to art ? history and artists, such as Ives Klein, Paul McCarthy, Peter Greenway and Jackson Pollack. *Shahar Marcus is an active artist for over a decade and has exhibited at various art‐ institutions, both in Israel and around the world, including: The Tate Modern ,The Israel Museum, Tel Aviv Museum of Art, Petach Tikva Museum of Art , Charlottenburg, Copenhagen‐ Kunsthalle , Moscow Biennale, Poznan Biennale, Moscow Museum of Modern Art and at other art‐ venues in Poland, Italy, Germany, Georgia, Japan, the USA and Turkey. Many of his works are a part of various important collections, such as The Israel Museum, Tel Aviv Museum of Art, Petach Tikva Museum of Art as well as art‐ intuitions in Poland and Italy.

The video “Monument Reflecting the City” uses the red granite surface of the recently erected, politically controversial monument to the first Croatian president, as the main aesthetic and narrative element of the video. Placed on the main Riviera of the city of Split, the monument consists of a traditionally crafted bronze figure of a man resting his hand on the red granite cube, which is inspired by the national coat of arms. The visual structure of the video work is created through mathematically determined set of rules: the camera is always placed on the same four positions around the red cube of the monument, recording the reflective surface of each of its four sides for 30 seconds, at each full hour of one summer day - from dawn till sunset. The juxtaposition of the image and the sound composition which has been created specifically for the video, establishes the sensory codes that establish a sort of `haptic` of the work. This abstract coding create the visual poetics of the work, a sensation of a space beneath the red surface, space of the unknown or even of a “threat from within”. -- The red granite surface therefore becomes a "filter" through which we can peek into the public space, by observing the light changes and the reflections on it: the ghostly circulation of tourists, buses and ships in the area that are reflected on the surface. Through its conceptual poetics, the work joins the critical discourse on postwar politics of eastern Europe and the branding of conservative national identity through erasure of history and memory in public space, often through tactics of mass tourism and commodification of public space.

Luiza Margan is a visual artist who lives and works in Rijeka and Vienna. In her art practice, Margan researches the socio-economic complexities of public space and the shaping of cultural identities within it, by dissecting the visual and spatial codes that define it. She uses archives, field research and various found materials as the basis for her sculptural, printed and video works that are often presented in the form of multimedia exhibitions, screenings or performative actions in public space. Margan was awarded the OHO - Best Young Artist Award in Ljubljana/Slovenia in 2007, the THT & Museum of Contemporary Art Award in Zagreb in Croatia in 2012, the Hypo Noe Young Art Award in St. Polten, Austria in 2015. She has been artist in residence in various programs in Mexico City, South Korea, Istanbul, Paris, and Italy. Curently she is a fellow in residence at the Akademie Schloss Solitude in Stuttgart, German. Margan has exhibited in numerous solo and group exhibitions and has had works acquired by public collections like Museum of Contemporary Art - Belvedere 21 in Vienna, Generali Foundation - Museum der Moderne in Salzburg, Austria, Museum of Contemporary Art in Zagreb in Croatia, and Tobacco Museum in Ljubljana. Luiza Margan is a member of The Golden Pixel Cooperative, a nomadic platform of women artists working on the intersection between art and moving image, focusing on the research of documentary configurations.

Un personnage inepte entreprend la tâche impossible de traiter la mémoire de l'invasion de l'armée turque en 1974 à Chypre et ses conséquences.

Charalambos Margaritis est diplômé de l'Ecole Nationale Supérieure de Beaux Arts de Paris. Il vit et travaille à Paphos; Chypre, où il a fondé Kimonos Animation Studio en 2015. Il enseigne l’animation et l’histoire de l’art dans le Département des Arts Graphiques et Multimédia de l’Ecole de Beaux Art et Arts Appliqués de l’Université Technologique de Chypre. En même temps, il poursuit sa recherche doctorale sur les techniques narratives expérimentales dans le film d’animation.

A film shot in Cuba. Not an anthropological film, nor a narrative documentary or a film essay, but certainly a film concerned with foreignness and difference. Mostly shot in the hilly communes of Yateras, searching for long disappeared clandestine settlements, so-called palenque, where African slaves, Taínos and Chinese forced laborers, freed themselves from colonial violence, the film narrates a sense of place, which is real and imaginary at the same time. It questions, if it possible to communicate something of the soul of a place, steeped in histories of revolution and dissidence, without relying on didacticism or storytelling, without taking recourse on hierarchical distinctions between the ordinary and the extraordinary, the animate and the inanimate, the macro and the micro? Wondering what heritage (colonial) anthropology leaves behind, or rather, if it is possible to escape from the systems of signification that constitute foreignness, without getting detached from the palpable realities of the world? What if there was a way to approach the foreign by relying on the affects of the world that pass through us, giving way to perceptive cartographies, mapping out nameless intensities and collective sensitivities, leaving space for the non-human, including vegetables and animals that colonized the New Land? In this film, Cuba does not appear as an “outside” to a “Western” inside, but as a sensible texture without anchor or vanishing point, where humans are a part of the composition rather than the principal element.

Elke Marhöfer, born in the year of the goat in Baracoa/Cuba, studied Fine Art at the University of the Arts in Berlin, at the School of the Art Institute of Chicago and at the Whitney Independent Study Program in New York City. Via the potentialities of moving image and suppositious writing Marhöfer works with notions of self-admitted foreignness, radical othering, heterogeneous perceptions of time, the ahistorical and disorientations of narratives. She revises notions of animal, vegetal and object relations. Since 2010 she pursues a PhD at the University of Gothenburg. Projects have received fellowships, grants, and generous support from Courtisane Festival Ghent, Images Film Festival Toronto, IASPIS Residency, Whitney Independent Study Program, Cité des Art International Paris. Art exhibitions include the Manufactura`s Studio Wuhan, FCAC Shanghai, the Houston Museum of Fine Arts, Museum für Gegenwartskunst Siegen and The Showroom, London.

Le changement est perpétuel. Si nous le souhaitons, nous pouvons danser au son du vacarme de métro, la vie est pleine de désagréments et de transformations.

Mariam born and lives in Cairo, 17 July 1989. Graduated from College of Art Education, Pre-masters degree, Sculpture Department. Active member of the Syndicate of Plastic Arts .and the Syndicate of teachers. Participated in the Competition Rencontres de l’Image - Edition 12 - Institut Français d’Egypte. The competition of Youth Salon The 25th and 22nd Sessions. Participated in Collective Exhibition like Log in Art Exhibition - Darb 1718 Contemporary Art and Culture Center.(2016) Exhibition of the 9th Experimental Art Workshop for Media Art, College of Art Education. Exhibition for stone sculpture titled "Abstract" 2015, "Power" 2014. Also Participated in International Symposiums like, Aswan International Sculpture Symposium - Round 20. Soundpainting workshop with the Musician François Jeanneau, Institut Français d’Egypte.(2016)

_habitus est une oeuvre acousmatique basée sur un système d'improvisation créé pour une performance en temps réel à Honk-Kong. Deux micros furent installés de manière à enregistrer les sons provenant du patio de la galerie Habitus qui fait face à des autoroutes, tramways le port Victoria et qui est proche d'un héliport. Ces sons constituent l'unique source de cette oeuvre qui explore les variations dans un environnement improvisé. Dans l'ensemble de la création, la dimension temps réel de la performance est conservé, le son subissant des transformations sans interrompre le continuum sonore. Le montage créé pour la performance et sa source sonore particulière ont servi à composer une nouvelle oeuvre acousmatique qui ne se focalise plus sur la perception simultanée de son réel et distordue dans un espace physique. On passe de l'aspect réellement physique d'une expérimentation directe de la performance à mise en avant des sons pour eux-mêmes, ainsi que la création d'une image-son à partir des sons urbains, image-son dans laquelle on perçoit toutes les qualités de la performance. La structure globale de l'oeuvre est caractérisée par l'évolution lente de sons bruts vers des sons abstraits, pour ensuite finir avec des sons d'un environnement réel. Au sein de cette structure, on retrouve plusieurs mouvements qui explorent autant de possibilités de transformation de ces sons. Les divers événements sonores provenant du milieu original, comme par exemple des voitures, des trams et bus qui passent, perdent lentement leur modulation caractéristique par des transformations, pour devenir un matériau de création d'objets sonores divers qui évoluent au gré des modulations que le compositeur intègre. Le but de l'oeuvre est de de créer un voyage acousmatique pour les auditeurs, utilisant les changements possibles de leurdis mode d'écoute.

Né en France en 1973, il travaille et vit à Hong-Kong depuis 1999 et est actuellement doctorant en arts média à plein temps à la School of Creative Media, City University de Hong-Kong. Il fonda en juin 2004 le label de musique éléctronique monème, basé a Hong-Kong. Il a pris part à des performances et des expositions à Hong-Kong et New-York. Ses oeuvres individuelles et collectives [a.k.a symposium 4H] ont été publié dans une compilation, M001 (monème, 2004). Il a reçu le Prix d'Excellence à la Biennale d'Art 2005 de Hong-Kong pour sa vidéo Huangpu. Il a récemment sorti un nouveau CD audio, _habitus, qui est basé sur une performance en temps réel à Hong-Kong en novembre 2005. En tant qu'artiste résident du Centre d'Art Visuel de Hong-Kong, il travaille actuellement sur une installation sonore (I/O Flows) basée sur un système sonore en temps réel. Son travail se concentre sur les enregistrements sur les terrain, la construction d'espaces sonores modifiés, les intéractions entre son, vidéo et architecture.

In search of traces and imprints of an absence, this film examines the coexistence between nature and man-made structures or artifacts, to deliver a formal object of commemoration. An obscure celebration of the surface of a fractured and exhausted world, what could have been a city symphony evokes instead the feeling of a mausoleum for our present existence.

Pablo Marín is a filmmaker and writer. As an independent researcher and curator, he has presented programmes on Argentinean cinema in the United States, Canada, Spain, Austria, Finland and Switzerland. He has translated books by Jonas Mekas, Stan Brakhage and John Waters, among others, and his volume on Argentine experimental cinema, Una luz revelada. El cine experimental argentino, was published in both Argentina and Spain by La Vida Útil in 2022. His film Resistfilm (2014) won the best Avant-Garde Film at Filmadrid, and his latest, Trampa de luz (2021), was awarded the Principal Online Prize of the International Short Film Festival Oberhausen.

New Madrid is an essay about a failed utopia and a failed copy in the shape of a journey throughout the eight cities of Madrid in the United States. As I was putting together the project “Árboles” (about urban planning as a tool for colonisation and self-colonisation) alongside the Los Hijos collective, I found out about New Mexico's Madrid. Later I would also find seven other places named the same way located in the states of Alabama, Colorado, Iowa, Missouri, Nebraska, New York and Maine. Developed in the context of a crisis, the piece had to be limited to that American country – considering that cities named like this can be found in several regions of the globe –, given that this was the last territory which made utopia possible, and that was conceived to enable new communal experiments which led to all kinds of religious and sociological experiments.

Natalia Marín Sancho, born in Zaragoza in 1982, is a video artist and teacher. In 2008, she founded the experimental film collective Los Hijos, together with Javier Fernández Vázquez and Luis López Carrasco. “Los materiales”, her first full-length film was awarded the Jean Vigo Prize for Best Director at the Punto de Vista International Festival in 2010 and also received a Special Mention from the FIDMarseille jury. Her work has been screened at various international festivals and at exhibition spaces such as the MUSAC, Guggenheim Bilbao, Centre Pompidou, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, and Anthology Film Archive. She has also participated in group exhibitions at the Tabakalera International Centre for Contemporary Culture in San Sebastián, the PhotoEspaña and the La Casa Encendida, amongst others. As a teacher, she is currently working for the Escuela Internacional de San Antonio de Baños (Cuba), the Círculo de Bellas Artes and the ECAM (The Madrid Film School).

Une île, un poème, un rêve. Disparition et réapparition d'une langue sifflée, le Silbo. Silabario raconte l'histoire et la transmission de ce patrimoine miraculé de l'île de la Gomera.

Réalisatrice et monteuse formée à l’ECAM (Ecole de Cinéma et d’Audiovisuel de Madrid), Marine de Contes travaille aussi bien en documentaire qu’en fiction et développe des projets de films et d’installations vidéo, abordant des thématiques écologiques et sociales. Membre de l’Académie des Beaux-Arts de France, résidente à la Casa de Velázquez en 2019-2020, elle y réalise le court-métrage « Silabario » en langue sifflée espagnole et y développe son projet de long-métrage. Son film précédent, « Les Proies », a été récompensé en 2018 du Prix Louis Marcorelles au Festival Cinéma du Réel Paris et d’une mention spéciale au festival Linea d’Ombra à Salerne. Il a également été diffusé dans de nombreuses salles de cinéma, centres d’arts ou festivals (Viennale, Sheffield, Lincoln Center...).

Shot over a period of three years in a single interior space, this film explores sensory perception through the textural surface of expired film stock, light and layered images. Ephemeral moments meld into voids of grain.?

Ryan Marino is an New York-based artist working with film, sound, and collage. His 16mm films have screened at a variety of film festivals and venues including: Anthology Film Archives, New York Film Festival, San Francisco International Film Festival, Milwaukee Underground Film Festival, Uplink (Tokyo), Venice Biennale, Fracto Experimental Film Encounter, Spectacle Theater,? and Pacific Film Archive. In addition to creating the soundtracks for his own films, his sound work includes original compositions and commissioned soundtracks for short films and theater productions. By day he works as an audiovisual archivist.

"Ce documentaire poétique, réflection profonde sur le temps et la mort, retrace les 5 dernières années da la vie d'une femme. On peut la voir dans des situations, des scènes de tous les jours, tricotant, mangeant, dormant." Festival International de la Vidéo d'Art Electronique, Brésil. "Poderosa reflexão sobre o tempo e a morte, o documentário poético acompanha os cinco últimos anos de vida de uma mulher, com registros de situações corriqueiras, em que ela aparece tricotando, comendo, cochilando." Festival International de Arte electronica Videobrasil

Iván Marino, réalisateur vidéo et artiste multi-média, est né en Argentine en 1968. Durant son activité professionelle il a été professeur dans différentes universités: nationales et internationales. En 1977, il fut invité au Filminstitut (HDK- Hochschule der Künste, à Berlin) en tant que professeur- visiteur pour étudier la forme documentaire. De 1997 à 1998 il fut professeur en visite à l'Université de Californie à Los Angeles (Département Film et TV), où il se spécialisa dans l'Art Digital. En 1999 il reçut un prix du Centre d'Art et Design MECAMedia (Ecole Supérieure de Design, Université Ramón Llull) pour la recherche et la réalisation d'art du média. Depuis, il vit à Barcelone. Il s'occupe actuellement de plusieurs cours d'Art Electronique et de Design Digital (Université ESDI Ramón Llull). Il donne aussi des cours de Système de Design Interactif pour programme de maitrise internationale et collabore avec des professeurs de l'Université Pompeu Fabra, à Barcelone(IUA).Iván Marino a été aussi en charge de séminaires tout en assurant des cours d'éducation dans différentes universités en Argentine (Universidad Nacional 3 de Febrero, Universidad Blas Pascal),en Colombie (Universidad Nacional de Cali, Universidad de Caldas),tout comme d'autres centres académiques. Durant sa carrière professionelle, il a créée pour le cinéma, la vidéo et les moyens interactifs, tels que le Web ou l'internet en général. Son oeuvre a été présenté dans différentes manifestations internationales et a reçu des prix aux festivals d'Hannover (Festival du Film International, Allemagne,1997), BHZ Brésil (Belo Horizonte, Brésil, 1995), Videobrasil (San Pablo, Brésil, 1997), Festival du Film de Buenos Aires (Sueños Cortos, Argentine, 2003), pour n'en citer que certains. Il a reçu des financements de la part de la Fondation Rockefeller, MacArthur (Etats-Unis), Fondation Antorchas (Argentine), Goethe Institut (Berlin), et reçut un prix du ZKM (Centre pour l'Art et Média, Karlsruhe, Allemagne) ainsi que de l'Université de Californie, Los Angeles (UCLA). source: La Caixa

PLAY est une galerie et un showroom pour des projets artistiques, révélant à quel point le cinéma, la vidéo et l'art s'influencent réciproquement. Loin des distinctions classiques de genres, de nouveaux langages narratifs et visuels constituent une alternative au flot d'images et à la publicité à caractère subliminal diffusés dans les mass médias traditionnels. Le but et le principal intérêt de cette galerie résident principalement dans la transformation des modèles visuels du visiteur et du spectateur autant que des modes de perception, afin de l'inviter et de le fasciner de manière positive. Dans cette perspective, PLAY invite les artistes, les directeurs et les cameramen à présenter les idées de leur projet qui seront ensuite réalisées pour cet espace. Le savoir-faire technique, et les fondements théoriques du projet sont considérés comme aussi importants l'un que l'autre. C'est pourquoi, une emphase toute particulière est donnée à la coopération avec les universités et les académies afin d'élaborer ce type nouveau de conception durant des ateliers, avec la participation des élèves et des professeurs. Dans ce même contexte, les meilleurs "offs" provenant de festivals sont présentés sur des écrans et examinés par des spécialistes.

Franco Marionetti a fondé la société de production cinématographique et d'édition de livres d'artistes, "Fine Arts Unternehmen Ag" en 1999, à Zug, en Suisse. En 2000, il a ouvert "Artinprogress", un espace d'exposition à Berlin et en 2002 il a ouvert la "PLAY_gallery" consacrée aux images fixes et en mouvement à Berlin, pour se concentrer sur la vidéo et le cinéma. En 2003, il a lancé Fair Play, un festival annuel de vidéo et de cinéma à Berlin. En 2007, il a commencé le projet ?Mera Coincidencia?, à Lisbonne, en collaboration avec l'artiste Javier Penafiel.

Glenn and Carmen, the protagonists of this documentary, are portrayals of two lives immersed in American culture. Of Hispanic origin, both of them believe they have "made it in Gringo-land". They are identities consolidated in archetypes and social superficiality: this is what each of their lives represents. The two faces of "The Face and The Face". Born in New York, Glenn Neil travels around during the day in a Hummer, a powerful vehicle used by the US Army that his company has lent to him to promote PEPCID, a stomach antacid marketed primarily to Neil's original community: the Hispanic population. In the other video, the camera follows Carmen, an Argentinean, on her habitual late-night tour of the places where she works in Manhattan. With her piano/synthesiser, she drives to restaurants and nightclubs, usually Latin, playing her repertoire of songs to make people's evenings more enjoyable.

Isabel María was born in Mérida,Spain in 1972. While finishing her degree in Fine Arts at the Universidad Complutense of Madrid, she also completed a residency in the artist Urs Lüthi's, HBK, Germany, from 2000 to 2002. The following year she received her doctorate in Image Art from the Fine Arts Department of the Universidad Complutense of Madrid, and she is currently completing her doctoral thesis on Framing methods: The camera like writing in video art. Isabel María has received the following awards and grants: First Honourable Mention in the III Photography Contest of the El Cultural supplement in the newspaper El Mundo, 2003; Finalist in Camel Arte 03, video art section, Barcelona, 2003; El Brocense Cultural Institution Prize artwork acquisition, Cáceres, 2004; First Honourable Mention in "5ª Biennialal from Vic" Barcelona, 2006-2007; artist grant from MediaLabMadrid/Conde Duque, Madrid, 2002; F.P.U. Research Grant, Ministry of Education, Culture and Sports, Madrid, 2003-2006; M.E.C., Madrid, grant for MoMA, New York, 2004; and in 2005 she received an M.E.C. grant for the Video Data Bank at the School of the Art Institute of Chicago. Recently, she was selected by Contemporary, the London art magazine, in the first Contemporary Annual 2006, as one of the 50 international emerging artists.