Catalogue > Liste par artiste

Mikomikona explore de manière expérimentale la capacité de transformation dynamique du son en image, de l'image en son et les effets de rencontre sur l'interface médiatique. Nous développons des dispositifs qui nous permettent de connecter et de transformer des signaux visuels en signaux acoustiques et vice versa. Nous explorons ces dispositifs au sein de différents contextes audio-visuels créant un environnement synesthésique. Les modules de performance qui en résultent partagent tous l'idée d'un nouveau codage symbolique de l'information médiatique et sont aussi utilisés pour faire du Vjing. Pour réaliser ces performances, nous travaillons avec des outils analogiques tels les rétroprojecteurs, les projecteurs de film super-8, les projecteurs vidéo utilisés comme dispositifs visuels et sonores. Mikomikona utilise la simultanéité et la vitesse des circuits électroniques analogiques. Notre intérêt s'inscrit plus à l'intérieur du champ des synthétiseurs (soumis à des modulations), que dans le paradigme des séquenceurs (sériels, chronométrés et programmés comme dans les environements digitaux). L'approche théorique : le bruit de la transformation En transformant l'information dans différents formats de médias nous recevons le bruit de la transformation -bruit parasite- qui reflète lui-même notre utilisation instable de la technologie des médias. Le bruit de la transformation est un moyen apte à révéler la structure même du média. En termes de performances acoustico-visuelles, Mikomikona explore la capacité de transformation dynamique des images techniques en son et vice versa. Ainsi les détours synesthésiques sont compressés et le contenu médiatique est codé de manière nouvelle. L'expérience de l'ordinnateur rend transparente l'échangeabilité du code : l'utilisation d'un codage binaire pour représenter image, texte et son. Le code binaire semble être la référence omnipotente au sein de laquelle presque tout contenu peut être sauvegardé et reproduit.

Un enfant tenant une bûche dans les bras chute dans d'interminables escaliers. Une fois en bas, il se métamorphose sous l'effet d'un carillon au son duquel il va danser jusqu'à épuisement. En référence directe à des films, contes de fées, clips et à la mythologie personnelle de l'auteur, la vidéo explore cette frontière où la banalité devient source de fantastique et d'imagerie mystérieuse.

Jacopo Miliani est né en 1979 à Florence (Italie) et vit à Londres. Diplômé en Interdisciplinary Art Practices de l?Université de Florence en 2003, il a obtenu un MFA au Central Saint Martins College de Londres en 2006 et a suivi l?Advanced Course of Visual Arts de la Fondazione Antonio Ratti à Cômes en 2007. Son travail est présenté dans des galeries, des expositions collectives et des festivals. Il est l?un des lauréats du Prix Movin?Up 50 et participe à des projets parallèles avec des magazines et des labels de musique.

This film documents four delegated performances/castings, featuring participants who are both directly and indirectly actors of war: veterans, civilian victims, disabled individuals, or those traumatised by conflict. Applicants that have been seduced to participate in four castings of imaginary movie altogether agreeing to be part not only of an experimental film, but also of a subversive cinematic social experiment. They signed up for battle in the movie, and got an unexpectedly brutal lesson about conflict. They certainly, but so do we who watch it. With this poignant cinematic depiction of the personal and far-reaching impacts of war, this sobering antiwar movie project raises questions about the allure of violence and war that is so frequently simulated in the media surrounding Western culture. The encounter with real-life victims of violence forces a reckoning with their motivations and exposes viewers to the raw realities of trauma. The project emerges as an inexorable impasse, not for those who perish within it, but for those burdened by the enduring scars of trauma and violence. The Final Battle film coincide with wars in Ukraine and the Middle East, both of which have come to normalize accelerated militarization and expanded conflict as a fact of everyday life. Both artistic and cinematic project attempts to contend with this deadly spiral of violence, which has a widespread psychological effect that prevents purposeful articulation and functions to undermine processes of reconciliation and social repair.

Born in Zenica, Yugoslavia in 1981, he completed secondary school in Doboj. After secondary school, he attended the Reserve Officers' School, where he attained the rank of sergeant. As a sergeant during his military service, he trained 30 soldiers. He enrolled at the Academy of Arts in Banja Luka in 2002 where he finished his Bachelor's and Master's degrees in painting. He holds PhD thesis in New Media at the University of Arts Belgrade. At the beginning of his art practice, he was included in the international selection of artists under 33, "Younger Than Jesus - Artist directory," by New Museum curators Laura Hoptman and Massimiliano Gioni. He has participated in various group shows, including the 55th Venice Biennale, 15th Busan Video Biennale, and the recent 13th Cairo Biennale. He has also held solo shows and projects at MUMOK in Vienna, Gallery MC in New York, ACB Gallery in Budapest, Antje Wachs Gallery in Berlin, Neue Galerie Graz, and others.

Le Musée d'Art Contemporain à Zagreb a été fondé en 1954 comme la City Gallery of Contemporary Art, dans le souci de suivre, d'analyser et de promouvoir les événements, les styles, les phénomènes relatifs à l'art contemporain. A travers près d'un demi-siècle d'existence, le Musée_ selon son appellation admise_ a connu un certain nombre de changements : son appellation mais aussi l'espace disponible, le nombre de collections et leurs contenus. Cela dit ses principaux engagements sont restés les mêmes : présenter la création contemporaine dans des conditions favorables à la compréhension et à la jouissance de l'art croate et international et faire en sorte que l'échange entre l'expérience créative et herméneutique soit le plus dynamique possible. Des travaux d'artistes croates et d'artistes internationaux ont été exposés depuis, des travaux qui, du temps de leur création, étaient preuves de qualité, d'une volonté artistique et pertinente ou encore des travaux qui inauguraient un langage artistique différent. Les collections du Musée comprennent des accrochages qui montrent les débuts et le développement logique des tendances artistiques individuelles aussi bien que leur impact direct ou indirect sur la production qui leur a succédé dans le temps. Les collections incarnent à la fois la réalité de la production artistique croate en cette période spécifique de synchronie avec le développement de l'Art européen ou Art Global. La constitution de la collection du Musée commença immédiatement reprenant le principe de la City Contemporary Art Gallery en 1954. La majeure partie de la collection d'art contemporain du musée est composée de travaux d'auteurs croates ou étrangers créés après 1950 alors qu'une plus faible part date de la première partie du vingtième siècle, oeuvres dont la présence est nécessaire pour illustrer le concept de l'art et moderne et contemporain. Les collections du Musée Contemporain comprennent aujourd'hui 9000 oeuvres d'art moderne et contemporain qui devraient finalement être accessibles au public dans le nouveau Musée en construction. Après des tentatives multiples pour placer le musée dans un espace adapté, il a été décidé de créer un autre Musée dans la partie nouvellement construite de Zagreb. Un nouveau Musée s'érige dans la nouvelle ville de Zagreb, il est en construction depuis 2003. Le bâtiment occupe un espace total de 14500 mètres carrés dont 4800 sont prévus pour les expositions. Le volume divisé géométriquement en cinq étages devrait devenir un emblème de la ville dans un futur proche. www.msu.hr

Tihomir Milovac is a senior curator at the Museum of Contemporary Art in Zagreb, and is the head of the Experimental-Research Department at the Museum. As a curator and art critic he has curated many exhibitions and other visual arts projects in Croatia and abroad, most often engaged in new, contemporary phenomena in visual arts, especially new media, but also the phenomena of historical avant-garde. He had edited numerous publications and catalogues, and curated exhibitions like Kasimir Malevich, Retrospective, 1990; Ukrainian Avant-garde 1910?1930, 1990/91; Andres Serrano: Buapest/Morgue, 1996; Jan Fabre: Passage, 1997/98; The Future is Now ? Ukrainian Art in the Nineties, 1999?2000; The Baltic Times ? Contemporary Art from Latvia, Lithuania and Estonia, 2002; Misfits: Conceptual Strategies in Croatian Contemporary Art, 2002; Sanja Iveković: Women's House 1998-2002, 2002; System of Coordinate ? Russian Art Today, 2004; Zlatko Kopljar: Compassion +, 2005; Insert ? Retrospective of Croatian Video Art, 2005.

The Melancholy of this Useless Afternoon, chapter 2 (2023, 11:25) explore les gestes partagés entre le fugitif et le passeur, ainsi que leur rapport au regard porté sur eux. The Melancholy of this Useless Afternoon enquête sur les liens entre le fugitif et le passeur, leurs gestes communs et leurs relations à la visibilité. Par la fuite, l’évasion, au risque de la capture ou de la mort, le fugitif œuvre à se maintenir caché. Le passeur, quant à lui, se déplace avec discrétion, utilisant des gestes pour dissimuler des choses, souvent tout contre son propre corps.

Dina Mimi est une artiste visuelle et cinéaste palestinienne, basée entre la Palestine et les Pays-Bas. Mimi travaille à partir du film expérimental et de performances-conférences qui explorent la question de savoir comment et quand les corps deviennent des lieux de résistance. Cette question trouve une matérialité dans les images en mouvement, en particulier des images trouvées, rejetées et donc considérées comme dépourvues de valeur. En comprenant le montage comme un terrain de jeu, Mimi explore l’opacité dans les images en mouvement, en cherchant à frôler des fragments qui souhaitent rester insaisissables ou qui sont en train de disparaître. Cela constitue une tentative continue de narration non linéaire, comme une manière de défigurer la sienne.

A normal day for Gabi is a day when she works in Italy but looks forward to the next reunion with her twelve-year-old son. She returns to Romania for a brief visit, expecting to spend a few days with him. Upon arrival, she finds out she can only see him for one day instead of three. Seven years after 'Fragments of Gabi', 'Wait Two Days' is the second episode in Gabi's journey towards self-love, towards having peace with herself. (Logline: On a brief visit to her home country, Gabi learns she can only see her son for one day instead of three.)

Jaro Minne (Belgium, 1992) is a filmmaker who frequently works on the East-West crossover. He studied at the Helsinki Film School and LUCA School of Arts in Brussels, graduating in 2015. Member of the collective Tsalka Film. Various festivals have screened his work, including Oberhausen ISFF, Rencontres Internationales Paris/Berlin, Maryland FF and Message to Man St. Petersburg. In 2024, his new film Sudden Rain will be released.

L'hiver dans un village géorgien. Une fille de 15 ans tente de se rapprocher de son frère avant qu'il ne quitte le pays dans l'espoir de trouver du travail.

Jaro Minne (b. 1992) is a Belgian writer/director who frequently works on the East-West crossover. He studied at KASK Ghent, Helsinki Film School before completing a master degree at LUCA School of Arts in Brussels in 2015. His work combines intimacy with distance, often exploring rootlessness and family dynamics.

Comme le titre le suggère, "Reality TV" confronte le spectateur avec les faux concepts de la réalité donnés à voir par les médias. Ces médias qui déterminent à leur tour de faux concepts de réalité et définissent les comportements dans ce qu'on appelle la 'vraie vie'. Cette réalité supposée est représentée par des extraits de publicités et d'émissions télévisées ne montrant que les moments d'extase feinte, le tout hors-contexte. Par exemple, on peut voir une mannequin décrire avec emphase comment un certain shampoing a radicalement changé sa vie, ou une autre mannequin brandir une boite en carton (contenant des céréales? de la lessive? à vous de choisir) avec une expression de quasi-jouissance. Par opposition à ces séquences, on commence à distinguer, dans la pénombre, l'image d'une famille bourgeoise typique , assise devant le (ou bien à l'intérieur du) téléviseur : il s'agit bien de la seule image de "réelle réalité" ici. Mais que dire? Cette réalité de zombies en captivité, les yeux rivés sur les publicités, est bien moins excitante... Reste le bébé, le seul (pour l'heure) à manifester la moindre réaction. La structure du film soutient son message, aussi bien d'un point de vue visuel que musical : chaque extrait de publicité forme un module, qui peut être diffusé de manière aléatoire avant ou après n'importe quel autre module. Chacun de ces modules contient sa propre musique. Agencée de manière aléatoire, la séquence de ces modules résulte en un flux monotone de bruit blanc, entrecoupé de fragments extatiques.

Né à Buenos Aires, en Argentine, Ariel Mioduser vit à Jaffa, en Israël. Il obtient une licence à la 'Bezalel Academy of Art and Design' à Jérusalem, puis un mastère à l'université d'Alcala en Espagne. Il enseigne au département d'art numérique et au département de communication visuelle du 'Technology Education College' à Tel-Aviv en Israël. Après avoir travaillé pendant presque vingt ans dans le domaine commercial, Ariel Mioduser a commencé à travailler sur de mini-animations personnelles, à cheval entre animation et art. Le travail de Mioduser s'intéresse de près à des thèmes sociaux tels que la pauvreté et la culture de la pauvreté, les formes d'oppression basées sur l'appartenance ethnique ou sexuelle, la mondialisation et la protection de l'environnement. Dans un monde où l'image est utilisée pour manipuler, il 'crée' à l'intérieur de ce monde, tout en posant sur lui un regard critique.

`Carte universelle de la partie du monde nouvellement retrouvée`. Un hommage au géographe italien Giovanni Battista Ramusio.

Stefano Miraglia (né en 1988 à Málaga) est un artiste et curateur indépendant basé en France et en Italie. Sa pratique artistique repose sur l`association entre vidéo numérique, photographies, documents d`archives et éléments autobiographiques. Son travail se situe à l`intersection entre art abstrait, animation expérimentale et journal filmé. Ses films sont distribués par Collectif Jeune Cinéma et ont été montrées à de nombreux festivals internationaux, dont Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de Paris, Pesaro Film Festival, Transient Visions et Fracto. Son activité curatoriale comprend la création d`expositions et de programmes de films pour Le Dôme Festival (Touraine) et Nomadica (Bologne, Italie). Stefano Miraglia est le fondateur et curateur principal du projet The Moving Image Catalog (movimcat.eu).

From the Vosges mountains in France, teenagers are discussing and exchanging ideas. The floor is shared: the ease of some, the courage of others, push them to speak, while others listen and observe. These roles, naturally performed, are at the heart of their conversations. Enjoying thirteen years of presence in this world, they tell us that sometimes "speaking says nothing." Two stories (one near, one far) of people their age whose words have been ignored intersect. They have spoken to try to make their realities exist, without finding an audience. When spoken words do not exist, bodies are subjected to violence (to themselves). « Treize années en présence » ("Thirteen years present") echoes adolescents whose perceptions are not devoid of accuracy or radicality. They express their visions of a fragmented world, where the artificial coexists with reality more than individuals do among themselves. They talk about the role that speech and listening play in it. If words can be actions, the silence that speech can confront also acts: it is the gesture of exclusion, of resignation.

Marianne Mispelaëre (b.1988) is a french visual artist. Her works are on display in France and abroad. She received the 2017 Grand Prix du Salon de Montrouge award.

Depuis les Vosges, des adolescent·es discutent, échangent des idées. La parole est repartie : l'aisance des un·es, le courage des autres les poussent à prendre la parole, tandis que d'autres encore les écoutent et observent. Ces rôles, qu'ils performent « sans y penser », se retrouvent au coeur de leurs conversations. Jouissant de treize années de présence en ce monde, ils et elles nous racontent que parfois « parler ne dit rien ». Deux histoires (l'une proche, l'autre plus lointaine), de personnes de leur âge dont les paroles ont été ignorées, se croisent. Iels ont parle pour tenter de faire exister leurs réalités, sans que celles-ci ne trouvent d'auditoire. Quand les mots dits n'existent pas, les corps (se) font violence. « Treize années en présence » donne à entendre des adolescent·es dont les perceptions ne sont dénuées ni de justesse, ni de contradictions. Iels disent leurs visions d'un monde fragmente, où l'artificiel côtoient la réalité plus que les individus ne se côtoient entre elleux. Iels parlent de la place que la parole et l'écoute y prennent. Si les mots peuvent être des actions, le silence auquel la parole peut se confronter agit lui aussi : il est le geste de l'exclusion, de la résignation. Le film propose une narration fragmentaire, construite à partir de différentes conversations. Celles-ci ont été enregistrées en juin 2023 dans le cadre d'un projet polymorphe pensée et menée par l'artiste Marianne Mispelaëre, « Forum », à la fois dispositif de parole, « performances relationnelles », installations et lieu de tournage de ce film.

Marianne Mispelaëre est artiste. Elle vit et travaille a Aubervilliers (93). Sa matière première relève de zones de contact : rencontres, échanges, transmissions, collaborations, emprunts, négociations, affrontements. Que se passe-t-il entre nous, en nous, tout au long de l’infinie tache politique qu’est le cotoiement ? Elle écoute et observe les relations sociales, le langage — ce qu’il fait sur ses usagers et usagères, ce que celleux-ci lui font. Ses gestes sont simples, précis, éphémères, inspirés de phénomènes actuels et sociétaux. Elle manipule le dessin sous toutes ses formes, l'image photographique, la vidéo et le film, la typographie, le texte, la sculpture, l’installation, l’action performative. Son travail est souvent amené a etre activé, interprété (par elle ou par d’autres), privilégiant l’in situ et l’éphémère. Il a été exposé en France et a l’étranger, et fait parti de nombreuses collections publiques. https://www.mariannemispelaere.com

Au Bénin, les gens de l'eau, qui autrefois ont lutté contre la Colonisation, font face à la jacinthe d'eau, une plante colonisante qui se reproduit à une vitesse vertigineuse en étouffant le lac. Réalisme et imaginaire se mêlent alors, comme si l’un n’était compréhensible ou tolérable qu’en raison de l’autre.

Italienne et diplômée en Économie de l’Art à l’Université Bocconi, Marina Russo Villani s’est formée en cinéma et en scénario en France, à la Sorbonne Nouvelle et à Paris Nanterre. Scénariste et réalisatrice de fiction et de documentaire, elle co-signe avec "À qui le monde" une fable politique fantastique qui dresse un portrait fantasmé et ironique de la manière dont fonctionne le monde. En parallèle de son travail d'auteure, elle fonde en 2023 sa société de production, Filibusta. Le travail de Victor Missud s’intéresse de manière poétique à des personnes marginalisées d’un territoire et de la société, qui deviennent acteurs et actrices non-professionnel·le·s de ses œuvres. Mêlant documentaire, fiction et cinéma de genre, ses travaux ont été présentés et primés en France et à l’étranger - Visions du Réel, IFF Rotterdam, Hors Pistes - Centre Pompidou, Rencontres Internationales Paris/Berlin, Etats Généraux du Documentaire de Lussas. En 2024, il intègre le Fresnoy - Studio national des arts contemporains.

Des hommes, envoyés sur la Lune pour la végétaliser, attendent l’arrivée des terriens. Au milieu de la forêt qu’ils ont fait grandir, ils racontent leurs souvenirs de leurs vies sur Terre et le monde dans lequel ils aimeraient pouvoir vivre. Mais qui sont ces hommes ? Sont-ils réels ? Ont-ils été oubliés ?

Originaire de Toulouse, Victor Missud se forme au cinéma à l’université Sorbonne Nouvelle de Paris et à la Escola Superior de Teatro e Cinema de Lisbonne, où il réalise des courts-métrages documentaires expérimentaux autoproduits. Son dernier film, À qui le monde (en production, co­réalisé avec Marina Russo Villani), est lauréat de la bourse Brouillon d’un rêve documentaire de la SCAM, de la Résidence d?écriture de Saint-Quirin et du nouvel Accompagnement aux VFX du CNC.

Six millennials meet renowned writer Noel Riccardi at a former workers' holiday settlement in the Italian Alps. Intrigued by the younger generation, Noel invites them for an evening of food, drinks, and debate. But as political disagreements arise, a generational clash ensues, leading Noel to respond with a cowardly act of violence. The following morning, another friend of the group arrives and joins Maria, who has developed an affinity for the aging intellectual. Together, they pay him a visit.

Magdalena Mitterhofer (1994, Italy) is a director and artist living in Berlin. In her site-specific, narrative works, she explores the relationships between surrounding architectural, socio-political structures and their inhabitants. Magdalena received a Master's degree in Fine Arts from the class of Hito Steyerl at the University of the Arts Berlin and studied New Media at Tama University in Tokyo. 2021 she co-founded the nomadic performance project "lament.tv". Her work was shown, amongst others, at Volksbühne Berlin, Julia Stoschek Foundation, KW Institute for contemporary art Berlin, Tanzquartier Vienna.

Luc Ferrari (1929- 2005) est un musicien extraordinaire originaire du sud de la France. Il a une curiosité et un toupet sans fond pour absorber dans sa musique n?importe quelle expression radicale sans hésitation. Il est malheureusement mort en août 2005. Dans la conjoncture de la scène de la musique contemporaine, pleine de genre et cynisme, il poursuivait l?image de la musique comme ?plaisir?. Á sa manière, Ferrari n?a jamais perdu le pouvoir essentiel de la musique. Les musiciens donnant leurs appuis à la musique expérimentale populaire d?aujourd'hui comme Christian Marclay, John Zorn, Sonic Youth, David Grubbs, Yoshihide Otomo, DJ Olive, et Erikm on tous beaucoup de respect pour lui. Depuis la première rencontre du Studio mal parte avec Ferrari, alors qu?il était invité pour la première fois au Japon par Haruyuki Suzuki, une relation chaleureuse s?est établie entre eux et a ouvert la porte à la création de son Documentary>? LUC FERRARI \portrait off an abstract réaliste. ?? Qui présente des morceaux de sa musique et des ?moments présents? de sa vie à Paris. Hideyuki Miyaoka, un artiste du cinéma, a été invité au festival international du film de Rotterdam avec son film ? Mother Monika\for à film unfinished ? en 2005. Sur le chemin du retour au Japon, il a visité Paris pour filmer une répétition avec, le populaire, FJ Erikm de Marseille et Ferreri, ainsi que des moments de la vie du musicien avec sa femme avec laquelle il avait vécu tant d?années. Par ces scènes, la figure pleine de vie de Ferrari est mise en valeur. C?étaient une vision et un moment prenant des instants précieux de la vie du musicien, d?un homme et de derrière cet homme. Bien qu?il erre promis une réunion ave eux deux qui étaient et avaient déclaré être très touché par cette version complétée de la scène, Ferrari mourut d?une pneumonie en août. Cette vidéo est aussi un enregistrement de ?LAST DATE ?.

Il est réalisateur et représentant du Studio malpatre. Il est né en 1967 à Hiroshima et il s?est établi en 1997 dans un élément de ce qui devint Studio malparte et qui fut assemblé au fur et à mesure que les projets prirent place. Il a produit et présenté indépendamment une série de cinq évènements ?Sagi Poiesis ? ?des séminaires et des ateliers principalement sur l?expression cinématographique). En 1998, il alla en Russie pour travailler comme directeur assistant avec Aleksandr Sokurov sur le tournage de ?MOLOCH? (meilleur film au Festival International du Film de Canne en 1999). En ce moment, il produit et créé un programme artistique nommé ?Edge ? et d?autres programmes pour CSTV.

"Une minuscule buvette-épicerie de la ville industrielle de Kawasaki au Japon est le lieu de rencontre d’habitués occupés à boire des bières en cannette, à discuter de tout et de rien et à jouer aux courses cyclistes. Le vélodrome est tout proche, dans la grisaille du quartier, et représente le seul espace extérieur, la seule échappatoire des hommes qui se retrouvent au bar. Les neuf coureurs de keirin alignés dans les starting-blocks ou sur la piste, dans leurs combinaisons aux couleurs criardes, rythment avec rigueur les journées et entrecoupent les discussions. Au comptoir, les sujets semblent toujours être les mêmes : les paris, le temps qui passe, les cerisiers qui fleurissent... Et pourtant, c’est le repaire des retrouvailles, le lieu de la parenthèse dans un quotidien morne. On se saoule un peu et on partage quelque chose… « J’aime les choses qui flottent, parce que dans l’eau, je coule » confie le tenancier. Pour lui, comme pour ses clients, les cyclistes accrochés à leurs pédales, filant en ligne et imperturbables, sont un peu comme une bouée, le vélodrome, comme un bateau." Madeline Robert

Née en 1991 à Genève, Sayaka Mizuno a réalisé plusieurs courts-métrages et obtient son Bachelor Cinéma à la HEAD – Genève avec mention pour son moyen-métrage intitulé Kawasaki keirin. Présenté au festival Visions du réel 2017, le film reçoit le Prix du Jury SSA/ SUISSIMAGE du film suisse le plus innovant. Elle a participé au Locarno Filmmakers Academy 2017 et est actuellement en Master Cinéma à l’ECAL/ HEAD.

GROTESKKBASILISKK! MINERAL MIXTAPE looks at online subcultures premised on rapid technological acceleration and imperialist nostalgia, and their weird affinities with anti-rationalist ideas in the public sphere.

Mochu (b. India, 1983) works with video and text arranged as installations, lectures and publications. Techno-scientific fictions feature prominently in his practice, often overlapping with instances or figures drawn from art history and philosophy. Recent projects have explored cyberpunk nostalgia, corporate horror, mad geologies, psychedelic subcultures and Indian modernist painting. He is the author of the books Bezoar Delinqxenz (Edith-Russ-Haus / Sternberg Press, 2023), and Nervous Fossils: Syndromes of the Synthetic Nether (Reliable Copy / KNMA, 2022). His works have been exhibited at Edith-Russ-Haus für Medienkunst, Home Works Forum, 9th Asia Pacific Triennial, Sharjah Biennial 13, 4th Kochi-Muziris Biennale and transmediale:BWPWAP.

Toujours vers le haut. Parfois il avance lentement, parfois il s'arrête. Mais jamais il ne déscend.

Je suis né en 1980 à Maribor, en Slovénie. En 1999, j?ai fini l?école de design et de photographie de Ljubljana comme photographe professionnel. Entre 1999 et 2002, j?ai travaillé pour SNG Monitor (le théâtre national Slovène) comme photographe de théâtre. Pendant l?été 2002, j?ai pris part au programme d?artiste en résidence Unidee, Cittadellarte-Fondazione Pistoletto à Bielle n Italie. En juin 2005, j?ai fini mes études en art et média numériques à l?Académie des Beaux Arts de Vienne avec un diplôme de Magister Artium. En novembre 2005, j?ai commencé le programme d?artiste en résidence au AIRantwerp Antwerpen en Belgique.

As we part ways, there are still traces of each other in our memory or the infinite pool of the subconscious. These images linger, they flicker up. They give us hope, they make us sick. They have us question what has become. They complete us. They gently ask: who are we now?

Vincent-Kaya Möller, born 1992 in Berlin, is a German- Turkish director, editor and producer. He initially studied political science and psychology at Universität Halle before moving Berlin, where he graduated with a bachelor ’s degree from Universität der Künste in Communication in Social and Economic Contexts. Following his bachelor ’s he spent two years in New York working as a production and editing assistant for Kontentreal, Art Partner and Osmosis Film. He has also been working as a free-lance filmmaker and currently works for Studio Zentral. S i n c e 2019 he has been studying documentary directing at Filmakademie Baden-Würt- temberg. His third-year film FLIGHT MODE was co-pro- duced by SWR and arte and is currently in post-production.

In the immersive experimental fiction Image Technology Echoes by Lauren Moffatt, we enter a quiet gallery inside a cavernous museum space. The gallery is empty, except for an older man and a younger woman. The pair are having a stilted conversation about the painting they are looking at: a large expressionist canvas depicting a stormy ocean. This odd exchange seems to circulate indefinitely… unless we step inside the body of one of the two figures and are transported to their mental space. Each interior is a messy room with its own life. In this place, the person’s doppelgänger homunculus is reciting their stream of consciousness that the artist generated with a neural network, and the painting appears very different from what we just saw in the gallery.

Lauren Moffatt is an Australian artist working between video, performance and immersive technologies. Her works, often presented in multiple forms, explore the paradoxical subjectivity of connected bodies and the friction at the frontiers between digital and organic life. Lauren's works usually take the form of speculative fictions and environments, which are conceived using a mixture of obsolete and pioneering technologies and often occupy both physical and virtual space. Lauren completed her studies at the College of Fine Arts (AU), Université Paris VIII (FR), and at Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains. Lauren's works have been screened and exhibited most recently at Le Centre Pompidou (FR), Le Grand Palais Éphémère (FR) Hartware MedienkunstVerein (DE) Palais de Tokyo (FR), Villa Medici (IT), UNSW Galleries (AU), Daegu Art Museum (KOR), Museum Dr. Guislain (BE), SAVVY Contemporary (DE), FACT Liverpool (UK) The Sundance Film Festival (US) ZKM (DE), Q21 Freiraum (AT) and at La Gaïté Lyrique (FR). She lives and works between Berlin (DE) and Valencia (ES).