Catalogue 2025

En 2017, l’Angola a lancé son premier satellite dans l’espace… qui a été déclaré perdu peu après. As Aventuras do Angosat est le rêve né de cette entreprise avortée, sous la forme d’un film musical écrit et interprété par Isis Hembe, l’une des figures majeures de la musique urbaine angolaise, ici métamorphosée en Man Ré. Le film est tourné en un seul plan séquence dans le quartier de Cazenga, à Luanda, avec de jeunes talents émergents.

Resem Verkron (1999) est membre de deux mouvements culturels majeurs à Luanda : le collectif d’art urbain Verkron Collective et Geração 80. Son premier court métrage, Lola & Mami (2021), explorait la masculinité toxique. Marc Serena (1983) a coréalisé le documentaire primé Tchindas (2015), diffusé par PBS aux États-Unis. Son long métrage El escritor de un país sin librerías a été présenté en première à l’Alternativa et a remporté un DIG Award récompensant un journalisme d’investigation européen d’exception.

Chasing The Dot (2021–en cours) est une montagne russe immersive de lumière et de couleur, une plongée sensorielle dans les limites mêmes de la perception. Au sein d’un vaste espace Ganzfeld sans horizon, le public dérive à travers des champs de couleur semblables à des tempêtes, irradiés par une lumière indirecte d’un million de lumens, laissant surgir des images rémanentes éclatantes. Au centre de leur regard, un point unique flottant, le point fovéal, s’embrase et demeure fixe, où que l’œil se tourne. Présentée en première au Rijksmuseum Twenthe, cette installation explore les seuils stroboscopiques et la synesthésie. Inspirée par la technique du cut-up de Brion Gysin, la partition lumineuse, minutieusement conçue, fragmente et réassemble la vision, provoquant des hallucinations à yeux ouverts. Les spectateurs vivent une fusion sensorielle, voyant avec leurs oreilles et écoutant avec leurs yeux. Chaque modulation de teinte, de fréquence, et de déclin révèle l’architecture cachée de la conscience, en dévoilant ses charnières et ses coutures. Le paysage sonore émerge directement du bourdonnement, des pulsations et du crépitement des puissantes sources lumineuses, s’entremêlant de manière organique aux hallucinations visuelles. Il résonne comme une tempête électrique rythmique, dense, texturée, et hypnotiquement synchronisée avec les vagues de couleur. Ici, la lumière devient une matière tangible. La perception se transforme en une danse chorégraphiée, faisant de chaque spectateur un co-auteur. L’œuvre ne s’accomplit pleinement que lorsque les visiteurs ferment les yeux, créant des cinémas intimes derrière leurs paupières closes. Chasing The Dot démontre à quel point notre perception du réel est malléable, et révèle combien notre cerveau est extraordinairement fin dans l’élaboration de la conscience.

Philip Vermeulen est un artiste néerlandais qui explore les fondements de la perception humaine. Ses installations se vivent avec tout le corps, tout en mettant à l’épreuve la physicalité de la lumière et du son, du mouvement et des vibrations. Vermeulen expérimente une grande variété d’éléments incluant mouvement, lumière, compositions sonores, physique, nature, technologies numériques pour créer des hypersculptures qui sollicitent et déjouent les sens du spectateur. Ces œuvres cinétiques agissent comme des catalyseurs, dissolvant les frontières entre esprit et matière, ouvrant de nouveaux espaces d’imagination et bousculant les perspectives établies. Ses installations ont été présentées dans des musées tels que le Stedelijk Museum Amsterdam (NL), le Stedelijk Museum Schiedam (NL), le Rijksmuseum Twenthe (NL), le Museum Voorlinden (Wassenaar, NL), le Museum for International Light Art (Unna, DE), iMAL (Bruxelles, BE), le Light Art Museum (Budapest, HU), l’Industrial Art Biennial (Labin, HR) et Art Rotterdam (NL). Ses œuvres ont également été montrées dans des festivals de création numérique, notamment Sonic Acts (Amsterdam, NL), Ars Electronica (Linz, AT), le Festival Interstice (Caen, FR), Mapping Festival (Genève, CH), Novas Frequências (Rio de Janeiro, BR) et CTM à la Halle am Berghain (Berlin, DE). En 2024, Vermeulen présentera sa première grande exposition monographique, Chasing The Dot, au Rijksmuseum Twenthe.

Lizzy est le fruit des jours passés à la suite de la mort d’une voisine, disparue dans la maison où elle avait vécu toute sa vie, au bord de la rivière Hillsborough à Tampa, en Floride, et qui a laissé derrière elle un orgue électrique adressé à la cinéaste, sans aucune note. Le recevoir fut comme une énigme sauvage. Comment une histoire peut-elle se poursuivre entre les mains d’une autre ? Quelles forces organisent le récit ? En tissant l’intérieur avec l’extérieur, la poussière avec le marécage, la célébration avec la critique, le film traverse des notions binaires telles que soi–monde, vérité–fiction, témoigner–imaginer, et nature–expérience, entre autres.

Susanna Wallin est une artiste et cinéaste engagée dans des questions liées à ce que nous faisons de notre temps, de nos corps et des outils dont nous disposons pour vivre une vie. Elle explore ses sujets à travers des contextes, des modalités et des temporalités diverses, s’immergeant souvent longuement dans un lieu particulier. Attentive à ce qui émerge dans l’hésitation, dans le « faire ensemble », par l’expérimentation et l’ouverture, elle prête une oreille à l’indicible, avec la fiction comme pratique. Née et élevée en Suède, elle a étudié le cinéma et la pratique/la théorie artistiques à Goldsmiths College et à l’University of the Arts London, au Royaume-Uni. Elle a reçu de nombreux prix, notamment The Flamin London Artist Film and Video Award, New Approaches (Film London, UK), Pure Fiction (Suède), ainsi que des commandes du UK Film Council, de Channel 4, de la BBC, de l’Arts Council England, d’Arte France/Allemagne, de SVT (Suède) et du BFI au Royaume-Uni. Ses films primés circulent entre salles de cinéma et espaces d’exposition, et ont été montrés notamment au MOCA LA, à The American Cinematheque, au Barbican, à la Whitechapel Gallery, dans le métro londonien, à l’ICA et au British Film Institute. Ces dernières années, Wallin développe plusieurs projets de longs métrages, dont l’un, tourné en Floride, est actuellement en postproduction. Elle fait partie de la Research School de l’University of the Arts London, où elle prépare un doctorat par la pratique, et elle est professeure assistante en cinéma et vidéo à l’University of South Florida, aux États-Unis. Elle vit et travaille entre Tampa et Londres.

Ces images apparaissent dans ce monde uniquement grâce à un garçon gitan de dix-huit ans, Pisti. Une rencontre fortuite, une faille existante dans notre chaîne de cause et d’effet. Comme ouvrir une porte et réaliser qu’elle n’a pas de fin, et qu’elle ne pourra désormais plus jamais être refermée. “Je” est un lieu où les événements ont lieu, une exploration existentielle.

WANG Chun (né en 1988, Taïwan) est technicien en production vidéo et producteur de films. Sa pratique s’appuie sur les transformations entre différents langages créatifs (ceux de l’image, du texte, du son et du corps), à la recherche des limites du langage et tentant de mesurer la distance contenue dans l’acte de regarder.

La vidéo Berlin-Lichtenberg utilise des images provenant d’un film familial tourné en 1943. L’intention apparente du filmeur — saisir des moments paisibles de la vie familiale, comme une promenade avec sa femme et son enfant, ou un moment de détente au restaurant au bord du lac dans le quartier berlinois de Lichtenberg — est troublée par l’irruption d’éléments visuels non intentionnels. À l’arrière-plan, la vie quotidienne du système de travail forcé devient visible : un groupe de travailleuses forcées en route vers leur lieu de travail, ainsi que les baraquements d’un camp de travail forcé derrière le lieu de promenade. Ces éléments n’ont pas été choisis consciemment : ils constituent au contraire une documentation fortuite de l’omniprésence du travail forcé dans l’Allemagne nazie. Pour la vidéo, ces images amateurs ont été remontées et accompagnées de cartons qui contextualisent les images muettes et y ajoutent un niveau fictionnel.

Dans son travail artistique, Franz Wanner (*1975 à Bad Tölz, Allemagne ; vit à Zurich) aborde des thèmes tels que la politique migratoire de l’Union européenne, les services secrets allemands et l’industrie de l’armement, ainsi que leur histoire, leurs structures actuelles et les effets du nazisme sur l’impératif allemand de prospérité. « Dans une pratique conceptuelle dont la rigueur de recherche et la cohérence formelle, dans la lignée de Hans Haacke, continuent — par l’enquête et le transmedia — de poser des questions là où personne ne l’a encore fait » (Nora Sternfeld, HFBK Hambourg), « il produit des images d’une dissonance cognitive collective et une poésie analytique autour de la pathologie du non-regard dans l’Allemagne d’aujourd’hui et ses idiomes » (Stephanie Weber, Lenbachhaus Munich). En tant qu’artiste en résidence au Harun Farocki Institute, il a développé l’exposition Mind the Memory Gap pour le KINDL – Centre for Contemporary Art à Berlin. Sous le titre Eingestellte Gegenwarten, il a réalisé sa première exposition personnelle en Italie, à Merano Arte, qui sera présentée en version modifiée au Lenbachhaus de Munich en 2026.

La femme d’un paysan s’égare dans la forêt et tombe sur la tanière d’un ours. L’ours la garde auprès de lui, et avec le temps naît un être mi-ours, mi-enfant. Tous deux aspirent à s’enfuir. Sur ce fond, nous avançons dans les couloirs et les rues d’une ville militaire allemande désertée, autrefois siège central de l’occupation de l’Europe de l’Est par l’armée soviétique. Fermé au public pendant des décennies, cet ensemble énigmatique est devenu pour les étrangers « la Ville Interdite ». Un conte russe primitif sert de guide pour traverser ce site labyrinthique, qui semble évoquer à la fois l’héritage de ce passé disputé et les résonances troublantes de notre présent. Un conte russe primitif sert à parcourir ce site labyrinthique, qui semble évoquer à la fois l'héritage de ce passé controversé et les résonances troublantes de notre présent.

Feargal Ward et Jonathan Sammon sont deux cinéastes irlandais. Une grande partie de leur travail explore les frontières et les potentialités de la forme documentaire hybride, où les codes et dispositifs du cinéma narratif sont souvent appropriés ou détournés afin d’interroger des vérités établies. Parmi leurs précédentes collaborations figure Tin City, présenté en avant-première à la Berlinale cette année (Forum Expanded), puis sélectionné dans plusieurs festivals, dont Karlovy Vary, Cinéma du Réel et le Festival dei Popoli, où il a reçu le Prix International Discoveries. Leurs autres collaborations, impliquant Adrian Duncan, incluent Lowland (Cork International Film Festival), Memory Room (IDFA, EVA International, Dokufest Kosovo) et Tension Structures (IDFA, Hot Docs, RIDM). Le long métrage documentaire de Ward, The Lonely Battle of Thomas Reid, a été présenté en première mondiale en compétition principale à l’IDFA, puis montré dans de nombreux festivals avant d’être diffusé à la télévision allemande, irlandaise et finlandaise. Son premier long métrage documentaire, Yximalloo (co-réalisé avec Tadhg O’Sullivan), a été présenté en première à FID Marseille, où il a remporté le Prix Premier

Dans les marais du sud de l’Irak, Ibrahim et sa famille vivent isolés du reste du monde, étroitement liés au fleuve, aux roseaux et aux animaux dont ils prennent soin. Le calme et réservé Ibrahim ne trouve de réconfort que auprès de son buffle, son seul véritable compagnon. Alors que le monde d’Ibrahim s’effondre, il doit affronter des forces qui le dépassent et qui menacent non seulement son mode de vie, mais aussi l’unique être vivant qu’il comprend vraiment.

Ali Yahya est un cinéaste iraquien, né en 1994 à Bagdad, où il a vécu et travaillé toute sa vie. Son parcours a débuté après des études de psychologie au niveau licence. Il s’est ensuite tourné vers les arts visuels, d’abord comme graphiste, puis comme directeur artistique chez Becorp, l’une des principales agences créatives d’Irak, où il continue de diriger des projets de narration visuelle et des projets culturels. Il poursuit actuellement un master en cinéma. Il utilise le film pour explorer l’expérience humaine, capturant la beauté et les complexités du quotidien. À travers son travail, il porte les histoires de son pays vers le reste du monde. Son premier court métrage, Beneath Which Rivers Flow (2025), tourné dans les marais du sud de l’Irak, mêle observation poétique et réalité vécue, explorant la relation fragile entre une communauté et son paysage en train de disparaître. Le film a été présenté en première au 75e Festival international du film de Berlin, où il a reçu une Mention spéciale du jury.

Le film traverse les espaces de stockage cachés du Musée des beaux-arts de Montréal, révélant des œuvres dont les dossiers de provenance demeurent incomplets. Certaines portent les traces de déplacements en temps de guerre et d’omissions délibérées ; d’autres ont changé d’attribution, modifiant les récits qui leur sont attachés. Le film suit la manière dont les structures institutionnelles déterminent ce qui devient visible et ce qui reste irrésolu. À mesure que la caméra chemine à travers les réserves, Coming Home observe le musée comme un système d’organisation actif, où les œuvres sont continuellement recontextualisées. Le spectateur découvre la collection comme une archive invisible et est invité à s’orienter dans un lieu où la certitude demeure partielle et l’orientation toujours instable.

Jinjoo Yang est une artiste et architecte basée à Montréal, dont les films naissent d’un engagement direct avec des lieux spécifiques. Elle travaille dans des intérieurs institutionnels, utilisant des mouvements de caméra contrôlés pour suivre la manière dont les espaces contiennent et médiatisent leurs histoires. Sa pratique oscille entre observation et construction, transformant des environnements réglementés en paysages temporels où visibilité, autorat et mémoire se déplacent subtilement. Parmi ses œuvres récentes figurent Coming Home, tourné dans les réserves du Musée des beaux-arts de Montréal, et Occupied, un film à venir construit autour d’infrastructures héritées de la guerre froide. Ses projets ont été présentés à l’international dans des institutions telles que le Musée des beaux-arts de Montréal, le Center for Architecture à New York et la Royal Danish Academy of Fine Arts à Copenhague.

Opus III explore le paysage des montagnes de l’Atlas à la fois comme un territoire physique et comme un topos symbolique. Tournée entre la Tunisie et le Maroc, l’œuvre prolonge les recherches initiées dans Opus I et II, en confrontant le paysage visible à ses résonances mythologiques. La pièce envisage l’Atlas non seulement comme un massif géographique, mais comme une figure archétypale façonnée par des récits récurrents, des croyances et des mémoires collectives. À travers un langage visuel lent et contemplatif, Opus III devient un passage entre la présence matérielle des montagnes et les strates immatérielles de sens qui les habitent. L’œuvre invite le·la spectateur·rice à déplacer son point de vue et à entrer dans un espace où paysage, mythe et perception s’entrelacent.

Haythem Zakaria (né en 1983 en Tunisie, basé en France) est un artiste transdisciplinaire et performeur sonore. Travaillant entre la vidéo, l’installation, la photographie, le dessin et le son, il explore la manière dont les paysages, les mythes et les formes de mémoire façonnent la perception, et comment le visible peut s’ouvrir à des dimensions plus fugitives de l’expérience. Sa pratique s’ancre dans la recherche de terrain, les temporalités lentes et une attention affinée à la résonance des lieux. Depuis 2010, son travail a été présenté à l’international dans de grandes expositions, biennales et espaces d’art indépendants à travers l’Europe, l’Afrique du Nord, le Moyen-Orient, l’Asie et l’Amérique du Nord, notamment à documenta 15, la Biennale de Venise, le Japan Media Arts Festival, Cairotronica, Dream City, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Casa Árabe, ainsi que dans de nombreuses institutions à Paris, Londres, Berlin, Pékin, Rabat, Tokyo et San Francisco. Lauréat du Grand Prix du Japan Media Arts Festival pour Interstices, Zakaria continue de développer des projets fondés sur la recherche, où l’image, le son et la matière se croisent, ouvrant un espace d’enquête sur les archétypes, la mémoire et les seuils entre le visible et l’invisible.

À l’été 2023, le gouvernement de Jiujiang a lancé le projet de dépollution du lac Gan Tang. En quelques semaines, ce lac ancestral, fort de plus de deux millénaires d’histoire, a été entièrement asséché. Non loin de là, dans le parc Gan Tang, un garçon se réveille sous la pluie. C’est là que le destin de Gan Tang l’attend.

ianming Zhou (Alaric) travaille avec des médias fondés sur l’image, le son et l’installation. Il explore les zones intermédiaires entre paysages physiques et paysages conceptuels. Ses œuvres ont été présentées notamment à Antimatter, Mimesis, Interfilm, Experiments in Cinema, Non-Syntax, Leiden Shorts, RPM Festival, entre autres.