Catalogue 2025

Une marche nocturne pré-apocalyptique vous entraîne à travers une forêt en flammes pour être témoin d’une destruction imminente. Le feu, dans la forêt, annonce soit un désastre sur le point de survenir, soit une porte métaphysique ouvrant sur d’autres réalités.

Le duo Pink Twins, composé de Juha et Vesa Vehviläinen et basé à Helsinki, œuvre depuis 1997 dans les domaines de l’art médiatique, de l’image en mouvement et de la musique électronique. Les limites de la perception humaine, l’immersion et la physicalité sont au cœur de leurs recherches. Leurs animations complexes sont réalisées grâce au design paramétrique et à la programmation. Leurs œuvres ne se déploient pas seulement dans des expositions et des festivals, mais aussi sous forme de performances live mêlant musique et projections vidéo. Pink Twins se sont produits sur tous les continents, dans des lieux aussi variés que des salles de concert, des festivals, des théâtres ou des églises. Ces dernières années, ils ont également créé des œuvres audio et vidéo spécifiquement en ligne, comme la pièce sonore Infinity pour la collection d’art numérique du Kiasma.

Tales from the Source propose un regard sur les paysages de la République démocratique du Congo afin de traduire quelque chose de leur puissance, de leur diversité et de leur savoir insondables. Le paysage y apparaît comme un personnage à part entière — une entité vivante, habitée par les symboles des traditions congolaises. L’approche visuelle emprunte aux techniques de l’imagerie multispectrale, produisant une expérience d’un autre monde, traversée de lumières et de couleurs surréelles. Associée à une composition musicale originale de Bear Bones, Lay Low, l’œuvre nous plonge dans un dialogue sensoriel avec le paysage, un être intelligent et sans âge, en transformation constante, qui vient défier notre perception.

Léonard Pongo (né en 1988 à Liège, Belgique) est un artiste visuel et cinéaste vivant et travaillant entre la Belgique et la République démocratique du Congo. Son travail explore les complexités de la perception et de la représentation, tout en remettant en question les représentations conventionnelles de la RDC, en s’attachant aux récits et symboles traditionnels et à leur relation au territoire. Formé à l’origine au photojournalisme, Pongo entame son parcours artistique en 2011 lorsqu’il se rend en RDC pour couvrir les élections présidentielles. Cette expérience transforme profondément son approche : il passe d’une documentation objective à une pratique plus subjective et expérientielle. Sa famille et les communautés locales l’encouragent alors à dépasser sa perspective initiale pour développer un regard plus nuancé et intime sur la vie congolaise. Pongo est reconnu pour ses installations multimédias combinant textiles, photographie, techniques d’impression variées et images en mouvement. Son travail s’enracine dans les cosmologies et traditions orales congolaises, en particulier dans l’idée que « tout n’est pas visible ». Grâce à des techniques spécialisées — dont la photographie en spectre complet, qui capte des longueurs d’onde invisibles à l’œil humain — il révèle des dimensions du paysage et de l’expérience habituellement dissimulées. Son projet au long cours The Uncanny (2011–2017) explore le quotidien en RDC à travers des images en noir et blanc empreintes d’une atmosphère onirique, tandis que Primordial Earth (2017–en cours) se concentre sur le territoire, mobilisant photographie couleur, textiles et installations vidéo pour évoquer une sensation de spiritualité et d’interconnexion. Son dernier film, Tales from the Source (2021–2024), prolonge cet ancrage dans les récits traditionnels, en s’attachant aux cultures luba et en soulignant l’imbrication profonde entre culture et environnement. Sa démarche collaborative implique un travail étroit avec les communautés à travers la RDC, puisant dans leurs savoirs, récits et traditions, afin de créer des formes visuelles qui prolongent la lignée des traditions luba en forgeant des expressions contemporaines liées aux concepts et visions ancestraux. Son travail a été exposé à l’international dans des institutions majeures telles que le Bozar – Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, la Tate Modern à Londres, la Biennale de Dakar (Sénégal) ou encore le Nasher Museum of Art à Duke University. En 2023, sa première monographie The Uncanny est publiée chez Gost Books, et en 2025 il est sélectionné parmi les « Future Greats » d’ArtReview par le photographe Roger Ballen.

Do you remember the scene in Killer of Sheep (1978) où les enfants jouent sur des voies ferrées abandonnées ? La scène se déroule dans le quartier de Watts, en Californie. Le réalisateur Charles Burnett a emmené l’artiste Lúcia Prancha sur plusieurs lieux de tournage de ses films à Los Angeles

Lúcia Prancha (1985, Lisbonne) est une artiste qui vit et travaille à Barcelone. Lúcia est diplômée en peinture de la FBAUL (2009, PT) et a obtenu un Master en arts à CalArts – California Institute of the Arts (2015, USA). Son travail a été exposé au Pavilhão Branco, Museu da Cidade, Lisbonne ; au 19 Crac de Montbéliard ; au Centro de Arte Oliva ; au Sesc-Pompeia, São Paulo ; à LACA – Los Angeles Contemporary Archives ; au Hordaland Kunstsenter, Bergen ; à la Fondation Serralves, Porto ; à la Galeria Dynamo, Porto ; à la Galeria Leme, São Paulo ; au Musée Berardo, ainsi qu’à la Biennale de São Paulo. Ses vidéos ont été projetées à la Cinemateca Portuguesa ; à INTERSECCIÓN, La Corogne ; à Curtas Vila do Conde ; aux Rencontres Internationales Nouveau Cinéma et Art Contemporain de Paris ; et à la Haus der Kulturen der Welt, Berlin. Elle participe actuellement à « El vértigo de las imágenes », XVIIIe Biennale Internationale de Photographie – Fotonoviembre, au TEA – Tenerife Espacio de las Artes et au Centro de Fotografía Isla de Tenerife, ES. De septembre à novembre, elle sera en résidence artistique à la Cité Internationale des Arts à Paris.

La zone de Tchernobyl – le site de la pire catastrophe nucléaire de l’histoire – a été occupée par les troupes russes le 24 février 2022, dans les toutes premières heures de leur invasion totale de l’Ukraine. Les Russes avaient transformé le territoire de la centrale nucléaire de Tchernobyl en base militaire pour leurs troupes, dans une tentative d’occuper la capitale ukrainienne, Kyiv, située à seulement une centaine de miles. Ils avaient capturé le personnel de la centrale, contraint de poursuivre ses fonctions sans repos ni sommeil. Le plan russe était de rester à Tchernobyl seulement trois jours : c’était le délai qu’ils imaginaient pour la chute de l’Ukraine. Au lieu de cela, les Russes sont restés coincés sur le site radioactif pendant cinq semaines, pour finalement voir leur armée s’effondrer dans la bataille pour Kyiv. La plupart de leurs activités illégales durant ces cinq semaines ont été enregistrées par le système de vidéosurveillance de la centrale, que les Russes n’ont pas réussi à empêcher de filmer. Special Operation est entièrement constitué de ces enregistrements. Ce film offre une perspective unique sur le fonctionnement interne de la machine militaire russe en Ukraine – et sur l’un de ses échecs les plus retentissants. Les caméras de vidéosurveillance ont enregistré chaque aspect de la présence criminelle russe sur le site contaminé de la centrale nucléaire de Tchernobyl – des violations flagrantes des règles de sûreté nucléaire aux visites mises en scène par les propagandistes de la télévision russe. Nous avons obtenu ce matériau exceptionnel – jamais rendu public auparavant – auprès des forces de l’ordre ukrainiennes dans le cadre de notre effort de longue durée pour documenter les crimes de guerre russes à Tchernobyl, et pour contribuer à mener leurs responsables devant la justice. Chaque plan de ce film est une pièce à conviction représentant un crime de guerre relevant du terrorisme nucléaire. Avec ce film, nous souhaitons rendre ces preuves visibles – et, ce faisant, exposer l’incompétence profonde, et inquiétante, de l’armée russe.

Oleksiy Radynski est un cinéaste et écrivain basé à Kyiv. Son travail filmique explore des formes documentaires expérimentales ainsi que des pratiques relevant du cinéma politique. Ses films ont été présentés dans des festivals et expositions à travers le monde, notamment la Berlinale, l’International Film Festival Rotterdam, Doclisboa, le Thessalonique IFF, Dokufest, l’Institute of Contemporary Arts (Londres), e-flux (New York), la Taipei Biennial, Docudays (Kyiv), Sheffield DocFest, le Krakow IFF, DOK Leipzig, entre autres. Ses œuvres ont reçu de nombreuses distinctions, dont le Grand Prix du Festival International du Court Métrage d’Oberhausen pour Chornobyl 22. Depuis le début de l’invasion russe à grande échelle en Ukraine, il collabore avec The Reckoning Project.

Sous l’effet papillon déclenché par la deuxième vague de réformes et d’ouverture de la Chine, une petite famille se retrouve prise dans un ouragan continu. De nombreuses années plus tard, Yang Xiaolong reçoit quatre lettres de son père, disparu de sa vie depuis longtemps. Ainsi, le fil textuel — « le pays grandit et la famille se brise » — déverrouille en lui des souvenirs d’enfance longtemps enfouis…

Renjie ZHU, réalisateur et directeur de la photographie né en 1992, a vécu dans l’ancienne ville d’Anyang puis dans la métropole de Shenzhen en raison de circonstances familiales. Il réside aujourd’hui à Hangzhou. Diplômé de l’Académie des arts de Chine, où il a obtenu sa licence et son master, il y poursuit actuellement un doctorat en création filmique. Son travail a remporté le New Wings Promotion Award lors de la Golden Rooster Youth Short Film Season, ainsi que le prix Qilin Outstanding Short Film au In Moment Film Festival. Ses films ont également été sélectionnés au Beijing International Short Film Festival, au Light My Fire Youth Film Festival, entre autres.

« Nous rêvons de voyager à travers l’univers… mais l’univers n’est-il pas en nous ? Nous ne connaissons pas les profondeurs de notre esprit. Le chemin mystérieux mène vers l’intérieur. L’éternité, avec ses mondes du passé et du futur, est en nous ou n’est nulle part. Le monde extérieur est un monde d’ombres ; il projette son ombre dans le royaume de la lumière. À présent, en effet, il semble si sombre, solitaire, informe en nous ; mais combien différent il nous apparaîtra lorsque cette éclipse sera passée, et que le corps et l’ombre se seront retirés. Nous jouirons plus que jamais, car notre esprit aura été privé. » — Novalis, Pollen (1798). Traduction et adaptation à partir de l’édition allemande originale, avec l’aide de la traduction anglaise de W. Hastie dans Hymns and Thoughts on Religion (1888).

Louis Rizzo Naudi est un cinéaste britanno-maltais. Sa pratique explore l’expérience du sublime et la nature construite de la perception visuelle, sa caméra se tournant souvent vers les phénomènes naturels, les paysages et la technologie. Il est titulaire d’une licence en études cinématographiques de King’s College London — où il a reçu le prix de mémoire pour son essai consacré au sublime dans les images de la Station spatiale internationale — ainsi que d’un master en anthropologie cognitive et évolutionnaire de l’Université d’Oxford, où il a mené des recherches sur la manière dont les expériences du sublime peuvent encourager des comportements prosociaux, tels que la générosité. Ses films ont été projetés dans toute l’Europe, notamment à l’International Film Festival Rotterdam, au Festival international du film de Karlovy Vary, au British Film Institute et au Tate St Ives, et ont également été utilisés comme supports de relaxation dans des hôpitaux, pour des patient·es en cours de procédure médicale.

Seule dans sa chambre une femme danse; un touriste erre dans les rues animées de Tokyo ; une poète parle de rivières, de pitié et de fantômes.

Clément Roussier est né en 1984. Il est l'auteur de deux recueils de poésie (Maintenant il est toujours trois heures; Fondane) publiés en 2025 aux éditions Derrière la salle de bain; ainsi que d'un roman, Sullivan et les ciels de feu des soirs de la savane, publié en 2020 chez l'École des Loisirs. Dans le silence et dans le bruit, sa première réalisation, remporte le Grand Prix de la Compétition Française au FID Marseille 2023.

Un oiseau kamikaze qui s’est lancé dans un voyage vers un lieu sauvage, sans retour possible. Une représentation de l’état de violence débordante engendrée par le narcotrafic, à travers la vision onirique d’un adolescent marginal recruté par un cartel.

Mauricio Sáenz (né en 1977, Matamoros, Mexique) est un artiste visuel dont la pratique englobe l’installation, la sculpture et la vidéo. Son travail explore les limites de l’impossible en tant que moteur actif de transformation, à travers des notions telles que l’isolement, l’enfermement, l’incertitude et la mémoire historique. Il est titulaire d’un master de l’Université polytechnique de Valence, en Espagne, et a présenté son travail au Museo de Arte Carrillo Gil et au Foto Museo Cuatro Caminos à Mexico, à la Galerie Art Virus à Francfort, ainsi qu’à la Jonathan Ferrara Gallery à La Nouvelle-Orléans. Ses œuvres ont également été montrées dans des festivals de vidéo-art tels que Proyector et MADATAC en Espagne, Traverse et Instants Vidéo en France, ou encore FIVA en Argentine, parmi d’autres.

The Spirit Level médite sur les traumatismes et la violence qui traversent la Thaïlande troublée, reflétés à travers les voyages en voiture de l’artiste dans la région nord-est du pays, le long du fleuve Mékong. Le film commence avec une rivière descendant de la cascade Than Thong pour se jeter dans le Mékong, et explore une grotte souterraine mythique qui, selon la légende, abritait un royaume enfoui sous le Mékong, là où réside le divin Naga dans le monde inférieur. Au cœur de The Spirit Level se trouve une séquence frénétique montrant une médium en plein état de possession. Cet épisode épileptique émule un effet de rétroaction optique, suscitant des images spectrales semblables à une transe, alors que l’entité spirituelle s’inscrit dans le corps de la médium. Progressivement, ces images hallucinées se délitent et sont interrompues par une image figée. Cette suspension du temps surgit pour commémorer les esprits disloqués des trois militants anti-gouvernementaux dont les corps mutilés furent retrouvés dans le Mékong en décembre 2019. Exilés depuis le coup d’État de 2014, ils furent kidnappés par un escadron de la mort officiellement soutenu. Leurs corps furent découverts menottés, éventrés, lestés de blocs de béton, enveloppés dans des sacs de riz brun, puis jetés dans le fleuve. Il s’agit de l’un des innombrables cas de disparitions forcées et d’assassinats de dissident·e·s politiques perpétrés par l’État depuis les années 1970, une violence toujours en cours et jamais résolue. The Spirit Level évoque ainsi les courants souterrains d’obscurité qui ondulent sous la surface d’une Thaïlande profondément problématique.

Taiki Sakpisit (???? ?????????????) est un cinéaste et artiste visuel basé à Bangkok, reconnu pour son approche innovante du récit et son exploration profonde de l’histoire complexe de la Thaïlande. À travers le prisme du cinéma, Sakpisit met à nu le passé tumultueux du pays, imprégnant ses films expérimentaux d’un engagement politique subtil mais retentissant. Ses œuvres sondent les tensions, les conflits et les anticipations sous-jacentes de la Thaïlande contemporaine, méticuleusement façonnées par des assemblages audiovisuels précis et sensoriellement saisissants. Utilisant une vaste gamme de sons et d’images, Sakpisit crée des expériences immersives qui défient les récits conventionnels et suscitent la réflexion. Son long métrage The Edge of Daybreak a remporté le prix FIPRESCI au Festival international du film de Rotterdam pour sa « mise en scène d’une atmosphère mystérieuse et d’images riches dépeignant le traumatisme et la violence, pour sa capacité à aborder quarante ans de bouleversements politiques à travers un voyage cinématographique puissant et hypnotique, et pour sa volonté d’affronter le passé afin de confronter le présent et l’avenir ». Ses œuvres récentes ont été présentées à la 14e Biennale de Gwangju, au Museum of Contemporary Art de Busan, à la Bangkok Art Biennale 2024, à la 14e Biennale du Mercosur ainsi qu’à la Thailand Biennale.

Kung ang Makagiginhawa ay Matingnan ng Ating mga Mata (Should the Source of Fulfillment Be Seen with Our Eyes) – 2024 Cette œuvre explore les ethno-écologies du mont Banahaw — la manière dont le monde plus-qu’humain qui l’entoure façonne, et est façonné par, les imaginaires culturels. Elle tisse ensemble les recherches continues de Salvatus sur les histoires vernaculaires du mont Banahaw et de Lucban, rassemblées à partir d’archives familiales, de récits populaires et de motifs mythiques. Elle examine plusieurs trajectoires de renouveau millénariste qui convergent vers le mont Banahaw en tant que topos mystique et ethno-écologique : d’une révolution destinée à encourager les populations locales à trouver leur propre idiome de discernement religieux, à une histoire de fanfares et de musiciens et leur rôle dans une modernité régionale postcoloniale, jusqu’à la propre pratique d’assemblage et de « salvaging » de Salvatus qui nous inscrit dans ce monde mystique partagé, éveillant en nous un esprit politique à l’échelle planétaire.

Mark Salvatus, artiste philippin originaire de Lucban et vivant à Manille, décrit son approche artistique étendue sous le terme de « Salvage Projects ». Ce concept, qui fait écho à son nom, constitue un cadre à partir duquel se déploient ses multiples investigations portant sur les vestiges de la politique urbaine, les strates narratives de l’histoire nationale, et le mouvement incessant de la vie contemporaine. Travaillant à travers une pluralité de disciplines — objets, photographie, vidéo, installations et pratiques participatives — Salvatus conçoit des formes d’engagement directes et indirectes qui mettent en lumière les résultats multiples des énergies, des significations et des expériences.

Amazon is Elsewhere est un court métrage qui médite sur l’inconnaissabilité et la puissance de l’Amazonie pour celles et ceux qui n’y vivent pas. Pour beaucoup, l’Amazonie symbolise « les poumons de la Terre » ou la « Nature » elle-même. Pour les peuples autochtones de la région, dont nombre n’ont pas de mot distinct pour désigner la jungle ou la forêt, c’est simplement la maison. Le film se concentre sur un bâtiment situé à l’orée de la jungle : un mélange de styles architecturaux où les arbres traversent les sols en béton, où les plantes poussent dans des colonnes pseudo-corinthiennes, et où des jaguars en carreaux de céramique gardent l’entrée. Des images générées par IA expriment des forces à l’œuvre, à la fois dans le bâtiment et dans la jungle, dont il est difficile de savoir si elles sont maléfiques ou salvatrices. Le film s’inscrit dans un ensemble de travaux qui cherchent à comprendre comment représenter l’Amazonie à la lumière de la multiplicité de significations refractées dont elle est porteuse.

Susannah Sayler et Edward Morris (Sayler/Morris) travaillent la vidéo, la photographie et l’installation pour interroger nos conceptions changeantes de la nature, de la culture et de l’écologie. Leur pratique est souvent ancrée dans des lieux précis et s’appuie fortement sur la recherche historique. Ils ont reçu de nombreuses distinctions, parmi lesquelles la bourse Guggenheim (2023), le New York Artist Fellowship (2016), la Smithsonian Artist Research Fellowship (2014), le Center for Art and Environment Research Fellowship (2013), ainsi que la Loeb Fellowship de la Harvard Graduate School of Design (2008). Leur travail a été largement exposé aux États-Unis et à l’international, notamment au Massachusetts Museum of Contemporary Art, à la Kunsthal de Rotterdam, au North Carolina Museum of Art, au Belvedere Museum et au Southeast Center for Contemporary Art. Sayler enseigne actuellement au sein du département Film and Media Arts de l’Université de Syracuse, tandis que Morris est directeur exécutif du Marble House Project. Leurs archives sont conservées au Nevada Museum of Art / Reno, Center for Art and Environment. En 2006, Sayler/Morris ont cofondé The Canary Project, un studio produisant des médias visuels et des œuvres destinées à approfondir la compréhension publique du changement climatique. En 2021, ils ont fondé Toolshed, une plateforme visant à relier pensée écologique et action.

La région alpine italienne du Tyrol du Sud n'est pas connue pour sa scène tuning, mais celle-ci existe bel et bien. Un petit groupe de jeunes hommes s'est réuni pour exprimer à sa manière son amour pour sa région natale. Leurs voitures de sport japonaises glissent étrangement à travers les villages historiques, le long des pentes alpines et à travers une nature à couper le souffle. GOODBYE REGINA est une lettre d'adieu du réalisateur à sa grand-mère, qui a grandi dans ces montagnes. Il explore le lien entre l'ancien et le nouveau, sans juxtaposer les deux. Dans un paysage où rien ne semble changer, les machines semblent faire partie des créatures qui émergent de cette nature. Le résultat est une sorte de documentaire sur la nature, un recueil d'impressions loin des images de cartes postales touristiques.

Kevin Sepp est un réalisateur et monteur basé à Berlin. Issu d'une formation en sciences humaines, c'est un cinéaste autodidacte dont l'intérêt pour les récits courts et riches en images l'a conduit à travailler dans le cinéma commercial. Parallèlement à ses projets commandés, il continue d'explorer de nouvelles possibilités à travers son travail indépendant. Ses collaborations avec des musiciens et d'autres artistes influencent fortement son sens du son à l'écran et façonnent l'atmosphère de son travail. Ses films ont été présentés dans des festivals tels que les Berlin Commercial et Berlin Music Video Awards, ainsi que sur des plateformes telles que Directors' Library, Sleek Magazine et Crack Magazine.

« Nii tuli lõpp / And Then Came The End » s’appuie sur l’expérience du prêtre catholique allemand Magnus Frey dans les camps de prisonniers de guerre de Narva, en Estonie, entre 1945 et 1946. Dans ce film, Siib montre les lieux de cette histoire à Narva tels qu’ils sont aujourd’hui, vidés de toute présence humaine — bâtiments délabrés et paysages hivernaux. La bande sonore intègre des fragments du quotidien décrits dans les mémoires de Frey : comment les prisonniers n’ont jamais reçu les quelques roubles promis, comment leurs couvertures chaudes leur ont été retirées avant l’hiver ; comment les prisonniers croyants parvenaient à confectionner du pain de communion malgré les conditions extrêmes ; et comment, affamés, ils se divertissaient en évoquant leurs plats préférés ou en recopiant leurs recettes favorites. Les extraits du journal de Frey sont disposés à l’écran, accompagnés d’images et d’une bande sonore musicale, composant un poème en prose à partir de matériaux documentaires. La valeur d’une telle micro-histoire, qu’elle soit textuelle ou cinématographique, ne réside pas dans la révélation de grands événements ni dans l’interprétation des tournants historiques. Elle tient plutôt au fait que des anecdotes et fragments individuels peuvent servir de preuves vivantes, rendant l’histoire sensible et nous invitant à prendre au sérieux la souffrance et l’existence d’autrui — hier comme aujourd’hui. Par Teemu Mäki

Liina Siib est artiste visuelle, cinéaste et enseignante. Elle vit et travaille à Tallinn, en Estonie. Ses œuvres abordent des thèmes allant de la féminité et de l’espace social aux multiples formes que prennent les pratiques quotidiennes. Elle combine observations de terrain, archives, récits historiques, narrations circulant dans la société, approches psychanalytiques ainsi que théories contemporaines de l’art et du cinéma. Les personnages, espaces et situations qu’elle met en scène sont souvent ceux qui passent inaperçus en raison de leur banalité, ou qui ont été tus, marginalisés, oubliés. Dans son approche pluridisciplinaire, elle mobilise film, vidéo, photographie, installation, performance, ready-made, médias imprimés et livres d’artiste. Ses vidéos documentaires expérimentales et ses courts métrages mis en scène ont été présentés aussi bien dans des festivals de films d’artistes que dans des expositions en galerie, souvent sous des formes d’expanded cinema. En 2011, son projet A Woman Takes Little Space a représenté l’Estonie à la 54? Biennale d’art de Venise. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections publiques et privées, notamment au Musée d’art d’Estonie (Tallinn), au Neues Museum (Nuremberg) et au Moderna Museet (Stockholm).

Les espaces abandonnés d’un parc à thème western, d’un love hotel et du manoir d’un milliardaire reprennent vie sous l’envahissement des plantes, la présence des animaux, la pluie de fin d’été et les traces hantées d’anciennes habitations humaines.

Adam James Smith est un cinéaste britannico-américain basé à New York. Sa pratique cinématographique s’étend aux environnements ruraux et urbains de Chine, du Japon et des États-Unis. Adam a étudié le cinéma à Stanford et l’anthropologie à Cambridge, université avec laquelle il est actuellement affilié, au sein du Visual Anthropology Lab.

En 1998, deux écolières ont envoyé une lettre au premier journal féminin d’Iran. Dans l’attente d’être publiées, elles ont imaginé un film impossible. À travers citations et interventions sur l’image, Razeh-del traverse des histoires parallèles de guerres menées contre les images des femmes.

Maryam Tafakory, née et élevée en Iran, travaille entre le film et la performance. Des projections monographiques de ses œuvres ont été présentées notamment au MoMA, au BOZAR, à la National Gallery of Art à Washington D.C., et à l’Academy Museum, entre autres. Parmi les expositions collectives sélectionnées figurent le Tate Modern, la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes, le New York Film Festival, le Festival de Locarno et le Festival international du film de Toronto. Elle a reçu le Gold Hugo au 58e Festival international du film de Chicago, le Tiger Short Award au 51e IFFR, ainsi que le Prix du Meilleur Film Expérimental aux 70e et 71e MIFF. Elle a été la lauréate 2024 du Film London Jarman Award.

Un vieil homme se réveille dans une plantation de caoutchouc déboisée et se retrouve plongé dans le passé colonial. Une vieille chanson folklorique lointaine résonne alors qu'il tombe dans la boucle éternelle de la récolte du caoutchouc.

Wey Yinn Teo est une cinéaste basée à Kuala Lumpur. Son travail s’éloigne souvent des sphères du réel et de la vérité, explorant le deuil, l’aliénation et le spectre de l’expérience humaine. En parallèle de sa pratique du son et de la musique, son premier court métrage, Enflightenment (2023), a remporté le Prix du Public au Short Waves Festival en Pologne, et a poursuivi sa circulation dans des festivals tels que Leiden Shorts, EXPOSED Queer Film Festival Berlin, et d’autres encore. Latex Labyrinth a récemment connu sa première internationale au Ji.hlava IDFF et a remporté le prix du Best Dance Video à Eye Catcher Global 2025, Hong Kong.

« Je viens tout juste d’arriver du futur, et là-bas les gens vont encore au cinéma. En y repensant, il vaudrait peut-être mieux commencer ainsi : Je viens tout juste d’arriver du futur, et là-bas les gens vont encore au cinéma. »

Nicolas THOMÉ ZETUNE (1993, Brésil) est un réalisateur basé à São Paulo. En 2012, il fonde la société de production FILMES DE AMOR. Ses courts métrages ont été présentés dans certains des plus grands festivals internationaux, dont l’International Film Festival Rotterdam. Son premier long métrage, O Pequeno Mal, a été présenté au FID Marseille en 2018. Son deuxième film, O Tubérculo, a fait sa première mondiale au 27? Festival de Tiradentes. En 2025, Nicolas est sélectionné pour Berlinale Talents Buenos Aires, un forum international de discussion et de développement de projets organisé en partenariat avec la Berlinale et le BAFICI – Buenos Aires International Independent Film Festival. Il prépare actuellement son troisième long métrage, Invisible Tunnel, un projet sélectionné au FIDLab (Marseille, France). Le tournage est prévu pour novembre 2026. Felipe ANDRÉ SILVA (1991, Recife) est cinéaste et poète. Il a signé notamment les longs métrages Santa Mônica (2015) et Passado (2020), ainsi que le court Cinema Contemporâneo (2019). Il travaille régulièrement comme programmateur pour le festival Janela Internacional de Cinema do Recife. En littérature, il a publié les recueils o escritor Xerxenesky et o autocad de Britney Spears, et dirige actuellement &legal edições, une micro-maison d’édition numérique dédiée à la poésie contemporaine.

From the Campidoglio to the Zoo est une œuvre filmique et sonore qui examine la persistance de la colonialité dans l’Italie d’après-guerre, en s’appuyant sur le Ponte Flaminio, un pont conçu pour célébrer les aspirations fascistes et offrir une entrée cérémonielle dans la ville, construit après la Seconde Guerre mondiale à partir de la proposition initiale d’Armando Brasini. Le titre de l’œuvre est emprunté à un essai inédit de l’écrivain William Demby, rédigé comme une critique du Deuxième Congrès des Artistes et Écrivains Noirs de 1959 auquel il avait assisté. Ce congrès, dédié au développement d’une vision et d’une solidarité entre producteurs culturels afro-diasporiques, existait en contraste direct avec son organisation par l’Istituto Italiano per l’Africa. Le film est activé par une performance sonore en direct, enregistrée au Museo delle Civiltà à Rome, par Dudu Kouate et Justin Randolph Thompson, puisant dans l’essence de la négritude avancée en relation avec le congrès et dans la nature fragmentaire de l’unité noire globale. Le son a été produit à partir d’une série d’instruments appartenant à la collection ethnographique du Musée Pigorini à Rome, conservée au Museo delle Civiltà. C’était la première fois que ces instruments étaient joués depuis leur intégration dans la collection, dans certains cas, depuis plus de cent ans. L’œuvre a été réalisée avec le soutien de la British School at Rome et du Museo delle Civiltà.

Justin Randolph Thompson est un artiste, facilitateur culturel et enseignant, né à Peekskill, dans l’État de New York, en 1979. Il partage sa vie entre l’Italie et les États-Unis depuis 1999. Thompson est lauréat d’un MAP Fund Award 2024, d’un Creative Capital Award 2022, d’une Italian Council Research Fellowship 2020, d’un Louis Comfort Tiffany Award, d’un Franklin Furnace Fund Award, d’une Visual Artist Grant de la Fundación Marcelino Botín, ainsi que d’une Emerging Artist Fellowship de Socrates Sculpture Park, entre autres distinctions. Ses œuvres et performances ont été largement présentées dans des institutions telles que le Whitney Museum of American Art, le Centro de Arte Reina Sofía, et The American Academy in Rome, et figurent dans de nombreuses collections, dont le Studio Museum in Harlem et le Museo MADRE. Sa vie et son travail cherchent à approfondir les discussions autour de la stratification socioculturelle et de l’« arrogance de la permanence », en mobilisant des communautés temporaires et fugitives comme formes monumentales, et en développant des projets reliant discours académique, activisme social et stratégies DIY de mise en réseau, au sein de rassemblements annuels ou biennaux, de partages et de gestes de collectivité.

En revisitant les images d’un détournement survenu lors du journal télévisé national néerlandais, en 2015, Aidan Timmer, qui a désormais le même âge que l’auteur des faits, réfléchit à cet événement. En regardant le jeune homme peiner à réciter une lettre en direct à la télévision, Aidan se rapproche émotionnellement du garçon qui avait pris son père en otage.

Aidan Timmer (né à Amsterdam, Pays-Bas) développe un travail principalement ancré dans le champ audiovisuel. Il s’est plongé de plus en plus profondément dans le documentaire, l’essai filmique et les formes hybrides. La plupart de ses films ou de ses œuvres naissent d’une fascination obsessionnelle pour tout ce qui tente de transmettre une vérité ou une forme de véracité. Il envisage ses films comme des explorations essayistiques de l’objectivité et de l’illusion d’impartialité. Tarik en Ik met en scène la relation émotionnelle et obsessionnelle avec une peur issue du passé.

Project Strings est une performance audiovisuelle en direct et un essai vidéo du duo artistique TraumaZone. Le projet s’appuie sur le livre Staying with the Trouble de Donna Haraway, où l’autrice réfléchit à la manière dont idées, êtres et mondes s’entrelacent comme les fils du jeu de la ficelle (Cat’s cradle). Partant de ces jeux de ficelles comme principe central, Strings aborde les notions de coexistence entre humains et non-humains au sein d’un même système social. Au fil du récit, la grille solide des connexions se dissout progressivement, laissant émerger la fluidité comme principe fondamental de coopération. La performance conjugue des visuels réactifs — en direct et préenregistrés — et un dispositif sonore live incluant une boucle de 20 secondes issue des radiations électromagnétiques émises par un panneau solaire, combinée à des fragments d’émissions AM enregistrées lors d’une résidence artistique en milieu rural bavarois. L’essai vidéo propose une version condensée du matériau, avec un rythme narratif plus énergique. Project Strings invite le public dans un paysage méditatif où sons et images œuvrent de concert à défaire les structures rigides et à embrasser des modes d’existence plus fluides et interdépendants.

TraumaZone est un duo de live-coding basé à Berlin, composé de Ksenia Sova, artiste vidéo, et de Fyodor Stepanov, designer sonore. Leur démarche vise avant tout à politiser la communauté artistique en mettant en lumière des questions essentielles et en créant un espace sûr pour la discussion. Ksenia Sova (they/them) est une artiste média basée en Allemagne. Iel a étudié l’art médiatique à l’Académie des beaux-arts de Leipzig. Son travail s’intéresse particulièrement aux expériences d’aliénation, d’isolement et d’anxiété vécues par un corps queer au sein d’environnements numériques. Iel recourt à une approche du cinéma élargi pour créer des œuvres temporelles présentées lors d’expositions individuelles ou collectives. Fyodor Stepanov (he/they) est un artiste sonore et compositeur basé à Berlin. Il se spécialise dans les œuvres électroacoustiques destinées aux installations interactives, aux performances audiovisuelles et à la vidéo. Sa pratique est portée par les notions de transience, de non-linéarité et d’ambiguïté inhérentes au sonore. L’approche qu’il a développée au cours de la dernière décennie combine algorithmes génératifs, fragments de radiodiffusion, enregistrements de terrain et écoute électromagnétique pour produire des paysages acousmatiques étranges, évoluant lentement sur de longues durées.

J’ai rêvé que je devenais un animal. Je pouvais franchir la frontière librement, à travers la forêt. J’entrais sur cette terre sans être vu — cette terre qui me manque et me fait peur à la fois. J’y ai rencontré ma grand-mère, que je n’ai pas vue depuis plusieurs années. Elle ne m’a pas reconnu, mais nous nous tenions très proches l’un de l’autre, en silence. In the Animal’s Skin explore la frontière entre la Biélorussie et la Pologne, qui traverse la forêt ancestrale de Bia?owie?a — un sanctuaire protégé devenu un lieu de murs, de détentions et de peur. Le mur n’arrête pas seulement les réfugiés : il divise les habitats animaux et perturbe des routes migratoires millénaires. À Bohoniki, un village tatar proche de la frontière, la communauté tatar locale enterre avec une dignité silencieuse les réfugiés retrouvés dans la forêt — un contraste saisissant avec l’abandon politique. Le film réfléchit aux frontières, à la violence, et aux liens fragiles entre humains, animaux et forêt — cette forêt qui demeure témoin muet.

Yuliya Tsviatkova (née en 1993, Biélorussie) est une artiste visuelle et cinéaste basée en Allemagne. Forte d’une double formation en microbiologie et en arts plastiques, elle aborde l’image en mouvement comme un espace où l’observation scientifique rencontre la poétique. Son travail explore l’écologie, la mémoire et les traumatismes politiques à travers des récits non linéaires, souvent centrés sur l’exil, la violence environnementale et l’enchevêtrement des vies humaines et non humaines.