Catalogue > Faire une recherche

Il s'agit d'une vidéo réalisée sur papier, composée d'images numériques et de matériaux physiques, et qui explore l'essence des images en mouvement. J'ai divisé la vidéo numérique au ratio filmique de 24 images par seconde. Grâce au processus de transformation numérique par impression et numérisation, la vidéo recomposée se situe entre mouvement et immobilité, virtuel et concret, numérique et matériel. Ces contrastes ont ainsi été mis en relation avec la philosophie orientale du taoïsme, "un corps avec deux côtés". Dans cette vidéo, j'ai essayé de visualiser cette loi naturelle abstraite, qui échappe à toute description. Le Tao est vide mais inépuisable, caché mais toujours présent, un mode de vie mais pas une vérité localisable. "darkness within darkness" cherche, de la même manière, à comprendre le contraste même entre l'établi (matériel) et l'abstrait (numérique), en révélant le temps invisible de l'image.

Wu Chia-Yun (née en 1988 à Taïwan) a obtenu un Master en communication visuelle au Royal College of Art, Londres (Royaume-Uni), et un Master en cinéma à la National Taiwan University of Arts, Taipei (Taïwan). Elle est artiste et réalisatrice, et vit à Taipei (Taïwan). Son travail est un mélange d'images, de vidéos, de médias mixtes et d'installations, axé sur les thèmes de la "condition humaine" et du "temps de l'image". Wu Chia-Yun a été récompensée en tant que Emerging Artist Made in Taiwan par le ministère de la Culture [2017]; a reçu le premier prix des Kaohsiung Awards, Kaohsiung Museum of Fine Arts, Kaohsiung (Taïwan) [2019]; et a présenté une exposition solo au National Taiwan Museum of Fine Arts, Taichung (Taïwan) [2019]. Ses œuvres ont également été sélectionnées à l’international, notamment au Festival européen des arts médiatiques, Osnabrück (Allemagne) [2020]; à The European Independent Film Channel, Paris (France) [2015]; et au Shanghai international Film Festival (Chine) [2014].

A chilling voice from the past falls in line with the current wave of divisiveness, anti-immigrant rhetoric and political turmoil in an America torn by violence and bloodshed.

Nancy Wyllie's films have screened throughout the world including The Whitney Museum of American Art at Altria, the 7th International Berlin Director's Lounge, Tribeca Cinemas Video Art & Experimental Film Festival in New York and the Aesthetica Film Festival (AFF), York, UK. "Moth Vitals" was one of 28 international selections screened at 'Now & After" International Video Art Festival at The State Darwin Museum in Moscow in 2017 where her work became part of their permanent collection. “Moth Vitals’ screened at 2020 jellyfest film festival at the AFI /American Film Institute, Mark Goodson Theater, Los Angeles. Also in 2020, ‘Inquest’ was selected for the Blow-up International Arthouse Film Festival, Gene Siskel Theater, Chicago, IL. USA. In 2018, her short gun violence film, ‘Reenactments’ won The Americas Award for Best Experimental Short at The Americas Film Festival New York. The Awards Ceremony took place at the Smithsonian National Museum of the American Indian on June 15, 2018. “Soaked Earth” was selected for the Extremely Shorts Film Festival 2020, Aurora Picture Show, Houston Media Arts and received Honorable mention for Best Experimental at the SENE Film Festival 2021 with an LA Premiere at the Super Shorts Los Angeles Film Festival at the Lee Strasberg Theater and Film Institute, December 2021. Her film project exposing the underbelly of the global skin bleaching epidemic titled, “Getting Under Our Skin” was funded by The Puffin Foundation and screened at The Torpedo Factory in Through These Eyes July- September 2022. Also in 2022 her film “Inquest” was selected for screening at the International Portrait Film Festival (IPFF) in Sophia, Bulgaria and at “Diorama Room Presents: Tune Into Green,” 13 short experimental and expanded documentary films by international filmmaker, sound artists and musicians. 'Soaked Earth' screened at the New York Short Film Festival at Cinema Village, Manhattans oldest independent cinema, in 2022. In 2023, 'Twenty Square Feet' was a semi finalist at the Blow-up Arthouse Film Festival 2023 in Chicago. 'The Through Line' was a semi finalist at Berlin Shorts 2023 and received an Honorable Mention at the Video Art & Experimental Film Festival at Tribeca Cinemas. 'Soaked Earth' is part of Human Landscapes, a Loosenart International Art project, at Rome Art Week 2024. Wyllie holds Master’s degrees from RISD and Tulane University, New Orleans. She studied film at New York University and taught foundation art & design, digital media courses and video art at Ithaca College, RISD, Vermont College of Norwich University (MFA faculty) and at CCRI until 2018.

La voix glaçante du leader charismatique et meurtrier de masse des années 1960, Charles Manson, s’inscrit dans la vague actuelle de divisions, d’hostilité anti-immigrés, d’antisémitisme, de misogynie et de troubles politiques dans une Amérique déchirée par la contagion de la haine et de la violence. Manipulateur ultime, Manson savait comment exploiter les aspects les plus incendiaires de l’air du temps au cours de la tumultueuse période vietnamienne pour alimenter son propre agenda. Il a tour à tour colporté la peur et l'amour et a utilisé sa première exposition aux enseignements bibliques pour attiser les feux d'un dogme dérangé qui comprenait une guerre raciale imminente qui serait imputée aux Noirs. Tel un réalisateur à l’apparence extérieure d’un hippie épris de paix, Manson a donné des instructions précises à ses partisans alors qu’ils se mirent à commettre des meurtres effroyables dans les collines d’Hollywood et au-delà, tandis qu’il restait dans les coulisses. L’amalgame de Manson entre suprématie blanche, méthode de Dale Carnegie et dévouement à son interprétation tordue de l’idéologie chrétienne trouve une note dangereusement familière dans l’Amérique de 2024.

Les films de Nancy Wyllie ont été projetés dans le monde entier, notamment au Whitney Museum of American Art d'Altria, au 7e salon international des réalisateurs de Berlin, au Tribeca Cinemas Video Art & Experimental Film Festival de New York et au Aesthetica Short Film Festival (ASFF), à York, au Royaume-Uni. et le New Media Film Festival de Los Angeles. "Moth Vitals" était l'une des 28 sélections internationales projetées au Festival international d'art vidéo "Now & After" au State Darwin Museum de Moscou en 2017, où son travail est devenu partie intégrante de la collection permanente. En 2018, son court métrage sur la violence armée, « Reenactments », a remporté le prix Americas du meilleur projet expérimental au TAFFNY The Americas Film Festival de New York, parrainé par la Division des études interdisciplinaires CUNY. Wyllie a parlé de la prolifération de la violence armée aux États-Unis lors de la cérémonie de remise des prix qui a eu lieu au Smithsonian National Museum of the American Indian. Son film sur la bibliothèque personnelle de Marilyn Monroe intitulé « Cover to Cover » a été réalisé avec le soutien des archives de la famille Sam Shaw et projeté en 2022 au Festival international du film de portrait de l'IPFF, à Sophia, en Bulgarie. « Soaked Earth » a été projeté à Human Landscapes, Rome Art Week 2024. Wyllie est titulaire d'une maîtrise du RISD et a étudié le cinéma à NYU.

Full of feeling and cheerful meeting with Elvis Rromano, a teacher in a Gypsy school somewhere in the countryside of Romania, a fellow country of the European Union. He looks and dresses like Elvis Presley. A guitar and the evergreen songs of Elvis are his permanent companions. Giving an insight into the life of Gypsy-people`s in an untroubled manner, Elvis actually points out the crucial issues of Gypsy roots, European Union identity-politics, the social mobility of Gypsy and his own Otherness in European society. `Hello I am Elvis Rromano. Elvis Rromano means Gypsy Elvis, it?s because I sing Presley?s songs in the Gypsy language. I love what I do, and I do it with passion. I?m unique, I sing in Gypsy. Why? The old Gypsies love Elvis, but they don?t understand his lyrics, many of them don?t know English. So it was a gift for them. Elvis in my very own way, with my own words, in my language, in Gypsy. My lyrics are deeper, more serious. I sing about my roots and my feelings, my own life, as well as the life of the Gypsies. There?s one more reason. I discovered that Elvis was half-Gypsy, from his mother site`

Robert Rumas (b. 1966) ? visual artist and curator, associated with the current of critical art.; a graduate of Gdańsk Academy of Fine Arts; co-founder of Wyspa Gallery in Gdańsk. He creates installations, performances and actions in public space. His works use objects of religious cult, placing them in a non-religious context. His most famous projects include Termofory X 8 (Waterbottles X 8) and Manewry miejskie (City Maneouvers). Simultaneously to his artistic works he has been organizing space and set design in multimedia and theatre performances since 2004. He lives and works in Warsaw. Piotr Wyrzykowski alias Peter Style (b. 1968) - media artist, performer ans set designer. Studied interior architecture and media art at the Fine Arts Academy in Gdansk. He made his debut as a performer in 1990. In his practice he uses video, photography, Internet and sound - creating performances, installations, projects in public space, network projects and multimedia plays. Cofounder and artistic director of CUKT. The best known project of the group was ?Presidential Campaign of Wiktoria Cukt? that proposed a virtual candidate for the President of Poland. He`s work ?Beta Nassau? (1993) is in the collection of MoMA, New York. He lives and works in Gdansk & Kiev.

Casarsa della Delizia, novembre 2010. Un voyage sur la tombe d`un cinéaste, la découverte de la terre du grand-père, un pays où l`on parle une langue locale; est-ce cela qui fait de moi un immigré? Les récits des lieux viennent se mêler à ceux portés par la mer. Mais la mer n`est pas un pays. "Je vais vers un pays que je ne connais pas. Mais je sais que ce pays est important. Il m?attire comme quelque chose d?indispensable. Mais un doute persiste. Ce voyage est la traversée d?une part de moi-même, à découvrir. Mais peut-être qu?en arrivant là-bas, il n?y aura rien. Rien d?autre à découvrir que le fascisme. Mais je ne parle pas de politique, je parle de la nécrose d?une pensée, de la confrontation avec un réel sans histoires, sans mythes."

Né en 1987 à Toulouse (France), Luca Wyss est un cinéaste basé à Paris. Il a étudié à l`Ecole National Supérieur d`Arts de Paris-Cergy. Depuis plusieurs années, il est membre de l`atelier de cinéma expérimental "L`ETNA", avant de fonder le collectif "Les inquiets" avec Félix Albert. Le collectif travaille autour de l?espace méditerranéen, dans le but de tisser des liens de sens et d`images entre les rives de cette mer. Ce travail a amené le collectif à filmer à Pristina (Kosovo), à Alger (Algérie), à Belgrade (Serbie), à Téhéran (Iran) dans une démarche hybride entre documentaire et art contemporain. En parallèle de ce travail de co-réalisation, Luca Wyss développe un travail d`expérimentation narrative, cherchant dans les récits mythiques et les témoignages personnels de nouvelles manières de percevoir l`espace du possible. Ce travail l`a amener à filmer à Beyrouth (Liban), à Toulouse (France), à Bienne (Suisse), à Cazarsa (Italie). Il cherche à faire du mythe une vision du réel. Son dernier film appartient à cette recherche.

Haxhi Xhihani (Xhiku) was born in 1953. Since 1973 he has worked in the bunker factory "Josif Pashko" in Tirana, Albania. Qualified as a model worker in helping the collective work, he was decorated with the Medal of Honor "Tireless worker" by the brigadier of factory Jani Ciko. After the communist regime, a part of the factory was destroyed and what remained is privatized, becoming a factory that producing tile for the sidewalks. The owner of the factory is the former brigadier. Currently, Xhiku is paid 3 euro per day.

Pleurad Xhafa is an visual artist and filmmaker who lives and work in Tirana, Albania. After studies in Bologna, he graduated with an MFA at the Academy of Fine Arts, Bologna in 2012. Continues his research work in critically engaged and investigative conceptual practice. Through his work he attends to the legacies of conceptual and documentary approaches in art, making it relevant in the landscape of contemporary art research. He has participated in International group shows including: Every revolution is a throw of dice, Genoa, Italy (2006); Onufri Prize, Albania (2008); Tirana Biennale, Albania (2009); Berlin Biennale, Germany (2010); Lavoro/Work/Vore, Udine, Italy (2013); Ardhja Award, Tirana, Albania (2013); Shame on you, Celje, Slovenia (2015) His work as been awarded first prizes at Young Visual Artist Award in 2013 by Tirana Institute of Contemporary Art (T.I.C.A) and International studio & Curator Program (ISCP), New York.

Loop Loop Loop attempts to explore film as a matter and its value from changing perspectives. Using a combination of 16mm, Super 8mm, handmade film strips, and found footages as materials, this film intends to represent the adventure of two nonhuman characters on a train ("chicken features garlic skin" is a Chinese idiom referring to trivial matters) , where they are having a conversation around "film stock".

Yifan Xu (b.1998, China) is an interdisciplinary artist and filmmaker who primarily works with photographic medium (still and moving images), sound, and installation. She received a B.A. degree with honors in Art and Film & Media Studies and a minor in Economics from Lafayette College in 2019. Currently, she is an MFA candidate in Film/Video at the California Institute of the Arts.

Piece together some Chinese characters to sound like English. Secrets are briefly revealed, but at the same time the door to them is closed forever. We linger at the door, and I just want to stay with you longer.

Mengzhu Xue is a Chinese director and artist. She is currently studying fine art and film in Germany. Mengzhu enjoys exploring the combination of different media to create images in a multi-dimensional way. She often draws inspiration from personal experiences and subtle observations of cross-cultural contradictions in everyday life. Through artistic transformation, she wants to create a space that transcends language.

"A Hot Sandfilled Wind" expresses the despair and hope of contemporary politics in Israel/Palestine. It is based on a poem by Nadia Habib, and part of the Palestine Trilogy: documentations in history, land & hope.

B.H. Yael is a Toronto based filmmaker, video, and installation artist. She is Professor and Chair of Integrated Media at the Ontario College of Art and Design, and past Assistant Dean in the Faculty of Art.

Dans les marais du sud de l’Irak, Ibrahim et sa famille vivent isolés du reste du monde, étroitement liés au fleuve, aux roseaux et aux animaux dont ils prennent soin. Le calme et réservé Ibrahim ne trouve de réconfort que auprès de son buffle, son seul véritable compagnon. Alors que le monde d’Ibrahim s’effondre, il doit affronter des forces qui le dépassent et qui menacent non seulement son mode de vie, mais aussi l’unique être vivant qu’il comprend vraiment.

Ali Yahya est un cinéaste iraquien, né en 1994 à Bagdad, où il a vécu et travaillé toute sa vie. Son parcours a débuté après des études de psychologie au niveau licence. Il s’est ensuite tourné vers les arts visuels, d’abord comme graphiste, puis comme directeur artistique chez Becorp, l’une des principales agences créatives d’Irak, où il continue de diriger des projets de narration visuelle et des projets culturels. Il poursuit actuellement un master en cinéma. Il utilise le film pour explorer l’expérience humaine, capturant la beauté et les complexités du quotidien. À travers son travail, il porte les histoires de son pays vers le reste du monde. Son premier court métrage, Beneath Which Rivers Flow (2025), tourné dans les marais du sud de l’Irak, mêle observation poétique et réalité vécue, explorant la relation fragile entre une communauté et son paysage en train de disparaître. Le film a été présenté en première au 75e Festival international du film de Berlin, où il a reçu une Mention spéciale du jury.

This work is based on works by Edward Hopper (1882?1967). Using a "realist" scene constructed by Hopper as a prototype, seven original works are intertwined with past works by the artist. The "reality of art" re-interprets the "super-arty" world. The whole mime is interspersed with the artist`s expressions concerning "arty" and "super-arty". All of the features that appear in this work point to an exploration of "art" itself. One could say that without the artist`s misinterpretation of "art", there would certainly be no better definition of "Super-Arty".

Born in Chongqing in 1986, Yan Xing graduated from the Oil Painting Department of Sichuan Fine Arts Institute in 2009 with a bachelor degree. Yan Xing currently lives and works in Beijing and Los Angeles. He is both the initiator and participant of the ?COMPANY? project. His works have been shown at institutions such as: Contemporary Arts Museum Houston (CAMH), Houston, USA; Central House of Artists (CHA), Moscow, Russia; PinchukArtCentre, Kiev, Ukraine; National Gallery of Indonesia, Jakarta, Indonesia; Ullens Center for Contemporary Art (UCCA), Beijing, China; China Central Academy of Fine Arts Museum (CAFAM), Beijing, China; Iberia Center for Contemporary Art, Beijing, China; Today Art Museum, Beijing, China; OCT Contemporary Art Terminal (OCAT), Shenzhen, China and the A4 Contemporary Arts Center, Chengdu, China. He has also been featured at Moscow International Biennale for Young Art (2012), Shenzhen Sculpture Biennale (2012). Yan Xing?s works involve an extremely broad range of creative media, including performance, video, installation and painting, among others. The solo exhibitions of his works were held at Chinese Arts Centre, Manchester, UK (2012); Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne, Beijing, China (2011; 2013), and his works have also been shown in important group exhibitions such as: Meulensteen Gallery, New York, USA; Boers-Li Gallery, Beijing, China; Pékin Fine Arts, Beijing, China; and Platform China Contemporary Art Institute, Beijing, China. Yan Xing?s works have been public collections include: Rubell Family Collection, Miami, USA; M+ Museum for Visual Culture, Hong Kong; Kadist Art Foundation, Paris, France; He Xiangning Art Museum, Shenzhen, China. In 2012 he won the Best Young Artist Award by CCAA (Chinese Contemporary Art Award). The same year, he was a finalist in the ?Future Generation Art Prize?, Victor Pinchuk Foundation, Kiev, Ukraine; ?Focus on Talents Project 2012?, Today Art Museum, Beijing, China, Martell Art Fund. Yan Xing has created and planned exhibitions such as: Dream Plant contemporary art exhibition, Sichuan Fine Arts Institute, Chongqing, China; Mummery, Art Channel, Beijing, China; and the Fact Study Institute, Yangtze River Space, Wuhan, China.

Le film traverse les espaces de stockage cachés du Musée des beaux-arts de Montréal, révélant des œuvres dont les dossiers de provenance demeurent incomplets. Certaines portent les traces de déplacements en temps de guerre et d’omissions délibérées ; d’autres ont changé d’attribution, modifiant les récits qui leur sont attachés. Le film suit la manière dont les structures institutionnelles déterminent ce qui devient visible et ce qui reste irrésolu. À mesure que la caméra chemine à travers les réserves, Coming Home observe le musée comme un système d’organisation actif, où les œuvres sont continuellement recontextualisées. Le spectateur découvre la collection comme une archive invisible et est invité à s’orienter dans un lieu où la certitude demeure partielle et l’orientation toujours instable.

Jinjoo Yang est une artiste et architecte basée à Montréal, dont les films naissent d’un engagement direct avec des lieux spécifiques. Elle travaille dans des intérieurs institutionnels, utilisant des mouvements de caméra contrôlés pour suivre la manière dont les espaces contiennent et médiatisent leurs histoires. Sa pratique oscille entre observation et construction, transformant des environnements réglementés en paysages temporels où visibilité, autorat et mémoire se déplacent subtilement. Parmi ses œuvres récentes figurent Coming Home, tourné dans les réserves du Musée des beaux-arts de Montréal, et Occupied, un film à venir construit autour d’infrastructures héritées de la guerre froide. Ses projets ont été présentés à l’international dans des institutions telles que le Musée des beaux-arts de Montréal, le Center for Architecture à New York et la Royal Danish Academy of Fine Arts à Copenhague.

Retracing Wim Wenders' Paris, Texas filming locations, this 16mm film captures the American West's vastness while reflecting on memory's fragility. Shot on Kodak film with a score by Julian Tran, the work examines how we perceive through analog optics and how recollections distort over time. The digital scan is fabricated into pseudo-film via inkjet printing on clear film with laser-cut perforations. Each projection makes the ink melt and the film fall into decay, mirroring memory's erosion.

Lilan Yang (b. Chongqing, China) is a moving image artist merging analog filmmaking with computational processes. Rooted in the materiality of 16mm, their practice explores the flux of migration, the decay of memory and the intricacies of perception.

Make a Little Sun (2024) reimagines Little Sun (1963), the first and only science-fiction film made in China before the country’s economic reforms. Originally an educational film for children, Little Sun tells the utopian story of young researchers creating an artificial sun to boost food production. Banned during the Cultural Revolution, the film is now seen as an informal response to the Great Chinese Famine (1959–1961). This re-edited version fragments the original footage across a three-channel installation, combining it with new texts to reflect on global political crises since World War II. The sun becomes a metaphor for power, used to critique nuclear militarization, the colonial legacy of space exploration, and the failures of technological progress. Through disrupted narratives and visual manipulation, the work challenges modernization’s destructive trajectory and calls for collective alternatives to capitalist development.

Zhiyuan Yang’s practice examines the entanglement of personal histories and collective memory within broader political and economic systems. Through conceptual strategies that span moving image, installation, photography, and text, she investigates how experiences of loss—whether intimate or societal—reflect the failures and contradictions of modernization, institutional authority, and global power structures. Working with fragmentation, re-staging, and narrative disruption, Yang blurs the boundaries between fact and fiction to question how identity, memory, and belonging are constructed. Her practice often intervenes in existing frameworks—familial, political, or artistic—to expose the mechanisms of control and exclusion that shape lived experience. By revealing the limits of dominant narratives and institutional systems, she opens up spaces to reimagine collective forms of resistance, care, and alternative ways of being. Yang is an alumnus of the BPA// Berlin program and the Jan van Eyck Academie. Her recent and future exhibitions and screenings include Comrade Sun at Hartware MedienKunstVerein, DE; Half-Light at KW Institute for Contemporary Art, Berlin, DE; You Say I Have Unlimited Potential. I Disagree at Zilberman, Berlin, DE; and Conference Call: Moving Image at the Center for Performance Research, New York, USA.

Lee Yanor a rencontré pour la première fois la chorégraphe Pina Bausch à Paris en 1993. Ils ont ensuite eu un dialogue continu pendant douze ans, ce dont résulte le film « Café avec Pina », un documentaire de cinquante minutes sur l?univers de Pina Bausch. Filmé à Paris en 2002 et à Wuppertal (Allemagne) en 2005, la ville natale de Pina Bausch et de sa compagnie, le film relie différents éléments afin de livrer une chorégraphie de l?état d'esprit.

Lee Yanor est née à Haïfa (Israël) en 1963. Elle a obtenu sa maîtrise d'arts plastiques à l'Université de Paris VIII en 1993 et a été artiste en résidence à la Villa Arson de Nice en 1991. Son travail a été exposé internationalement. Parmi ses dernières expositions, signalons notamment « Cloud 9 », à la Galerie Heder à Tel-Aviv en 2008, et « Memory Fields » au Musée des Beaux-arts de Taipei en 2007. En 2002, elle a reçu le prix Léon Constantiner du Musée d?Art Israélien de Tel-Aviv.

"Filmer à Dakar, présences singulières entre le sable, la ville et le delta" est un diptyque vidéo mettant en relation des espaces naturels, des espaces construits et leurs occupants. Les séquences formées par le diptyque tissent une trame dont l’agencement se renouvelle au gré des projections en boucle. D’une part un défilement de lieux tels que la ville en construction de Diamniadio ou des espaces en transition comme les espaces en démontage de la Biennale de Dakar dans l’ancien palais de justice. D’autre part, l’activité dense au cœur de la Corniche en bord de mer, où la caméra avance dans le mouvement fluide des séances d’entraînements. Un jeune garçon à l’écart tente un "selfie". Circulant d’une projection à l’autre on se rend compte de la complémentarité de celles-ci: l’énergie déployée sur la Corniche magnétise les espaces vides, en transition, présentés dans l’autre écran. Ces deux projections dans lesquelles se déploient espaces intérieurs et extérieurs, et leurs occupants, interpellent l’écologie du vivre ensemble, dont les paramètres sont en perpétuelle mouvance.

Les œuvres de Myriam Yates se déploient sous forme de grandes projections vidéographiques ou de séries photographiques. Elle privilégie une approche hybride de l’image entre une certaine forme de document et l’essai vidéo. Elle s’intéresse à la construction de l’espace public, aux jonctions entre l’aménagement et la nature ainsi qu’à la notion de territoire. Ses œuvres ont été présentées lors d’événements tels que le Kasseler Dokfest, Kassel (Allemagne); le Images Festival, Toronto (Canada), les Rencontres Internationales Paris/Berlin (France/Allemagne), le Mois de la Photo à Montréal (Canada) et Nuit Blanche, Toronto (Canada). Elles ont fait l’objet d’expositions individuelles et collectives, notamment à la Galerie d’art Foreman de l’Université Bishop’s, Sherbrooke (Canada), au Hessel Museum of Art — CCS Bard, New York (USA), au Musée d’art contemporain de Montréal (Canada), au centre d’art contemporain OPTICA, Montréal (Canada), à Dazibao, Montréal (Canada). Un essai dans la revue Prefix Photo sur les architectures improbables a été consacré à ses œuvres vidéographiques accompagnant une exposition au Prefix ICA – Institute of Contemporary Art, Toronto (Canada). Elle remporte en 2015 le Prix Victor-Martyn-Lynch-Staunton (arts médiatiques) du Conseil des arts du Canada. Originaire de Montréal, elle vit présentement à Sherbrooke. Ses projets sont régulièrement financés par les Conseils des arts et des lettres du Québec et du Canada.

Dans le diptyque Occupants, la caméra nous transporte dans deux sites obsolètes d?une ville nord-américaine; un hippodrome et un site abandonné de l?EXPO 67, (Exposition universelle à Montréal en 1967). Dans une attitude d?attente, d?investigation et d?écoute, des personnages placés dans le cadre de la caméra servent de réceptacles à une trame sonore créée à partir de captures in situ provenant des deux endroits. Ces deux sites vastes et ouverts forment le périmètre d?un espace de réflexion et d?expérimentations sur la disparition de sites culturels et sur l?obsolescence de certains espaces publics. Le caméraman filme t-il une course réelle ? À travers une pile de rubans magnétiques, les personnages recherchent des indices qui pourraient relier les deux sites et nous situer dans le temps.

La pratique de Myriam Yates s?élabore à travers la photographie et la vidéo dans une approche qui tend vers le documentaire. Elle s?intéresse aux rapports ténus entre l?espace privé et l?espace public, ainsi qu?à l?obsolescence de lieux urbains liés au loisir et à la culture. Elle a complété en 2005 une maîtrise en arts visuels et médiatiques à l`Université du Québec à Montréal. Intéressée par les multiples utilisations de l`image dans la sphère publique, elle a également étudié en publicité et en design graphique. Son travail a été vu dans des expositions individuelles et collectives notamment dans des centres d?artistes au Canada (Gallery44, La Centrale, Skol, Dare-Dare) ainsi qu?au Musée d?art contemporain de Montréal dans le cadre de l?exposition Territoires Urbains. Parallèlement à sa pratique, elle travaille à la coordination de la programmation du StudioXX, un centre d?arts médiatiques à Montréal.

Myriam Yates, Racetrack Superstar Ghost, 2011, Film 16mm transféré sur fichier numérique et son, projeté en boucle. 7 min. 10 sec. (7 min. 37 avec générique). La projection filmique Racetrack Superstar Ghost propose un regard contemplatif qui met en parallèle deux structures événementielles, soit les estrades montées temporairement pour le méga concert rock de U2 et les bâtiments désaffectés des anciennes estrades de l`Hippodrome de Montréal. En l`espace de deux soirs ce site longtemps délaissé, mais récemment abandonné, devient illuminé de l`extérieur par un spectacle qui le réactualise. Ce projet s`inscrit dans un moment unique de la «fin de vie» de cette piste historique qui sera démolie incessamment où deux temporalités se déroulent dans un même site. Par des plans d`ensemble en film 16mm, le projet consiste à investiguer autour du contraste entre ces deux structures de rassemblements populaires. Des lieux tels que l`hippodrome, qui ont rassemblé des milliers de gens à une époque révolue, nous montrent une réalité en marge de la nôtre. Présents dans l`urbanité, en état d`attente, ils deviennent des espaces parallèles propices à la projection d`une certaine narrativité. Cette recherche s`inscrit dans une pensée hétérotopique où plusieurs lieux, plusieurs temporalités se côtoient sur un même site. En ce sens, l`événement du concert de U2 à l`hippodrome est un paroxysme. Présenté sous forme d`installation en primeur dans le cadre de l`exposition collective la Triennale québécoise : Le travail qui nous attend du Musée d`art contemporain de Montréal du 6 octobre 2011 au 3 janvier 2012. Présenté ensuite à CCS Bard Hessel Museum (Annandale-on-Hudson, New-York), Spring exhibitions and projects, du 18 mars au 15 avril 2012, commissaire : Janine Armin Programmé à la 25e édition d`Images Festival (Toronto), du 12 au 21 avril. À venir : Centre Canadien d?Architecture (Montréal, automne 2012). Kasseler DokFest, (Kassel, Allemagne, novembre 2012). Remerciements : Conseil des arts du Canada, Conseil des arts et des lettres du Québec, Kodak Canada et le centre d`arts médiatiques Prim. Crédits : Réalisation et montage : Myriam Yates; Direction photo : Etienne Boilard; Assistants caméra : Ina Lopez, Nicolas René; Prise de son et mixage : Alexis Bellavance.

Myriam Yates works with image-based mediums, mainly photography, video installation and recently 16 mm film. Her installations, often presented as diptychs, are developed through reflection on public space, modernity and the fabrication of images, following the shifting relationship between architecture and its inhabitants. Her work has been shown in events such as Le Mois de la Photo à Montréal (2007), Rencontres internationales Paris-Berlin-Madrid (2006-2007), and the Regina Festival of Cinematic Arts (2005). Her work has also been shown in various galleries, including Optica (Montréal), Centre des arts actuels Skol (Montréal), Gallery 44 (Toronto) and in institutions such as the Musée d?art contemporain de Montréal, Oakville Galleries in Toronto (2005-06) and the gallery of Université du Québec à Montréal. She has participated in residency programs at the Banff Centre (Alberta) and at Main Film (Montréal). Her most recent work, Racetrack-Superstar-Ghost was showned at The Québec Triennale at the Montreal Contemporary Art Museum, was part of a group show at CCS Bard Hessel Museum (NY) and screened at Images Festival in Toronto this spring. She holds a master?s degree in visual and media arts from Université du Québec à Montréal and is additionaly the artistic programming coordinator of a centre for contemporary art in Sherbrooke (Québec).

REHEARSAL vidéo monobande HD, 10 min. (2013). La vidéo Rehearsal nous transporte dans un studio d`entraînement situé au siège social du Cirque du Soleil à Montréal (Québec, Canada). Une équipe composée de six gymnastes d`élite de l?Europe de l?Est (russes et ukrainien) s`entraînent à adapter leur savoir-faire pour une performance de Grand volant dans l`éventualité d`intégrer un spectacle. Je propose ici un regard qui délaisse les costumes et le spectaculaire de la scène pour mettre l`accent sur la concentration des athlètes, leur état psychologique et leur effort physique, éléments qui sont camouflés lors de leur performance scénique. Je tente de créer un dialogue formel entre la structure des studios d?entraînement et les corps qui doivent effectuer des mouvements précis dans cet espace que je me plais à comparer à un vaisseau spatial.

Biographie: La pratique de l?artiste en arts visuels Myriam Yates, basée sur la photographie et la vidéo, explore la relation précaire entre l?espace public et l?espace privé, à l?image de celle existant entre l?architecture et celles et ceux qui l?habitent. Elle s?intéresse particulièrement aux lieux en phase de transition. Yates est titulaire d?un baccalauréat en arts plastiques et d?une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l?Université du Québec à Montréal. Ses ?uvres ont été présentées lors d?événements tels que le Buenos Aires International Documentary Film Festival (2013), la Kasseler Dockfest (Kassel, Allemagne, 2012), lmages Festival (Toronto, 2012), Le Mois de la Photo à Montréal (2007), les Rencontres internationales Paris/Berlin/Madrid (2007, 2012, 2013). Son travail a fait l?objet d?expositions individuelles et collectives : au Hessel Museum of Arts du CCS Bard (N. Y., 2012), lors de la Triennale québécoise au Musée d?art contemporain de Montréal (2011), à Optica, centre d?art contemporain (Montréal, 2009). Elle a participé au programme de résidences du Banff Center et à ses conférences du New Media Institute (Alberta, 2004-05). Au printemps 2014 Prefix photo magazine lui consacrera un essai/portefolio, et le Prefix Institute of Contemporary Art (Toronto) une exposition en 2015.

Isolé sur l’île de Terre-Neuve (Canada), l`aéroport de Gander a joué un rôle essentiel à partir des années 1940 en tant qu`arrêt de ravitaillement pour les vols transatlantiques. Pendant la guerre froide, Gander était l`un des rares points de ravitaillement où les avions pouvaient s`arrêter en route depuis l`Europe de l`Est ou de l`Union soviétique vers Cuba. Dans le but de présenter une image progressiste du Canada, le terminal international fut aménagé à la fin des années 50 avec des meubles de designers influents de l`époque. Avec l`avènement des avions à plus longue portée dans les années 1960, Gander a diminué en importance. L`imposante zone internationale est aujourd`hui presque inoccupée, seuls y transitent les forces américaines et les jets privés. Gander Islands (diptyque) se concentre sur la salle des fumeurs du terminal. Pendant le tournage, déposée sur le sol, une boisson à peine entamée avec une écriture en arabe sur l`étiquette de la bouteille - rappelant l`utilisation du lieu par des soldats américains en provenance de missions. Leur présence est accentuée par des d`autocollants des diverses forces tactiques qu’ils représentent, posés çà et là dans le terminal. Les plans défilant en synchronicité sont proches d`une dérive, d`une rêverie d`un(e) hypothétique occupant(e).

Myriam Yates développe une pratique qui s’articule essentiellement autour de l’image (vidéographique, filmique ou photographique). Son oeuvre se déploie sous forme de grandes projections, d’installations ou de séries photographiques. L’artiste s’intéresse à la relation entre les lieux et leur représentation, prenant souvent comme ancrage des sites modernes ou en transition, dont le statut singulier questionne les liens entre l’individu, la modernité et l’architecture.