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The film makes reference to Raymond Williams’ concept ‘structures of feeling’, which is identified as an ‘active’, ‘flexible’, ‘temporal present’, and applies this to the operations of the capitalocene, where technological infrastructures stretch their tentacles out over the whole earth implicating everything within their operations. Voiced by a posthuman lifeforce, the video outlines a plan for an all consuming form of future machine: “We are the assemblage of elemental feelings, orchestrating capture through our sensing machines.” It suggests a vast assemblage that goes beyond current notions of extraction to implicate diverse forms of material (flesh/rock/precious metals/skin/plants/soil) and their unique temporalities into its mechanism. This machine enables affective operations on bodies of all sorts to be implemented. In the work we see elemental processes operating across multiple temporalities, as Derek P. McCormack notes, they are within the domain of speculative forces and practice through which the elements are engineered, extracted, forged, manipulated, modified and purified as part of the generation of different forms of value. Thus bodies, subjects and worlds become affected by elemental processes operating across multiple spatialities and through this they arrive in a solution to affective experiences and they activate new forms of control.

Charlie Tweed is a media artist and researcher working across video, text, digital media and performance, developing works that interrogate the relation between human technologies and the earth, considering notions of control, extraction, waste and more than human intelligence. In his work, he employs strategies of re-appropriation and speculative fiction, often taking on personas of anonymous collectives and hybrid machines, to outline speculative plans for future forms of technology and more than human relations. He has an MA in Electronic Media, an MFA in Art Practice from Goldsmiths College, London and a PhD in Art, he is the Subject Leader of Art at Bath School of Art, Film and Media. He has exhibited his works internationally with solo shows at The Stanley Picker Gallery, London; Spike Island, Bristol; Animate Projects, London and Aspex Portsmouth. Group shows and film festivals include: Rencontres Internationales (2019), HKW, Berlin; Oberhausen Short Film Festival, Germany; WRO Media Art Biennale (2017), Poland; Nunnery Gallery, London; Meetfactory, Prague; Whitechapel Gallery, London; ICA, London, CCA, Glasgow and Zentrum Paul Klee, Switzerland. Residencies and awards include: EarthArt Fellowship 2019-20, Earth Sciences, Bristol University; Wellcome Trust Large Arts Award (2015-17); AHRC Funding award (2011-17); Grizedale Arts Residency Programme (2005 and 2011); Sommerakaedemie, Zentrum Paul Klee (2008); Aspex Emergency 5 Winner 2011; Startpoint European Academies Award (2008); Whitstable Biennale (2008). His films have been screened internationally at venues including: ICA, London; CCA, Glasgow; Whitechapel Gallery, London; Watershed, Bristol; Plymouth Arts Centre; CAFA, Beijing; Quad, Derby; Eastside Projects, Birmingham; Castlefield, Manchester.

The film makes reference to Raymond Williams’ concept ‘structures of feeling’, which is identified as an ‘active’, ‘flexible’, ‘temporal present’, and applies this to the operations of the capitalocene, where technological infrastructures stretch their tentacles out over the whole earth implicating everything within their operations. Voiced by a posthuman lifeforce, the video outlines a plan for an all consuming form of future machine: “We are the assemblage of elemental feelings, orchestrating capture through our sensing machines.” It suggests a vast assemblage that goes beyond current notions of extraction to implicate diverse forms of material (flesh/rock/precious metals/skin/plants/soil) and their unique temporalities into its mechanism.

Charlie Tweed is a media artist and researcher working across video, text, digital media and performance, developing works that interrogate the relation between human technologies and the earth, considering notions of control, extraction, waste and more than human intelligence. In his work, he employs strategies of re-appropriation and speculative fiction, often taking on personas of anonymous collectives and hybrid machines, to outline speculative plans for future forms of technology and more than human relations. He has an MA in Electronic Media, an MFA in Art Practice from Goldsmiths College, London and a PhD in Art. He has exhibited his works internationally with solo shows at The Stanley Picker Gallery, London; Spike Island, Bristol; Animate Projects, London and Aspex Portsmouth. Group shows and film festivals include: Rencontres Internationales (2019), HKW, Berlin; Oberhausen Short Film Festival, Germany; WRO Media Art Biennale (2017), Poland; Nunnery Gallery, London; Meetfactory, Prague; Whitechapel Gallery, London; ICA, London, CCA, Glasgow and Zentrum Paul Klee, Switzerland. Residencies and awards include: EarthArt Fellowship 2019-20, Earth Sciences, Bristol University; Wellcome Trust Large Arts Award (2015-17); AHRC Funding award (2011-17); Grizedale Arts Residency Programme (2005 and 2011); Sommerakaedemie, Zentrum Paul Klee (2008); Aspex Emergency 5 Winner 2011; Startpoint European Academies Award (2008); Whitstable Biennale (2008).

Impossible architecture, an ancient burial ground and a lure for psychotic janitors were the building blocks of Overlook Hotel in Stanley Kubrick’s The Shining. In this story vignette, chaos animators Pink Twins add zero gravity and a rupture in space-time continuum to the mix and serve a taster of subtle cosmic horror.

Pink Twins is a duo of visual artists and electronic musicians, brothers Juha (b. 1978) and Vesa Vehviläinen (b. 1974), based in Helsinki, Finland. Active as Pink Twins since 1997, their videos work on the crossing of visual art and music. Live Pink Twins deliver improvised digital soundscapes, often combined with video screenings. Pink Twins have shown their works in exhibitions and festivals in all continents and performed audiovisual live shows through Europe, Americas, Asia and Australia.

Giant features leading junior team gymnasts of Romania. The film is shot in two boarding schools for artistic gymnastics in Onesti and Deva. A soundtrack of interviews with the gymnasts accompanies images of them training and of empty gymnasiums. Archive film footage starting from 1970s and clips from a feature fiction film shot in the same locations reveal not only a continuity in picturing this sport, but also the structures of recording it.

Salla Tykkä (born 1973) is a visual artist who works with film and video since 1996. She graduated from the Academy of Fine Arts in Helsinki 2003 and participated in the Venice Biennale 2001. Her solo exhibitions include: BALTIC Arts Centre, Gateshead 2013; EX3, Florence, 2011; Hayward Gallery Project Space, London, 2010; Norrköping Art Museum, Norrköping, 2009. She has participated in numerous group shows in museums and public institutions among others: Making Space. 40 Years of Video Art, Musée cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, 2013; La La La Human Steps, Istanbul Museum of Modern Art, Istanbul, 2013; 17th Biennale of Sydney, Museum of Contemporary Art, 2010; Momentum, Moss, 2010. Salla Tykkä’s films have been shown at international film festivals like: 36th International Film Festival Rotterdam, Rotterdam, 2007; 21st Brest European Short Film Festival, Brest, 2006; Tribeca Film Festival, New York, 2003; International Short Film Festival Ober- hausen, Oberhausen, 2003 and 2002.

The video "I feel blue, they sense rose" questions the process of seeing by deconstructing the medical gaze. How does science remind us of women`s bodies? How can the appropriation of the female body be documented through medicine and its history? The artist confronted herself with knowledge by working with historical artifacts from the Medical Collection at the University of Zurich. This collaboration gave her the opportunity to explore history on a subjective and interactive level.

Paula Tyliszczak (*1986) grew up in France and Poland and has a background in the Arts and in the Humanities. After completing her Bachelor`s Degree in International Relations at the University of Warsaw, she moved to Switzerland and studied Fine Arts at the Zurich University of the Arts. She later followed a Master`s degree in Contemporary Arts Practice at the Bern University of the Arts. As an interdisciplinary artist, Paula Tyliszczak mainly works with video, sound and language. Guided by her interest in the body as a social construct, she develops works at the interface between art and science, as well as between subjectivity and objectivity.

Hole is the Bubble i Blew is a hybrid-documentary combining video, generative animation and composite imagery. It is a choral history of shared intimacy where days and nights loop as an apartment window emerges from a burning tunnel; from this window a small group of people share stories of platonic and erotic love through space and time that separate like oil on the surface of water. "Movements pulse into the void, actions become sentient, consequences wait for the morning that will never be."

christopher tym (UK) is an artist-filmmaker based in The Netherlands that explores the (dis)locations between 'virtual+natural' environments. By combining film and animation he creates hybrid spaces where humxns bend time as they navigate their relationships with each other and their evolving world/s. His current projects focus on eco-centric moving image where new insights of form and time challenge our preconceptions of the Anthropocene. christopher teaches hybrid-animation and is a core tutor at the Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam.

a.o.k is about the experience of making pop videos and pop music. Using only behind the scenes and B-roll footage altered with animations, it is a painting of the emotional experience behind and in front of the camera. It is as much about the content as it is about the making of it. The project revolves around a series of music videos created to original tracks but the end results are neither seen nor heard; what remains visible, however, are the sensations of the contributors during the production. It is a journey that cramps with discomfort at the beginning but opens up, softens and releases into something tender and compassionate. The result is relentless and unforgiving but it is an ode to the loving images we create of ourselves.

Christopher Tym (UK) is a Visual Artist based in Amsterdam. His practice includes Film-making, Animation and Audio-Visual Installations. He creates liminal spaces in moving image using unreliable framing, affective editing and by exploring the relationship between the camera and the body. He graduated from the Gerrit Rietveld Academie in 2012 and the Royal College of Art UK in 2017. He teaches Animation and tutors at the Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam.

UBERMORGEN Red Coin (Chinese Blood), 2015 Red Coin mining has recently made the People`s Republic of China the world`s largest Bitcoin producer. Mining requires exertion and it slowly makes new currency available at a rate that resembles the rate at which commodities like gold, copper, diamonds, nickel, rare earth, silver, uranium and zinc are mined from the ground. One of the reasons for the fast growth is the buildout of hydropower in the west of the country. The first petahash mining farms were built in Shanxi and Inner Mongolia where coal was cheap and plentiful, but cheap coal can’t compete with free water and now the farms are migrating en masse towards the west. uuuuuuuntitled.com/chinesecoin uuuuuuuntitled.com/chinesecoin/ChineseCoin_Text.pdf Video & Sound: Mike Huntemann Commissioned by NEoN (North East of North), 2015 Optimized for Dolby Surround 5.1 # Dolby 5.1 available upon request: officeR@ubermorgen.com #

UBERMORGEN lizvlx (AT, b. 1973) and Hans Bernhard (CH/USA, b. 1971) are European artists and net.art pioneers. They tenaciously convert code & language and concept & aesthetics into digital objects, software art, net.art, installation, new painting, videos, press-releases and actions. CNN described them as `maverick Austrian business people` during their Vote-Auction action and the New York Times called Google Will Eat Itself `simply brilliant’. Their main influences: Rammstein, Samantha Fox, Guns N’ Roses & Duran Duran, Olanzapine, LSD & Kentucky Fried Chicken`s Coconut Shrimps Deluxe. The have shown their work in major international institutions such as the Centre Pompidou, MoMA/PS1, Sydney Biennale, MACBA Barcelona, New Museum New York, SFMoma, ICC Tokyo, Gwangju Biennale and were commissioned by Serpentine Galleries London & Whitney Museum New York. UBERMORGEN currently holds the Professorship for Digital and Net-based Art in the Faculty of Art at the University of Art and Design Offenbach/Frankfurt http://ubermorgen.com https://en.wikipedia.org/wiki/Ubermorgen

Le premier film d'horreur au monde pour et par les machines. Un organisme de réseau émergent scanne et respire le monde pour la première fois à travers des millions de caméras de vidéosurveillance détournées de manière virale. Zoom. Améliorer. Rekonnaître. Peur. Rien n'a de sens. Les données n’ont pas que ça à fich(i)er. L'apprentissage automatique de rien. Hallucinogène et verrouillé, vulnérable et oscillant entre instabilité, luxure et agression, le monstre s'efforce de définir sa propre existence et son organisme décentralisé. Naissance d'une nation et auto-requiem. Et vous êtes "Uninvited".

L'artiste Nye Thompson (Royaume-Uni) est connue pour ses architectures logicielles expérimentales, qui explorent les dynamiques de pouvoir intégrées au réseau, ainsi que les visions machiniques du monde. En 2016, sa première exposition solo a été décrite par C4 News comme "trop choquante pour être diffusée", devenant un clickbait mondial et déclenchant des protestations gouvernementales à l’international. Depuis, elle a exposé dans divers endroits, notamment à la Tate Modern, Londres (Royaume-Uni); au Barbican, Londres (Royaume-Uni); au Victoria and Albert Museum, Londres (Royaume-Uni); au ZKM – Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe (Allemagne); et à Ars Electronica, Linz (Autriche). Son travail a été présenté sur la BBC, C4 et CNN, ainsi que dans le Guardian et Wired. Elle a été surnommée "le nouveau Big Brother" (Vogue) et "un Jacques Cousteau contemporain" (Bob & Roberta Smith). UBERMORGEN (Autriche/Suisse/USA) est un duo d'artistes fondé en 1995. L'actionniste autiste lizvlx et le visionnaire pragmatique Hans Bernhard sont des pionniers du net.art et des media hackers largement reconnus pour leurs recherches très risquées sur les données et la matière, l'art conceptuel, et les expériences sociales polarisantes. CNN les a appelés "gens d'affaires autrichiens anti-conformistes" pendant leur projet en ligne Vote-Auction. Ils ont touché un public de 500 millions de personnes à l’international, tout en défiant le FBI, la CIA et la NSA pendant l'élection présidentielle américaine. En 2005, ils ont lancé leur trilogie "EKMRZ", une série de piratages conceptuels – "Google Will Eat Itself", "Amazon Noir" et "The Sound of eBay". UBERMORGEN contrôle 175 domaines.

En Chine, plus de 2000 Ateliers de jeux en ligne emploient des personnes (plus de 500 000) pour jouer à des jeux en réseau tels que World of Warcraft (WoW) jour et nuit. Ces personnes créent des devises propres au jeu, des équipements, et des personnages entiers qui sont vendus à des joueurs américains et européens sur Ebay. Ces personnes sont appelées ?Chinese Gold Farmers? (les fermiers chinois de l?or). Le futur est déjà là !

Ubermorgen est un collectif composé de deux membres et créé à Vienne en 1999, par Hans Bernhard (également fondateur de Etoy) et Lizvlx. Derrière UBERMORGEN.COM, on peut trouver des identités difficilement saisissables, controversées et iconoclastes, à l`avant garde de la scène des arts techno- numériques européens. Ubermorgen en allemand signifie après-demain, ou au delà de demain. L`amalgame permanent du factuel et de la fiction va vers un concept extrêmement étendu des matériaux de travail. Pour Ubermorgen.com, cela inclut aussi les droits internationaux (legal art), la démocratie et la communication globale en réseau. Jean Baudrillard a dit une fois au sujet d`Ubermorgen " Ubermorgen signifie le jour après demain, une légère inclination envers leur vision artistique et leur activisme et les préjugés, ils sont inconditionnels et radicaux dans leurs actions, ils sont extrêmement étranges et extrêmement intelligents." Leur travail a été montré au musée d`art moderne de Vienne, à la The Premises Gallery à Johannesburg, à Ars Electronica, au Musée d`art contemporain de Barcelone, à NTT ICC Tokyo, à Artissima à Turin, au Musée d`art contemporain de Tokyo, à la Secession à Vienne, au c3 à Budapest, au MoMa, à la Kunsthalle de St. Gall, à l`Arco de Madrid, à l`ISEA, à l`institut d`art contemporain Overgaden à Copenhague. Ils ont réalisé en 2000 le projet [V]ote-Auction, 2000. Projet de net art, d`actionnisme numérique, de media hacking : ils ont créé un site web sur lequel les citoyens américains pouvaient vendre aux enchères leur voix pour les élections présidentielles. Ce projet leur a valu des problèmes avec la justice. Les médias américains ont largement relayé l`affaire, une émission d`une demie heure est passée sur le sujet à CNN.

E-Bay est devenu le marché le plus important de la terre. « The Sound of Ebay » est notre contribution à la bande sonore du nouveau hyper capitalisme peer-to-peer. Chaque jour, nous envoyons des millions de robots analyser le marché et créer des chansons. Le son est cool ; la machine produit une grande quantité de chansons, répétées des millions de fois à travers les réseaux ? une inondation sur le net, une mer bouillonnante de chansons artificielles. Vous appuyez sur le bouton de déclenchement de la boîte noire-hélium-divertissement pop, semblable à un Jukebox-c64-cyberart ? une ville universelle macromusicale. Chaque utilisateur a une signature qui correspond à la signature d'un autre utilisateur. Des chaînes de transactions, un essaim de robots, et chaque chanson est une mémoire et a sa propre histoire. Chansons synesthésiques... pouvez-vous inverser la musique ? Mais oublions la technologie, et amusons-nous!

Übermorgen.com est un duo artistique créé à Vienne (Autriche), par Lizvlx et Hans Bernhard, l'un des fondateurs de e-toy. Derrière Übermorgen.com, se trouve l'une des personnalités les plus incomparables ? controversées et iconoclastes ? de la techno artistique européenne contemporaine avant-gardiste. Leur circuit ouvert d?art conceptuel, de dessin, de logiciels d?art, de peinture pixel, d?installations informatiques, de net.art, de sculpture et d?activisme numérique (piratage média) transforme leur marque en une Gesamtkunstwerk hybride. L??uvre d?Übermorgen.com est unique, non pas à cause de ce qu?ils font, mais par le comment, quand, où et pourquoi ils le font. L'ordinateur et le réseau sont (ab)usés pour créer de l?art et combiner ses multiples formes. La fusion permanente de faits et de fictions vise un concept élargi du matériel de travail, qui, pour Ubermorgen.com, inclut également les droits (internationaux), la démocratie et la communication mondiale (boucles imput-feedback). En allemand « Übermorgen » veut dire « après-demain » ou « super-demain ».

Migrant shipyard workers on the Adriatic coast spend their daily routine in their dormitory. In the evening, one of them visits a nearby town.

Mate Ugrin (born 1986 in Pula, Croatia) graduated in Filmmaking from the Academy of Arts (Belgrade, Serbia) in 2012. He holds a Master of Arts from the University of Fine Arts Hamburg (Hochschule für bildende Künste Hamburg) and a “Meisterschüler” degree in Arts and Media from the Berlin University of the Arts (Universität der Künste Berlin). He directed several shorts, among which Recent Places (2016) and Meanwhile (2017) which was premiered at the Hamburg International Short Film Festival and won the German FIRST STEPS Award.

It's summer and the streets are almost empty in a small town. People gather at the public swimming pool. Two close friends are saying goodbye.

Mate Ugrin (born 1986 in Pula, Croatia) graduated in Filmmaking from the Academy of Arts (Belgrade, Serbia) in 2012. He holds a Master of Arts from the University of Fine Arts Hamburg (Hochschule fur bildende Kunste Hamburg). He is currently finishing the "Meisterschuler" program at the Berlin University of the Arts (Universitat der Kunste Berlin). He directed several shorts, among which Recent Places (2016) and Meanwhile (2017) which was premiered at the Hamburg International Short Film Festival and won the German FIRST STEPS Award.

Fade portrays the rural life of a grandmother in Japan while persimmon trees enter the late season.The grandmother’s tenacious care for traditions, trees & home, the film poetically depicts the tableaux of forgotten rural memory of the post-war; the glimpse of human spirit and persistence appear in the passing of seasons, awaiting the new beginnings.

Asako Ujita (1997, Osaka, Japan) is an artist/filmmaker based in London. In her practice, she is interested in exploring history and working with the archival - from news, found footage, to informal recordings such as dairies and letters. Beneath the layers of calm and dream-like tone of her films, these narratives of the past weave into current socio-political issues such as post-colonialism, ecology, gender, and identity. She considers this stitching of time a reconstruction of myth, evoking psychological experiences of collective memory, trauma and imagination in the present. Her work has been screened and awarded internationally, including the Grand Prix award at 25 FPS Festival, Croatia, Alchemy Film and Moving Image Festival, UK, Regeneration at Barbican Centre 2021 London, and Speculative Future; Climate Crisis at Horniman Museum and Gardens, 2020 London.

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L`édifice est gigantesque, il s`élève au-dessus de la Baie de Guanabara à Rio. À l`époque de sa construction, la démesure était de mise. Aujourd`hui, le manque d`entretien et le retour à un certain réalisme en ont fait un monstre obsolète dont une aile entière est désaffectée. L`autre pan, quant à lui, grouille de vie : les patients issus des classes populaires y croisent les médecins et infirmiers qui croient encore, malgré tout, à un service public de santé de qualité. Le spectateur voit et entend littéralement la déliquescence du bâtiment. Avec un sens exceptionnel de la photographie, la caméra filme les humains qui, face à l`inéluctable et froide agonie du béton, constatent, regrettent ou ironisent...

Pedro Urano est bien connu des spectateurs des Rencontres où il a déjà participé en 2007 pour Margem (directeur de la photographie), en 2008 pour Estrada real da cachaça (réalisateur et directeur de la photographie) et en 2010 pour Ensolarado (directeur de la photographie). Joana Traub Csekö est photographe, diplômée de l`École des Beaux-Arts de Rio. Ses ?uvres figurent dans la collection Gilberto Chateaubriand et ont été exposées à la Galeria Novembro de Rio et à la Galeria Oscar Cruz de São Paulo.

A day during autumn, Krakow, Poland. I looked at the hedge and at one moment, suddenly, I felt the need to throw myself at him. It was a need dictated strictly by kinesthetic experience. A whim of immersion in the thicket that will absorb me into its lumps. Then it becomes a habit.

Piotr Urbaniec, born 1992 in Krakow. A graduate of the Academy of Fine Arts in Warsaw. He completed his master at the Studio of Spatial Activities (supervisor: prof. Miroslaw Balka). He did his BA at the Transmedia Studio at the Academy of Fine Arts in Krakow (supervisor: dr Bogdan Achimescu). In 2016, he held a residency organized by Residency Unlimited in New York as part of the 1st prize in the "Artistic Journey of Hestia" competition. He won the main prize of the Video Art Festival In Out 2016. In 2014 he won the Grand Prix in the Young Wolves competition. Winner of the Krakow City Art Scholarship. He presented his works at numerous group shows and film screenings in Poland and abroad. In 2016, he was invited by the CCA Ujazdowski Castle to organize an individual exhibition as part of Project Room project.

Les tactiques de communication du gouvernement colombien, dans le contexte d'un conflit armé chronique, ont étendu l'idéologie du mansplaining aux réseaux sociaux, jusqu’au niveau des médias de masse contemporains. Trouvée en 2018, ce ready-made vidéo montre la rhétorique du discours patriarcal de la guerre dite de "basse intensité". Ici, l'armée célèbre la fête des mères en mettant en scène des soldats, pour faire des déclarations affectives fanatiques sur le rôle des femmes dans la société, employant une langue héroïque religieuse, symptomatique d'un régime fasciste. Cette production cinématographique cite directement le style spectaculaire des films d'action américains, incarné par les militaires eux-mêmes. L'Armée nationale colombienne est le plus grand groupe armé (et le seul légal) du pays. Depuis près de deux décennies, l'armée fait l'objet d'une enquête pour avoir commis des crimes contre l'humanité. Les révélations journalistiques de 2008, selon lesquelles les forces de sécurité avaient exécuté de manière extrajudiciaire des dizaines de jeunes hommes de Soacha, un quartier pauvre proche de Bogotá, la capitale, ont contraint le gouvernement à tout nier dans un premier temps, puis à finalement reconnaître que l'armée pourrait être responsable. Mis à part le titre, les sous-titres de traduction et l'avertissement, ni le son ni la vidéo n'ont été modifiés.

Andrés Felipe Uribe Cárdenas est né à Bogotá (Colombie) en 1982. Il vit et étudie à Berlin (Allemagne). Il a obtenu un Diplôme en Sculpture en tant que Meisterschüler à la KHB – Kunst Hochschule Berlin (Allemagne). Il détient également une Licence en beaux-arts à la UJTL – Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano (Colombie). Son travail porte sur le conceptualisme borderline, la poésie, le povera multimedia et le situationnisme. Au cours de sa carrière, il a délibérément éteint plus de cent écrans de télévision dans l'espace public partout dans le monde. Son travail a été présenté dans diverses expositions individuelles, notamment à Bogotá (Colombie), à Cali (Colombie), à Los Angeles (USA) et dans le métro de Berlin (Allemagne). Il a reçu la Bourse DAAD Masters Studium en 2019, la bourse d'édition IDARTES 2018, la bourse de création du ministère de la Culture (Colombie) en 2016, et la bourse Intensivsprachkurs du Goethe Institut 2012. Il a également présenté ses œuvres dans des expositions collectives en Colombie, au Mexique, en Argentine, aux États-Unis, au Portugal, en France, en Norvège et en Allemagne.

Cette vidéo est une version locale contemporaine de la trente-troisième eau-forte « Désastre de la Guerre » de Goya. Un discours prononcé par un sénateur colombien décrit de manière très explicite et brutale les violences cruelles pratiquées durant la guerre colombienne. La re-contextualisation et la présentation de l??uvre tendent à dénoncer la situation critique des droits de l'homme en Colombie.

Andrés Felipe Uribe Càrdenas est né en 1982 à Bogota (Colombie) où il vit et travaille actuellement. Il est diplômé des Beaux-Arts de l'Université de Bogota. Né et élevé dans une sorte de famille décomposée, il a reçu son éducation de prêtres catholiques, en sciences, littérature, philosophie et calligraphie. Expulsé pour avoir dit non, à un certain moment, à cette espèce d?école de l?Inquisition, il fut accepté dans un lycée germano-colombien, où il a joué dans son premier groupe de rock métal et a achevé ses études élémentaires. Immédiatement après, il est entré à l'Université Nationale de Colombie, qu?il a abandonnée un an et demi plus tard, en raison d'un état paranoïaque assez sérieux. Il a ensuite pris une pause de six mois, pendant laquelle il a étudié, sans grand succès, la grammaire musicale et la formation auditive. Puis, il a rejoint l'Université de Bogota où il a obtenu un diplôme en Beaux-Arts et envisage maintenant de poursuivre ses études en Master de sémiotique.

"[...] lorsque le colonisateur la déshabille, la nudité de l'indigène le regarde en retour, à la fois comme l'image souillée qu’il a créée, et comme l’œil indifférent qui dit: "il n'y avait rien - aucun secret - à dévoiler sous mes vêtements. Ce secret est ton fantasme" (Rey Chow, Writing Diaspora: Tactics of Intervention in Contemporary Cultural Studies, Bloomington, Indiana University Press, 1993). Le regard du touriste crée non seulement un objet mais sous-entend également les désirs et les aspirations du sujet qui regarde et attrape. Les voyages des occidentaux à la recherche d’eux-mêmes deviennent une quête d'un récit alternatif, où le nouvel "Orient" est censé fournir la réponse à la question des origines perdues ainsi qu’un abri contre les problèmes. Beaucoup attendent des personnes non occidentales qu'elles soient passives et modestes, disponibles pour prendre soin d’eux et leur offrir un sentiment d'appartenance. Avec pour toile de fond les structures néocoloniales telles que l'extractivisme mondial, le backpacking et les entreprises internationales, je souhaite que cette vidéo rappelle aux spectateurs qu'ils participent possiblement à l'une ou l'autre de ces structures, et qu'elle leur fasse comprendre le caractère troublant de ces relations: comme s'ils étaient orphelins et devaient être adoptés par des "entités maternelles" indigènes.

Sarnt UTAMACHOTE est né en 1992, en Thaïlande et ses pronoms sont he/they (il/iel). Il est cinéaste et curateur queer. Il a étudié le design industriel (licence) à l'université Chulalongkorn, Bangkok (Thaïlande), et la cinématographie (licence) à la Freie Universität de Berlin (Allemagne). Il a co-fondé le collectif "un.thai.tled" (composé d’artistes critiques membres de la diaspora thaïlandaise et allemande), au sein duquel il organise des expositions culturelles critiques telles que "Beyond the kitchen : Stories from the Thai Park" (2020) ainsi que des projections de films "un.thai.tled Film Festival Berlin" (2019 - annuel). Il fait partie des participants sélectionnés pour le Young Curator Workshop de la 11e Berlin Biennale for Contemporary Art (Allemagne) en 2020. Dans son métier lié au film (en tant que producteur, réalisateur et monteur) il approfondit son emploi du cinéma comme moyen d'engagement social et imaginaire au-delà des réalités sociales conditionnelles. Son installation vidéo "I Am Not Your Mother" a été commissionnée et exposée au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas), et a été nominée pour le R.D. Pestonji Award du meilleur film court au Thai Short Film and Video Festival, Bangkok (Thaïlande) [2020]. Il est le lauréat 2020 du Queer Short Film Fund, octroyé par le Xposed Queer Film Festival Berlin (Allemagne).