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In a faceless apartment in Tatekawa, Tokyo, an American woman hires a Japanese woman to translate interviews about Japan’s declining birthrate. The American woman is presumptuous in her knowledge of Japan; the Japanese woman suffers from a self-professed excess of critical distance. They grate, fight, and crash together in love or lust, at which point their story gets hijacked into science fiction territory, as the translator interrupts their work sessions with stories from a world infected with the knowledge of its own demise. This neighborhood has already known devastation, having been wiped out the night of 9 March 1945 by American bombs. The third protagonist is the Tatekawa itself, the canal covered by an elevated highway that runs past the translator’s apartment, which gives the neighborhood its name. Reflecting back the concrete world in distorted patterns of blue, green, or glittering black, the Tatekawa transports a shifting procession of birds, shoes, condoms, crabs, plastic bags, flowers, big fish, little fish, death, life.

Shelly Silver is a New York based artist working with the still and moving image. Her work explores contested territories between public and private, narrative and documentary, and--increasingly in recent years--the watcher and the watched. She has exhibited worldwide, including at the Museum of Modern Art in New York, Tate Modern, Centre Georges Pompidou, the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, the Yokohama Museum, the London ICA, and the London, the Singapore, New York, Moscow, and Berlin Film Festivals. Silver has received fellowships and grants from organizations such as the John Simon Guggenheim Foundation, the NEA, NYSCA, NYFA, the Jerome Foundation, the Japan Foundation and Anonymous was a Woman. Her films have been broadcast by BBC/England, PBS/USA, Arte/Germany, France, Planete/Europe, RTE/Ireland, SWR/Germany, and Atenor/Spain, among others, and she has been a fellow at the DAAD Artists Program in Berlin, the Japan/US Artist Program in Tokyo, Cité des Arts in Paris, and at the Lower Manhattan Cultural Council. Silver is Associate Professor and Director of Moving Image, Visual Arts Program, School of the Arts, Columbia University.

Une jeune femme entreprend de photographier des moments d'intimité dans l'espace public. Elle se ballade dans les rues de New York City et depuis que les relations sociales ont dérivé sur Internet, elle commence à approcher les gens sur un site internet de rencontre et elle écrit : "Je cherche des gens qui aimeraient être photographiés en public, et révéler quelque chose d'eux-mêmes..."

Shelly Silver vit et travaille à New York. Elle utilise la vidéo, le film et la photographie, pour une ?uvre qui comprend plusieurs sujets et registres. Elle explore les multiples relations qui nous connectent et nous restreignent, les chemins tortueux du plaisir et du désir, les histoires qui sont racontées à notre sujet, ou que nous nous racontons à nous-mêmes. Son travail a été montré aux Etats-Unis, en Europe, en Asie, notamment au MoMa, New York, au musée d?art contemporain de Los Angeles, au centre George Pompidou, au Musée de Kyoto, à l?ICA, Londres, au festival du fil de Singapour. Shelly Silver a gagné de nombreux prix, au festival international du documentaire à Leipzig, à l?Australian International Film and Video Festival, au Houston International Film Festival. Elle a reçu plusieurs bourse et récompenses, incluant le National Endowment for the Arts, le DAAD, le New York State Council on the Arts, la New York Foundation for the Arts, la Jerome Foundation, la Japan Foundation, et l?Anonymous Was a Woman Foundation. Shelly Silver enseigne à la Cooper Union et à la School of Visual Arts.

Garden of No Return is a new hand-tracked VR experience by Sim Chi Yin and Dan Archer which chronicles the depletion of sand from Vietnam’s Mekong Delta and across Asia. The world is running out of sand. The insatiable demand for this non-renewable resource has led to large-scale environmental impact driven by rapid urbanisation and land reclamation. In Vietnam’s Mekong Delta, land about the size of a football field is melting away into the river every day. For local residents, the land snaps off suddenly, sometimes in the dark of night, and robs them of their homes, shops and ancestral shrines. This work weaves together lullabies, laments, and poetry narrated by Vietnamese writer Kh?i ??n to speak about the erosion of both memory and site as the consequence of large-scale global sand mining. It combines reconstructed 3D terrain using photogrammetry and filmed sequences to allude to communal losses and extreme precarity in the global business flows of sand mining. It brings viewers to the site of the landslides and see, hear, and feel firsthand the landscape of the Mekong Delta where large-scale erosion is taking place, and convey the human cost of sand mining in a visceral and experiential manner.

Sim Chi Yin (b. 1978, Singapore) is an artist whose research-based practice uses artistic and archival interventions to contest and complicate historiographies and colonial narratives. She works across photography, film, installation, performance and book-making. She is participating in the 60th Venice Biennale (2024) and has exhibited at the Gropius Bau, Berlin (2023); the Barbican, London (2023); Harvard Art Museums, Boston, USA (2021); Les Rencontres d’Arles, France (2021); Nobel Peace Museum, Oslo (2017), Arko Art Centre, Seoul (2016); Zilberman Gallery Berlin (2021); Hanart TZ Gallery, Hong Kong (2019). She has also participated in the Istanbul Biennale (2022, 2017) and the Guangzhou Image Triennial ( 2021). Her work is in the collections of Harvard Art Museums, The J. Paul Getty Museum, M+ Hong Kong, Singapore Art Museum, and the National Museum Singapore. She was an artist fellow in the Whitney Museum’s Independent Study Program (2022-3) and is completing a PhD at King’s College London. Dan Archer is a creative technologist, computer scientist and immersive storyteller who co-founded Empathetic Media, an XR production studio, in 2014. EM leverages augmented, mixed and virtual reality to foster stronger connections and perspective-taking between the subjects in its stories and its audiences. A leading thinker and practitioner in the immersive space, Archer has researched and written about the link between empathy, impact and immersive story-telling. He was a 2016 fellow at the Tow Center at Columbia University, a Reynolds Journalism Institute Fellow (University of Missouri, 2014) and a Knight Journalism Fellow at Stanford University (2011). He is currently completing a PhD at UCL focusing on evaluating embodiment and performance using biological signals in virtual reality environments, and exploring persuasive immersive technologies as a researcher at the Hong Kong Polytechnic University.

Sous la forme d'une conversation épistolaire filmée, deux jeunes réalisatrices discutent de cinéma, de leur famille présente et passée, d'héritage et de maternité. Ces réflexions personnelles et profondes - qui s'incarnent dans des images subtiles et élégantes, filmées au quotidien - trouvent soudain un écho dans l'urgence politique d'un pays.

Carla Simón (née en 1986) a grandi dans un petit village catalan. Elle a étudié la communication audiovisuelle à l'Université autonome de Barcelone (Espagne) et à la University of California, Berkeley (USA). En 2011, elle a obtenu une bourse pour suivre un Master à la London Film School (Royaume-Uni), où elle a réalisé "Born Positive", "Lipstcik" et "Those Little Things", tous sélectionnés dans plusieurs festivals internationaux. Son film court le plus personnel, "Llacunes", a été réalisé à partir des lettres de sa mère. "Summer 1993", son premier film autobiographique, raconte l'histoire d'une fillette de 6 ans, qui vient de perdre sa mère et doit déménager à la campagne avec sa nouvelle famille. Il a été présenté en première à la Berlinale, Berlin (Allemagne) [2017], où il a remporté le Prix du meilleur premier film et le Grand Prix du jury Generation Kplus. Il a récolté plus de 30 prix dans le monde entier, a représenté l'Espagne aux Oscars, a été nommé aux EFA – European Film Awards, et a remporté 3 Goyas. Carla Simón a également été récompensée par le Prix Jeunes Talents Women in Motion au Festival de Cannes (France) [2018]. "Alcarràs", son deuxième long métrage, est en développement, dans le cadre du Torino Film Lab, Turin (Italie), où il a remporté le prix CNC; de la Résidence du Festival de Cannes, Paris (France); et du Nipkow Programm, Berlin (Allemagne). Dominga Sotomayor a commencé sa carrière audiovisuelle au début des années 2000, en expérimentant avec la vidéo et le film court. Diplômée en direction audiovisuelle à la Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago (Chile), elle a co-fondé la société de production Cinestación, Santiago (Chile), dont elle est aujourd'hui directrice et productrice exécutive. Elle a présenté ses films en première mondiale dans des festivals tels que la Berlinale, Berlin (Allemagne); le Festival de Cannes (France); le Festival international du Film de Rotterdam (Pays-Bas); le Festival internacional de Cine de Valdivia (Chili); et à Sundance, Park City et Salt Lake City (USA). Elle a fait ses débuts dans le long métrage avec "De Jueves A Domingo" (2012), qui a remporté le Prix du meilleur film au Festival internacional de Cine de Valdivia (Chili). Après son Master en réalisation de films à la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya, Barcelone (Espagne), elle a co-réalisé "La Isla" avec Katarzyna Klimkiewicz, et a présenté "El Mar" (2014), son deuxième long métrage, en coproduction avec l'Argentine. Elle est entrée dans l'histoire au Festival international du film de Locarno (Suisse) en 2018, en devenant la première femme à remporter le Léopard d'or de la meilleure réalisation pour son film "Tarde Para Morir Joven" ("Too Late to Die Young ", 2018). Elle a également remporté un Tiger Award au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas), et le Film Critics Circle Award (Pays-Bas).

In the film 5 people from diverse backgrounds and gender identities are sharing their experience of love and sex, from avoidance of intimacy, commitment phobia, to addictive behaviours. Together with a composer and a choreographer, through movement, conversations and musical improvisation they explore vulnerabilities and celebrate diversities.

Simona Žemaityt? (1984) is a Lithuanian artist-filmmaker. She holds a practice-based PhD in arts from Vilnius Academy of Arts. Selected festivals and exhibitions: Oberhausen Short Film Festival, Kaunas Biennial (Kaunas), National Gallery of Art (Lithuania), gallery "Meno Parkas" (Kaunas), gallery "Centrala" (Birmingham), gallery "Kasa" (Istanbul), gallery "Galata Perform" (Istanbul), Contemporary Art Center (Vilnius), etc.

OPERATION SPRING est un thriller documentaire portant sur une enquête de police et les poursuites judiciaires menées à l'encontre d'africains soupçonnés d'appartenance à un réseau de drogues nigérian. De nouvelles lois ont été mises en oeuvre et de nouvelles méthodes d'investigation mises à l'épreuve pour la première fois. Le film pose la question de savoir si les accusés avaient réellement une chance d'obtenir un procès équitable.

BIOGRAPHIE D'ANGELIKA SCHUSTER ETUDES 1997 - Master en sinologie, Université de Vienne et Fudan-University/Shanghai, 1992-1999 - travaille au profit de programmes d'assistance aux jeunes (assistance sociale); interprète pour une ONG Chinoise PLUSIEURS SEMINAIRES DE FILMS DEPUIS 1998 BIOGRAPHIE DE TRISTAN SINDELGRUBER ETUDES - diplôme d'enseignement (histoire et allemand) à l"IUFM" de Vienne. - travaux de journaliste, enseignante, technicienne... - fonde la troupe "Schnittpunkt - Sindelgruber Tristan, Film- & Multimediaproduktion" en 1998.

Novelist Bhibhutibhushan Bandhopadhyay wrote "Ashani Sanket" on, The Bengal Famine of 1943. Satyajit Ray recreated it in a film of the same name. Amartya Sen`s Entitlement theory, estimates three million died in this tragedy. Hidden beneath the plethora of Images and sounds are layers of parallel existences. While humans perceive reality as singular, this work tries to unfold parallel universes.

Akshay Raj Singh Rathore sees art as an escalier to Truth. He climbs the steps of Anthropology, Sociology and Botany, while metamorphosing his Cultural identity.

Une nuit, dans les tranchées, lors de la guerre civile espagnole, Joan Brossa entendit une voix appeler son nom. Il ne vit personne et marcha vers l'endroit où il lui semblait avoir perçu le son d'une voix. Un moment plus tard, un coquillage tomba sur le sol, là où il se tenait. Depuis cet instant, Brossa voudrait être un poète. Après la guerre, Barcelone était un "désert d?espoir", selon le philosophe Arnau Puig. La dictature de Franco avait mis fin a toute liberté. Plus aucun espoir n?était possible. Mais Brossa et ses amis, Antoni Tàpies, Modesto Cuixart, Ponç et Arnau Puig ont fondé un groupe qu?ils ont appelé Dau al Set : Le sept du dé. Bien sûr, on ne peut jamais tirer un sept aux dés, mais c?est ce qu?ils voulaient, dans toute la témérité de leur jeunesse : l?impossible. Ils créèrent un magazine, ils tinrent des discussion sur Nietzsche, ils écoutaient Tristan et Iseult de Wagner et passèrent des jours inoubliables dans une vieille maison qui appartenait à un de leurs amis, Lluis Riera. Le chemin qu'ils avaient parcouru jusqu'ici les mena dans une petite station au pied des montagnes, où ils décidèrent de faire un film. En 1948, Brossa en écrivit le script. Il adorait les films, il les trouvaient magiques cependant il ne savait rien de la pratique filmique. Lluis Riera allait devenir réalisateur et ses amis allaient jouer les rôles. Mais le film ne fut jamais fait et le script réapparut 50 ans plus tard pour marquer le 100e anniversaire du cinéma dans un livre nommé Anthologie du Cinéma Invisible par Christian Janicot. Brossa était convaincu que tout pouvait prendre une forme différente. La lettre A devient la tête d'une chèvre si vous la mettez à l?envers. La transformation des choses le fascina tout au long de sa vie. C?est pourquoi il aimait la présidentialisation tout comme le cinéma. Pour lui, l?illusion qu'offrait l?art était une condition nécessaire à la vie. Joan Brossa est mort en 1998, après être tombé dans les escaliers de son studio. Ses amis parlent toujours de lui avec amour et admiration. Le documentaire "Brossa" n?est pas un portrait de l?artiste, mais essaie d?examiner sous tous les angles les sujets qui sont la raison pour laquelle le monde change toujours un peu.

Digna Sinke est né en 1949 en Zonemaire en Zélande. Entre 1968 et 1972 elle étudie à l?Académie des Pays-Bas du film et de la télévision à Amsterdam. Elle créé en tant que projet final SALUTATIONS DE ZONNEMAIRE (Groeten uit Zonnemaire), un court métrage où elle est à la fois écrivain et directrice. En 1973, elle fait deux documentaire courts, BORDS DE VILLE (Stadrand), qu?elle dirige et édite en coopération avec Pieter de Vos et Peter Jansaï. Deux ans plus tard, c?est LES FRERES HELLE ( De Gebroeders Helle), qu?elle écrit et dirige, un court métrage sur lequel elle a travaillé avec Cor van Rijn, Hidde Maas, Jeanne Verstraete et Loes Vos. Le deuxième court métrage est RADIO REVE (De Radio-froom), qui fut dirigé pas Filip Jansen et où elle est co-auteur. En 77, elle participe à RIEN NE SE PASSE (Er gebeurt helemaal niets) dirigé par Ernie Damen, un documentaire qu?elle édite, suivit deux ans plus tards de UN VAN GOGH AU MUR (Een Van Gogh aan de muur), un documentaire de 50 minutes qu?elle écrit et dirige et qui est diffusé par NOS. Ce film participera en tant de candidat des Pays-Bas au Prix Italia 78. La même année, BAL-LET A QUOI CA SERT ? (Bal-let, waarvoor dient dat?-), film commissionné de 38 minutes qu?elle écrit et dirige reçoit le prix de Qualité Italien. En 79, elle écrit et dirige CARRY VAN BRUGGEN, un film de 40 minutes, documentaire sur l?auteur néerlandaise éponyme, diffusé à nouveau par NOS. Elle fera aussi LES ARCHIVES (Het Archief) que dirige Kees Hin. Il s?en suivra Donna en 80 dirigé par Yvonne Scholten, De Hoop van het Vaderland en 82, documentaire de 90 min qu?elle écrit dirige et édite mais qui est diffusé pas Kunstkanaal, LE PACIFIQUE SILENCIEUX (De Stille Ocean)qui fera de la sélection du festival du film de Berlin en 84. En 85, elle réalisé et écrit LA NOUVELLE VAGUE (De niewe golf) qui est un documentaire de 105 minutes sur la musique d?avant garde au Pays-Bas et diffusé par VPO. Elle réalise en 88 LA LETTRE (De Brief), un projet vidéo avec les étudiants de l?école de la performance des arts d?Amsterdam. Deux ans plus tard, RIEN NE DURE ETERNELLEMENT (Niets voor de eeuwigheid), un documentaire sur l?archéologie industrielle est diffusé par NOS, elle en est l?écrivain et l?éditrice. La même année, c?est AU REVOIR (Afscheid), un court métrage expérimental qu?elle dirige et monte. En 92, AU DESSUS DES MONTAGNES, en 93, BELLE VAN ZUYLEN/MANDAME DE CHARRIERE (primé au Filmfestival Mannheim/Heidelberg 1994) puis AVANTI (Voorwaarts), en 96, TIENGEMETEN, A TEMPORARY REPORT (Tiengemeten, een voorlopig verslag) en 98, SPACE TO THINK (Lucht om na te denken) en 2001 TIENGEMETEN PART ONE (Tiengemeten deel 1), En 2003, elle créé le site internet de l?ile de Tiengemeten puis en 2004 revient au cinéma avec HOPE & EXPECTATIONS (Hoop & Verwachting) l?année dernière avec BROSA, le documentaire qu?elle a écrit et réalisé.

A quay with massive silos. Slowly, a huge bulk carrier berths to unload its cargo of soy beans. A woman’s voice says this could be the opening scene of a feature film in which photographer Lea has been commissioned to record the energy transition in the docks area of Amsterdam. We never get to see Lea, we just hear her voice, which is also the voice of the filmmaker. The filmmaker also reads out fragments of the film script, tries to find the images that will suit the feature film. On the principle that every transition is also a personal transition, two story lines are interwoven. On the one hand we see the docks area and the changes taking place there. On the other hand the film follows Lea, looking for the highest vantage point in the industrial area to find a new perspective. Growing older, she must begin to relate to the world anew, but also to herself. And come to terms with what hasn't gone right in her life. All she can do is embrace the chaos, with friendship and connection as consolation. There is no final goal, there will always be a longing.

Digna Sinke (Zonnemaire, 1949) graduated from the Dutch Film Academy in 1972 as writer/director of fiction films and documentaries. Her first long feature film De Stille Oceaan was selected for competition of the Berlinale 1984. In 2010 she completed her long term documentary project Wistful Wilderness (Nature & Nostalgie) about the transition of a small agricultural island into ‘wild’ nature. After the tone, a hybrid feature film, was selected for IFFR 2014. And her documentary Keeping & Saving or how to live ended up in the 4th place of the audience rating of IFFR 2018. Hemelsleutel (Key to Heaven) premiered at IFFR 2025. As a producer, she was involved in Kala azar by Janis Rafa (Tiger Competition IFFR 2020), and documentaries like Tanzania Transit (2018) by Jeroen van Velzen (Tribeca 2012). In 2023, she received the Golden Calf for film culture. Viennale 2025 devoted a major retrospective to her.

Le poème épique du Tasse, "La Jérusalem délivrée" (1582), a influencé pendant plus de trois siècles les représentations de l’amour dans les arts en Europe. "Madrigal" nous fait découvrir trois oeuvres éblouissantes d’Annibale Carracci, Nicolas Poussin et Giambattista Tiepolo interprétant l’épisode de la relation amoureuse entre le chevalier Renaud et la magicienne Armide. L’oeil de la caméra caresse la surface sensuelle de la peinture guidé par la réflexion de l’historien de l’art Giovanni Careri sur les pouvoirs de l`image et sur ceux de l’amour.

Thomas Sipp réalise des films documentaires et des documentaires sonores. Il vit à Paris et à Toulouse, où il enseigne le cinéma et la vidéo à l’Ecole des beaux-arts. Il a réalisé de nombreux films documentaires diffusés sur les télévisions françaises et étrangères (France 3, Arte, Canal +, RTBF, TSR, Sky UK, TVE, Movistar, Avro, SVT1) et sur Internet (Radio France, Condé Nast et Arte Creative). Ses films ont été sélectionnés et primés dans de nombreux festivals (Festival du Réel à Paris, Visions du Réel à Nyons, Pariscience, DocScient Roma) ainsi qu’à la XXXème Biennale de São Paulo, au MAC de Marseille, au Musée Berardo de Lisbonne, etc. Il a collaboré régulièrement à l’émission de documentaires sonores « Surpris par la nuit » de Alain Veinstein sur France Culture. Il est notamment l’auteur des films ACD (1997), Hotel Humboldt (1999), Madame B. (2004), Les champignons pourront-ils sauver le monde ? (2012, co-réalisation) et des séries Sacrés Caractères ! (2014) et Safari Typo ! (2016).

Making Shadows Speak (2025) is a 14:59-minute video essay tracing the afterlives of empire through shifting landscapes and silent witnesses. It weaves together ruins, bones, and the faint gestures of the living, meditating on how memory endures beyond the limits of speech—across species, time, and decay. The parrot’s quiet presence bridges these distances, resonating with other vanished lives and the echoes of power that once shaped them. As it moves through sites once marked by extraction and fragility, the film listens to what remains, allowing shadows themselves to speak of what endures.

Wantanee Siripattananuntakul is a multidisciplinary artist whose practice encompasses video, installation, and text, exploring memory, elusive presences, and shifting political terrains. Working between Bangkok and international residencies, her work reflects on the quiet forces that shape how we remember, witness, and endure. She has represented Thailand at the 53rd Venice Biennale (2009) and participated in significant exhibitions, including the Thailand Biennale (2023), Tokyo Biennale (2023), Anyang Public Art Project (2023), BIENALSUR (2021), and Bangkok Art Biennale (2022). Her works have been exhibited at Frieze London (2023), The Jim Thompson Art Centre, the Osage Foundation, and Galeria Presença. She is currently an artist-in-residence at Cemeti Institute for Art and Society in Yogyakarta, Indonesia, and will join Civitella Ranieri in Italy in 2026.

Lost in time and translation, images transport us on a journey behind the modernist façade of Beirut?s electricity building. The images shot on Super 8 are accompanied by droning noises reminiscent of the experimental, electronic sounds of the 1950s and 60s.

Une oeuvre basée sur le concept de la théorie quantique comme décrite par David Bohm. La vidéo consiste en une photo totalement fixe d?un parking vide. Une lampe à vapeur de sodium centrée éclaire le paysage nocturne. 28 balles rouges rebondissent dans un ordre chaotique. Chaque balle représente une entité individuelle qui rebondit à son propre rythme. Au milieu de la vidéo, les balles s?alignent en une couverture harmonieuse. Inspirant et expirant à une fréquence identique, elles atteignent le point où elles rebondissent en même temps et retournent au chaos.

Elevé à Barcelone, en Espagne, Sisto est diplômé d?un BFA en arts au Center College of Design en Californie. Il commence à travailler comme artiste en effets spéciaux freelance avant de signer avec Satellite Film pour des représentations musiques et vidéos jusqu?à sa fermeture en 2001. Son court métrage OCEANO (2002) fut projeté dans des festivals dans le monde entier et a remporté de nombreux prix avant de débuter sur TVE en Espagne. En 2004, il a fondé Swift Gallery, un espace d?exposition non-lucratif dirigé par des artistes pour de l?art provocateur et basé à Los Angeles. Ses propres vidéos et installations furent exposées dans aussi bien dans tout Los Angeles que dans le monde entier.

The Troubled Bear and the Palace. 11 minuets. Walid Siti 2019. At the 7,000 ft peak of the Gara mountains in Kurdistan of Iraq, the remains of Saddam's palace, built in 1989, still stand. 29 years later, in March of 2018, two caged bears were escorted by a group of local media and Kurdish women forces to be ceremoniously freed at the helipad adjacent to the palace. Having lived dependently and in captivity throughout its life, the bears struggled to survive in the wild. One vanished whilst the other was at the mercy of the personnel that guard the telecommunication towers erected at the palace. The surreal juxtaposition of the stressed bear and the dilapidated palace, set amongst the magnificent mountains, encapsulates the tragedy of the people of this land throughout history, from the time of Gilgamesh to the present.

Walid Siti (b. 1954, Duhok, Kurdistan-Iraq). After graduating in 1976 from the Institute of Fine arts in Baghdad, Siti left Iraq to continue his arts education in Ljubljana, Slovenia before seeking political asylum in the UK in 1984 where he now lives and works. The work of Walid Siti traverses a complex terrain of memory and loss, in a world, which for him has been a place of constant change. The narrative of Siti’s experience, of a life lived far from but still deeply emotionally connected to the place of one’s birth, is one he shares with many exiles.

The mayor of Or Yehuda changed the face of the city by introducing new, uniquely aesthetic roundabouts : Tacky, Las Vegas hotel courtyards meet life-size recreations of country life. It`s a sight you simply couldn?t miss. Filming the squares at night shows off the roundabouts? elaborate lighting design, inviting an expressive soundtrack. All this against the backdrop of Or Yehuda night life ? joyriders encircling the roundabouts pumping out music, similar to a mating ritual in nature. The roundabouts give Or Yehuda a new, bold front in the face its residents harsh day-to-day life; as though the city underwent plastic surgery, crass yet at the same time revitalizing.

Avishai Sivan (1977, Israel) is a filmmaker, visual artist and published author. Sivan?s first feature film, "The Wanderer", premiered at Cannes Film Festival 2010, in the Directors? Fortnight section. The film won Best First Feature Film and Best Cinematography at the Jerusalem Film Festival 2010. His second film Visa, won Best Independent Feature Film at the Cinema South Festival 2013. Sivan?s documentary film, "Soap Opera of a Frozen Filmmaker", a seven-part video diary, won Best Experimental Film at the Jerusalem Film Festival, 2007. In 2010, Sivan received the Israel Ministry of Culture?s Cinema Prize. His first book, "Musings on Filmmaking whilst Cycling through the City", was published in 2011. Sivan is currently completing his second novel "Crook", and is in the process of shooting his third feature film "Tikkun", winner of Torino Film Lab Production Award. This film is made the additional support of The Jerusalem Film Fund and the Rabinovich Film Fund Cinema Project. Sivan also exhibits artwork in galleries in Israel and London.

Goebbels? Pupils Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Sumugan Sivanesan Son de Durán Vázquez

Sumugan Sivanesan vit à Sydney, Australie. Ayant joué dans divers groupes de rock au début des années 1990, il s'intéresse à la musique expérimentale et aux arts électroniques à travers son association aux nouveaux médias et à la vidéo numérique. Ses oeuvres vidéo/audio ont été présentées dans le monde entier lors de divers festivals internationaux, notamment le International Symposium for Electronic Art (ISEA), à Nagoya, Japon, en 2002.

?..text..map..? est une carte interactive (texte/image). La carte construite de manière dynamique explore quelques-unes unes des expressions spatiales, des signes et des symboles sur d?Internet dans un contexte de lieu et d?espace. Le code en perl/cgi utilise des principes génératifs et géométriques. L?interaction est dynamique et en temps réel.

Eva Sjuve, artiste et conservatrice, explore le spectre transdisciplinaire des arts médias avec le son, le spectacle et les évènements dans l?espace publique. Elle construit des interfaces pour des procédés radios en temps réels et d?autres interfaces mobiles. Elle détient un Master de l?Interactive Telecommunication Program de l?université de New York et un autre de l?université de Lund en Suède. Eva Sjuve a aussi étudié au Centre de Création Musicale de Iannis Xenakis, CCMIX à Paris et à la School of Visual Arts dans la ville de New York. Elle a fait des expositions à divers des endroits comme le Australian Centre Of Comtemporary Art en Australie, le Kiasma Museum of Contemporary Art à Helsinki en Finlande mais aussi l?European Media Arts Festival allemand. L?artiste est aussi venue exposer au Centre d?Art Contemporain de Basse Normandie en France et est allée au CAEIT et le California Institute of the Arts aux Etats-Unis. Eva Sjuve a reçue beaucoup de récompenses et en 2000, elle s?est vue décernée le Honorary Award au CYNETart 2000 à Dresde en Allemagne pour sa composition audio ?Astro Turf? qui explore les espaces de l?auditoire.

A python slithers and curls over the abandoned control room of Chernobyl’s sister, the Ignalina Nuclear Power Plant, its radioactive core an unleashed monster that will slither through time for a million years. From Etruscan ruins and sunken cities to the most modern of underground repositories, director Emilija Škarnulyt? follows our attempts to bury the immortal. Addressing the epochal effects of nuclear technology on all levels, Burial follows the cycle of power, an eternal return, another serpent eating its tail.

Emilija Škarnulyt? (b. Vilnius, Lithuania 1987) is an artist and filmmaker. Working between documentary and the imaginary, Škarnulyt? makes films and immersive installations exploring deep time and invisible structures, from the cosmic and geologic to the ecological and political. Winner of the 2019 Future Generation Art Prize, Škarnulyt? represented Lithuania at the XXII Triennale di Milano. Recent solo exhibitions include Tate Modern (2021), Kunsthaus Pasquart (2021), and the National Gallery in Vilnius (2021). Her films are in the IFA, Kadist Foundation and Centre Pompidou collections and have been screened at the Serpentine Gallery, The Museum of Modern Art, New York, and numerous film festivals. She is a founder and co-director of Polar Film Lab, and a member of artist duo New Mineral Collective.

La teinte pourpre bleuté qui recouvre l'image est le résultat d'un défaut de fabrication de la série de smartphones HTC One. Fabriqué par une entreprise taïwanaise, ce téléphone retourne là d'où il vient. De petits changements dans le système le mettent face à une toute nouvelle présence. La caméra se déplace à travers les espaces, passant de l'un à l'autre comme si elle essayait d'entrer en contact avec son environnement. Mais, accompagnées d’un paysage sonore actif, les images déformées de l'environnement créent un nouvel espace, ouvert à l'imagination.

Ieva Kotryna Skirmantaite (née à Vilnius (Lituanie), en 1994) est artiste audiovisuelle. Elle vit actuellement à Paris. Après avoir travaillé pendant quelques années dans l'industrie du cinéma en Lituanie, elle a obtenu, en 2019, une Licence de cinéma à l'Université Paris 8 (France). En 2019, elle a également été acceptée dans un Master à l'École universitaire de recherche ArTeC, Paris (France). En ce moment, elle développe sa recherche audiovisuelle sur les dolines. En dehors de ses projets personnels, elle collabore souvent avec d'autres artistes sur leurs œuvres.

How post-contemporary critique of post-truth post-index post-everything could look or sound like? What tools are available when language renders meaning sense-less? Do You Speak Peking Opera? is an enquiry in the state of pre-emptive post-contemporaneity, open ended, delivered to you by artificial intelligence, provoking genuine physical reaction.

Natalia Skobeeva is an internationally recognised award winning artist, based in Deptford, whose hybrid experimental practice explores ideas of transnational and multicultural existence in the post-truth society. She is a graduate of MA Fine Art, Royal College of Art, London, UK Solo shows include ” This Territory is Time ” Espronceda Art Centre, Barcelona, “ Horrors of Archiving ” in Objectief Exhibitions, Antwerp, “ Carpets in St Petersburg, former Leningrad, former St Petersburg”in the State Museum of Political History of Russia, St Petersburg, Camera Club London and Viewfinder gallery London, solo projects in Moscow, Istanbul, Brussels, Berlin and London. Recent group exhibitions include Manifesta 11, LOOP festival Barcelona 2017, Tenderflix 2016, Bristol Biennale 2016, Vision in the nunnery 2016, 4th Moscow Biennale of Contemporary art, 15th WRO Media Art Biennale, Miden 2013 Festival of Video art, Retrospective of Now&After Video art festival among others.

Les récits épiques du Far West hollywoodien ont inspiré un univers de jeu de rôle aliénant, quelque part dans la forêt sauvage suédoise à notre époque. Ici, un grand groupe de personnes éprises de liberté, vêtues de bottes de cow-boy et de chapeaux Stetson, se réunissent pour reconstituer un passé qui n'a jamais été le leur. La fiction et la réalité se rencontrent dans "Rendezvous", mais seulement devant la caméra. Les participants habitent collectivement leur simulation, et, tant qu'ils peuvent la maintenir ensemble, ils peuvent la vivre en toute sécurité. Il s'agit d'échapper au monde moderne, à sa technologie et à sa morale, pour retrouver une vie authentique, centrée sur l’essentiel. Que cette vie puisse être exprimée par la fiction est le paradoxe qu'Ernst Skoog interroge, notamment au travers d’un esthétique granuleuse proche du found footage. "Rendezvous" est tourné en Digital Video - un format déjà désuet – ce qui ajoute une distance temporelle désorientante entre les images et ce qu'elles représentent. Une antithèse de l'Hollywood dont s’inspire leur monde.

Ernst Skoog est né en 1991 à Kvidinge (Suède). Il vit et travaille actuellement à Francfort-sur-le-Main (Allemagne). Il a obtenu un diplôme au Royal Institute of Art, Stockholm (Suède) en 2020. Travaillant à la fois comme artiste et réalisateur, il centre son travail sur les images en mouvement. Dans son travail, il étudie et s’approprie les chevauchements entre la réalité, la mémoire et la fiction, et explore les perceptions et les nuances qu’elles contiennent. "Rendezvous" est son premier film en tant que réalisateur. Il a été nommé pour le prix Next:Wave, Guangzhou (Chine), et a été présenté en première au CPH:DOX, Copenhague (Danemark) en 2020.