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Critique de Stryofoam Villians à Chris?s Art Farm. Par Graeme Roger & Kevin Reid.Alors qu?ils ont des projets de résidence à Memphis et New York en 2004, ROGER & REID ont pris l?habitude d?ouvrir leur chemin dans le monde des libres à coup de canon à patate haute puissance. Dans cette ?uvre, ils détruisent des méchants crées par des étudiants de la Memphis School of Art.Ils s?entraînèrent davantage au tir sur cible au Musée d´art Moderne PS1 de New York, où le groupe de rock The Prairie Oysters, formé pour l?occasion, joua à la gloire de la panse de brebis farcie et de la gelée, accompagnés par le dieu du Rock ?Justice?

Graeme Roger & Kevin Reid ont étudié au Duncan of Jordanstone College of Art de Dundee, Ecosse, & ont travaillé en groupe depuis 2002. Ils ont exposé leurs ?uvres en Europe et aux Etats-Unis.

Synopsis Dans l`espace clos d`un jardin normand, on observe de très près un monde végétal et animal. Les gestes de la cinéaste-jardinière sont précis: elle plante et déplace les végétaux, égraine, protège. Elle soigne aussi régulièrement son oeil malade. Le territoire quotidien devient un jardin hanté : par un ailleurs (Le Chili) et un passé (la dictature) qui insistent, une atmosphère de catastrophe rodant autour, insinuant son inquiétude dans l`intime le plus apparemment protégé. Gestes de soin, aux plantes et à soi, pour panser des plaies qui restent mystérieuses, que l`on devine partagée avec l`autre, l`amie qui passe comme un fantôme, le temps d`un double portrait. On ne saura rien de l`origine du désir mais il sera présent dans les fleurs de courge et de gunnera, de rose et d`artichaut.

Note biographique rédigée Sophie Roger réalise depuis de nombreuses années une oeuvre libre et singulière, hors des feux de l`actualité et du commerce parisiens. Dessins ou films, son oeuvre s`ancre dans son territoire le plus familier, ce coin du Pays-de-Caux, au nord de son Havre natal, où elle vit et travaille à la campagne, non loin de la falaise. Depuis ce territoire intime, son travail ne cesse d`interroger l`ailleurs, la relation à l`autre, quel qu`il soit : amis, voisins, peuples lointains, habitants du passé, malades d`aujourd`hui. En 2010, son film Les Jardiniers du Petit Paris (en lisant Tristes tropiques, de Claude Lévi- Strauss) est une des révélations du Festival International du Documentaire de Marseille. De derrière sa fenêtre, Sophie filme ses voisins cultivant un potager collectif au fil des saisons, tout en lisant des passages de Tristes tropiques, quittant régulièrement son poste d`observation pour entrer dans le champ, rencontrer ses voisins, leur demander de poser pour de magnifiques portraits filmés. La rigueur et la simplicité du dispositif filmique produit la plus émouvante et universelle des pensées : qu`est-ce qu`un voisin ? Qu`est-ce que le proche, qu`est-ce que le lointain ? En 2011, Sophie Roger réalise le bouleversant Contre-Jour, dans le cadre d`une résidence dans un hôpital de sa région, avec des malades du sida. Là aussi, elle sait trouver le dispositif juste pour recueillir les récits de vie et instaurer un échange avec des patients qui acceptent de se confier tout en voulant rester anonymes. Le Point Aveugle prolonge ces deux films, en renouant plus précisément avec les questionnements des Jardiniers du Petit Paris. En resserrant le point de vue : il s`agit de son jardin, de ses plantes et de sa maison, filmés comme le lieu intime d`où une pensée du monde est possible. Ses films sont des essais, dans la haute tradition de Montaigne : Sophie se met à l`essai, essaie de se penser, elle face au monde, elle en rapport à l`autre, à l`opposé de toute forme de narcissisme ou de complaisance. Si elle se met en scène, c`est sur un mode burlesque ou inquiet, toujours à distance, avec rigueur et un grand sens de l`auto-dérision. Extrait d`une note de production écrite par Cyril Neyrat

On connait cet art du détour que Sophie Roger pratique pour nous mener par des chemins inattendus avec l’amitié comme fil, déplié avec Le point aveugle (fiD 2012) ou Les Jardiniers du petit Paris (fiD 2010). ici ce sera, tissée tout en délicatesse à l’écran, l’amitié avec Mohamed, réfugié soudanais au Havre. faite de partage, d’attention, d’écoute et de rire, et de vagues en vagues, celles du texte éponyme de Virginia Woolf qu’elle lui lit, à celle de Courbet au musée du Havre, qu’il animera de son regard. (NF)

Surviving in China DVD 19 min, 2007 Ich lerne seit nunmehr 4 Jahren chinesisch. Seit gutem einem Jahr mache ich für eine italienische Firma Modefotos und Videos in China. In meiner Freizeit versuche ich das Leben dort zu meistern. Dafür habe ich eine Strategie entwickelt: Videominiaturen, in denen ich jeweils unterschiedliche Rollen übernehme. Es sind Situationen, die mir als Frau aus dem Westen fremd sind. Die Unterschiede zwischen meinem Tun als Darstellerin und Videomacherin, zwischen mir als Subjekt und Objekt, zwischen Bild und Abbild, werden beseitigt. Dieser Vorgang ist eine Anlehnung an die Praxis der Performance-Künstlerinnen der 70er Jahre. Ein Umstand, der mir hilft, meine Auseinandersetzung mit China kritisch und humorvoll zu hinterfragen.

JOYCE ROHRMOSER 1954 Geboren in Mailand, Italien AUSBILDUNG: 1972-74 Studium der Photographie im Istituto Europeo del Design, Mailand, und London College of Printing, London 1982 Doktorat in russischer Literatur und Kunstgeschichte Workshops bei Nan Goldin, Verena von Gagern, Dieter Appelt Lebt als freischaffende Foto- und Videokünstlerin in Salzburg 2006 Beginn der Auseinandersetzung mit der chinesischer Sprache und Kultur. Längere Aufenthalte in China.

TWIXT is the brand new duo-project of Billy Roisz and Dieter Kova?i? a.k.a. dieb13, bringing together their works as film directors and their activities as live musicians. Over the years, the two have directed and produced several experimental short films dealing with classical film genres like western, horror film or road movie. The films explore the inner mechanisms of well established cinematic conventions and turn them into an immediate sensual experience. TWIXT uses re-arranged footage of these short films as a score for a live soundtrack and fuses abstract and concrete imagery and sounds into a synaesthetical and synecstatical media-meltdown.

Billy Roisz and Dieter Kova?i? have been active in Vienna’s electronic, improvised, noise music and experimental film scene since the 1990s. Billy Roisz’s work focuses on the links and gaps between visual and auditive perception, using various electronic instruments, electric bass guitar, cathode ray tube TVs, video projectors, synchronators and sometimes computer to generate sound and image. Dieter Kova?i? aka dieb13, best known for his turntable music activities and as founder of the experimental music platform klingt.org uses turntables, self-cut vinyls and self written software for his musical works in many different fields. His film works include photo films (‘schnitzel’) as well as abstract digital and analogue works. Their collaborative film works have been shown at Berlinale, Karlovary Film Festival, IFF Rotterdam, Hongkong Film Festival, Edinburgh Film Festival and SXSW Texas, a.o.. They performed their audio visual projects live at Bienal São Paulo, Nya Perspektiv (Västeras), 25FPS (Zagreb), BAWAG Foundation (Vienna), FBI (Osaka), Suoni Per Il Popolo (Montreal), Sonic Acts (Amsterdam), Transmediale (Berlin), Sonica (Ljubljana), Unconsciuos Archives Festival (London) a.o..

?Walking through downtown Bogotá it is common to find blood traces, witnesses of the violence that the lives in the city?s party nights, when excesses come next to crime. Border of Panic in the record of a trace left by someone who was injured, who probably ran in panic away from death. I wanted to exorcise those terrible moments going through the same path, slowly and continuously drawing from one blood drop to the other, turning this morbid happening into a plastic event. In the meanwhile I thought that by doing this I synthesized the efforts to reinterpret reality through art, that have oriented my work y the work of many other artists worried by this environment so distant from the utopias of balance and justice. ?

Born in 1946, Rojas made his first works on sexual difference during the eighties, long before the topic was introduced in the international sphere of the arts. Throughout the nineties, the artist left photography and personal themes aside to arrive to more universalizing themes, such as drug trafficking, the third world and uneven concentrations of power, amongst others. The work of Miguel Ángel Rojas, as a whole, has the stamp of an artist that has kept certain distance with the art market, has worked with vast creative independence and has grown to be a decisive referent in the history of Colombian art. Printmaking and photography have been relevant in the process of academic formation that Rojas took at the National State Univesity. Photography is precisely one of the media with which the artist has experimented the most, working with fragmentary enlargements, reductions to minimal scales and partial developments, that cast the referent for his most recognized works: ?Subjetivo,? an installation that recreates the atmosphere of the bathrooms in the ?Faenza Theatre? using sound, printmaking and drawing; and ?Grano / Grain,? an installation made with soils and vegetal coal powders over a floor that has been covered with paper, defined by the artist as both the construction of an urban ground with the dirt and soil of the countryside and a metaphorical expression of displacement. The work of Miguel Ángel Rojas has been extensively shown and acquired by different institutions, among others: The Sao Paulo and Havana Biennials. Museum of Modern Art (New York); Daros-Latinamerica Collection (Zurich) Ludwning Museum; Whitney Museum of American Art (New York); ?La Caixa? (Barcelona).

Family archives around the figure of Lucila. She had Alzheimer`s and was my grandmother. Corruption of the material as the manifestation of a degenerative disease, set in a visual decomposition process based on the destruction of memory. Dismantled and fragmented memories, unified by the soundtrack.

Karina Rojas Sandoval born in 1992, in Santiago, Chile. Bachelor in Audiovisual Communication, Film and Television Degree (2016), by Universidad de Chile. Exhibits and works regularly in video art since 2015. She works mostly in experimental videos and documentaries, where she organizes her work around found footage and the manipulation and intervention of archive materials as a part of her narrative and artistic research. Her work has been selected in Festivals, Exhibitions, Shows and Contests in Chile, Colombia, Finland, Indonesia, Mexico, Portugal, United States and Venezuela. Major and recent exhibits events: ‘Comic Unity’ Exhibition, Flux factory, NY, USA, 2017; 6th Edition of Samples-Mexico: Transvideo: Borderless Image, Mexico-Finland, 2016; 3rd edition Festival Internacional de Video Experimental "Proceso de Error", Valparaiso, Chile, 2016; 12th FONLAD International Videoart & Performance Festival, Coimbra, Portugal, 2016; 2nd edition Festival Video Arte NodoCCS, Caracas, Venezuela, 2016 and 5th Concurso Nacional de Video Arte Universitario (Universitary National Video Art Contest) ‘Visiones del Arte’, Category ‘International Selection’, Mexico City, Mexico. At the last mentioned two she gets the first place with her video ‘Descomposición aleatoria’.

Rien ne survit vraiment ici. Le fond est si profond qu’aucune lumière n’y pénètre jamais. Très peu de bateaux y passent. On ne sait pas quand les chutes auront lieu. Ce documentaire expérimental dresse le portrait d’un objet spatial et sa chute jusqu’aux ténèbres d’un cimetière spatial, une scientifique nous dévoile son attachement pour cet objet et l’absence d’images documentant ce lieu mystérieux. Voyage de Science-Fiction inversé, cet essai mélange archives réelles et fictives pour nous guider, tel un stalker, aux périphéries d’un lieu invisible.

Stéphanie Roland est une artiste visuelle et réalisatrice, basée à Bruxelles. Elle réalise des films et des installations qui explorent, entre le documentaire et l’imaginaire, les structures invisibles du monde occidental, les larges échelles du temps et les hyperobjets. ?Son travail est régulièrement présenté au niveau international, ses projets ont été inclus dans des expositions d'institutions majeures parmi lesquelles la Biennale de Venise, le Centre Pompidou, le musée du Louvre, le musée Benaki, la Biennale internationale d'art de Kampala, l’ISELP et le Wiels, entre autres.

L’expédition antarctique belge (1897-1899) a été un épisode audacieux de l’exploration du continent blanc. Après avoir approché de nouvelles terres et fait de nombreuses découvertes scientifiques, le bateau se retrouve coincé dans les glaces, pendant près de treize mois. Durant cet hivernage forcé, le manque de lumière de la nuit polaire a causé des maladies, des dépressions et même des cas de démences, au sein de l’équipage. "Deception Island" est une oeuvre multidisciplinaire - entre performance, film et installation - qui explore la face invisible d’un mythe de l’exploration belge et développe la narration d’un non-voyage paradoxal. Cet épisode, amputé de l’histoire officielle, est rejoué silencieusement par des acteurs dans le site industriel du "New Belgica", qui est le projet de construction d’un nouveau bateau, réplique à l’identique du "Belgica" (le bateau original de l’expédition s’est échoué dans les fonds marins). A la fois source d’inspiration du projet, espace de performance et décor du film, ce squelette de bateau peut être considéré comme une métaphore de la reconstitution historique, toujours en évolution, fragmentée et incomplète. L’usage exclusif du travelling tout au long du film immerge physiquement le spectateur dans un univers flottant et hypnotique.

Diplômée de l’ENSAV - La Cambre en communication visuelle, Stéphanie Roland (1984, Bruxelles) a également étudié les arts des médias à l’UDK-Universität der Künste, dans la classe d’Hito Steyerl. De nombreux prix et bourses lui ont été attribués, notamment la bourse de la Fondation de la Vocation, le Prix Médiatine (public) et le Full Contact Award du festival international de photographie SCAN de Tarragone. Elle a aussi été nominée pour le Prix HSBC Photographie, le prix Oskar Barnack Leica, Le Grand Prix Images du festival de Vevey et le Salomon Foundation Award. Elle expose régulièrement son travail à un niveau international. D’Amsterdam à Buenos Aires, de Berlin à Los Angeles, ses projets ont été présentés dans des institutions majeures telles que le Musée Benaki, le Botanique, la Biennale Internationale d’Art de Kampala et le Bozar. Breda Photo, Belfast Photo Festival, Manifesto, Encontros da Imagem, MOPLA et Unseen font partie des festivals dédiés à la Photographie auxquels elle a pris part. En 2017, elle est sélectionnée dans l’exposition de groupe du Pavillon de l’Antarctique pour la 57ème Biennale de Venise. Elle y expose son installation vidéo "Deception Island".

For almost 30 years, Michèle Rollin has been filming Berlin as it undergoes metamorphosis. A city symbolizing the innovations, convulsions and European tragedies of the last century, it has undergone unprecedented urban transformation since the fall of the Berlin Wall. Today, the director aims to chronicle these urban upheavals and the memories they erase or transmit, through the protagonists filmed then and now.

Michèle Rollin, born February 28, 1957 in Paris, is a French film director. Trained by Michel Zimbacca, Michèle Rollin worked as an editor with Hubert Knapp, André Voisin, Michel Huillard, Bernard Soulié, Dominique Rabourdin, Michel Vuillermet, Alain Dister, Alain Weiss, Marcel Boudou and Petra Weisenburger. Later, she directed short films. Since 1994, she has devoted herself entirely to documentary filmmaking. Founding member of Ondes sans frontières (OSF) (May 1998), an associative public access channel.

A partir d`images filmées sur les îles de Java et de Bali, ce film vient restituer la sensation et l`abstraction de situations rencontrées au hasard de la route. Il n`y a aucun dialogue ni commentaire. Cette errance cinématographique s`est déroulée sans repérage. Qu`il s`agisse d`un regard caméra qui questionne la présence du spectateur, de l`effort physique d`hommes au travail, d`une cérémonie religieuse agitée. On ne voit que des visages, des corps, des expressions, sans véritablement connaître la situation en jeu. Elle est ici accessoire, elle importe peu. On ne s`intéresse alors qu`à la sensation et au mouvement dans lequel on est entraîné. Sans repère, on erre dans le film et l`on s`accroche au langage des corps, à l`émotion d`une image ou à l`histoire qu`elle peut nous raconter. Nous sommes dans un rêve, une mémoire fragmentée. On se laisse porter par la juxtaposition d`images brutes, sans artifices. Des hommes autour d`un feu, un train la nuit, des femmes qui se maquillent. Les séquences documentaires sont traitées de façon abstraite, sans visée anthropologique explicite. Ce film silencieux s`est prolongé par une collaboration sonore avec Pierce Warnecke, compositeur de musique drone.

Sébastien Rollot Né en 1983, Il étudie l`anthropologie et la sociologie en France et au Québec avant d`intégrer la formation de réalisation documentaire Creadoc à Angoulême. Installé sur Lyon, il est auteur réalisateur de films indépendants, membre du collectif Trois Petits Points qui regroupe des artistes travaillant autour de la musique et de l`image notamment. Ses différents films poursuivent une description documentaire du réel. Toujours dans un rapport qui privilégie la sensation et l`abstraction, ses réalisations se construisent sous forme d`essai cinématographique. Sans renier radicalement une narration linéaire, ses travaux se dirigent plutôt sur la piste d`un cinéma fragmenté et expérimental, essayant de questionner la frontière des relations entre le cinéma documentaire, l`art vidéo, et leurs fictions. Il travaille désormais sur l`écriture d`un film qui creuse la notion d`exil dans la ville. Cette réalisation débutera dans le cadre de la résidence des Inattendus dès 2011.

LINDEN HOTEL, Video Installation by Stefan Roloff The phenomenon of political imprisonment is timeless. Yet, its victims can only speak to us from the past. It is its nature to be silenced in the present. The group of former Stasi- prisoners I interviewed have never before spoken on tape or in public. To remove the boundaries of time I have interviewed them as silhouettes. At first glance, this gives them an air of illegality. The viewer gets the impression that they can?t reveal their identity. Faces can be misleading. Beauty, gender, age, race or other categories disappear when we view a silhouette. What remains is the tone of their voice and their body- language, keys to their subconscious. It is my goal to bring the experiences of former political prisoners into the present and communicate the immediacy they feel. Though they were released from jail decades earlier, their trauma continues to haunt them and - as many of the interviews show ? it extends into the lives of their children. Initially, I projected the talking silhouettes of nine former prisoners on to the walls of their former cells at the Stasi- prison in Potsdam.

Stefan Roloff is an independent artist and film maker, working in New York and Berlin. In 1984, he was invited to experiment on prototypes of digital video and imaging computers at the New York Institute of Technology. Here, he created ?Face?, his first Moving Painting which, produced by Peter Gabriel, was the predecessor of his video ?Sledgehammer?. Subsequently, he continued to combine his paintings and videos in collaborations with musicians. (?Zaar? with Gabriel, ?Dominic Christ? with Suicide, ?Big Fire? with Jazz musician Andrew Cyrille.) From 1989 to 1999, he worked on the documentary film ?Seeds?. Traveling through remote areas of West Virginia, he followed the story of a 22- year old woman who committed suicide in 1981 in an isolation cell at the State Prison for Women. The film was combined with an installation, ?Pence Springs Resort?, a life-size three-dimensional photographic rendering of the isolation cell which the viewers could physically enter. His second documentary film ?The Red Orchestra?, is a portrait of his late father, Helmut Roloff, a resistance fighter against the Nazis. It was nominated best foreign film 2005 by the Women Critics Circle. Currently, Stefan Roloff is preparing "Cafe Holland", his first feature film, with Carola Stabe, a former GDR dissident.

"Camouflage Comics: Dirty War Images" a pour but d'éveiller des réflexions- autant dans sa forme verbale que dans sa matière visuelle- dans une intéraction entre l'art, la Direction et les droits de l'homme en général et en particulier, l'héritage de l'Argentine "dirty war" (1976-83), en se concentrant sur la bande-dessinée. Il existe plus ou moins deux parties dans Camouflage Comics. La premiére partie est effectuée par des graphistes et des scénaristes. Ces visuels ont été spécialement effectués pour ce projet et n'ont été publiés nulle part ailleurs (à part les travaux de Sergio Langer et de Guillermo Escalante). Ces nouveaux travaux sont des articulations picturelles qui traitent de la vie dans l' Argentine de nos jours, un pays hanté par le spectre de Proceso. En même temps toutefois- alors que le pays semble guérir de sa chute économique de 2001- l'Argentine ramène progressivement les problèmes de reconstitution et de responsabilité dans la sphère publique, un domaine autrefois marqué par l'amnésie et l'amnéstie institutionelle. La deuxième partie de Camouflage Comics contient des essais se concentrant sur des dessins et des bandes-dessinées publiés durant la dictature, ou pendant le temps de transition allant des lois militaires à la démocratie. Ces analyses, par la même préoccupées par la production culturelle d'un récent passé , fait aussi la lumière sur de nouvelles bandes-dessinées. En effet, ces deux lignes temporelles parallèles ne peuvent être dissociées. Au contraire, elles s'entrecroisent continuellement, nous encourageant à interpréter la "nouvelle" en considérant la "vieille"-et vice-versa. S'ajoute à cela, le site qui contient un blogue de discussions où ces sujets peuvent être explorés dans leur totalité, avec une vision qui génère de nouveaux essais visuelles et de nouvelles idées- pas forcément en rapport direct avec le "cas" de l'Argentine, mais recouvrant une large palette de sujets,s'étendant de la bande-dessinée, à la censure, aux pratiques artistiques (restrinctes), aux droits de l'homme, ou à l'institutionalisation de la mémoire,... Aarnoud Rommens PAST, PRESENT, TEXTE, IMAGE http://www.camouflagecomics.com/flash.php

Conceived as an investigation into the heart of slaughterhouse images, Le Chant des bêtes tackles the question of the missing image: what goes on in these secret places, hidden from view, where thousands of animals are killed every day? The obsession of my journalist-character with the amount of violent archive footage he discovers, gradually leading him from shock to action, also guides the direction, borrowing from Dogme95, a style that is both nervous and instinctive.

Born in Grenoble, Titouan joined La Femis in the editing department after a Masters in cinema. Passionate about both editing and directing, his experience has enabled him to experiment with both practices in his own projects and those of others, with a particular taste for genre cinema.

A veiled metaphor for the instabilities of our times shot with a low-res Flip Camera

Peter Rose’s works in film, video, installation, and performance have received extensive national and international exhibition, including shows at the Whitney Museum, the Museum of Modern Art, the Centre Pompidou, the Yokohama Museum of Art, and more recently at the Fabric Workshop and Museum, the Rotterdam International Film Festival and the Film Society of Lincoln Center. Rose is concerned with new forms of vision, improvisations in fictitious languages, and the pleasures of obscure journeys. The work is included in several major international collections.

For several years I have been experimenting with a tactic I call ?transfalumination,? I venture at night into the marginal geographies of the city and perform peculiar ceremonies with light, hoping to bring back images that appeal to some deep sense of the mysterious. ?Journey to Q?xtlan? is a journey, an opera, and a koan that presents some of the results of this research. It?s a kind of dream.

Peter Rose?s works in film, video, installation, and performance have received extensive national and international exhibition, including shows at the Whitney Museum, the Museum of Modern Art, the Centre Pompidou, the Yokohama Museum of Art, the Fabric Workshop and Museum, the Rotterdam International Film Festival and the Film Society of Lincoln Center. Rose is concerned with new forms of vision, the structures of language, and the pleasures of obscure journeys. His work is included in several major international collections.

Ulysse amarre son bateau à une machine architecturale étrangère, un labyrinthe qui fait écho à de Chirico et à Escher, un espace de mystère et de pouvoir où les règles de la perspective sont transformées et d?où émergent d?autre espaces.

Les films, vidéos et installations de Peter Rose ont été montrés dans le monde entier. Son travail fait partie de plusieurs collections majeures. Il a reçu plusieurs récompenses et bourses significatives et son travail a été largement présenté, notamment au Festival du film d?Oberhausen, au Moma à New York, au Black Maria film festival, au Festival du film de Londres, au Whitney Museum, festival du film d?Amsterdam. Il réalise une installation vidéo destinée à l?aéroport international de Philadelphia.

Odysseus amarre son bateau au mileu d'une étrange machine achitecturale, un labyrinthe aux échos de De Chirico et d'Escher, un lieu de mystère et de pouvoir où les règles de la perspective sont défiées, où d'autres espaces émergent. La vidéo nous emmène dans un voyage vertigineux, euphorisant, à travers un parking en sous-sol, une descente en spirale dans les profonfeurs d'un espace. C'est aussi une lamentation. Odysseus se souvient de la mer.

Le travail de Peter Rose dans la vidéo, l'installation et la représentation a été montré sur le plan international: au Whitney Museum, au Museum of Modern Art, au Centre Pompidou, au Yokohama Museum of Art, au Rotterdam International Film Festival et au Film Society of Lincoln Center. Rose s'intéresse aux nouvelles formes de vision, aux structures du langage et à la découverte de lieux inconnus. Ses films et ses vidéos sont intégrés dans plusieurs collections importantes à travers le monde. Il a également donné de nombreuses conférences sur son travail.

A suite of multi-dimensional riffs that use topological, performative, metapoetic, spatiotemporal, architectonic, kinaesthetic, choreographic, and observational strategies to conjure new forms of vision.

Since 1968 Peter Rose has made over thirty films, tapes, performances and installations. Many of the early works raise intriguing questions about the nature of time, space, light, and perception and draw upon Rose?s background in mathematics and on structuralist filmmaking. He subsequently became interested in language as a subject and in video as a medium and generated a substantial body of work that played with the feel and form of sense-a kind of intellectual comedy. Recent projects have involved a return to the landscape as subject and the mechanics of perception. His films, videos, installations, and performances have received extensive national and international exhibition, including shows at the Whitney Museum and the Museum of Modern Art, the Centre Pompidou, the Yokohama Museum of Art, and exhibition at the Fabric Workshop and Museum, the Rotterdam International Film Festival and the Film Society of Lincoln Center. His works have drawn support from an impressive roster of sources, including the National Endowment for the Arts, the Pennsylvania Council on the Arts, the Guggenheim, Independence and Pew Foundations, and have been the subject of a number of articles on contemporary media art. His work is included in several major international collections.

« Studies in Transfalumination » (5 minutes 30, 2008) exploite des lampes de poche trafiquées et des projecteurs vidéo désossés pour explorer la complexité visuelle du monde ordinaire : un tunnel, une touffe d?herbe, une table abandonnée, le dessous d?un pont, le brouillard, un morceau de rocher, et un arbre. Toutes les images sont des prises de vue en temps réel, et n?ont recours à aucun procédé d?animation.

Depuis 1968, Peter Rose a réalisé plus de trente films, bandes, performances et installations. Beaucoup de ses ?uvres de jeunesse soulèvent la question fascinante de la nature du temps, de l?espace, de la lumière et de la perception et s?appuient sur sa formation en mathématique et en réalisation structuraliste. Il s?est intéressé par la suite au langage en tant que sujet et à la vidéo comme médium et réalisé un important corpus d??uvres jouant avec la sensation et la forme du sens ? une sorte de comédie intellectuelle. Ses projets récents concernent le retour au paysage en tant que sujet et la mécanique de la perception. De nombreuses expositions ont été consacrées à ses films, vidéos, installations et performances, à l?échelle internationale. Ses ?uvres ont reçu des aides de la part d?un nombre important d?institutions prestigieuses et ont fait l?objet de nombreux articles dans la presse d?art actuelle. Ses ?uvres font partie de plusieurs collections majeures au plan international.

On the phenomenology of the black sun; an anthology of sightings; on ways of seeing; an ecoparable.

Peter Rose?s works in film, video, installation, and performance have received extensive national and international exhibition, including shows at the Whitney Museum, the Museum of Modern Art, the Centre Pompidou, the Yokohama Museum of Art, the Fabric Workshop and Museum, the Rotterdam International Film Festival and the Film Society of Lincoln Center. Rose is concerned with new forms of vision, with the structures of language, and with the pleasures of obscure journeys. His work is included in several major international collections.