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Cet Air la is a famous french song from 1963, sung live by NY singer April March in acapela with Julien Gasc. The couple is singing while flying over a superimposed 16mm projection of a stop motion animation of a series of clouds, birds, bubbles, smoke machines and glitters?the song has the texture of a dream. Part of Residency Unlimited Project.

Marie Losier, born in France in 1972, is a filmmaker and curator working in New York City. She was born in 1972 in Boulogne, France. She has shown her films and videos at museums, galleries, biennial and festivals, including this year for the 2006 Whitney Biennial with her on Richard Foreman, The Ontological Cowboy and at MOMA with Electrocute Your Stars. Also P.S.1, Tribeca Film Festival, Rotterdam International Film Festival, The Seoul Film Festival (Korea), The Lausagne Film Festival (Swiss), Andrew Kreps Gallery, White Column Gallery, The Black Maria Film Festival, The Biennial of Saint Etienne (France), The York Underground Film Festival, Lake Placid Film Festival, Pleasure Dome (Toronto), Anthology Film Archives, Ocularis, British Film Institute (London), Au Grand Action (Paris) and many others. In 2000, she became the film programmer at the French Institute / Alliance Francaise in New York City, where she presents a weekly film series. She has hosted many notable directors and artists, including Raoul Coutard, William Klein, Claire Denis, Isabelle Huppert, Chantal Akerman, Jane Birkin, Jeanne Moreau, Tavernier, and Anouk Aimée. She also programs experimental films at the Robert Beck Memorial Cinema (now at Participant Gallery, NYC) and Ocularis in Brooklyn and bring programs in Europe and all over in the States. She has also performed in films by George Kuchar, Mike Kuchar, and Jackie Raynal, and in plays by Juliana Francis, and Tony Torn. She is currently completing a short documentary on musician and filmmaker Tony Conrad and starting one on the musical genius Genesis P-Orridge, and her band Psychic TV.

"Un toit de San Francisco est arpenté par de grands enfants en tutu jouant insoucieusement à se coller des tartes au visage. Avec George Kuchar." "Cinq charmantes damoiselles pique-niquent sur le toit d'un entrepôt dans la non moins charmante ville de Long Island, forêt de gratte-ciel se reflétant sur la rivière. Mais lorsqu'une nuée de mouches vient interrompre leur festin composé de bretzels au chocolat et de tartes à la crème, les jeunes femmes perdent tout contrôle d'elles-mêmes.

"Marie Losier est réalisatrice et conservatrice à New York. Elle est née en 1972 à Boulogne, en France. Ses films et ses vidéos ont été présentés au sein de musées, galleries, biennales et festivals, notamment au P.S.1, au Tribeca Film Festival, Rotterdam International Film Festival, au Seoul Film Festival (Corée), au Festival du Film de Lausagne (Suisse), à la Andrew Kreps Gallery, à la White Column Gallery, au Black Maria Film Festival, à la Biennale de Saint Etienne (France), au York Underground Film Festival, au Lake Placid Film Festival, au Pleasure Dome (Toronto), à l?Anthology Film Archives, à l'Ocularis, au British Film Institute (Londres), Au Grand Action (Paris) et beaucoup d?autres. En 2002, elle est devenue programmatrice au French Institute/ Alliance Française à New york, où elle présente une série de films chaque semaine. Elle a accueillie de nombreux rélisateurs et artistes réputés, tels que Raoul Coutard, William Klein, Claire Denis, Isabelle Huppert, Chantal Akerman, Jane Birkin, Jeanne Moreau, Tavernier, et Anouk Aimée. Elle programme également des films au Robert Beck Memorial Cinema (à présent à la Participant Gallery, New York City) et à l?Ocularis à Brooklyn et propose des programmes en Europe et dans tous les Etats-Unis. Elle a également joué dans des films réalisés par George Kuchar, Mike Kuchar, et Jackie Raynal, et dans des pièces mises en scène par Juliana Francis, et Tony Torn. Actuellement, elle tourne un court documentaire sur le musicien et réalisateur Tony Conrad. On a récemment annoncé que le film de Marie sur Richard Foreman, The Ontological Cowboy, avait été sélectionné pour la Biennale de Whitney de 2006.

Music video Papal Breakdance by PTV3-Genesis P-Orridge With Genesis Breyer P-Orridge and many friends. A campy music video in the style of a scopitone from the early 1960s, with the wonderful cast of 10 boys in sexy red singlets and girls in red tutus, all dancing with joy with Genesis P-Orridge in a boxing ring?all the ingredients for a slap stick boxing match in music.

"Le théâtre est une question de sexe". En tout cas selon Richard Foreman, le fondateur du Ontological Hysterical Theater. "The Ontological Cowboy" illustre l'appel de Foreman, invoquant la 'destinée manifeste' du théâtre d'avant-garde, tandis que King Cowboy Rufus descend de San Jan Hill avec un soupir, en secouant son mouchoir. Foreman joue son propre rôle, le reste de la distribution mime ses préoccupations. Si "l'équipe des acteurs souffre ainsi," c'est pour une bonne cause : la renaissance du théâtre américain dans la violence, avec Foreman pour sage-femme.

Née à Boulogne (France) en 1972, Marie Losier est à la fois réalisatrice et conservatrice à New York City. Elle a présenté ses films et ses vidéos dans des musées, galeries, biennales et festivals, dont la Biennale Whitney 2006, à laquelle elle a participé avec son film sur Richard Foreman, "The Ontological Cowboy". Les autres évènements auxquels elle a pris part sont : P.S.1, Tribeca Film Festival, le Festival international du film de Rotterdam, le Festival du film de Séoul (Corée), le Festival du film de Lausanne (Suisse), la galerie Andrew Kreps, la galerie White Column, le Festival du film Blck Maria, la Biennale de Saint-Etienne (France), le Festival du film underground de York, le festival du film de Lake Placid, Pleasure Dome (Toronto), Anthology Film Archives, Ocularis, British Film Institute (London), Au Grand Action (Paris) et bien d'autres encore. En 2000, elle prend en charge la programmation des films à l'Alliance française de New York City, où elle organise une séance de films hebdomadaire. Elle a reçu de nombreux metteurs en scène et artistes renommés, dont Raoul Coutard, William Klein, Claire Denis, Isabelle Huppert, Chantal Akerman, Jane Birkin, Jeanne Moreau, Tavernier, et Anouk Aimée. Elle programme également des films expérimentaux au cinéma Rober Beck Memorial (désormais à la Participant Gallery de New York) et à Ocularis à Brooklyn. Elle organise des programmations en Europe et à travers les Etats-Unis. Marie Losier a également joué dans des films de George Kuchar, Mike Kuchar et Jackie Raynal, ainsi que dans des pièces de Juliana Francis et Tony Torn. Elle achève actuellement un court-métrage documentaire sur le musicien et réalisateur Tony Conrad. Son prochain documentaire, déjà en court, se concentre sur le génie de la musique Genesis P-Orridge et son groupe Psychic TV.

descending notes (2022) is an erotic science-fiction film that explores transness as a form of dissonance and resonance. It takes inspiration from Donny Hathaway’s heartfelt rendition of A Song for You, whose lyrics are punctuated by a discordant progression of piano notes: “If my words don’t come together, listen to the melody ‘cause my love is in there hiding… I love you in a place where there's no space or time.” Written and performed with Ada M. Patterson and Raffia Li, the film is a cosmic love story between three transing beings whose desire unfolds across time and space, from the sensuality of early Christian sainthoods to future alien intimacies. Grounded in autobiographical experiences of tenderness, solidarity and grief within transgender friendships and everyday life; as the world splits apart, these undercover beings covertly learn to live in transformation and to give each other breath.

Lou Lou Sainsbury is a transfeminine artist based between Rotterdam, NL and Margate, UK, working across film, live-performance, poetry, installation and textiles. She identifies as a time traveller, making things that unwrite histories of living beings into tricksterish dreamscapes, exploring identity, community and ecological entanglement. She often works in collaboration, developing intimate long term projects guided by improvisation, cinematic processes and sonic thinking. Lou Lou’s work questions how we can become better listeners and how bodies can trouble history and geography. Moving across a poetics of sensual communion, her transformative work seeks to imagine stories for more liberated futures. After graduating from her MA in Art Praxis at the Dutch Art Institute (2021), Lou Lou was recipient of the Freelands Gasworks Partnership Programme. She was an associate artist at Open School East (2017), after completing her BA in Moving Image at the University of Brighton (2016). Her recent solo exhibitions include Roodkapje, Rotterdam (2023); Humber Street Gallery, Hull; Gasworks, London (2022) and Well Projects, Margate (2020). Recent performances and group presentations include: International Film Festival Rotterdam (2023); Whitstable Biennale (2022); Centre for Contemporary Arts, Prague (2021); La Casa Encendida, Madrid (2020), Tate Modern, London; Nottingham Contemporary and Yaby, Madrid (2019).

un chantier abandonné devient l'arène d'une poignée d'hommes.  Ils se préparent à combattre et à vaincre l'ennemi ;  mais qui est l'ennemi ? 

Amira Louadah est née à Alger. De 2014 à 2021, elle étudie le design et les arts visuels à l'Ensci, les Ateliers de Paris, développant un enthousiasme pour la mise en scène et la narration. Son parcours est jalonné de séjours fondateurs, notamment à Chang Maï en Thaïlande et à New York aux États-Unis, où elle réalise ses premières captations de terrain. Elle collecte et déploie ses perceptions dans une démarche empirique et exploratoire. Sa filmographie comprend notamment Un Diner Non-Newtonien (2017) et La grosse moula ou li michan (2021). Son dernier film L'Arche (2022) a remporté le prix Renaud Victor lors du FID Marseille, et a été sélectionné en compétition officielle au Camden Film Festival à Rockland aux Rencontres internationales du documentaire de Montréal, au MedFilm Festival de Rome ainsi qu’au Festival du court-métrage de Clermont-Ferrand 2023.

2007. East Baghdad. A US Army Apache helicopter shoots down a group of men outside a house. It’s a Reuters photographer, his driver and the contacts of the photojournalist actually doing a report. The military who shot them from a distance, using state-ofthe- art hyper-vision technology, assisted by satellites, mistook them for “insurgents” as the reporter’s camera was “seen” as an RPG. This degraded perception is illustrated here in its barbaric acme. That said, this killing is not isolated. Doesn’t virtuality gaining more and more of the reality territory? In those times of planetary virus and practically generalized lockdown, coercive power uses and abuses of its new tools for controlling the population in peacetime (drones, facial recognition, apps, etc.). The experimental film li(f/v)e interrogates through several typologies of images our relationship to reality when it has been invested by its virtual counterpart.

Ismaël a réalisé Babylon (Grand Prix du Festival International du Cinéma FIDMarseille et Prix des Université DOCLisboa 2012) et Leïla’s blues (Quinzaine des réalisateurs, Cannes et Mention Spéciale au Festival des Cinémas d’Afrique de Montréal). Il a produit The last of us (Lion du Futur à la Mostra de Venise 2016, candidature tunisienne aux Oscar 2018). Son film expérimental Fragments of self-phone-destruction (2018) a été primé au Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de Paris. Son premier long-métrage de fiction Black Medusa (2021) a été sélectionné aux compétitions de nombreux festivals : Rotterdam, New Horizons, Lima Alterna, Split, Fantaspoa, Tarifa, etc. Ismaël est par ailleurs artiste visuel et auteur. Il a été diffusé et/ou exposé au MoMa à New-York, au Museo Reina Sofia à Madrid, au Bal à Paris, ainsi que dans les galleries Momenta (New-York), Talmart (Paris), Le Cube (Rabat), A. Gorgi (Tunis), etc. Il a publié un essai : Cinéma en Tunisie (Tunis, 2008) et un recueil de poésie en revue : lettres à la mort (Toulouse, 2009). Il vit et travaille entre Tunis et Beyrouth.

"Depuis la disparition de l`Union Soviétique, plus personne ne sait vraiment qui sont les Russes ? à quoi ils rêvent, en qui ils croient, comment ils vivent. La Maison Haute, « ce Titanic insubmersible » construit sous Staline, est, depuis plus de 50 ans, une véritable métaphore de la Russie et de son immense peuple. Anciens apparatchiks, enfants ou petits-enfants de l?élite soviétique côtoient, dans ce gigantesque gratte-ciel moscovite, nouveaux riches et hommes d?affaires. Tous oscillent entre nostalgie de l?époque soviétique, avec ses formes grandioses, son bonheur préfabriqué mais rassurant et les plaisirs immédiats du capitalisme. Dans les couloirs de la Maison Haute, Pavel Lounguine est parti à la recherche de l`âme russe. Il a frappé aux portes de cet édifice mythique et à travers les personnages qui y habitent, il a dressé un portrait ironique, décalé et plein de poésie de la Russie d`aujourd`hui." source: dossier de presse Arte

"Pavel Lounguine étudie à l`Université de Moscou de 1965 à 1971 avant d'intégrer l'école de cinéma de Moscou en 1973. Il y suit une formation de scénariste jusqu`en 1975 et écrit les scripts de nombreux films russes comme Nepobedimyj (1983) et Poputchik (1986). En 1990 est présenté au Festival de Cannes son premier long métrage en tant que réalisateur, Taxi blues. Ce drame met en scène l`amitié qui lie un chauffeur de taxi à un saxophoniste sans le sou. Le succès critique est au rendez-vous et le réalisateur devient un habitué de la Croisette. Luna Park (1992), l`histoire d`un jeune homme à la recherche de ses racines juives, et La Noce (2000), une comédie dramatique sur le déroulement inattendu d`une cérémonie de mariage, y sont également projetés. Pavel Lounguine s'intéresse par ailleurs aux changements économiques et sociaux que traverse son pays avec la chute du communisme. En témoignent Ligne de vie (1996), où Vincent Perez se retrouve aux prises avec la mafia russe, et Un nouveau Russe (2003), un drame dans lequel un ancien scientifique (Vladimir Machkov) est prêt à tout pour s`enrichir. En 2005, Pavel Lounguine réalise Familles à vendre, film traitant de l'exil et de la division géographique du peuple russe. Parallèlement, il poursuit une carrière sporadique à la télévision russe, y réalisant parfois des téléfilms." Allocine.com

Un plan-séquence saisit le paysage depuis une voiture, le long d?une crête battue par les vents et bordée de grandes éoliennes. La nuit vient. Le film est ponctué par l?apparition de titres : une filmographie fabulée.

Julien Loustau est né en 1971 à Salies-de-Béarn. Il vit et travaille à Paris.

Pendant ce temps, depuis des siècles, les norias tournent. Elles chantent le courant de l`Oronte. Des bords de Seine, un dialogue les rejoint....

Julien Loustau est né en 1971 à Salies-de-Béarn. Il vit et travaille à Paris.

Le lac Vostok est prisonnier sous les glaces de l?Antarctique, isolé du reste du monde depuis des millions d?années. Cet environnement exceptionnel, privé de lumière, soumis à des températures et des pressions extrêmes, abrite peut-être des formes de vie inconnues.La seule technologie qui permettrait d?atteindre le lac sans risquer de le contaminer serait le Cryobot, une sonde conçue par la Naza pour l?exploration d?oceans subglaciaires sur Mars et sur Europe. En Chine, dans la région des Trois Gorges, on finit de construire le plus grand projet hydroélectrique du monde. Le barrage a déja noyé 600km de vallées, entraînant la disparition de centaines de villes et le déplacement de 1,8 millions de Chinois. Le long d?un voyage nocture sur le fleuve Yangtze, dans l?exploration distante de ses berges en sursis, le film envisage l?odyssée solitaire du cryobot à travers les glaces jusqu?au lac Vostok.

Julien Loustau est né en 1971 à Salies-de-Béarn. Il vit et travaille à Paris.

Les premières phrases pourraient nous faire penser à des bribes de conversations glânées lors d’un cocktail, on y reconnaît le tout-entreprenariat contemporain mélangé à une idéologie du management idéal. Derrière ces dialogues se révèle une réflexion sur le travail, ses contraintes et l’espace de liberté que chacun recherche à l’intérieur du cadre qu’il crée ou subit. Et les gens qui travaillent ? Parlent-ils de labeur ou d’activité, de passion ou d’horaires flexibles ? Sommes nous capables de vivre « à 300 à l’heure » et de ressentir les sensations de la même manière ? Comment la conscience que nous avons de nous-même est-elle en train d’évoluer face à cette ambition de contrôle complet de nos vies, alors que le hasard et les aléas de la vie en font souvent la saveur ?

Ariane Loze, Belgique 1988. Vit et travaille à Bruxelles, Belgique Ariane Loze étudie le développement d’une narration à partir d’images apparemment sans rapport. Dans cette série de vidéos, elle joue tous les rôles : elle est tour à tour actrice, réalisatrice et camera woman. Par le montage, ces images mettent en relation deux (ou plusieurs) personnages et l’architecture. Les videos d’Ariane Loze proposent au spectateur de prendre part à la création de la narration grâce aux principes du montage cinématographique: le champ / contre-champ, la continuité de mouvement, et la suggestion d’une narration psychologique. Le tournage de ces vidéos a été rendu public devenant donc une performance. Ariane Loze a étudié la mise-en-scène au RITCS de Bruxelles et a participé à a.pass (Advanced Performance And Scenography Studies) à Bruxelles. Elle était résidente au HISK (Institut Supérieur des Beaux-Arts) à Gand en 2016-17. Les vidéos d'Ariane Loze seront présentées au Salon de Montrouge Paris (mai 2018) et au musée d'art contemporain KANAL Centre Pompidou à Bruxelles (mai 2018). Les expositions récentes incluent Videoformes Clermont-Ferrand (2015), Traverse Vidéo Toulouse FRAC Midi-Pyrénées (2015), Medienwerkstatt Berlin (2016), S.M.A.K. Etcetera Gand (2016), Fondation Boghossian Bruxelles (2016), De Appel "You are such a curator !" Amsterdam (2016), "Kunst om de lijf" Emergent Veurne, New York Anthologie Film Archive AXW projection (2017), Watch this space Biennale # 9 Lille-Bruxelles (2017), "Gemischte Gefühle" Tempelhof Berlin (2017). Les vidéos d'Ariane Loze ont été sélectionnées pour le Prix Movimenta Video Art à Nice (2017) et le Prix Médiatine Brussels (2016) et récompensées au Art Contest Brussels (2015), par la Art For All Society de Macau (2016) et Côté Court Festival Pantin (2017).

La conscience collective s'est forgée à travers les siècles, mais le navivre de la société vogue à toute allure sur les mers de la mondialisation. Des voix parfois très anciennes nous mettent en garde sur les risques qu'encourent les hommes, livrés à la démesure. Le film fait entendre des fragments de ces discours, qui de génération en génération, ont porté la ferveur et l’espérance citoyenne, devant une salle vide, symbole de notre désertion devant les réalités, signe de notre capitulation progressive, expression de notre renoncement. Dehors, il pleut de plus en plus et un vent terrible se lève. Le changement climatique est à l'horizon... Augmentez la vitesse!

Ariane Loze, Belgique 1988. Vit et travaille à Bruxelles, Belgique Ariane Loze étudie le développement d’une narration à partir d’images apparemment sans rapport. Dans cette série de vidéos, elle joue tous les rôles : elle est tour à tour actrice, réalisatrice et camera woman. Par le montage, ces images mettent en relation deux (ou plusieurs) personnages et l’architecture. Les videos d’Ariane Loze proposent au spectateur de prendre part à la création de la narration grâce aux principes du montage cinématographique: le champ / contre-champ, la continuité de mouvement, et la suggestion d’une narration psychologique. Le tournage de ces vidéos a été rendu public devenant donc une performance. Ariane Loze a étudié la mise-en-scène au RITCS de Bruxelles et a participé à a.pass (Advanced Performance And Scenography Studies) à Bruxelles. Elle était résidente au HISK (Institut Supérieur des Beaux-Arts) à Gand en 2016-17. Les expositions récentes incluent Videoformes Clermont-Ferrand (2015), Traverse Vidéo Toulouse FRAC Midi-Pyrénées (2015), Medienwerkstatt Berlin (2016), S.M.A.K. Etcetera Gand (2016), Fondation Boghossian Bruxelles (2016), De Appel "You are such a curator !" Amsterdam (2016), "Kunst om de lijf" Emergent Veurne, New York Anthologie Film Archive AXW projection (2017), Watch this space Biennale # 9 Lille-Bruxelles (2017), "Gemischte Gefühle" Tempelhof Berlin (2017), Salon de Montrouge Paris (2018), RIBOCA Riga Biennial of Contemporary Art (2018), Moscow Biennial of Young Art (2108) KANAL Centre Pompidou Brussels (2018), solo exhibition au Centre d’Art Contemporain Chanot, Paris, exhibition at Gallery Michel Rein Paris (2019, Urbane Künst Ruhr – Ruhr Ding : Territorien, commissaire Britta Peters Oberhausen (2019), Solo exhibition De Vereniging S.M.A.K., Ghent (2019), Solo exhibition Gallery Michel Rein Brussels (2019). Les vidéos d'Ariane Loze ont été sélectionnées pour le Prix Movimenta Video Art à Nice (2017) et le Prix Médiatine Brussels (2016) et récompensées au Art Contest Brussels (2015), par la Art For All Society de Macau (2016), Côté Court Festival Pantin (2017), Watch this Space Biennale #9 (2017) and Salon de Montrouge (2018) Ariane Loze sera résidente au ISCP New York sur l’invitation de la Foundation Salomon de janvier à juin 2020.

Si nous cherchons au-delà de notre propre vision, en deçà des contraintes et de nos besoins primaires, si nous cherchons plus grand que nous-même, c'est pour mieux rencontrer un tout composé de cette multitude d'individualité séparées cherchant en secret leur ultime point commun: l'humanité.

Ariane Loze, Belgique 1988. Vit et travaille à Bruxelles, Belgique Ariane Loze étudie le développement d’une narration à partir d’images apparemment sans rapport. Dans cette série de vidéos, elle joue tous les rôles : elle est tour à tour actrice, réalisatrice et camera woman. Par le montage, ces images mettent en relation deux (ou plusieurs) personnages et l’architecture. Les videos d’Ariane Loze proposent au spectateur de prendre part à la création de la narration grâce aux principes du montage cinématographique: le champ / contre-champ, la continuité de mouvement, et la suggestion d’une narration psychologique. Le tournage de ces vidéos a été rendu public devenant donc une performance. Ariane Loze a étudié la mise-en-scène au RITCS de Bruxelles et a participé à a.pass (Advanced Performance And Scenography Studies) à Bruxelles. Elle était résidente au HISK (Institut Supérieur des Beaux-Arts) à Gand en 2016-17. Les vidéos d'Ariane Loze seront présentées au Salon de Montrouge Paris (mai 2018) et au musée d'art contemporain KANAL Centre Pompidou à Bruxelles (mai 2018). Les expositions récentes incluent Videoformes Clermont-Ferrand (2015), Traverse Vidéo Toulouse FRAC Midi-Pyrénées (2015), Medienwerkstatt Berlin (2016), S.M.A.K. Etcetera Gand (2016), Fondation Boghossian Bruxelles (2016), De Appel "You are such a curator !" Amsterdam (2016), "Kunst om de lijf" Emergent Veurne, New York Anthologie Film Archive AXW projection (2017), Watch this space Biennale # 9 Lille-Bruxelles (2017), "Gemischte Gefühle" Tempelhof Berlin (2017). Les vidéos d'Ariane Loze ont été sélectionnées pour le Prix Movimenta Video Art à Nice (2017) et le Prix Médiatine Brussels (2016) et récompensées au Art Contest Brussels (2015), par la Art For All Society de Macau (2016) et Côté Court Festival Pantin (2017).

« Nous n’avons pas besoin de nous connaître à l’avance » est une œuvre vidéo hybride, qui alterne des moments de performance dansée, des images d'archives et des citations textuelles. Gabriela Löffel s'appuie sur l'aspect politique de l'espace public pour construire sa réflexion et développe un essai visuel qui met en scène la "performativité des corps dans cette zone d'action politique". En puisant dans l'œuvre écrite de Judith Butler, philosophe et théoricienne du genre états-unienne qui a travaillé sur la question du corps et de sa représentativité normée dans nos sociétés contemporaines, Löffel donne véritablement une corporéité aux questions soulevées par l'auteure. Les citations issues de l'œuvre de Butler sont données à voir en parallèle aux éléments dansés et archivistiques de la vidéo. La caméra presque fixe permet d'examiner en détail les gestes lents et précis des danseur·euse·s. Les déplacements de l'appareil sont presque imperceptibles, tant ils sont subtils. L'artiste et le chorégraphe Cédric Gagneur ont étroitement collaboré afin de définir les divers mouvements qui composent la chorégraphie : ils proposent une abstraction des gestes de résistance ou de révolte, tirés des images d'archives issues de la collection des Archives contestataires de Genève. La lenteur et le silence habitent la pièce et donnent suffisamment d'espace au corps pour qu'il puisse se déployer de manière individuelle ou en collectivité. L'œuvre propose ainsi une dialectique du potentiel de revendication dans l'espace public. Œuvre coproduite par le Fonds cantonal d'art contemporain, Genève, avec le Fonds d'art contemporain de la Ville de Genève pour le programme MIRE.

Gabriela Löffel travaille principalement avec des médias temporels et se concentre sur les zones grises des structures politiques et financières, ainsi que sur les infrastructures. Le déplacement et la traduction de l’immédiat documenté vers les champs de l’interprétation et de la mise en scène sont des stratégies qu’elle utilise dans son processus de travail. Une méthode qui donne souvent lieu à des projets à long terme et lui permet de créer des espaces de questionnement et de proposer des ruptures avec les récits linéaires. Elle s’intéresse à l’obliquité du sujet et de son contexte. C’est dans ce décalage, induit par sa manière d’aborder les sujets, que son travail ouvre des réflexions sur le sens de la compréhension d’un monde lorsque l’on prend conscience de la fragmentation de nos connaissances. Son travail a été présenté dans des institutions et des galeries dont MAST Bologne, Aargauer Kunsthaus, EMAF Osnabrück, Galería Metropolitana Santiago, Dazibao Montréal, la Biennale Kochi-Muziris et autres. Gabriela Löffel est lauréate du Swiss Art Award, du Lewis Baltz Research Fund, de la bourse Landis+Gyr, ainsi que d'autres.

Santiago in the shimmering summer heat. High-res images undergo a digital zoom which transforms spaces into surfaces and houses into textures. In between, there are the small gestures of everyday urban life as two women in search of a place for their love.

Pascal Viveros is a filmmaker intrigued by digital image possibilities, exploring new ways to represent his surrounding landscapes. His work in Santiago's cinema theaters reflects a profound interest in programming and curation. His first short film, AL SOL LEJOS DEL CENTRO was selected at the Berlinale Shorts competition in 2024. Luciana Merino is a Chilean director and screenwriter. She is interested in a hybrid cinema, putting into tension the margins of reality and its deviations. Her first short film, AL SOL LEJOS DEL CENTRO was selected at the Berlinale Shorts competition in 2024.

Blake awakes from a comatic episode for which there doesn't seem to be any explanation. Set in London, the film interweaves his and other characters' discontinued journeys marked by peculiar moments and encounters. At once sober and enigmatic, "The Partition" reflects on singularity, alienation and intangible windows in the wider context of a shifting techno-capitalist environment.

Birgit Ludwig (b. Luxembourg) is a filmmaker and artist based in London. Her films take the form of unconventional dramas or documentaries, interweaving realism and a poetic uncanny. She is a graduate of Central Saint Martins School of Art (BA Fine Art/Phoebe Llewellin Smith Scholarship Award) and Kingston University (MA Experimental Film).

La vidéo est composée de scènes qui décrivent une matinée dans une banlieue de Sud-Californie. Des vues subjectives et observatrices de l'espace et des détails établissent le lieu. Les images et le montage suggèrent un développement narratif fermé du film. Rapidement après qu'il semble qu'un personnage devient établi, une coupure intervient. Les images montrant des opinions subjectives changent l'on peut entendre trois marines US répondre sur leurs conditions de vie en Iraq pendant que les images, elles, restent en banlieue.

Immo Lüdemann wurde 1975 in Düsseldorf geboren und studierte bis zum Jahr 2005 an der Universität der Künste Berlin und dem California Institute of the Arts, Los Angeles, bei Heinz Emigholz, Harun Farocki und James Benning. Seine Arbeiten beschäftigen sich mit strukturellen Problemen des filmischen Erzählens und mit Fragen der narrativen Beziehungen von Bildern. Er lebt und arbeitet in Berlin und Hamburg. Immo Lüdemann was born in Düsseldorf in 1975. Until 2005 he studied at the University of the Arts Berlin and the California Institute of the Arts, Los Angeles, with Heinz Emigholz, Harun Farocki and James Benning. His works deals with structural problems of cinematic storytelling and with questions of narrative relations between images. He lives and works in Berlin and Hamburg.

This work interlinks filmic, installative and performative layers. Joseph Kosuth?s compiled collection of contemporary art in the Freud Museum in Vienna is used as a filmset. Accompanied by a cameraman and sound technician a journalist interviews an artist pacing through the exhibition. The takes of this scene discuss conditions of myths of biographical narration and are being repeated over and over for about 50 minutes. The spectators transform into extras.

born 1976 in Feldkirch (Aut), lives and works in Vienna and Lower Austria 1994 Studies Architecture at the Technical University Vienna. 1996-2003 Studies at the Academy of Fine Arts Vienna. since 2008 Saprophyt, Projectspace (Co-founded with Barbara Kapusta), Webgasse 29, Vienna.

In Fragments of a Jam my intention was to stage a choice of research material circling the topics of the voyage, the search and espionage. The project emerged as part of a group show of commissioned works on behalf of the abbey of Melk to celebrate the anniversary year of their patron. The curatorial notion circled around similar topics. On the opening night the audience could attend the filming in the abbeys pavillon. Similar to About Me and The Tour (The Mackeys), that combine forms of live performance with filmic language, this work is oscillating between a theatrical performance and a film shoot. For the duration of the exhibition, the various coloured frames/panels used as props for the set, now form an environment to present the resulting film of the opening night.

Stephan Lugbauer born in Feldkirch Austria in 1976 now lives and works in Vienna and Lower Austria. He studied Architecture at the Technical University Vienna, received his MFA at the Academy of Fine Arts, New Media Department, Vienna and was fellow of the MAK Schindler Residency, Los Angeles and of the BMUKK Studio Resicency in Mexico City. He is co-founder of Saprophyt, an independent conzeptual art space and project (www.saprophyt.net). His work has been featured in several international exhibitions and festivals such as Hors Pistes, Centre George Pompidou, Les Rencontres Internationales Paris, Madrid, Berlin, CAAM, Gran Canaria, Kunsthalle Wien, Secession, Vienna. His work is fundamentally critic and analytic, interrogating the role of creation and artists. It re-evaluates the porosity of art, which is pervaded with contemporary political and economical areas. "My notion of art has always been a sphere apart from any kind of constraints. A realm of freedom which most probably can only exist in our imagination, but for which I nonetheless fight for. In my vision of art the artist himself plays the role of the antagonist to the mainstream. He is the rebel, the outsider - a professional un-professional. "

In Eating Secrets, we bear witness to a mysterious ritual, based on psycho-magic exercises by the cult filmmaker Alejandro Jodorowsky. In psycho-magic, images are used as symbols to appear to the unconscious mind as real events. A similar thing can be said about the impression of films onto the soul. Haunted by a suggestive soundtrack from the recently deceased Mika Vainio (Pan Sonic) we enter into a dreamlike state, where time is fluid and the ritual is very real. This eight minute short film was shot on super 16mm in my studio and its adjacent garden.

tephan Lugbauer (1976, AUT) now lives and works in Paris, France and on the countryside in Austria. He studied Architecture at the Technical University Vienna, received his MFA at the Academy of Fine Arts, New Media Department, Vienna and was fellow of the MAK Schindler Residency, Los Angeles, the BMUKK Studio Resicency in Mexico City and of the Cite? des Arts, Paris. He is co-founder of Saprophyt, an independent conceptual art-space and project (www.saprophyt. net). His work has been featured in several international exhibitions and festivals such as Hors Pistes, Centre George Pompidou, Paris; Les Rencontres Internationales Paris, Madrid, Berlin; Videobureau, Beijing and Guangzhou; Sigmund Freud-Museum, Vienna; MAK Center for Art and Architecture, Los Angeles; Kunsthalle, Vienna; CAAM, Las Palmas, Gran Canaria; Secession, Vienna. Stephan Lugbauer’s work analyses and interrogates the role of creation and artists. It re-evaluates the porosity of art, which is pervaded with contemporary political and economical areas.