Catalogue > Faire une recherche

Les urbanistes décidèrent de détruire certaines parties de la vieille ville de Shanghai pour régénérer la ville. Chaque année, plus de cent mille familles sont forcées de quitter leur maison pour emménager dans des immeubles à la périphérie de la ville. "Under construction" est un vol bi- et tridimensionnel à travers les zones d'habitation, maintenant détruites, de Shanghai qui montre comment une décision prise au hasard et violente peut toucher la vie des gens.

Zhenchen Liu est né en 1976 à Shanghai. Il fit ses études à l'école nationale supérieur de la Villa Arson et au studio national fresnoy d'art contemporain en France. Il travaille beaucoup sur les sujets "urbain", "modernisation" et "le problème du developpement en Chine". Il a participé recemment au Festival International du Film de Locarno, Festival de Clermont Ferrand, Oberhausen International Film Festival... En ce moment il travaille comme artiste independant en Chine et en France.

A Day to Remember Le 4 juin, Liu Wei est allé à l'université de Pékin où le soulèvement étudiant avait commencé et à la place Tian'anmen où cet événement s'est terminé en massacre. Armé d'une caméra, il a posé une liste de quelques questions à chaque personne qu'il a rencontré dans la journée. Les gens à qui il a posé ces questions ont pâli on essayé de les esquiver ou on simplement craint de répondre. Le souvenir du sang versé il y a seize ans et des vies qui ont été prises s'est estompé et on l'a oublié, ne laissant derrière qu'un silence impuissant et une page blanche dans notre mémoire. Puisque le sujet reste taboo dans la société chinoise moderne, les gens n'en parlent pas ouvertement pour leur propre bien-être, ou alors ils ne veulent pas vraiment s'en souvenir. Beaucoup de jeunes gens ne savent même pas que ces événements ont eu lieu puisque ce sujet à été enfoui, et en parler a été interdit pendant des années. Seize années se sont écoulées. Les cheveux des mères des victimes ont blanchi, les êtres proches ont séché leurs larmes. Le silence prévaut, toujours aussi glorieux, dans la plus grande rue de Chine. Le silence, l'oubli et la dissimulation délibérée laissent la mémoire des gens vide. Les événements du passé deviennent des images floues, les véritables souvenirs se sont effacés et seules les illusions restent.

Liu Wei est né en 1965 en République Populaire de Chine. Il vit et travaille à Pékin. En 1992, il a obtenu son diplôme en littérature, major en design, du département des beaux-arts de la China Central Academy of Drama. En 1995, il a effectué ses études au Symposium sur la relation entre religion et culture, acceuilli par le département de philosophie de l'université de Pékin.

A laid-off worker pretends to go to work as usual but goes on an excursion to the mountain by his own.

Zhouanqi Liu 8/30/1994 Director/Screenwriter/Production Designer/Photographer 346 West 84th St #2F, New York, 10024 NY zl2734@columbia.edu (929) 319-6622 Education ? Beijing Film Academy Screenwriting 2012-2016 ? Columbia University Directing 2018-2021 (thesis film shooting year stage) Experience ? 2013.8-11 Chinese post-rock band ’48V’ 8-city China Road Show as photographer ? 2014.10/2015.10 13&14st ‘ISFVF’ International Student Film and Video Festival of Beijing Film Academy as subtitle translator ? 2015.6-2015.11 Chinese rock band ’Omnipotent Youth Society’ 13-city China Road Show as photographer ? 2016.2 Peking University ‘Preparation for Entrance’ Campus Activity Feature Film (No.5 the Summer Palace Road) as screenwriter ? 2016.4-2016.8 Musician prof. Guo 9-city China Road Show as photographer ? 2017.2-5 Info&Updates Studio China First Exhibition ‘Grand Coupes’ as curation&music production in Beijing&Shanghai ? 2017.6 Beijing 1st ‘Vintage Fair’ advertising video as art director ? 2017.8-10 The Door music company experimental advertising video as screenwriter ? 2017.11-2018.4 School of Visual Arts graduate student thesis documentary ‘The Wanderer’ as the self ? 2018.4-2018.8 Jing Wang photo exhibition on Beijing Three Shadows Art Center ’Goodbye, Paris’ as technician( darkroom film processing&hand coloring)

À travers une série de rencontres avec des travailleurs, leur environnement et leur activité, « It could have been... gold » est une série de films portraits explorant l'apprentissage. Dansul Satului, le premier film de la série, nous plonge dans le village roumain de Schela. Tel un journal intime, il montre la vie du village, ses habitants et le travail qu'ils accomplissent jour après jour. Nous rencontrons Cristi, un constructeur de murs en pierre, et Emil, un passionné de menuiserie. Nous avons construit un mur et une balustrade en bois, puis nous avons fêté l'anniversaire de Madalin. Autrefois, le village organisait une soirée dansante tous les dimanches. Les anciens observaient les plus jeunes, et si quelqu'un voyait qu'un garçon était un bon danseur, il pensait qu'il était un bon travailleur. Cette danse s'appelait « hora satului ».

Frédéric Xavier Liver est un artiste franco-italien dont la pratique pluridisciplinaire s’étend entre film, performance et installation. Son travail explore les processus d’apprentissage, d’endurance et de vulnérabilité comme moyens de réflexion sur la transformation et l’expérience partagée. Souvent initiés par un défi physique ou personnel, ses projets se développent à travers des rencontres, des gestes et des répétitions, révélant comment la mémoire et l’émotion habitent le corps. À la croisée de l’art visuel et de la performance, il crée des œuvres qui allient observation et participation, mêlant sensibilité poétique et recherche artistique. . Il vit et travaille entre France et Belgique.

Un fossile de plastique moulé, un plateau artificiel, des voitures classiques carburant aux émanations de la nation. "Ancient Sunshine" retrace l’histoire sinueuse de l'extraction du charbon et de la protection du climat dans l'Ouest américain. Ce film propose la solidarité en réponse à la violence par laquelle la terre devient "ressource". Utah Tar Sands Resistance lutte depuis près de dix ans contre l'extraction exploratoire des sables bitumineux sur le plateau de Tavaputs, installant chaque été un campement à portée de vue des équipements de chantier et des équipes de construction. Le film pose la question suivante: comment le concept d'horizontalité pourrait-il être appliqué à l'horizon physique, à sa destruction et à la propension du capital à l'exploitation verticale? "Ancient Sunshine" fait se croiser la notion de remodelage sans fin du paysage de l'Ouest à la fois avec l'histoire du travail, les réflexions sur l'organisation anarchiste et les systèmes inter-espèces. Vers une solidarité poétique, vers une politique formelle.

Jason Livingston est artiste visuel, programmateur de film et écrivain. Son travail primé a été présenté à de nombreuses reprises, notamment à Rotterdam (Pays-Bas); à Anthology, New-York (USA); au Musée autrichien du film, Vienne (Autriche) et à la Vancouver Art Gallery (Canada). "Under Foot & Overstory" est distribué par le CFMDC - Canadian Filmmaker Distribution Centre, et "Lake Affect" est disponible dans la collection du Experimental Television Center de EAI - Electronic Arts Intermix. Il a été artiste en résidence, notamment à la Millay Colony for the Arts (USA) et au Virginia Center for the Creative Arts (USA). Il poursuit un doctorat basé sur la pratique au département d'études médiatiques de l'université de Buffalo (USA) en tant que Presidential Fellow. Il est titulaire d'une licence en philosophie de l'université Cornell (USA) ainsi que d’un M.A. et d’un M.F.A. en cinéma de l'université de l'Iowa (USA). Il est actuellement membre du conseil d'administration du Flaherty Seminar, New-York (USA).

On another day, a group of policemen guard the outskirts of a city. There is no one else on the streets. They wait for an order to go into action. However, that order never comes and a state of confusion and disorientation begins to take hold off them, until they forget what they were doing there.

So far his works have toured several international film festivals and contemporary art spaces such as FICVIÑA, Minsk, Curtocircuito, Riga IFF , Tabakalera Donosti or La Fábrica de Armas in Oviedo. "The Coming Insurrection" was selected as a project in the Focus Script 2022 of the Cannes Film Festival, and was also a beneficiary of one of the Visual Creation Grants of Matadero Madrid, having its international premiere in the Busan International Short Film Festival. Also, he is codirector of "A suburban mythology" (2024, an hybrid film premiered at Documenta Madrid. He is currently editing several projects and developing of his first feature film, "Laguna El Ministro".

Grâce à l'essor de l'exploitation minière, l’économie de la Mongolie post-communiste a connu la croissance la plus rapide du monde en 2012. Cependant, les pauvres n’ont pas profité de cette industrie en plein développement, et les changements climatiques, associés au surpâturage, ont entraîné une importante désertification. Selon la croyance chamanique mongole, la terre et le ciel sont liés. La violation de la nature par les hommes provoque la colère des esprits dominants ou des "maîtres de la terre", et entraîne sécheresse et peste. Comment la population entre-t-elle en relation avec ses ancêtres, lorsque ses désirs menacent de rompre l'équilibre cosmique? Le film s'ouvre sur des images tournées à Baganuur et Nalayh, autrefois les plus grandes mines de charbon de Mongolie. Des images à caméra fixe d'ouvriers dans l'ombre de machines gigantesques alternent avec des paysages désolés et le centre-ville d'Oulan-Bator, filmé de jour comme de nuit. Des inter-titres coupent les plans de longueur moyenne. Le premier extrait nous vient du poète hongrois Ferenc Juhasz. En 1957, sous l'influence du LSD, il a vécu une douloureuse initiation chamanique. Le deuxième extrait est tiré d'un chant de la chamane Kyrgys Khurak. Il évoque la cupidité et l'inégalité rampantes qui pourraient détruire la nature - un aspect qui fait implicitement référence à la crise climatique. (Ive Stevenheydens)

Les projets à long terme de Jan Locus, photographe et réalisateur, étudient la complexité des questions sociopolitiques mondiales. Il a notamment publié "Mongolia", "De Bewegende Stad" et "Devoted". Ses films ont été projetés, entre autres, au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); au DokFest, Kassel (Allemagne); aux Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne); aux Rencontres internationales Paris/Berlin (France/Allemagne); au Asolo Art Film Festival, Asolo (Italie); au Split International Festival of New Film, Split (Croatie) ; et au FIFA - Festival international du film sur l’art, Montréal (Canada). Il vit et travaille à Bruxelles (Belgique).

Intruders explore la frontière entre science-fiction et réalité, en interrogeant les thèmes de la colonisation inversée, de l’écologie et de l’impact humain sur l’environnement. Le film propose une réflexion introspective sur la fascination — et la peur — que l’Occident nourrit à l’égard d’entités extraterrestres. Dans un long panoramique, des paysages montagneux et des images brumeuses d’animaux apparaissent de manière éthérée, presque spectrale. Locus n’utilise pas d’images filmées au sens classique, mais des vidéos de chasse trouvées en ligne et des photographies noir et blanc d’observations d’OVNI des années 1950 et 1960. Bien que ces images trahissent leur origine par leur texture granuleuse, l’artiste a retiré les OVNI afin de fondre les paysages restants en un ensemble continu. Le phénomène de morts animales inexpliquées, souvent associé aux témoignages d’OVNI, devient ici une métaphore de l’influence humaine sur la nature. Locus mêle photographie et vidéo pour construire un récit complexe qui insiste sur l’ambiguïté entre réalité et fiction. Le film réfléchit aux « intrus » dans la nature, s’inspirant de visions dystopiques du futur, et invite le spectateur à considérer les relations complexes — et souvent troublantes — entre humains, technologies et milieux naturels.

Déployant son travail entre film, photographie et son, il aborde souvent le paysage comme un outil de construction des identités nationales et sociales, en se concentrant sur des environnements transformés par l’extraction et l’industrialisation. Dans sa dernière œuvre, il explore la tension entre found footage, photographie fixe et image en mouvement, soulignant l’ambiguïté de notre perception du réel et de la fiction. Ses films ont été présentés dans de nombreux festivals internationaux, notamment l’International Film Festival Rotterdam (IFFR), le Festival international du court métrage d’Oberhausen, les Rencontres Internationales Paris/Berlin, Le FIFA – Festival international du film sur l’art (Montréal), Kasseler Dokfest, Asolo Art Film Festival, Stuttgarter Filmwinter, CROSSROADS Film Festival (San Francisco), ANTIMATTER Media Art (Victoria), Festival ECRÃ (Rio de Janeiro), PROYECTOR Plataforma de Videoarte (Madrid), SPLIT Film Festival, ONION CITY Experimental Film Festival (Chicago), BISFF Beijing International Short Film Festival, et Flight / Mostra Internazionale del Cinema di Genova, entre autres. Locus vit et travaille à Bruxelles.

Le fil rouge de l`urgence du logement nous a permis de découvrir l’intacte et flamboyante poésie d’un « cinéma mineur » (hétérogène et souvent immergée dans les archives) qui nous restitue la contre-histoire de l`architecture sociale romaine et de ses paradoxes. Un « cinéma tout de suite », tant expérimental qu’ « à l’écoute», composé de pellicules insurgées, joyeuses et conspiratrices, capables de secouer les formes consensuelles et standardisées de l’industrie du cinéma. Rushes silencieuses, reportages inachevés, petits plans de films souvent sans auteur (trouvés dans les fonds Aamod et Unitelefilm), ou d’auteurs refoulées rapidement de l`histoire du cinéma italien. Mais qui ont consacré au moins un regard à l’attente d’une maison.

Je suis photographe de formation et chercheuse précaire en théorie de l’image et archéologie des médias. Passionnée de montage et d’écriture, je m’intéresse aux documentaires de création et au cinéma expérimental, aux archives des mouvements, au tiers paysage et à l’architecture cosmique. Née au sud-est d’Italie, mais à l’esprit nomade, je tiens un carnet de voyage intitulé lisible en ligne. Mon court-métrage “Les maisons qu’on était? a été primé aux Building Bridges Emerging Filmmaker Awards (Minnesota-Etats Unis), IsReal, Festival di cinema del reale (Sardegna-ITALIE), Linz International Short Film Festival (Autriche) et au Family Film Project (Portugal), et sélectionné dans des festivals internationaux en Ecosse, Serbie, Croatie, Hongrie et en Espagne.

The wolf is back, warned the mother Little Red Riding Hood. Social imprints reflect in collective stories and narratives - as in the fairytale ‘Little Red Riding Hood’. But what happens if fiction and reality become blurred and the fairytale suddenly finds itself in right-wing rhetoric? Documentary Folk Horror about right-wing rhetoric and the figure of the ?problem wolf ? as a subject of projection regarding social and national borders - a reinterpretation of the fairytale ‘Little Red Riding Hood’.

Andrea Erja studied cultural and social anthropology at the University of Vienna, specialising in media and visual anthropology. In addition to her studies, she has supported various documentary film festivals, such as Ethnocineca in Vienna and DOK.fest Munich, in various areas of activity. Since October 2022 she is studying documentary film directing and television journalism at the University of Television and Film Munich. Sophie Loesch graduated with a Bachelor's degree in Social and Cultural Anthropology and Art History and interned at DOK.fest Munich. Since Fall 2022 she studies Documentary Filmmaking at University of Television and Film Munich.

Deirdre Logue a été la directrice de l' Images Festival of Independent Film and Video et occupe actuellement un poste de cadre supérieur au Canadian Filmmakers? Distribution Centre de Toronto. Elle est probablement plus connue pour ses séries de films performances courts, réalisés à la main, intitulées "Enlightened Nonsense" achevées en 2000.

Deirdre Logue was the Executive Director of the Images Festival of Independent Film and Video and currently holds the position of Executive Director at the Canadian Filmmakers' Distribution Centre in Toronto. Deirdre is perhaps best known for her series of short handmade performance films entitled "Enlightened Nonsense" completed in 2000.

Une petite ville de l'ouest de l'Allemagne est le terminus pour 26000 porcs chaque jour, et un foyer temporaire pour des masses de travailleurs temporaires originaires d'Europe de l'Est. Les travailleurs du plus grand abattoir du pays luttent pour leur survie, tandis que les militants allemands qui défendent leurs droits se battent contre les autorités locales. Dans le même temps, des lycéens munichois travaillent sur la pièce "Sainte Jeanne des Abattoirs", et tentent d'appréhender le texte ancien et le capitalisme allemand contemporain. Entrelacé avec les pensées des jeunes et leur examen du texte lors des répétitions, le film traite en plusieurs fragments des conditions et d’autres aspects du travail temporaire et de la migration de travail en Allemagne.

Yulia Lokshina est née en 1986 à Moscou (Russie). Depuis 2011, elle étudie la réalisation de documentaires à l'école de cinéma HFF – Hochschule für Fernsehen und Film München, Munich (Allemagne). Ses films et vidéos documentaires traitent de l'interférence entre les environnements sociaux et leurs protagonistes. Son film "Days of youth", qui porte sur un camp militaires pour jeunes patriotes dans la Russie orientale rurale, examine le lien entre patriotisme et éducation, et a reçu le Starter film prize of the city of Munich (Allemagne) [2017]. Dans le cadre de son engagement auprès du Forum Internationale Wissenschaft de l'Université de Bonn (Allemagne), elle travaille sur des projets audiovisuels entre le cinéma et la recherche scientifique. En 2018, elle a obtenu la 12e bourse annuelle Medienkunststipendium der Kirch Stiftung, Munich (Allemagne). "Regeln Am Band, Bei Hoher Geschwindigkeit", son film de fin d'études, a reçu le prix du meilleur film documentaire au Festival Max Ophüls Preis, Sarrebruck (Allemagne) [2020]; le Megaherz Student Award au DOK.fest Munich (Allemagne) [2020]; et le Healthy Workplaces Award à Doclisboa, Lisbonne (Portugal) [2020]. Actuellement, Yulia Lokshina a commencé un projet de doctorat artistique sur l'adaptation de documentaires, à la Filmuniversität Babelsberg Konrad Wolf, Potsdam (Allemagne).

In the 1990s, Chinese-Canadian artist Lloyd Wong began a video work about his living with HIV. It remained unfinished. Thirty years after his death, Lesley Loksi Chan edited the material. Rough and unprocessed, this film explores the meaning of incompletion.

Lesley Loksi Chan is an artist and filmmaker. Her practice is concerned with questions of invisibility, believability and resistibility. Her work asks how material culture and image culture affect the particular ways we think, remember, and live together. Through experimental, handmade and process-based filmmaking, she creates moving-images as mementos.

Kidnapper sa future épouse est une manière courante de se marier au Kirghizstan, l'une des anciennes républiques soviétiques en Asie Centrale. Même si la coutume est ancienne, elle est encore plus pratiquée depuis l'indépendance du Kirghizstan : en raison de la pauvreté croissante, beaucoup décident d'avoir recours au kidnapping car ils n'ont pas les moyens de verser la traditonnelle somme élevée demandée par les famille des jeunes filles kirghizes à marier. Généralement, le futur marié, à l'aide de plusieurs amis, loue une voiture, épie les déplacements de l'heureuse élue, et la kidnappe en pleine rue. La jeune femme est emmenée chez la famille du marié. Une délégation est alors envoyée chez sa famille pour les informer du kidnapping. La jeune femme enlevée est retenue jusqu'à ce qu'un membre de sa famille arrive pour déterminer si elle va épouser son ravisseur. Le niveau de consentement et l'intimité de la jeune femme avec le futur marié varient. Parfois ces kidnappings sont consensuels : la jeune femme est fiancée au futur marié et accepte son "enlèvement", un jeu rituel, avant le mariage. Mais dans de nombreux autres cas, la jeune femme n'a jamais rencontré le futur marié avant l'enlèvement et ne veut pas se marier. De récentes études estiment qu'environ la moitié de ces mariages ruraux au Kirghizstan aboutissent à la suite d'un kidnapping, et que dans la moitié des cas, la jeune femme est contrainte à se marier contre sa volonté.

Petr Lom est né à Prague en 1968. Il grandit au Canada et obtient son doctorat en philosophie politique à l'Université de Harvard. De 1998 à 2004, il enseigne dans plusieurs universités européennes (L'EUI à Florence en 1998-1999 ; et le CEU à Budapest, de 1999 à 2004). En 2003, il décide qu'il y a autre chose de plus intéressant dans la vie que la bibliothèque, et il décide donc de réaliser un documentaire, même s'il n'a aucune formation ou expérience dans ce domaine. Le film qui résulte de tout cela, "Bride Kidnapping in Kyrgyzstan", a été projeté dans plus de 25 festivals de films dans le monde, et sera diffusé dans plus de 20 pays. Petr a depuis abandonné sa carrière universitaire pour se consacrer à la réalisation de documentaires. Il est bien plus heureux maintenant qu'il accomplit ses rêves.

Un jeune boxeur livre son premier combat important : sa mère tente de l'en empêcher et le père de son adversaire tente de le corrompre. Il trouve cependant en lui-même et en l'amour qu'il éprouve pour une jeune femme qu'il a rencontré sur une plage, la force de réagir.

Francesco Lomastro travaille sur des productions de films et des productions audiovisuelles depuis 1993, il a gravi les échelons pour devenir premier assistant réalisateur et directeur de production. En tant que réalisateur il a tourné plusieurs clips vidéo, un documentaire et une émission de télévision pour une chaîne nationale (LA7). "Four days that I love you" et son premier court-métrage de fiction. Il travaille actuellement sur une video en relation avec une installation et écrit un long métrage.

Taking Sophocles' Antigone as its starting point, “Antígônadá” deals with the contemporary political situation, exploring the revolutionary aspect of the main character, a woman who defies the established social order. After the death of their two brothers, Antigone and Ismene reflect on the laws of “God” and the laws of the State, the rights of the citizens and of the social excluded. “Antígônadá” is an experimental film, composed of 6 travelling shots of 20 minutes, with the camera in a circular continuing motion. Each shot represents one of the 4 elements: light, water, earth and air. The camera accompanies Antigone and Ismene - played by the same actress – whose journey follows the same path four times, reflecting on the status of women in patriarchal society.

Dora Longo Bahia is a visual artist, born in São Paulo, Brazil, in 1961. As of 1984, she has worked with various media: painting, photography, video, sound, set design, illustration and performance art. She has also played bass with several bands: Disk Putas, Verafischer, Maradonna, Sujos de Dora, Osmacaco, Blá Blá Blá and Cão. In 2010 she completed her PhD on visual poetics at ESchool of Communication and Arts of the University of São Paulo - ECA/USP where she currently teaches. In 2016 she completed her postdoctoral studies at the Faculty of Philosophy, Letters and Human Sciences of the University of São Paulo – FFLCH/USP that resulted in her first long feature film, The Dora Case. Since the 1980’s, she participated in several exhibitions and festivals, amongst them: We Never Sleep, at Schirn Kunsthalle Frankfurt (2020); Bienal Sur, in Argentina (2019); 9th Busan Biennale: Divided We Stand, Busan, South Korea (2018); 35o Panorama da Arte Brasileira – Brasil por multiplicidade, São Paulo, Brazil (2017); Eloge du Vertige, Maison Européenne de la Photographie, Paris, France (2012); The Spiral and the Square, Bonniers Konsthall, Stockholm, Sweden (2011); IX Biennial of Monterrey, Monterrey, Mexico (2009); 28th International Biennial of São Paulo, São Paulo, Brazil (2008). Among the artist’s audiovisual achievements are: petit a (2011), part of the Brazilian version of the Destricted project that brought together directors such as Gaspar Noe, Larry Clark and Matthew Barney and the feature film The Dora Case (2017).

Dans ce travail, Valeriano Lopez fait un bilan des aspects de l'histoire qui se perpétuent à partir des célébrations qui incorporent les coutumes et le folklore. La vidéo montre la Toma de Granada, une célébration qui a lieu chaque année depuis le balcon de la Mairie de la ville où un conseiller municipal s'adresse à la ville avec la devise " Granada pour les Rois et Reines catholiques vénérés", alors qu'on brandit la bannière, résonne l'hymne national. La mise en scène résulte du complet anachronisme de ce ton triomphal et de l'imposition d'une quintessence associant l'espagnol à un catholicisme fanatique. Dans ce travail, conforme aux différents prises de la célébration, s'opère un plan séquence du sermon de l'archevêque basé sur l'unité de l'Espagne. L'acte apparaît comme une exaltation du nationalisme espagnol qui a sa contrepartie ironique dans ce travail, avec le sous-titrage en catalan.

Valeriano Lopez est un artiste espagnol qui dans son oeuvre recours principalement à la vidéo, au langage du jeu vidéo ou à la publicité, produits de la société de consommation, pour attirer l'attention des spectateurs sur les problèmes tels l'immigration ou les différences qui s'établissent intentionnellement pour éloigner le tiers monde. Son ironie réfléchie sur ses phénomènes produit une réflexion critique sur les stéréotypes culturels et introduit le doute chez le spectateur. Il dissout les frontières de la séparation artificielle construite pour l'Occident avec le seul mobile de se protéger de cet "autre" qu'il craint et dans l'objectif de justifier les comportements xénophobes et racistes qu'y se traduisent dans les systèmes établis pour le contrôle de la population qui a émigré des pays pauvres ou en voie de développement.

Le film suit pendant deux ans le quotidien d’un groupe de danseurs du métro new yorkais. Des trains à leurs domiciles, de leur lieu d’entrainement aux événements organisés par leur communauté, c'est un portrait de cinq individus et du milieu de la danse Hip Hop de New York. C’est aussi un portrait de la ville, de la société dans laquelle ils évoluent. Malgré les obstacles, leurs origines sociales et le racisme, ils sont déterminés à réussir et se débattent par tous leurs moyens contre un système méritocratique illusoire.

Rafaela Lopez (née en 1988 à Paris) est une artiste plasticienne travaillant à New York et à Paris. Son travail se déploir à travers des films, des performances, des sculptures, des dessins et des projets collaboratifs. Elle s'intéresse aux pratiques créatives marginalisées, aux cultures populaires et aux constructions socio-culturelles. Chacun de ses projets cherche un langage spécifique, adapté aux communautés impliquées, et questionne le rôle social de l’art. Rafaela Lopez a étudié au Royal College of Art (Londres), à la Villa Arson (Nice) et à l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. En 2015, elle est lauréate du Prix de la Région Sud à Art-O-Rama (Marseille), en 2017 de la bourse des Mécènes du Sud (Montpellier / Sète), en 2020 elle est nommée pour le Prix Sciences Po pour l'art contemporain (Paris), en 2021 elle est lauréate de la Fondation des Artistes et en 2022 du prix Social Practice Arts, organisé par le Centquatre, la Fondation Calouste Gulbenkian et les Fondations Edmond de Rothschild. Elle a exposé dans divers lieux en France et à létranger tels que Waissac Project (Wassaic, NY, 2022), le Consulat Grec de NY (NY, 2020), FLAX (Los Angeles, 2018), la Fondation Louis Vuitton (Paris, 2018), le Palais de Tokyo (Paris, 2017), le Centre National d'Art Contemporain de la Villa Arson (Nice, 2012, 2014, 2017), Studio Voltaire (Londres, 2015), le Camden Art Centre (Londres, 2015), Flat Time House(Londres, 2014, 2015). Elle a été artiste en résidence à FLAX (2018, Los Angeles), à la Villa Arson (2017, Nice), aux Laboratoires d'Aubervilliers (2017, invitée par Grace Ndiritu), à la Villa Lena (2015, Palaia) et à la Casa de Velázquez (2014, Madrid). Rafaela Lopez est l'ancienne présidente de DOC!, un espace artistique indépendant situé dans le nord de Paris.

A voice describes the relationship between two young neighbours and their encounter with a mysterious woman that reveals an augury about future times.

Luciana is an Argentinian born film director and photographer . Her main area of interest has been always the visual language. She started from an early age taking several courses on analogue photography and Super 8 film. She obtained her BA in Image and Sound Design at the University of Buenos Aires and a MA in documentary film directing at ULHT, SZFE and LUCA School of Arts as a scholarship student. She has directed several short films that have been featured in international film festivals such as BAFICI and FIDBA in its competitive section and selected by Berlinale Talents BA as director. In 2019, she attended Biographical Documentary Theatre Course with Gudrun Herrbold at UDK awarded with a fellowship and in 2021, she was chosen to participate as a jury at ELIA Academy (European League of Institutes of the Arts). Nowadays, she is based in Brussels working on both personal and commissioned projects.

Ecoutons le guide pour un parcours touristique balisé, aux étapes attendues, entre statues des Grands hommes et sites qui furent le théâtre d?une geste mémorable. Regardons le paysage urbain de Madrid, un jour de janvier 2012. Deux fils se déroulent. Du frottement de oeil et de l?oreille, s?ouvrent des interstices.

Los Hijos audiovisual collective formed in september 2008 by Javier Fernández Vázquez (1980), Luis López Carrasco (1981) and Natalia Martín Sancho (1982). They work in Madrid, Spain.

material. (lat.: materiālis). 1. adj. Having substance or capable of being treated as fact; not imaginary. 2. adj. Derived from or composed of matter. 3. adj. Having material or physical form or substance. 4. adj. Directly relevant to a matter especially a law case. 5. adj. Concerned with or affecting physical as distinct from intellectual or psychological well-being. 6. adj. Concerned with worldly rather than spiritual interests. 7. n. Artifact made by weaving or felting or knitting or crocheting natural or synthetic fibers. 8. n. Things needed for doing or making something. 9. n. Information (data or ideas or observations) that can be used or reworked into a finished form. 10. n. The tangible substance that goes into the makeup of a physical object.

In 2008, Javier Fernández (1980), Luis López Carrasco (1981) y Natalia Marín (1982) found the artistic collective Los Hijos, devoted to the research of cinematic form and the mechanisms of audiovisual representation. With their first work, El sol en el sol del membrillo, they competed in the official section of DocumentaMadrid. Afterwards, this short film has been selected in several other festivals as well as art galleries. Afterwards, they finished their second short-film, Ya viene, aguanta, riégueme, mátame, video essay that attempts to question certain sequences which have become iconic in the history of Spanish cinema. Los materiales, their first feature-length film won the Jean Vigo award to the best direction in Punto de Vista International Documentary Film Festival of Navarre and a Jury?s Special Mention in FidMarseille 2010. Their second, feature-length film, Circo, was selected in the competition section section of Documentamadrid 2010. Currently, all their works are being screened at several contemporary art museums and art centres throughout Spain. In november 2010, Los Hijos enjoyed their first retrospective of their work in Mar del Plata Film Festival.