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« Le documentaire expérimental hanté et hantant d'Alex Monteith nous invite à prendre en considération ses images de l'Irlande du Nord durant cette période transitoire, d'un point de vue des conflits. Certaines de ses images sont composées de beauté limpide et formelle, d'autres plus dans le style d'un journal télévisuelle avec une caméra à l'épaule, certaines en couleur, d'autres en noir et blanc mais la plupart n'ont un rapport qu'oblique avec les expressions élégantes de perspective personnelles et politiques entendu sur la bande son. Son approche contemplative et sans limites de représentation de la lutte historique est clairement influencé par Godard comme elle est la premiers à le faire savoir. Son infaillible sens du montage à utiliser la duré et l'interruption comme faire tressaillir un public déjà attentif. Pendant que nous écoutons un catalogue de morts, la caméra semble scruter les paysage pour des signes de violence. l'effet est étrangement semblable au plan de Resnais d'Auschwitz dans « Night and Fog ». Ce film fut tourné sur plus de trois ans sur des lieux de réminiscences des conflits comme le Bogside à Derby. Il se concentre aussi sur les morts de la petite ville de frontière souvent bombardée Castlederg, County Tyrone » -Bill Gosden, Directeur du Festival de Film de Nouvelle Zelande. « Chapter and Verse » comprend des extraits enregistrés avec des politiciens, des membre de la force de sécurité, au famille des victimes des conflits, des figures religieuses et académiques comme Ian Paisley, Premier Ministre de l'Irlande du nord et Edward Daly, Evêque émérite de Derry.

Alex Monteith est née à Belfast, Ireland du Nord en 1977. C'est une artiste, académique et réalisatrice expérimentale. Elle vie à Auckland, Nouvelle Zélande oû elle est directrice de Moving Image à la Manukau School of Visual arts, Manukau Institue of Technology

SYNOPSIS Film essay recorded in Aotearoa / New Zealand`s Cascade Cove, Tamatea / Dusky Sound; one of the wettest places on earth. After he had sailed there for the first time in 1770, James Cook spent more than two months in Tamatea in Aotearoa on his second journey in 1773. Cascade Cove within Tamatea is also near to the sites of the earliest archeological digs of the lower fiords of Aotearoa. The Begg Brothers, then in the modern era, Peter Coutts, each made various archeological incursions looking for and removing both settler and Maori material culture from the area. This film compiles observations of the intensity of weather atmosphere as a physical expression of tension between elemental forces, as a way of approaching a contested past in which European research methods overran already existing Maori knowledge production about the area. This film is part of an ongoing series of work about this area of Aotearoa.

Alex Monteith Biography (1977-) born Belfast, Northern Ireland, resides Tamaki Makaurau, Aotearoa resides in Piha, Aotearoa Alex Monteith’s works often explore the political dimensions of culture engaged in turmoil over land ownership, history and occupation. The works traverse political movements, contemporary sports, culture and social activities. Projects often take place in large-scale or extreme geographies. Recent surfing related actions connect the museum directly to local geography through participatory performance projects.

?onboard three grey Iroquis in military formation over Te WaiPpounamu?ridgetop alpine mists?tussock valley floors?radio communication... Award winning artist Alex Monteith collaborated with Royal New Zealand Air Force No.3 Squadron Leader Oliver Bint to compose a flight routine for three simultaneously flying RNZAF Iroquois helicopters. The action was performed during RNZAF Exercise Blackbird; a two weeklong search and rescue (SAR) training exercise based at Dip Flat at the northern section of the Southern Alps of New Zealand during the winter of 2010. Three helicopters fly maneuvers? in the line astern formation of banking turns in the Alpine areas of the isolated Leese Valley. Each helicopter was installed with identical rearward facing on-board HD cameras. The artworks key maneuver is a three helicopter simultaneous pedal-turn on a ridge-top; the only military maneuver of this kind ever developed specifically for an artwork. The video artwork contains no cuts. The audio is continuous intercom. dialogue between the radio operators at Dip Flat and the pilots in all three helicopters as they position and reposition to maintain the flight-plan.

Born Belfast, Northern Ireland (1977), Alex Monteith is an artist and academic based in Auckland New Zealand where she is a lecturer at the Elam School of Fine Arts, the University of Auckland. In 2008 she was awarded the Arts Foundation New Generation Awards, one of New Zealand?s most important bi-anneal awards for contemporary art and her video work Passing Maneuver 2008 was a finalist for the Walters Art Prize 2010. Her work is post-studio in orientation and often takes the form of performances, video art and large-scale actions with high-speed or high-risk cultures with radical sensitivities to geography.

La Folie Almayer est l'adaptation faite par Chantal Akerman du premier roman éponyme de Joseph Conrad ; Une histoire de passion, de perdition et de folie quelque part en Asie du Sud-Est que la cinéaste est partie tourner en 2010 au Cambodge. Présent sur le tournage, Sopheak Sao a filmé la cinéaste au cœur de son travail dans la végétation exotique et dans les eaux noires d’un fleuve qui ne semble mener nulle part. Les images qu’il a filmées ont, après un archivage de dix ans, été montées par Marwan Montel, et montrent combien le travail formel et esthétique prend le pas sur l’aspect narratif dans le travail de la réalisatrice belge. Une véritable plongée au plus près de l'artiste, et une occasion exceptionnelle de se glisser au cœur de son travail.

Marwan Montel (né à Istanbul en 2001) est un monteur et réalisateur Français. Suite à ses études à l'IAD en Belgique, d'où il sort diplômé en montage-scripte, il réalise un film documentaire d’archive sur le dernier tournage de fiction de Chantal Akerman.

"A walker understands gradually that he does not know much about the turbulent and airy flow of the spirit. Or he is incapable of defining it. Nevertheless, he connects with it every time he discovers that his own person constitutes a fragile material structure in the hands of nature’s fluctuations, far from social intermediaries. However, he adapts his definition of “natural” to the changes of his own mind: today is freezing because I freeze, tomorrow the sun burns because I dry out. Fragment of "The book of Haiku" by Alberto Silva.

Luján Montes (1980, Buenos Aires, Argentina) is a filmmaker, colorist and photographer. Her projects have been exhibited in numerous national and international festivals (BAFICI, Festival Internacional de Mar del Plata, London Analogue Festival, Festival Internacional de Cine de Centroamérica, Derhumalc) and have been shown in many art venues and museums (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Palais de Glace, Casa de Cultural del Fondo Nacional de las Artes).

Une forêt où des animaux semblent vivre en harmonie Au loin, un dialogue entre un homme et une femme. Au loin, une guerre sévit. 

Muriel Montini a fait des études de cinéma. Elle vit  et travaille à Paris. Depuis 2000, elle a réalisé plusieurs films qui sont projetés dans différents festivals internationaux (Hamburg International Short Film Festival, FidMarseille, Ji-hlava International film festival, European Media Art Festival Osnabrueck…) et diverses institutions (Musée du Jeu de Paume, Anthology Film Archives New York,  ImagesPassages...).

S’enfonçant dans l’anéantissement qui les attire, ils ne craignent pas de se retourner sans fin pour raconter. (Susan Howe) Je reprends les rushes de certains de mes films. Autobiographie, autofiction, autofabulation.

Muriel Montini a fait des études de cinéma. Elle vit et travaille à Paris. Depuis 2000, elle a réalisé plusieurs films qui sont projetés dans différents festivals internationaux (Hamburg International Short Film Festival, FID de Marseille, European Media Art Festival Osnabrueck…) et diverses institutions (Musée du Jeu de Paume, Anthology Film Archives New York, ImagesPassages...).

Le mois de Juillet. Tout ce qui constitue un été ; La plage, les bals, les rencontres, les débuts d?histoires d?amour?Et les fins.

Études de cinéma.Vit et travaille à Paris. Films En cours Un jour ou l?autre nous partons tous en voyage en Italie 53 mn DV (montage son) Place de l?Europe(Autour) 10mn(montage son)App photo Mer, baigneurs et taches colorées (take1, take2, take3) 11mn,10mn,8mn (montage son) DV Ceux de la côte (en attente de montage) DV A cold place 4mn App Photo 2009- Alice 16mn DV . Festival « Côté court » Pantin 2009 . Rodos International Film and Visual Arts festival ECOFILMS 2009 . International Filmfestival Schaebisch Hall "Formula Mundi" 2009 . Flexiff 2002-2022 Australia 2009 . DokumentART Neubrandenburg&Szczecin Allemagne / Pologne 2009 . Ekofilm Prague 2009 Solus ad Solam 23mn DV . The 13th Thai Short Film and Video Festival Bangkok 2009 Adieu mon général 58mn DV . FidMarseille festival documentaire Marseille 2009 2008- Vers un pays éloigné 44mn HDV Les jeux d?enfants 9mn HDV . Festival « Côté Court » Pantin 2008 . Instants Vidéo Marseille 2008 . Streaming festival La Haye 2008 . Traverse Video Toulouse 2009 . Telévision :Chaîne Cultura « Special New arrivals of IFFR?09 » Pays?Bas 2009 . Videoformes Clermont-ferrand 2009(vidéothèque éphémère) . Festival Bandits-Mages Bourges 2009 . Hamburg International Short Film Festival 2009 . Festival de films underground de Montréal (MUFF)2009 . Short Film Festival FF600 of Ljubljana,Slovenia 2009 . Flexiff 2002-2022 Australia 2009 . DokumentART Neubrandenburg&Szczecin Allemagne / Pologne 2009 . Festival du film de Dieppe (ciné-roulotte) 2009 . Strange Screen Film Festival Thessaloniki 2009 2007- Les travailleurs de la nuit 40 mn DV . Rencontres cinématographiques de Cerbères 2007 Chambres (ou Chagrin) 25mn DV . Festival « Côté court » Pantin 2007 . Streaming festival La Haye 2008 . Strange Screen Film Festival Thessaloniki 2009 2006- Le monde est immense 9 mn S8-DV . Festival « Côté court » Pantin 2007 . The int?l festival of Cinema and Technology Los Angeles 2008 . Projection Braquage(Cartoucherie de Vincennes) 2008 . Streaming festival La Haye 2008 . Festival Detour Le Caire 2008 . Festival Alternative film/video Belgrade 2008 . Traverse Video Toulouse 2009 . International Panorama of Independent Filmakers Patras 2009 . Flexiff 2002-2022 Australia 2009 . Cortopotere ShortFilmFestival IX Edizione Bergamo 2009 . International Bosphorus Film and Video Festival 2009 . Strange Screen Film Festival Thessaloniki 2009 Instants d?après 6mn S8-DV . Festival OUSFF Lausanne 2007 . Instants Vidéo Marseille 2007 . Traverse Vidéo Toulouse 2008 . Streaming festival La Haye 2008 . P?Silo / Festival Images Contre Nature Marseille 2009 . Video Art Festival Miden Kalamata 2009 . Flexiff 2002-2022 Sydney 2009 . namaTRE.ba project, (Independent platform for contemporary art), Trebinje, Bosnia & Herzegovina, 2009. 2003-Les Etrangères 20mn DV . Musée du jeu de paume ?Inventaire contemporain III Paris 2005 1999- Provisoirement et pour la vie 26mn Hi8 . Cortocinema Rome 1999 . Galerie du Delta Paris 1999 . Rencontres cinématographiques de Cerbères 2007 1997- All along theses lines 5mn 16MM Galeries, Installations Chambres (ou Chagrin) . Festival de films underground de Montréal (MUFF). 2009 Le monde est immense, Alice, Instants d ?après, Les jeux d?enfants . Broken Hill Regional Art Gallery Flexiff Australie 2009 Les jeux d?enfants . namaTRE.ba project, (Independent platform for contemporary art), Trebinje, Bosnia & Herzegovina, 2009.

Medea est un voyage sonore autour de la Mer Noire : une composition à partir d'enregistrements d'ondes hertziennes et de fragments sonores collectés au cours d'une traversée de deux mois par le Collectif Soundwalk le long de la Mer Noire sur un voilier équipé de scanners, d'antennes et de microphones. La diffusion de Medea s'accompagne d'images de Vincent Moon retravaillées en direct. Medea constitue la face sombre d'une pièce sonore de Soundwalk Ulysses Syndrome commencée il y a trois ans sur la mer Méditerranée. Des pièces sonores qui au départ partageaient des similitudes mais pour celle de la mer Méditerranée la référence au mythe d'Ulysse, dont elle reprenait alors le parcours, avait d'emblée été claire et évidente comparée à celle de la mer Noire. Ce titre Medea s'est imposé au fur et à mesure des séances d'enregistrement sur fond obscur de l'honneur rendu par le sang et la vengeance. Les pays abordés dans Medea : la Turquie, la Géorgie, la Russie, la Crimée, l'Ukraine, la Roumanie, et la Bulgarie, portent tous les cicatrices de cette malédiction. La pièce Medea est ainsi la lecture sonore d'une région du monde dont la beauté demeure sanglante et sombre.

Vincent Moon, de son vrai nom Mathieu Saura, est un réalisateur français de vidéo né le 25 août 1979 à Paris.

The film depicts the massacre of civilians in Geum-jeong-gul Cave in Gyeonggi-do in October 1950. This massacre, in which more than 153 people were killed in a village by South Korean military and police, was compensated by South Korean government in 1993 when it became known to the world through the efforts of the victims' bereaved families, but there is still no place for their remains in their home town.

As well as making movies, Kim Mooyoung also creates research-based media art, which is being exhibited in several countries. After four short films, SLOW DAY (2010), CONCRETE (2012), LAND WITHOUT PEOPLE (2016), and DAY AND NIGHT(2017), he directed his first feature film, NIGHT LIGHT (2018), which was invited to Busan International Film Festival 2018 and Seoul Independent Film Festival 2018.

Wild Life 9`21" 2006 Vidéo numérique ?Wild Life? est un film au sujet du sauvagerie du tourisme. Les gens voyagent dans un bateau pendant un voyage dans la Patagonie. La caméra les filment à la façon d?un documentaire à la «national géographique Channel?.

Wagner Morales est réalisateur et plasticien. Il a été résident au Fresnoy en 2004 et, en 2005/06, il a participé au Programme Pavillon du Palais de Tokyo. Il travaille en réalisant plusieurs films d?auteur, documentaires, photographie et installation. Son travail est représenté par la Galerie Virgilio, à São Paulo et ses films et vidéos, ainsi comme installations, sont exposés aux grandes institutions au Brésil, en France et un peu partout dans le monde.

Here and Not is a new film by artist and choreographer Joe Moran that locates the viewer within a dance work. In a stripped back space, nine dancers navigate complex choreographic puzzles through continuous, relentless dancing, unsettling linearity and complicating subjectivities. The camera moves within the dancers and lingers on the periphery of three distinct choreographic phases that are intensified, destabilised and reconsidered through a split screen format. Reconfiguring choreography and proximity to the dancing body, the result is a challenging and refreshingly immediate encounter. First presented as a double-sided projection installation, the then 40-min looped work activated disrupted, multiple, partial viewings by necessitating spectators move around the work to view it. Here and Not is now reimagined as a new work, re-edited as a 15min single-screen film, to premiere in 2024. Here and Not incorporates an extract of Moran’s live work Thirst, wherein two performers navigate a complex, shifting terrain of power, submission, complicity and consent. In a single physical act, one moves from lying to standing to lying, mounted by the other who never touches the floor.

Joe Moran (born 1977) is a choreographer with a wide-ranging practice incorporating touring theatre and gallery works, lecture-performance and curatorial projects. His work tackles contemporary propositions in dance, performance and critical thought. Moran is Artistic Director of Dance Art Foundation where he curated the Foundation’s two-year research programme Why Everyone Wants What We’ve Got and its ongoing Dance Critical Theory Group. He is also a Dance4 Associate Artist, and Sadler’s Wells Summer University Artist (2015–18). Moran lives and works in London. Recent commissions and performances include Sadler's Wells (2019), The Lowry (2019), London Contemporary Dance School (2019), Wysing Arts Centre (2018), Bluecoat (2018) coinciding with the Liverpool Biennial, Kettle's Yard (2018), Sadler's Wells (2017). Moran contributed to the publication 'Who Cares? Dance in the Gallery & Museum' and 'Nothing About Us Without Us', a commissioned essay on artist advocacy published by Siobhan Davies Dance, November 2019.

Materiality Will Be Rethought by British-Irish artist and choreographer Joe Moran was developed as a site-specific live performance before being reimagined as a film work. The work navigates dance’s potential to animate and disrupt architectural space, the physicality of the dancer’s voice and the moving body as a site of political unrest and complex subjectivities. Materiality Will Be Rethought was commissioned by Whitechapel Gallery, London, in dialogue with the exhibition Carlos Bunga: Something Necessary and Useful (on display at the gallery 21 Jan – 6 Sep 2020). It is performed by dancers Temi Ajose-Cutting, Thomas Heyes (Blackhaine), Sean Murray and Eve Stainton, and created in collaboration with editor Sue Giovanni and cinematographer Alana Mejía González.

Joe Moran is a British-Irish artist and choreographer based in London with a wide-ranging practice incorporating theatre and gallery performance works, critical writing, curatorial projects and drawing. His work centres the body and embodied presence as a site of complex subjectivities and political unrest, with queering frequently deployed as its principal critical strategy. His work is informed by a background in improvisation and experimentation, and a fascination with the problems and opportunities of formal choreographic composition and notions of expanded choreography. Joe is Artistic Director of Dance Art Foundation through which his performance and curatorial work is produced and has worked internationally as a dancer with choreographers Deborah Hay (USA), Stina Nyberg (Sweden) and Siobhan Davies (UK) amongst others. Recent commissions and performances include Whitechapel Gallery (2020), Sadler’s Wells (2019), Nottingham Contemporary (NottDance, 2019), The Lowry Galleries (2019), London Contemporary Dance School (2019), Wysing Arts Centre (2018), Bluecoat (2018) coinciding with the Liverpool Biennial, Kettle’s Yard (2018), Sadler’s Wells (2017), Delfina Foundation (2016), ICA (Block Universe/ fig-2, 2015) in collaboration with Eva Rothschild and David Roberts Art Foundation (Frieze Art Fair, 2014). Notable collaborations include with composer Kaffe Matthews, editor Sue Giovanni, visual artists Eva Rothschild, Carlos Bunga and Magali Reus, and dancers Temitope Ajose-Cutting and Andrew Hardwidge. Joe contributed a chapter to the publication?Who Cares? Dance in the Gallery & Museum, wrote Materiality Will Be Rethought, an essay on dance and the exhibition space for the Whitechapel Gallery Carlos Bunga exhibition catalogue and Nothing About Us Without Us, a commissioned article on artist advocacy published by Siobhan Davies Dance in its inaugural Material journal.

Relying on oral and fragmentary histories, ‘I Am Also Part of the Three Turns’ traces the effects of a destructive earthquake in Bucharest and a concurrent flood it caused in a small town in Buzau, during a period of nationalistic urbanization in Communist Romania. In the capital, the destruction was seized as an opportunity by the authoritarian government to further raze large swaths of the city, invoking the earthquake as a mythological force in order to strategically replace rubble with new Soviet-bloc housing projects. Employing allegory as narrator, the film sketches a series of political congruences throughout a patchwork of intertwined landscapes, teasing out a temporally irresolute past that defies the linear cause-and-effect of both environmental disaster and authoritarian political repression.

monica maria moraru is a visual artist and filmmaker working between moving-image, sculpture, installation, and sound. Her multimedia work searches for cinematic referent across a wide range of materials. Across mediums, her work seeks to tease out entangled personal and political histories, searching for sensorial and cinematic resonances across a patchwork of temporal, relational and political histories.

Ni pirate ni corsaire mais libre.
Copyleft : cette vidéo est libre, vous pouvez la copier, la modifier, la transformer selon les termes de la Licence Art Libre. http://artlibre.org

Antoine Moreau, artiste peut-être, Docteur en Sciences de l`Information et de la Communication, initiateur de Copyleft Attitude et de la Licence Art Libre. http://artlibre.org

La vidéo Less is More or documente l’intervention in situ réalisée à l’intérieur du Toronto Dominion Centre, complexe architectural conçu à l’origine par Mies van der Rohe. Revisitant l’aphorisme de l’architecte, ce projet procédait par une activation des lumières des bureaux à l’intérieur des édifices. Le tournage aérien, construit en deux plans séquences, joue sur le caractère hypnotique des images afin d’interroger les codes spectaculaires de l’industrie cinématographique. Depuis 2010, Aude Moreau développe un vaste programme de recherche qui part de l’hypothèse que si le rétrécissement de l’espace public passe par l’utilisation du vocabulaire économique pour décrire nos réalités quotidiennes, alors, la résurgence du politique passe par l’infiltration sémantique de l’architecture qui abrite cette construction du langage. Ce cycle de travail a mené à l’élaboration de quatre projets d’intervention in situ qui ont en commun d’agir à l’intérieur de l’architecture corporative du gratte-ciel, sur la lumière qu’elle émet dans la ville et d’investir la réalité géographique de l’activité économique et financière où circulent les flux déréalisés et dématérialisés de la production. Les projets d’intervention in situ Sortir, La ligne bleue, THE END in the background of Hollywood et Less is More or, sont autant de signes lumineux qui appellent à une reterritorialisation du politique dans la ville organisée comme spectacle.

Depuis les années 2000, Aude Moreau développe un corpus d’œuvres combinant sa double formation en scénographie et en arts visuels. Détentrice d’une licence en arts plastiques de l’Université Paris VIII, elle a complété une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal en 2010. Son travail récent a été présenté à la galerie de l’UQAM, Montréal, Canada ; à la galerie The Power Plant, Toronto, Canada ; au Casino Luxembourg - Forum d’art contemporain, Luxembourg ; au Centre culturel canadien, Paris, France ; à Anthology Film Archives, New York, États-Unis ; au RISD Museum, Rhode Island International Film Festival, Providence, Etats-Unis; au Fresnoy, studio national des arts contemporains, Tourcoing, France. Ses oeuvres font notamment partie des collections du Centre canadien d’architecture, du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée d’art moderne du Luxembourg (MUDAM), et de la Banque d’art du Conseil des arts du Canada. Elle est récipiendaire du prix Louis Comtois de la Ville de Montréal, 2016, de la Bourse Claudine et Stephen Bronfman et du prix Powerhouse, 2011. Des comptes rendus critiques sur sa pratique ont été publiés dans les revues Esse, Espace et Art Le Sabord. Aude Moreau vit et travaille à Montréal.

À la suite d’un promeneur solitaire, PARC mène d'abord le spectateur dans des sensations agréables, le pousse vers ses émotions, dans une sorte d’élan romantique estival. Puis des jardiniers « en insertion » habillés en orange surgissent dans les tableaux paysagers très composés. La réalité contemporaine s’impose : violence des rapports de domination, ineptie/absurdité du travail, désespoir et mal-être social, mais aussi résistance passive. Containers et routes nationales envahissent le décor. La fin du film est marquée par une atmosphère onirique, brumeuse, avec le retour de la voix du promeneur du XVIIIème siècle qui ouvre à la possibilité d’un renouveau : le goût de la nature et la pensée rationnelle peuvent se nourrir l’une l’autre et nous aider, peut-être, à sortir des logiques marchandes.

Après des études d’histoire et de philosophie, Delphine Moreau se passionne pour le documentaire de création qu’elle explore d’abord via l’anthropologie visuelle. En 2009, elle obtient avec La Société des Arbres le Prix du Public au festival Premier Doc ainsi que le Prix du Meilleur Documentaire aux Rencontres Cinéma Nature. Elle réalise pour France Télévisions une série de courts métrages documentaires, Saisons forestières. Puis Marmites Khmères est sélectionné dans de nombreux festivals ethnographiques internationaux. Avec Les Gens du sucre, morceaux d'histoires, elle obtient la Plume d’or au festival L’ici et l’ailleurs. Le film est sélectionné dans des festivals comme le FIGRA et par Images en Bibliothèques. En 2021, elle co-réalise (avec Marie Famulicki et Corinne Sullivan) En Terrain Libre, une comédie musicale et documentaire (prix de la meilleure réalisation du festival Les sportives en lumière de Nice, sélection au festival du FFIDH de Genève, Les Écrans documentaire d’Arcueil, FIPADOC de Biarritz, Docs au féminin de Rennes, festival Résistances à Foix…) Avec PARC, elle questionne notre lien à la nature et aux utopies sociales et politiques. Parallèlement, dans une logique de créativité partagée, elle mène des ateliers d’éducation artistique qui donnent souvent la parole aux femmes.

Il Capovolto was filmed in a resort in northern Sardinia called Costa Paradiso. It was founded in the 1970s as an exclusive holiday resort for celebrities. Michelangelo Antonioni and actress Monica Vitti lived together in an iconic house nicknamed La Cupola, one of the first residents of the resort, a concrete dome designed by architect Dante Bini, now in a state of semi-ruin. The footage includes scenes from an abandoned Garibaldi military base on the small island of Caprera, in the archipelago of La Maddalena, also in northern Sardinia. The skewed and fragmented narration leads us through a fictional detour to a kind of ghostly figure inspired by the actress Monica Vitti, who lived in La Cupola during the filming of Il Deserto Rosso (1964). The video refers to this film by borrowing sounds from its famous sequence shot in Sardinia. That sequence gives us a glimpse of a utopia that the characters would have wished to achieve, but which by definition will never be. Il Capolto posits a pantheism where everything - the realised and the unrealisable - is connected holistically, or where everything can be seen upside down.

Anna Moreno is a visual artist working between Barcelona and The Hague. Her artistic practice is research-based and focuses on the unfinished nature of events, while questioning the processes of documentation during post-production. It encompasses concepts of finance, utopian architecture and speculative literature in the form of installations, films or events. Moreno has been in residence at the Jan Van Eyck Academie, (Maastricht, NL), Hangar (Barcelona), SASG (Seül), HIAP (Helsinki), Salzamt (Linz, AT) and Cittadellarte (Biella, IT). Her work has been exhibited internationally at Art Brussels, MOCAB (Belgrade), SAS Geumcheon (Seül), Fundació Joan Miró (Barcelona) and 1646 (La Haia), among others. She is co-founder of the Helicopter space in The Hague, where she has taught artistic research at the Royal Academy of Art and designed seminars internationally. She is currently a lecturer at BAU (Barcelona). Moreno has received support from Mondriaan Fonds, Stroom Den Haag, Fundació Botín, Ramón Llull, Institut de Cultura de Barcelona, and Prins Bernhard Cultuurfonds, among others.

"Plastic, Marble and Helicopters" (2020) est l'aboutissement d'une enquête d'un an sur Global Tools, un projet pédagogique pionnier lancé en 1972 par plusieurs studios d'architecture appartenant au mouvement du design radical italien, dirigé par Ettore Sottsass. Avec le soutien de Poltronova, entreprise italienne de design de mobilier haut de gamme, Anna Moreno a conçu et fabriqué un canapé modulaire en quatre parties, qui a ensuite été utilisé comme accessoire de performance au Space Electronic Nightclub de Florence lors de l'événement célébrant le 50e anniversaire de son inauguration. La discothèque florentine était le l’espace underground où Global Tools a réalisé plusieurs de ses expériences fondatrices, évoquant le corps comme forme ultime d'architecture, un lieu au potentiel politique et créatif caché. L'ironie de la proximité du groupe pro-marxiste avec le marché du mobilier de luxe n'échappe pas à Moreno.

Anna Moreno est artiste visuelle et chercheuse. Originaire de Barcelone (Espagne), elle habite actuellement à La Haye (Pays-Bas). Sa pratique prend la forme d'installations, de films, de performances, de bandes sonores, d'objets et de publications. Elle cherche à séparer notre imagination du présentisme actuel à l'aide de la fiction spéculative. En reproposant des architectures utopiques des années 70, Moreno utilise des outils conceptuels tels que les histoires parallèles, la synchronicité, l'urbanité performative, les discours architecturaux et les enchevêtrements sociaux. Elle a exposé à l’international et a participé à des résidences, notamment au SASG – Seoul Art Space Geumcheon (Corée du Sud), à la Cittadellarte - Fondazione Pistoletto, Bielle (Italie) ou à la Jan Van Eyck Academie, Maastricht (Pays-Bas). Elle a récemment reçu la bourse Botín pour les arts visuels, à Santander (Espagne), et a été sélectionnée pour la prochaine Biennale de Yinchuan (Chine). L'enseignement et les conférences ont un impact bidirectionnel sur sa pratique artistique. Elle a enseigné la recherche artistique à la Royal Academy of Art de La Haye (Pays-Bas) et a développé des programmes pour des institutions d’éducation aux Pays-Bas comme à l'étranger. En 2013, elle a cofondé le collectif d'artistes Helicopter à La Haye (Pays-Bas), un espace indépendant qui s’intéresse aux notions de marge et de périphérie dans la performance, le son et la discussion.

La numérisation des médias présente une occasion d'interroger et de comprendre notre culture par le remixage de ses produits. « Citizen 3.0 » examine la relation entre les médias, la technologie, la culture et la démocratie à travers le prisme du droit d'auteur. Ce documentaire utilise et interroge l?exception de l'usage loyal des droits d'auteur, qui permet aux créateurs d'utiliser des ?uvres protégées sans autorisation ni paiement. Si cette opportunité réussit à être acceptée comme la saine évolution d'une tradition de liberté d'expression ou rejeté comme violation de la propriété privée est une question dont la subtilité voile l?importance.

« Citizen 3.0 » (2008) est le deuxième film que les Morfoots ont réalisé ensemble. Leigh Morfoot a obtenu un BA en études afro-américaines et en littérature anglaise à l'Université de Virginie (USA) et une maîtrise en études médiatiques à la New School University. Jason Morfoot a un diplôme en droit de l'Université Emory et est diplômé en histoire au Trinity College.

Manuela Morgaine SCRATCH THE WORLD ERASE THE BORDERS – a collective artwork for Bienal Sur 2021 (Argentina) Une oeuvre collective pour Bienal Sur 2021 (Argentine) Une main traverse le monde, le révèle et l’efface à la fois. Son utopie consiste à tenter d’effacer toutes les frontières.

Manuela Morgaine est écrivain, plasticienne, metteur en scène de théâtre et de cinéma. Prix de Rome en scénographie, elle dirige Envers Compagnie, qui se consacre depuis 1991 à la production d’œuvres pluridisciplinaires. Elle est l’auteur d’une dizaine de livres et de plusieurs Ateliers de création radiophonique diffusés sur France Culture. Elle a prêté sa voix pour le cinéma et la télévision, a réalisé des films parmi lesquels FOUDRE (2013) et POUR WAAD (2021) ont reçu une reconnaissance internationale. Elle a récemment fait une série de performances à la Galerie Maubert, au Musée Picasso et à la Fondation Brownstone (Paris). Elle fait partie depuis 2020 du collectif d’artistes de THE CROWN LETTER un collectif d’artistes femmes à travers le monde qui publie une lettre par semaine depuis le début de la pandémie. Elle travaille actuellement sur ORAKL, une performance de glace et de paroles et sur un long métrage ADIEU un film d’un mot.

Animation Super 8 d'une partie de carte avec un petit quelque chose de spécial dans le thé.

Asa Mori est née à Nagano au Japon et vit actuellement à Vancouver. Elle a obtenu un BFA du Nova Scotia College of Art and Design, en travaillant principalement sur l'installation média et l'animation. Elle eu son premier animal de compagnie à l'age de six ans, un lapin appelé "House". House est mort tragiquement une semaine plus tard.

La vidéo Les oiseaux a été créée suite à l’invitation à exposer à Memento, centre d’art installé dans un ancien monastère carmélite à Auch (32). Les religieuses y vivaient recluses et silencieuses, la plupart du temps confinées dans leurs cellules exiguës. Les traces de cette histoire dans le bâtiment m’a incité à me poser la question de l’imaginaire spatial de ces personnes isolées, lié à leur vie d’avant ou leurs fantasmes. J’imagine un effritement de la mémoire des lieux qui chaque jour perdent un peu plus de leur détails et définition. Ainsi la voix off, qui défile sous forme de texte comme une voix intérieure, commence par décrire ce monde silencieux, l’isolement. Sous forme de quête ou de punition. Les images de la recluse et de l’ermite se croisent pour assez vite amener au thème de la fuite. Fuite de l’humain face à ses responsabilités, fuite en avant dans le divertissement et l’usure des ressources jusqu’à finalement disparaître. Cette voix off, c’est celle d’une humanité couarde et avide qui raconte son histoire par bribes depuis une sorte d’au-delà. Les images (tournées en Grèce, France et Belgique) montrent des lieux d’exploitation des ressources naturelles et énergétiques, de production industrielle de nourriture, des infrastructures de mobilité et des moyens de transports plus ou moins opérants, ainsi que des sols nus et inhospitaliers. Il y a aussi quelques nids et objets trouvés dans les greniers du monastère qui tournent sur un plateau comme des objets de télé-achat. C’est un travail profondément pessimiste et mélancolique qui regrette l’effondrement à venir. Il pose la question de la culpabilité face à cette catastrophe imminente, de la répartition des responsabilités. Il traduit aussi un questionnement personnel mais partagé par beaucoup sur les moyens de s’organiser pour les années à venir et tenter de s’adapter, de prendre soin de soi, des autres et de ce qui reste.

J’ai étudié les Beaux-Arts à Nantes, dont j’ai été diplômé en 2007. C’est pendant ces études que j’ai commencé à m’intéresser aux paysages modelés par l’homme et leur artificialité, la présence du décor dans notre environnement quotidien, au collage et au montage comme moyen de créer des tiers lieux, au rapport entre documentaire et fiction, à la consommation de l’espace à travers les loisirs et le tourisme. J’ai ensuite profité d’une bourse post-dîplôme de cette même école pour séjourner 1 an à Miami, afin de poursuivre mes recherches. J’y ai tourné des vidéos qui ont pour point de départ l’observation des emprunts culturels et stylistiques dans l’architecture de la ville (Pardon our Dust et Le Monastère Espagnol). La même année (2009), j’ai été lauréat du Prix des Arts Plastiques de la ville de Nantes. Fin 2010, j’ai intégré le Fresnoy à Tourcoing et réalisé Opa-Locka will be beautiful, un “conte documentaire”, sur une banlieue de Miami construite dans un style des Mille et Unes Nuits dans les années 1920 avant de devenir un ghetto afro-américain rongé par le crack dans les années 1980. Pour la seconde année du cursus, j’ai créé Panorama 14, un diorama de science fiction dans lequel des maquettes d’architecture et de canyon se retrouvent plongées dans une véritable tempête de sable. Pour ces deux projets, on retrouve mon intérêt pour les paysages extrêmes, les collages spatio-temporels, les faux-semblants et un rapport ambiguë entre réalité observable et récit. En 2014, à l’invitation du Festival Hors-Pistes au Centre Pompidou, j’ai proposé La dérive des documents, une conférence performée, une forme spectaculaire autour de sources documentaires liée à mes travaux précédents. À la fin 2014, j’ai réalisé La terre vue du ciel ma première exposition personnelle à Tlön (Nevers), dans laquelle la vidéo s’intègre à un décor qui transforme le lieu. On retrouve ce type d’installations ou de mises en scène immersives dans d’autres expositions personnelles, comme On top of the Lake (à Stadio, Vevey en 2015) ou Le Grand Théâtre (à Silicone, Bordeaux en 2016). En 2015, je suis devenu papa, ce n’est pas rien... Juste avant, j’ai participé à deux résidences, Fieldwork à Marfa (Texas) et au centre archéologique gallo-romain de Bibracte qui me permettront de réaliser la vidéo The Promised Lawn (2016) où se dessinent les conséquences possibles de l’épuisement des ressources planétaires par notre civilisation. Cette vidéo aborde des thématiques écologiques et économiques que l’on retrouve régulièrement dans mon travail depuis. Les formes et produits générés par les industries du tourisme et des loisirs est également un sujet de travail récurent. Les problématiques liées aux déchets, rejets et résidus sont aussi de plus en plus présentes. En 2019, j’ai réalisé la vidéo Les Oiseaux, tournée en Grèce, en France et en Belgique, qui poursuit sur le mode du récit anticipatif des interrogations sur le devenir de l’espèce humaine sur une planète surexploitée. Depuis 2020, je travaille notamment à des nouveaux projets vidéo qui se concentrent sur des paysages crées par les activités d’extraction et de production, en observant plus précisément les rejets et résidus qu’elles produisent.

Cette vidéo a été tournée en Arizona, dans différents parcs naturels (Painted desert, Petrified forest) ainsi qu?à Biosphere 2, centre d?étude scientifique où 4 écosystèmes et climats ont été artificiellement reconstitués sous une serre située en plein désert. Le montage et la voix du guide de Biosphère 2 construisent un documentaire de science fiction, absurde mais inquiétant. Cela laisse supposer que ces paysages immenses ont été générés par Biosphere2.

Armand Morin Né à Nevers en 1984 Vit et travaille à Lille Armand Morin a été diplômé des beaux-Arts de Nantes en 2007. Son travail s`approprie les diverses formes générées par le monde des loisirs, liées au paysage et à l`architecture. En 2008, ses vidéos et sculptures sont récompensées par le Prix des arts plastiques de la ville de Nantes. En 2009, l`école des Beaux-Arts de Nantes lui propose une bourse pour poursuivre ses recherches à Miami, dans le cadre du groupe de recherche "Pensées Archipéliques" qui s`intéresse au rapport entre l`art, la ville, le multiculturalisme et la mondialisation. Il y tourne les vidéos "Pardon our Dust" et "Le Monastère Espagnol" qui interrogent le rapport de Miami à son territoire et les emprunts culturels européens que l`on retrouve dans son architecture. Il commence à la rentrée 2010 le Cursus du Fresnoy, studio national des arts contemporains.

La vidéo "Keep off displays" a été tournée au Nouveau Méxique, à "Missile Range", une base militaire où ont été effectués dans les années 40 les premiers essais nucléaires. La vidéo s`attarde plus précisément sur une partie ouverte au public appelée "Missile park". Ce musée du missile propose soixante ans d`une histoire de l`armement balistique américain. Entre une réplique de la bombe H, un V2, de drônes, et le public touristique;un véhicule radiocommandé se ballade sans fin sur les allées de cette mise en scène spectaculaire. Celui-ci imite le déplacement des "Rovers",robots récemment envoyés sur mars par la NASA . Sur ce site l`histoire se déroule et se raconte avec naïveté et cynisme, dans le culte du progrès et de la performance, au mépris des implications humaines et géopolitiques les plus évidentes. Dans ce Disneyland, "Pluto" a le museau équipé d`une tête chercheuse...

Qu`il se développe sous forme de photographie de vidéos, de sculptures ou d`installations, mon travail s`interroge sur les divers moyens de représentation qui donnent naissance au paysage et dans un sens, les amorces de fictions que ces représentations matérielles ou mentales engagent. Cette pratique a pour origine diverses expériences, promenades et rencontres avec des lieux et des situations qui seront dans un premier temps documentées puis réinvesties dans des dispositifs combinant des souvenirs, des matériaux prélevés et une imagerie collective. Des séquences, du montage, de l`assemblage. Je m`intéressent particulièrement au formes produites par les lieux et les industries de consommation du temps libre, des loisirs, aux pratiques amateurs. Ces situations sont propices à la modélisation, au changement d`échelle, aux basculements sémantiques, à la naissance de récits populaires du monde. Je viens d`être diplômé (juin 2007) de l`École des beaux-arts de Nantes, ou je vis et travaille.