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L'histoire de "The Golden Wish" est liée à la proposition du gouvernement de gauche danois d’autoriser la police à saisir les bijoux et les objets de valeur des demandeurs d'asile à leur arrivée dans le pays. Ces bijoux et objets de valeur serviraient à financer le logement et la nourriture des nouveaux arrivants. Dans le cadre de ce projet, je me suis rendu en Irak, et ai visité deux grands camps de réfugiés à l'extérieur de Sulaymaniya. Ces camps s'appellent Arbar et Barika, et sont situés à 29 km au sud-est de la ville de Sulaymaniya. Ils comptent 32 000 réfugiés au total. J'ai exploré leurs marchés locaux, et j'ai contacté des bijoutiers et particuliers dans la région. J'ai ensuite acheté leurs bijoux en or, les ai fondus et moulés pour en faire une installation textuelle, sous la forme de la phrase: "Everything will be ok" ("Tout ira bien").

Je suis artiste et travaille dans les domaines du dessin, de la peinture, de l'installation, de la vidéo, et du film. Dans plusieurs de mes œuvres, j'ai travaillé sur mes propres expériences en tant que réfugié kurde, ces expériences pouvant fournir des connaissances à propos de questions universelles liées à la situation d'un être humain en fuite. Originaire du Kurdistan irakien, j'ai suivi une formation artistique de cinq ans avant de fuir à cause des persécutions en 1997. Après une fuite difficile à travers 11 pays, je suis arrivé en Norvège en décembre 1999, et j'y ai terminé mes études d'art.

Un "slow" du cinéma classique sur la musique de Zelany Rashoho.

AV = deux artistes vidéastes de Saint-Petersbourg, en Russie. "Dubus" est un début.

Portugal’s Serra da Gardunha is a mountain known for the paranormal. Where before it was revered as a site of saintly apparitions, nowadays it is known for alien sightings, with rumours of a UFO hangar hidden inside it. Atmospheric and dream-like, Our Lady Who Burns guides us through this mountain and an intergenerational lore of infatuations. In parallel, two friends lament the pregnancy of their old cat, speculating on whether the mystical energy of the mountain might be able to interrupt its gestation. Shot on 16mm with an small and intimate crew, Our Lady Who Burns is a personal voyage through the biographical landscape of the director, for whom the presence of the otherworldly, the geology of the territory, and a biography of unwanted bodily gestation are expressed through acts of cinematic apparitions.

Alice dos Reis, born in 1995 in Lisbon, is a visual artist and filmmaker, and has a Masters in fine arts from the Sandberg Instituut in Amsterdam. In 2019, she won the Novo Banco Revelation prize for young artists, and in 2018, she won the VISIO Young Talent Acquisition Prize. She was also a recipient of Foundation Botin Visual Arts Grants (2022-2023), and previously, the Mondriaan Fonds Stipend for Young Artists (2020-2021)

"DENSITY 1" est une vidéo sensorielle sur le déplacement, le temps et l'espace. Elle tente de saisir l'essence des espaces temporels que l'on chasse si souvent avec insouciance. La relation entre audio et vidéo est intensifiée par sa transmission flatteuse et subconsciente des ses caractéristiques fondamentales. Dans l'ensemble, cette ?uvre pose une réflexion sur la nature éphémère de la mémoire à long terme, et sur la manière dont ses représentations sont déformées à travers l'environnement, l'expérience et le tempérament d'un individu.

Patrick Doan réside actuellement à Montréal, Canada, et étudie le design à l'Université de Concordia. Se spécialisant dans l'animation numérique, son travail se caractérise par une étude de la relation existant dans l'information numérique, l'espace et le paysage urbain. Ayant beaucoup travaillé dans le graphisme, son travail cumule compositions cinématographiques et traitement typographique. Depuis 2001, il réalise des ?uvres chez DEFASTEN, un débouché créatif et une réserve d'?uvres de clients.

Hidden in Plain Sight was commissioned by the Centre d’art et photographie de Lectoure. The film is based on fragments of Robert Bresson’s acclaimed film Pickpocket (1959). The work re-enacts short scenes from Bresson’s film in which the protagonists rehearse and perform the techniques that pickpockets use to avoid being caught. Accompanied by a voiced script written from the intimate perspective of one of the characters, the work was shot in the studio with a small group of non-professional actors. The film reflects on the position of the actor and the thief both of who rely on the arts of mimicry and deception. My interest in the figure of the pickpocket as represented by Bresson’s film was partly informed by about thinking about the banking industry and its routine use sleight of hand and misdirection to acquire what rightly belongs to us. Hidden in Plain Sight was originally conceived to be screened alongside a voice over performed live by an actor standing by the screen. It can also be shown as a projection work only where the voice over is made integral to the soundtrack of the film.

Sarah Dobai is an artist based in photography and film. Over recent years her production has also extended into publication and performance. The work engages with realism, artifice and illusion in relation to pictorial or cinematic conventions. Recent exhibitions and projects include the artist’s book The Overcoat, (Four Corners Books, Raven Row), The Vanishing Point in History, Centre d’art et photographie de Lectoure with Matthew Buckingham, Lina Selander and Eric Baudelaire. Her performance Study was commissioned by Whitechapel Art Gallery, London and Spike Island, Bristol. The film Twenty Second Hold will be shown next year at Bristol Museum and Art Gallery. The fixed frame 16mm work Nettlecombe showed both as an installation and projected work at multiples venues internationally including Tate Modern, FACT Liverpool, Site Gallery (Sheffield), Dundee Contemporary Arts, Kamloops Art Gallery, Canada, Kuandu Museum of Fine Art, Taipei. Other exhibitions include Theatres of the Real, Antwerp FotoMuseum, Darkside II, FotoMuseum Winterthur, Sarah Dobai: Photographs & Film works, Kettles Yard, and Above the City, Artist’s Space (solos), New York. Dobai completed a Masters in Fine Art at the University of British Columbia studying under Jeff wall and Mark Lewis. She lives and works in London.

Peut-on, par les moyens du cinéma, figurer la guerre ? Cette question en ouvre mille autres, comme la guerre elle-même porte mille masques. La guerre ici, c?est celle des Balkans dans les années 1990 : une guerre Européenne, anachronique, dans laquelle les charniers et les camps de concentration contrastent avec l’arsenal high tech des conflits modernes, et surtout une guerre médiatisée dont les images insoutenables sont devenues banales dès que diffusées sur les écrans de télévision. Analyse rebattue ? Certes non : pour redonner aux images et aux témoignages leur puissance perdue, mais aussi à chacun ses responsabilités dans un monde où le mal n’est pas le seul fait des criminels de guerre, Selma Doborac, dans ce premier long-métrage, entreprend avec rigueur extrème de questionner toutes les manières possibles de faire un film sur la guerre. Aux images de charnier se substituent celles, moins spectaculaires, filmées en vidéo par les combattants eux-mêmes, ou des plans tournés en 16mm montrant des maisons abandonnées, rendues à la nature, appartenant aussi bien au présent qu’au passé. Décomposant la fabrication de l’image de guerre par une suite de questions qui s’enchéssent sans fin, sous forme de sous-titres envahissants ou d’une voix-off aux faux airs de bulletin d’information, le narrateur démonte du même coup les mécanismes de perception, de compréhension, de mémorialisation, et même tout simplement de communication : remettant en cause jusqu’au langage cinématographique et transformant le film en une expèrience unique, à la fois théorique et autobiographique. (C.G.)

Selma Doborac est née en 1982 en Bosnie-Herzégovine. Elle reçoit le prix Georges De Beauregard International et une mention spéciale pour le prix du premier film lors du FID Marseille 2016 pour cette oeuvre.

DODO est né au cours de l'hiver de l'année 2003 en tant qu'expérience expérimentale et a conclu sur la création d'un film colossal composé de 90 scènes, à la fois autonomes et liées par leur style et leur contenu. Le film, crée en un an et demi par les sept DODOS est le résultat d'un mélange entre des éléments laissés au hasard et des éléments de pensées : quelques scènes ont été développées par des situations éventuelles qui se présentaient d'elles-mêmes ; d'autres sont nées d'intuitions individuelles, et furent par la suite planifiées et montées. Le film représente le monde vu par les yeux de DODO, qui se focalise sur la contemplation de la nature - avec une succession de visions atmosphériques, physiques et métaphysiques--- sur l'observation d'objets manufacturés - les moyens utilisés par l'homme pour intervenir sur la nature et communiquer avec elle - et sur une enquête sur l'homme, qui est souvent un acteur inadéquat, marginal et ignorant, et en même temps capable de crever des surprises avec sa beauté désarmante.

DODO (dans l'ordre alphabétique) Simone Facchinetti Seriate, né à Bergamo le 7 décembre 1977, il est graphiste. En septembre 2003 il co-crée l'agence de communication visuelle (visual communication agency &1 lab. (andonelab.com) Michela Facchiro né à Bergame 1er février 1981. Il étudie l'anthropologie. Il s'intéresse aux films. Depuis 2003, elle a réalisé nombre de courts métrages : Voir Le Jour, en noir et blanc, Il Trittico Della Visione Di P., Ces deux dernières ?uvres ont été produites avec Luca Ferri. En mars 2005, il a collaboré à la réalisation de "15°African, Asiatic and latin America Movie Festival" organisé par ONG C? - Centre d'orientation éducative de Milan. En 2005-2006, il est bénévole au C?, et en mai-juin 2006 elle participera à l'organisation du concours et à l'exposition de courts métrages "Corpotere V" qui est organisée chaque année à Bergame par l'association "Fidelio" Luca Ferri né à Bergame 16 avril 1976. Il travaille avec des mots et des images. Ses travaux dans le domaine littéraire sont : 30 Personaggi In Previsione Dell?estate (Lubrina Editore, 2002), Il Suicidio Di Amerigo Vezzi (Edizioni Pulcino Elefante, 2003), Cappa Caballo (2003 inedito), La Circonvuallazione Di Broca (2005 inédit). Ses travaux dans le domaine cinématographique sont : 4 (court métrage, 2002), Movere Educere Billiardo (court métrage, 2005), Fiori Di Broca (court métrage, 2005), Dodo Animale Inetto Al (long métrage, 2005), Scano Boa (court métrage, 2005). Annamaria Materazzini se divise et se multiplie elle-même entre deux villes. La plupart du temps elle pense. Marinella Tasca est née le 7 décembre 1978 à Bergame. Elle travaille sur des matériaux qu'elle porte (www.marinellaconfezioni.it) et sur l?éducation environnementale. Vittorio Turla Rovato est né à Brescia le 30 mars 1975. Il a toujours rarement dessiné. En 2002, il cofonde le "studiocharlie", un groupe de designers graphique (www.studiocharlie.org). Riga Zingonia est né à Bergamo, le 27 août 1976. Il s'intéresse à la photographie, la vidéo et d'autres choses. En 2002 il cofonde le "studiocharlie" (studiocharlie.org). Ses vidéos les plus importantes : Short Experimental Videos (1999-2001, plusieurs auteurs), Polvere (2003, installation vidéo, studiocharlie), No Comment (2003, film), Fiori (2004, vidéo), Speranza (2005, petit documentaire), 1208 (1000-2006, court métrage, avec LP).

Blackface in a film about a secret war Experimental SA documentary challenges hidden memories of a faraway and forgotten fight Blackface and South Africa’s secret border war are exposed and explored in a poignant and troubling new film by Christo Doherty and Aryan Kaganof, which was shown in Cape Town and Joburg (South Africa) for the first time in June 2016. For 23 years from 1967 to 1989, young white men were conscripted to kill and die for apartheid during a long deadly war on the border of Namibia and Angola. In 2011, Doherty presented his ground-breaking BOS exhibition of constructed miniature models and blackfaced conscript portraits based on the rare photographs leaked from the conflict zone, often at great risk to the photographers at the time. Described by its directors as an ‘experimental psychic documentary’, Lamentation is a filmic response to Doherty`s BOS exhibition of physical suffering,traumatic memory and the border war. Doherty and Kaganof’s 18-minute film is a formal meditation on the traumatic memory of an illegal war in which tens of thousands of young white South African men were forced to participate and uncounted numbers of black Namibians were killed or injured. It is a contemporary attempt to explore one of the unexamined aspects of apartheid’s military misadventures, a conflict which killed and injured unknown numbers of civilians and well as soldiers and left a generation of men and women traumatised on both sides of the conflict. The film makers are not afraid to challenge and to shock. And they stress that the film is about memories and understanding for all participants and victims of the border war, not only SA soldiers. Lamentation’s delicate musical score, by leading South African composer Michael Blake, accompanies the camera’s slow movement up the uniformed chest of a solemn white model with painted black face, cutting to scan a miniature scene showing the mutilated corpse of a black Namibian civilian alongside an armoured SA military vehicle. Throughout the film, the disconcerting and shocking imagery is presented through an insistently choreographed interplay of cinematography and sound design. “We know this is difficult material, but interpreted and constructed images in art are an important way to reflect on a war which we don’t think South Africa has fully dealt with,” Doherty says. “Many white men, including myself, firmly shut the door on their army days, yet the SADF was a dark formative experience which we need to expose and understand.” White soldiers: black faces The filmmakers’ portrayal of white men in brown army uniform with black faces sparked controversy in South Africa, but the use of this make-up was a survival mechanism in the war. The blackface device in the film and in BOS is based on the combat body paint used as camouflage in the Angolan bush by apartheid’s soldiers, ironically known to the white troops as ‘black is beautiful’. “White faces painted black are currently taboo, but were very much part of a conscripted white soldier’s experience during South Africa’s war in Namibia and Angola,” Doherty says. The photographs in BOS, and now Lamentation, use re-enacted representations of this wartime practice, together with miniature reconstructions of scenes of battle and violence, to probe the psychological and ethical transformation of young men who joined in an involuntary battle against a hidden enemy. Beautiful music: origins of a difficult film The film emerged through Doherty and film-maker Aryan Kaganof`s mutual involvement with the hauntingly beautiful music by South African composer Michael Blake, Tombeau de Mosoeu Moerane(2011) for soprano birbyne and 5-track (or 2-track) tape. Written in homage to the little-known South African black composer Mosoeu Moerane, the film score features Lithuanian clarinet virtuoso Darius Klysis playing the birbyne, a simple keyless wooden wind instrument. The conclusion to the film is underscored by an extract from another composition by Michael Blake, his String Quartet No 1, performed by The Fitzwilliam String Quartet. Cinematographer Eran Tahor’s beautifully choreographed and achingly-slow camera movements match the cadences of Blake`s music and provide a powerful visual sense of the isolated and estranging experience of South Africa’s war on a distant and dangerous border. The editing and sound design by Aryan Kaganof bring together the music and the cinematography with strands of found audio, including a voice softly singing fragments of "Die Stem van Suid Afrika", the old National Anthem.

Christo Doherty Christo is Associate Professor of Digital Arts in the Wits School of Arts at Wits University. He is a photographer and artist with a keen interest in the visual representation of conflict and trauma. He was conscripted into the apartheid army at the age of 17. Aryan Kaganof Aryan Kaganof is a South African film maker, novelist, poet and fine artist. His extensive filmography includes Threnody for the Victims of Marikana, Decolonising Wits, Western 4.33, and Nicola’s First Orgasm. Aryan left SA aged 19 to avoid conscription into the apartheid army.

A cet endroit le temps n'existait pas. Tout était continue. Le temps lui manquait, il ne lui avait pourtant pas fait de cadeau, le seul qu'il put donner était la mort. La mort était partout. Il se sentait triste, misérable, invisible, il cherchait la vie... Le portrait d'un globe-trotter aux quatre coins du monde : Shanghai, Marrakech, Rotterdam, Kabelväg.

Karel Doing(1965, Canberra, Australia) réalise des films poèmes sous diverses formes, documentaires personnels, musique visuelle, contes de fées, et étend ses projets de cinéma. Il vit et travaille à Rotterdam( Pays-Bas). Son travail est montré dans différents événements: festivals de films, musées, théâtre, ou fondations d'art contemporain. Il trvaille aussi comme producteur et conservateur.

A speculative parable about a gentle autocrat of a non existent country. After running into trouble he starts a new life in the shadows of his kingdom. The film is a collage of super 8 footage from the artist`s personal archive gathered over the years.

Karel Doing is an independent filmmaker with a particular interest in Utopia. He has been creating films, performances and installations for almost 30 years, building a diverse oeuvre that balances between dream and reality and combines documentary with materiality. His work has been shown widely in cinemas, clubs, museums and galleries. He is currently based in Cambridge, UK.

Curriculum Vitae Né à Athènes en 1958. A étudié les Beaux-Arts à l´Ecole d´Art Byam de Londres entre 1978 et 1982, et le cinéma à l´Ecole Internationale du Film de Londres entre entre 1982 et 1984. Il a tenu huit expositions solo à Athènes, Thessalonique et Corfou, et a participé à de nombreuses expositions collectives (Metaichmion `80-`90, Gallerie Municipale, Athènes 1989 / Assault on the Senses, Fondation DESTE, House of Cyprus, 1991 / Sculpture Biennale, Skironeio Museum, 1992 / Art Athina, 1993, 1994, etc).

AM-Fm, 2 fréquences de communication, 2 personnages se dissolvant l'un dans l'autre. Je ressentis le son comme un arbre grandissant.

Julio Dolbeth, vit et travaille à Porto, Portugal. Il enseigne le Communication Design à la Faculté des Beaux-Arts, à l'Université de Porto. Il est diplômé en graphisme. Maîtrise d'Art Multimedia - intitulée ?Artificial Skin?. Il travaille comme graphiste, illustrateur et artiste vidéo. Collaborateur régulier de DifMagazine (Portugal).

Online Bodies explore la manifestation du corps dans des espaces virtuels. Le film se compose de sept courtes parties indépendantes, chacune montrant un angle différent du corps en ligne. Le film passe par des corps en transition: un acteur porno deepfake, un modèle 3D qui souhaite être reproduit, un groupe d'humains génétiquement modifiés qui vivent à l'intérieur d'un extraterrestre, quatre amis qui discutent des modifications cyborg, un corps qui ne peut pas monter un escalator. Ensemble, ils mettent en évidence l'espace entre le physique et le virtuel.

Mischa Dols (1996) is an experimental filmmaker born in Amsterdam. After graduating from LUCA school of arts in Brussels, they have a practice converging cinematic and online visual languages.

Film is made out of rooms (scenes) and a corridor (timeline). It tells a story about creation of a utopian commune. The fate of which is closely intertwined with the history of the place it occupies, the economy and the director's vision. The typology of the apartment occupied by the protagonists turns out to be more durable than the need to change the function of this place. Architecture, social status and structure of the film become closely intertwined. All camera shots used in the film come from the 1973 movie „Monterey Hotel” by Chantal Akerman.

Jan Domicz (1990. Opole/Poland) visual artist, author of videos, objects and exhibitions. In his works, he uses the narrative potential of both architectural and social space. His works were shown at the Architecture Biennale in Venice and at Museum für Moderne Kunst in Frankfurt, Museum of Modern Art in Warsaw, Arsenal Gallery in Pozna?, Neuer Essener Kunstverein and SALTS in Basel. Domicz is a graduate of the Staedelschule in Frankfurt and the University of Arts in Poznan. He is represented by Gallery Wschód in Warsaw. In addition to artistic practice, he has been running the quasi-curatorial project Office for Narrated Spaces since 2017. He works and lives in Warsaw.

Cars were invented. Now they exist. We care about them. Therefor they drive. They still exist. I can see them. It’s like a glimpse to the past. Actually they don’t exist any more. This way of transport is still alive only with the help of enormous effort. Soon they won’t be here any more. The sound won’t be here. The smell won’t be here. But so far they are here, like dinosaur. There are different types. During the last century different cars were developed on different continents. Dreams got a shape. Or they are used pragmatical. Are these still the same old story of desires which are driving around then?

lives and works since 2012 in Dortmund, Germany before in Budapest, Istanbul and Berlin studies 2011-2012 „Meisterschülerin“ of Dörte Eißfeldt 2004–2009 Diploma Fine Arts, University of Art, Braunschweig, DE classes of Hannes Böhringer (Art Philosophy), Prof. Dörte Eißfeldt (photography and film), Guy Ben-Ner (Performance) 2007 visiting student at Moholy-Nagy University of Art and Design, Budapest, HU

Architecture is a hunt for harmony in the chaos, a way of putting order in the universe through the creation of regular angles. The severity of the forms of a Francoist building ? the Universidad Laboral in Gijón ? is distilled and decomposed into its patterns

Chus Domínguez (León -Spain- , 1967) Visual artist who uses video and film as tools and documentary as language. He works with elements coming directly from reality to develop artistic works between documentary, experimental film and poetry. His video and film pieces have toured numerous international festivals.

En suivant le voyage que Pasolini fait en 1959 sur tout le littoral de l`Italie en tant que journaliste pour le magazine Sucesso, ont été localisés des endroits différents comme des scénarios possibles pour sa mort. Comprendre le catalogage comme un outil qui nous permet d`organiser les connaissances pour sa récupération, ce catalogue offre au spectateur la possibilité de rachat du individu rebelle ou du questionnement de notre acceptation de la différence rebelle et critique.

Chus Domínguez (León -Spain- 1967) Visual artist who uses video and film as tools and documentary as language. Work with elements coming directly from reality to construct a narrative from them are among experimental and poetic. Their video-and film pieces have toured international festivals.

?Søen i spejlet? is the re-enactment of a former boarding school tradition in Denmark. Once a year the students of Sorø Academy held a ritual out in the woods, burning effigies of their teachers on a bonfire. The narrative of the film evolves around the character of a former student that revisits the place of his school days meeting with a group of young students. What first seems to be the fictionalization of the former student´s memory, becomes more and more the documentation of the staging of the ritual ? the alumni himself being the director. But as soon as the ritual sets off, all turns to a different state of realness, as the anger and emotion of the young students boil up to an uncanny level of authenticity.

After studying Fine Art at the Muthesius Academy for Art and Design in Kiel, Johanna Domke went on to graduate studies at the Royal Art Academy in Copenhagen and the Malmö Art Academy, Sweden, where she got her MA in 2004. She received the ZKM International Media Art Award, Audience Prize, for her single-channel piece ?Let the wind blow? and the Brockmann Prize from the Stadtgalerie Kiel. 2004 she got the Edstranska Grant for Graduating Students. Since then Domke has broadly exhibited her work in renowned art institutions, such as Casino Luxembourg, KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki, Berlinische Galerie and international film festivals such as Film Festival Oberhausen, Locarno Film Festival, Videonale at the Bonner Kunstmuseum and the Kunstfilmbiennale.

Stultifera Garden deals with an overlapping structure of the public and the private. The film is set in a park ? a place were city dwellers recover from busy urban life. At the same time it is a place implementing the ?elsewhere? - an un-ruled territory for individuals who are in conflict with society or the human milieu in which they live. It is also a place for individuals whose behaviour is deviant with the respect to the mean or the required norm. As in earlier works, Domke uses a travelling camera to approach the parks diverse character, emphasizing polarities as observing and being watched, high and low culture, control and non-control. The incessant pan evolves from a classic park scenario towards a dystopic, mazy structure of trails. The camera experiences different milieus of the park not directly examining them but portraying them with an inexplicit openness. She accesses milieus that formed architectonical structures in the shrubs, such as cruising areas and drug trafficking points. She discovers places that became functionalised entities - for teens as a get-away, for elderly as a meeting point - each and everyone with their own character and history. Without stating explicit action or narrative Stultifera Garden is more interested to explain that a park is a place for the other, where all these milieus and facets function along side. Intruding as an omniscient eye, Domke is constructing the real to establish the fictitious.

After studying art at the Muthesius Academy for Art and Design in Kiel, Johanna Domke went on to graduate studies at the Royal Art Academy in Copenhagen and the Malmö Art Academy, Sweden, where she got her MA in 2004. In 2003 she received the ZKM International Media Art Award, Audience Prize, for her single-channel piece ?Let the wind blow? and the Brockmann Prize from the Stadtgalerie Kiel. 2004 she got the Edstranska Grant for Graduating Students. Since then Domke has broadly exhibited her work in renowned art institutions, such as Casino Luxembourg, Berlinische Galerie, KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki and international film festivals such as Film festival Oberhausen, Locarno Film Festival, Videonale at the Bonner Kunstmuseum and Kunstfilmbiennale, Köln.

Johanna Domke?s film Cuers is inspired by Franz Kafka?s The Trial and the filmic universe of Orson Welles. The audience is taken on a fleeting and meandering journey through different sites in public space, where people are exposed to long waiting. The individual is presented as a singular being, confronting structures of public space. The particular situations are represented in an inspirational manner shifting in and out of each other. Time and space is dissolved in kaleidoscopic pictures, which emphasizes how we physically as well as mentally have trouble adjusting to our anonymous environment. ? Cuers? seeks to create a mental space through abstraction and subversion of the familiar.

After studying art at the Muthesius Academy for Art and Design in Kiel, Johanna Domke went on to graduate studies at the Royal Art Academy in Copenhagen and the Malmö Art Academy, Sweden, where she got her MA in 2004. In 2003 she received the ZKM International Media Art Award, Audience Prize, for her single-channel piece ?Let the wind blow? and the Brockmann Prize from the Stadtgalerie Kiel. 2004 she got the Edstranska Grant for Graduating Students. Since then Domke has broadly exhibited her work in renowned art institutions, such as Casino Luxembourg, Göteborg Konstmuseum, KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki and international film festivals such as Film festival Oberhausen, Locarno Film Festival, Videonale at the Bonner Kunstmuseum and VIPER, Basel.

"Crossing Fields" est un document sur l'usage privé de l'espace commercial et les personnnes qui lisent dans les magasins. La vidéo a été tournée dans une librairie de Beijing, ce phénomène étant largement répandu dans les villes chinoises. A cause du caractère obsolète des bibliothèques, les librairies fonctionnent comme sources libres de connaissance: les gens viennent en foule passer leut temps libre dans les gigantesques complexes commerciaux. Mais au lieu d'acheter les livres, ils passent des journées entières, assis dans les magasins, à lire. Comme la direction approuve ce phénomène, l'usage privé de l'espace est devenu une activité généralement admise dans les commerces. Johanna Domke se penche sur cet usage plus ou moins anarchique de l'espace et le caractère de stagnation qu'implique la situation. Se faufilant entre les lecteurs immobiles comme des statues, la caméra capte dans un mouvement de proximité et d'intimité l'ambiguïté de leur présence. Ils sont physiquement présents et en même temps, ils investissent la sphère fictive de leur lecture. L'apparence immobile des lecteurs donne l'impression que la caméra se déplace dans un espace où le temps s'est arrêté.

Après avoir étudié l'art à la Muthesius Academy of Art and Design de Kiel, Johanna Domke a obtenu ses diplômes à la Royal Art Academy de Copenhague et à la Malmö Art Academy, en Suède. En 2003, elle a reçu le ZKM International Media Art Award pour "Let the Wind Blow" et le Brockmann Prize de la Stadtgalerie, Kiel. En 2004, elle a reçu la bourse d'étude Edstranska. Domke a montré son oeuvre dans de nombreuses institutions d'art prestigieuses, comme Casino Luxembourg, Göteborg Konstmuseum, KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki et des festivals de film internationaux comme Film festival Oberhausen, Locarno Film Festival, Videonale au Bonner Kunstmuseum et VIPER, Basel.

?Sleepers? takes place at Stansted Airport in London in the very late night and portrays sleeping people with slowly panning camera moves. The slow takes emphasise with the passenger?s tiresome waiting for an early morning flight. Within this physical location Domke grips a real, temporal situation that shows the airport as a form of standstill. The video follows a sequence of sleeping people in a transit situation. But even if they are in transit they undergo a present standstill that deludes oneself into a void, where one is not quite sure how the situation will progress. With the interest of this kind of void Johanna Domke evolves her artistic praxis within the time-based media of film and the photographic still image, which on a conceptual level can be seen as a distortion of time and movement. A hybridisation, that opens up for other relations and references.

Johanna Domke was born in 1978 in Kiel. After studying Fine Arts at the Muthesius Academy for Art and Design in Kiel, Domke went on to study at Malmö Art Academy, Sweden and the Royal Danish Art Academy in Copen­hagen, where she received her MA in 2006. In 2003 Domke received the Audience Prize at the ZKM International Media Art Award for her work Let the wind blow, as well as the Brookmann Prize from Stadtgalerie Kiel. In 2004 Johanna Domke was awarded the Edstranska Stiftelsen?s Grant for Students in Sweden. Since then, her work has been shown in major instituti­ons in Europe and elsewhere, including the Hasselblad Center, Gothenburg; Göteborg Konstmuseum, Gothenburg; KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki; Casino Luxembourg, Luxembourg and Bonner Kunstmuseum, Bonn. Furthermore, her works have been screened at film festivals such as European Media Art Festival 2003/2008 Osnabrück; Locarno Film festival 2006, Locarno; Oberhausen Film Festival 2007, Oberhausen and Rencon­tres Internationales 2005/2007, Berlin and Paris. Domke lives and works in Copenhagen and Berlin.

En haut d'une colline balayée par le vent, deux silhouettes immobiles surplombent la vallée abritant une grande ville fourmillante. L'une des deux se tient debout, l'autre est assise sur le sol. La distance les séparant est trop grande pour évoquer tout sentiment d'intimité. Les nuages défilent dans le ciel, la nuit tombe comme une brique et des centaines de lumières brillent dans la vallée, avant que le jour ne se lève. Le soleil apparaît et un nouveau jour commence. Pendant tout ce temps, les deux silhouettes demeurent complètement immobiles devant ce paysage qui se dévoile. Il n'y a que le vent qui souffle dans leurs vêtements et leurs cheveux.

Johanna Domke, née en 1978 à Kiel, Allemagne. Elle est une artiste allemande vivant à Copenhague et à Berlin. Après avoir étudié les Beaux-Arts à l'Académie Muthesius des Arts et Design à Kiel, Johanna Domke poursuit ses études universitaires à la Royal Art Academy de Copenhague et à la Malmö Art Academy, en Suisse, où elle obtient sa maîtrise en 2004. En 2003, elle reçoit le Prix ZKM International Media Art, Prix du public, pour son ?uvre "Let the wind blow", et le Prix Brockmann de la Stadtgalerie Kiel. En 2004, elle reçoit la Bourse Edstranska pour les étudiants diplômés et la Bourse Assistent du Conseil des Arts Suédois. Les ?uvres de Johanna Domke ont été présentées lors d'expositions, de festivals vidéo et de salons de l'art, en Europe et aux Etats-Unis. Elle est représentée par Gallery Art Agents à Hambourg.

De Cannes à Buti, de Livourne à Livia, du cinéma et du théâtre en mai. Et de l?amour aussi...

Né en 1971 à Tarbes. Enfance dans le Gers, Sud-Ouest de la France. Études de droit. Réalise avec Anne Benhaïem en 1997 son premier film « Solo tu » (56?), qui sera remarqué par de nombreux festivals internationaux dont ceux de Rotterdam, Karlovy Vary, Dublin, Bombay, Rome, Bergamo, ou la programmation ACID à Cannes? Le film se verra décerner la Mention Spéciale du Jury du Prix Georges et Ruta Sadoul. Lauréat en 1998 de la Bourse Louis Lumière - Villa Médicis Hors Les Murs pour un projet sur le cinéaste et poète américain Jonas Mekas, il enseigne à l?Université Paris 8 (atelier pratique de réalisation et de montage) depuis octobre 2001. Assistant réalisateur sur de nombreux films, il travaille notamment avec Jean-Marie Straub (Le genou d?Artémide, Itinéraire de Jean Bricard, Le Streghe, O somma luce) et Jean-Marie et Arnaud Larrieu (Le voyage aux Pyrénées, Les derniers jours du monde). Il poursuit par ailleurs une expérience singulière de producteur au sein de la société qu?il a lui-même créée en 2001 : ANDOLFI.

Durant trois jours, dans la montagne corse, des Hommes tuent et charcutent le cochon.

Arnaud Dommerc est né en 1971. Il enseigne le cinéma à l?Université Saint Denis - Paris 8 depuis 2001. Il travaille notamment comme assistant avec Jean-Marie Straub (Le genou d?Artémide, Itinéraire de Jean Bricard, Le Streghe, O Somma Luce, Joachim Gatti, L?Inconsolable, L?Héritier). Son précédent film "Nous n?irons pas à Buti" a été sélectionné en compétition au FID 2008 ainsi qu?aux Rencontres Paris / Berlin / Madrid 2009. Il prépare actuellement une installation vidéo sur Gênes et la méditerranée pour l`Université de Lille 3, "L`innocence radicale des fleurs".