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Germany, in the summer 2006: a woman is roaming around, torn between images of her past in the Red Army Faction and the flood of pictures of the world football championship. Her loneliness grows between the huge "public viewing" places and the giant screens, when talking to officials, and finally standig in front of the grave of Baader, Ensslin and Raspe. By associative montage the film tries to portray from ?behind the mirror? what Germany looked like in the Summer 2006.

Philipp Doering was born November 28th, 1977, in Freiburg, Germany. After high school one year of civil services in Hamburg. He studied German, Slavistics and Cognitive Science at the University of Freiburg, Germany. Since 2004 he studies film directing at the Film Academy Baden-Wuerttemberg in Ludwigsburg, Germany.

un court-métrage sur le thème de la séparation.

Philipp Döring est né le 28 Novembre 1977 à Freibourg, Allemagne. Après un baccalauréat à Bamberg il effectua un an de service civil à Hambourg, puis fit des études germaniques, slaves et de science cognitive à l´Université de Freibourg. Depuis 2004 il étudie la réalisation cinématographique à la Filmakademie Baden-Württemberg à Ludwigsburg, Allemagne.

"Spring & Stalin" is based on 27,000 stills photographed from the archives of the National Television in Tirana. The movie is accompanied by a poem from the writer, Ismail Kadare, which was published in "The teacher and the Art", 1953, p. 49- 53. It is a reflection on the mentality and nature of the transition period in the artist's home country. Kadare's poem is intentionally recited by an anonymous fictional voice that has no clue about poetry, not even about language, and it reads in a mechanical and computer-like manner, with a low rhythm and almost sleepy voice, which later on generates a chaotic tension to an growing stressed babbling. All this pandemonium unfolds the idea of false propaganda and governmental elite hypocrisy that in fact displays doubt in these images, which are not believed and understood even from those who see them. Here, the goal is not to stigmatize Kadare's work, but the veiling of that happy and idyllic in disguise reality, after which was hidden the drama of the persecuted people, unable to have the freedom of speech and the freedom of individuality; a people who tried to survive in a oppressed and isolated society.

Robert Aliaj Dragot, not only began as a painter, but his painting was also the point of departure for all the other activities he has manifested. At the end of 90's, after a long career as a pop star singer, he nearly stopped music altogether to go back to his first career as an art painter. Now many years later in Brussels, he is focused especially on a multimedia research, experimenting with photography, moving images, animations, sounds, and painting without losing the picturesque quality. His attention is divided between a critical curiosity of the artistic scene in Europe and a renewed interest for the shockingly fast therapeutic change that the Albanian state underwent.

Fragments d’archives d’événements presque trop sinistres pour être crus : des tests secrets d’irradiation menés par le gouvernement des États-Unis sur ses propres citoyens durant la guerre froide. Le film se confronte aux difficultés de documenter l’invisible, de saisir ce qui n’est que vagues et fréquences. Tourné sur pellicule périmée, c’est à travers l’image contaminée et un paysage sonore complexe que l’invisible se manifeste. – Cristina Kolozsváry-Kiss, IFFR Pendant la guerre froide, le gouvernement américain a développé un programme d’expériences radiologiques clandestines sur des êtres humains, utilisant ses propres citoyens comme sujets de test. Suspicions About the Hidden Realities of Air est une exploration elliptique de cet épisode historique sombre, circulant entre vastes paysages et corps humains individuels. Des fragments d’archives et des images en 16 mm — tournées sur pellicule expirée — évoquent les lieux de nombreux sites d’essais à travers les États-Unis. Des paysages urbains nocturnes, des scènes délavées du désert américain et des détails en gros plan de l’Amérique rurale s’entrelacent avec une voix off et des textes à l’écran renvoyant aux témoignages sur les effets persistants de cette période de tests secrets. – Open City Documentary Festival

Sam Drake (née à Dayton, Ohio) est une cinéaste basée à Milwaukee, Wisconsin. Son travail a été présenté dans des festivals et lieux tels que le Museum of Modern Art, l’International Film Festival Rotterdam, Media City Film Festival, CROSSROADS, le Museum of the Moving Image, Alternative Film/Video, Collectif Jeune Cinéma, Non-Syntax Experimental Image, Winnipeg Underground Film Festival, Transient Visions Festival of the Moving Image et Antimatter. Elle a également assuré la programmation de l’Union Cinema et du Mini Microcinema, et enseigne actuellement à l’Université du Wisconsin–Milwaukee.

Tracing a space between real and phantasmatic ecological dread, Terminal Island presents a multi-sensory portrait of a landscape in peril, an ambivalent lament for LA’s vanishing palms and a sermon on Doomsday infrastructure delivered to no one.

Sam Drake (USA) is a filmmaker based in Milwaukee, WI. Working with 16mm film and found media, her work embraces collage as a framework for interrogating contemporary life and landscapes. She received a BFA in Film from Wright State University, and an MFA from the University of Wisconsin-Milwaukee in Cinema Arts. Her work has been exhibited at film festivals and venues including International Film Festival Rotterdam, Doc Fortnight (MoMA), Media City Film Festival, ExiS, Edinburgh International Film Festival, Curtas Vila do Conde, CROSSROADS, Non-Syntax Experimental Image, Alchemy Film & Moving Image Festival, Collectif Jeune Cinéma, Winnipeg Underground Film Festival, Transient Visions Festival of the Moving Image, and Antimatter. She is currently a lecturer in Film, Video, Animation and New Genres at the University of Wisconsin-Milwaukee.

A car is burning in front of the Alps and swallows it`s smoke. Two screens, one scene: one backwards, one forward. The impact on the ground of the car falling from the sky and flying back to it is the point of synchronization of both film- channels. The car is disappearing and exploding loop after loop. The sound channels of both projections forward and backwards access into each other creates a collage of sound.

SHORT BIO Fabian & Fred: Fabian Driehorst & Frédéric Schuld studied together at Academy of Media Arts, Cologne (KHM) till October 2011. Hohenpeissenberg is one of a couple of works they created together in and alongside their studies at Academy of Media Arts. Frédéric worked as a designer for multimedia and Fabian worked as cameraman, editor and director of film productions. They work together as creative duo called Fabian&Fred. Fabian Driehorst (born 17.02.1982, Gifhorn) 2004-2011 freelance cameraman, director, editor 2006-2011 studied Film and Art at the Academy of Media Arts (KHM), Cologne 2011 founded creative atelier Fabian&Fred 2012-2013 scholarship of AV-Gruenderzentrum for Fabian&Fred 2011 till now Director, Author, Producer of art- and film projects. Frédéric Schuld (born 20.06.1985, Dusseldorf) 2004-2011 freelance designer for multimedia and film 2006-2011 studied Film and Art at the Academy of Media Arts (KHM), Cologne 2011 founded creative atelier Fabian&Fred 2012-2013 scholarship of AV-Gruenderzentrum for Fabian&Fred 2011 till now creative director of art- and film projects.

Le logiciel de génération d’images Formulae E-volver est développé par les artistes. Les éléments constitutifs du programme sont toutes sortes d’opérateurs mathématiques de base. À partir de ces éléments, l’ordinateur peut composer une infinité de formules valides. À chaque itération, un petit ensemble de formules est généré puis visualisé à l’écran. Le spectateur compare ces images animées entre elles et les évalue. En retour, le logiciel tient compte de ces évaluations lorsqu’il compose de nouvelles formules. Les formules affichées longtemps à l’écran ont davantage de chances de se croiser, permettant à leurs propriétés visuelles d’être mélangées puis transmises aux générations suivantes. Le processus commence par une « soupe primordiale » qui produit des images relativement simples. Sur la base des préférences personnelles de l’utilisateur, ce système évolue progressivement vers des animations complexes et intrigantes. Les résultats finaux, les E-volved Formulae, sont enregistrés puis affichés sur un grand écran ou projetés. Ils révèlent la grande variété d’images issues de ces processus évolutifs successifs.

Le couple d’artistes basé à Amsterdam, Erwin Driessens (1963, Wessem) et Maria Verstappen (1964, Someren), travaille ensemble depuis 1990. Après leurs études à l’Académie des beaux-arts de Maastricht puis à la Rijksakademie d’Amsterdam, ils ont développé conjointement un œuvre multiforme composé de logiciels, de machines et d’objets. Leur recherche porte sur les possibilités qu’offrent les algorithmes physiques, biologiques et informatiques pour la génération d’images. Une source d’inspiration essentielle réside dans les processus auto-organisés observables dans la nature. Dans la série Morphoteques (collections de formes), ils mettent en évidence les variations formelles pouvant émerger d’un processus génératif spécifique. Dans d’autres travaux, les transformations de formes sont produites en temps réel à l’aide d’une machine. Dans leurs projets logiciels et d’intelligence artificielle, ils développent une nature artificielle se déployant sous d’innombrables variations. Driessens & Verstappen ont participé à de nombreuses expositions aux Pays-Bas et à l’étranger, notamment au Stedelijk Museum d’Amsterdam, au Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, au Centre Pompidou (Paris), à l’IVAM Institut de Valence, au musée Kröller-Müller (Arnhem), au Garage Museum (Moscou), au CaixaForum (Barcelone) et à Eyebeam (New York). Le duo donne régulièrement des conférences et présentations dans des universités, écoles d’art, festivals et symposiums, parmi lesquels Siggraph Los Angeles, Sonic Acts Amsterdam ou encore Second Iteration Melbourne. En 1999 et 2001, leurs projets de robots Tickle ont reçu le premier prix au concours VIDA Telefónica de Madrid. En 2013, ils ont reçu le prix Witteveen+Bos Art+Technology pour l’ensemble de leur œuvre. Les artistes sont représentés par la galerie DAM à Berlin.

Deep Dive offers an endless zoom into a picture, revealing an infinitely detailed imaginary world that emerges from the original image. While zooming, the image is constantly being refined in real-time, and the viewer can steer this process by tracking points of interest with the cursor. Each new `dive` starts with a randomly downloaded picture from the online WikiMedia archive.

The artists couple Driessens & Verstappen have worked together since 1990. They attempt an art in which spontaneous phenomena are created systematically. Art that is not entirely determined by the subjective choices of a human being, but instead is generated by autonomously operating processes. In addition to working with natural processes, the couple develops computer programs for artificial growth and evolution. An important source of inspiration are the self-organising processes in nature which continuously create original forms. Works of Driessens & Verstappen are in collections a.o. Centre Pompidou Paris, Stedelijk Museum Amsterdam, Museum Boijmans van Beuningen Rotterdam. They exhibited at museums and galleries a.o. Kröller-Müller Museum Otterlo, IVAM Institute Valencia, Neue Pinakothek München, Eyebeam New York, Young Projects Los Angeles. The artists couple gave presentations at conferences such as Siggraph Los Angeles, Second Iteration Melbourne. In 1999 and 2001 they have won the VIDA award with their Tickle robot projects in an international competition for Art & Artificial Life. In 2013 the couple received the Witteveen+Bos Art+Technology Award for their entire oeuvre. Driessens & Verstappen are represented by DAM gallery Berlin.

Laboratory of Dilemmas is a narrative video installation based on Aeschylus’ theatre play Iketides (Suppliant Women), which poses a dilemma between saving the Foreigner and maintaining the safety of the Native. Addressing current global sociopolitical issues, the work deals with the anguish, puzzlement, and confusion of individuals and social groups when called upon to address similar dilemmas. Aeschylus’ Iketides (Suppliant Women) is the first literary text in history that raises the issue of a persecuted group of people seeking for asylum. The Suppliants have left Egypt to avoid having to marry their first cousins and arrive at Argos seeking asylum from the King of the city. The King is then faced with a dilemma. If he helps the foreign women, he risks causing turmoil among his people and going to war with the Egyptians, who are after the Suppliants. But if he doesn’t help them, he will break the sacred laws of Hospitality and violate the principles of Law and Humanism, leaving the Suppliants to the mercy of their pursuers. Laboratory of Dilemmas focuses on the play’s dilemma through the excerpts of an unfinished documentary in the form of found footage about a scientific experiment. This experiment was never completed for unknown reasons, however the found excerpts of the unfinished documentary reveal today, after so many years, details of the experiment, as well as the hopes of the professor who envisioned it and the disagreements with his co-researchers.

George Drivas a étudié les sciences politiques et l’administration publique à l’Université Kapodistrian d’Athènes, avant de poursuivre sa formation avec un master en film et médias à l’université libre de Berlin. Il réside actuellement à Athènes. L’artiste réalise des vidéos combinant textes, vidéos et photographies. Il fait de la photographie un outil de surveillance, semblant toujours se cacher de ses sujets. A travers les thèmes qu’il aborde - l’aliénation, l’inclusion sociale, la promesse, ou la déception – il cherche à faire émerger les relations interpersonnelles d’une société sous surveillance. Il a été récompensé par de nombreux prix, dont celui du meilleur film expérimental au festival du film grec de Londres (2010), et une mention spéciale au festival de films et vidéos expérimentaux du Musée d’art contemporain de Macédoine (Grèce, 2009). Il a également obtenu un second prix au VIIème Media Art Forum, au XXVIIème festival international du film de Moscou en 2006, ainsi qu’au Zebra International Poetry Film Festival de Berlin (2002). Exposé notamment à « Antidoron – The EMST Collection » à Kassel en Allemagne (2017), son travail a été présenté par de nombreuses institutions, en Grèce (Musée national d’art contemporain d’Athènes en 2013 et 2009, Festival international du film d’Athènes en 2014, Biennale d’art contemporain de Thessalonique en 2013) ; au Festival du nouveau cinéma de Montréal (2015), à la Transmediale (Berlin, 2014) ; au Hong-Gah Museum de Taiwan (2012) ; au festival international Electronic Language FIESP au Cultural Center de Sao Paulo (2012), ou encore au Centre d’Art Contemporain de Seattle (2012).

In a plant nursery, five plant-nursery employees speak about a mysterious disaster, a “terrible event”, while cultivating a plant of the genus Aeonium. They are trying to understand what was that which happened to them. They try to explain the unexplainable.

George Drivas was born in Athens. He represented Greece in Venice Biennale, 2017. ?n 2020, he was nominated for the Eye Art & Film Prize (Eye Filmmuseum, Amsterdam). He had solo shows at Annex M, the Athens Concert Hall (2020), at the National Museum of Contemporary Art, Athens (2018 and 2009) and the National Museum of Modern Art, Rome (GNAM, 2017), tributes at the International Forum of Performance Art (Drama, Greece 2021), Lumen Quarterly Festival, Beijing, China (2017/18) and Athens International Film Festival (Greek Cinematheque 2014) and participations in over 150 group shows and festivals in Greece and abroad like ”Rencontres Internationales, New Cinema and Contemporary Art”, Louvre Museum, Paris, France (2021), “After Us”, Maxxi Museum, Rome, Italy (2021), “back forward rewind”, Media Art Lab, Moscow, Russia (2020), “Imagined Communities”, 21st Biennial of Contemporary Art_Videobrasil, São Paulo, Brazil (2019-20), “Resilient Futures”, Contemporary Art Center of Thessaloniki (2018), “ANTIDORON”, documenta 14, Kassel, Germany (2017), “As Rights Go By”, Q21 International, MuseumsQuartier Vienna, Austria (2016), Festival du nouveau cinéma, Montreal, Canada, (2015), “future past – past future”, Transmediale Festival, Berlin, Germany (2014).

"Empirical Data 2.0" est basé sur l'expérience personnelle d’immigration en Grèce de David Malteze, un acteur d’origine géorgienne, et sur sa trajectoire depuis son entrée dans le pays jusqu'à ses débuts d'acteur. Sur une moitié de l'écran, le protagoniste, David Malteze, joue son propre rôle, lors de ses premiers pas professionnels il y a dix ans. La reconstitution de la vie réelle de l'acteur est opposée à un monologue qu’il tient sur l'autre moitié de l'écran.

George Drivas est né à Athènes (Grèce). En 2017, il a représenté la Grèce à la 57e Biennale de Venise (Italie). Ses œuvres ont fait l'objet de diverses expositions individuelles, notamment à l'AnnexM / Megaron, Athènes (Grèce) [2020]; au National Museum of Contemporary Art, Athènes (Grèce) [2018 et 2009]; et à La Galleria Nazionale, Rome (Italie) 2017]. Il a reçu un hommage au Lumen Quarterly Festival, Pékin (Chine) [2017-2018], et au Festival international du film d'Athènes (Grèce) [2014]. Ses œuvres ont également été présentées dans le cadre d’expositions collectives et de festivals, notamment "back forward rewind", au Media Art Lab, Moscou (Russie); "Imagined Communities", à la 21e Biennial of Contemporary Art_Videobrasil, São Paulo (Brésil) [2019-2020]; "Resilient Futures", au CACT – Contemporary Art Center of Thessaloniki, Thessalonique (Grèce) [2018]; "ANTIDORON - the EMST Collection", à la documenta 14, Kassel (Allemagne) [2017]; "As Rights Go By", au Q21 International, MuseumsQuartier Wien, Vienne (Autriche) [2016], et au Festival du nouveau cinéma, Montréal (Canada) [2015]; "future past - past future", à la Transmediale, Berlin (Allemagne) [2014]; "Art Projections", à la Thessaloniki Biennale of Contemporary Art, Thessalonique (Grèce) [2013]; "Hybrid Stories", au National Museum of Contemporary Art, Athènes (Grèce) [2013]; "Melancholy in Progress", au Hong-Gah Museum, Taipei (Taiwan) [2012], au FILE – Festival Internacional de Linguagem Eletrônica, Centro Cultural FIESP – Federação das Indústrias do Estado de São Paulo (Brazil) [2012], et au Center on Contemporary Art, Seattle (USA) [2012]; "Polyglossia", au Onassis Cultural Centre, Athènes (Grèce) [2011]; "Digital Wave", au Thessaloniki International Film Festival, Thessalonique (Grèce) [2009]; "Young Greek Artists - In Present Tense", au National Museum of Contemporary Art, Athènes (Grèce) [2008]; et "Media Art Forum", au XXVII Moscow International Film Festival, Moscou (Russie) [2006].

?Sequence Error? is inspired by the well known Karl Marx quote, ?History repeats itself first as tragedy and than as farce?, and re-uses parts of two famous speeches of the 20th century delivered by Che Guevara (1963) and George Marshal (1947). In a contemporary corporate environment and on the occasion of a sudden system crisis, two leaders of two different groups (workers vs. executives) deliver some parts of the two aforementioned speeches.

George Drivas is the recipient of numerous awards and distinctions namely, Best Experimental Film Award at London Greek Film Festival, London, UK (2010), Special Mention at the ?Strange Screen?, Experimental Film and Video Festival, Macedonian Museum of Contemporary Art, Thessaloniki, Greece (2009), 2nd Prize at VII Media Art Forum, XXVII Moscow International Film Festival, Moscow, Russia (2006), 2nd Prize at the Zebra International Poetry Film Festival, Berlin, Germany (2002) and Jury Award for Experimental Short Film at the New York Expo, NY, NY (2002). George Drivas?s work has been featured as a Solo Show at the National Museum of Contemporary Art, Athens, Greece, (?un-documented?, 2009) and is part of the Athens?s MoCA permanent collection.

Filmed at the peak of autumn foliage in a rural Midwestern US locale, this non-narrative short film posits beauty and fear as inextricable from the psyche of the American landscape. Contemplative moments and stunning vistas are jarringly punctuated with the vocabularies of witch-hunts, hate crimes and psychological violence.

Zackary Drucker born: Syracuse NY, 1983 lives and works in Los Angeles, CA

Over a long weekend, a mother and daughter discuss thinning vaginal walls and humiliate a handsome stranger.

Zackary Drucker is an independent artist, cultural producer, and trans woman who breaks down the way we think about gender, sexuality, and seeing. She has performed and exhibited her work internationally in museums, galleries, and film festivals including the Whitney Biennial 2014, MoMA PS1, Hammer Museum, Art Gallery of Ontario, MCA San Diego, and SF MoMA, among others. Drucker is an Emmy-nominated Producer for the docu-series This Is Me, as well as a Co-Producer on Golden Globe and Emmy-winning Transparent. She is a cast member on the E! docu-series I Am Cait.

Trois personnes dialoguent dans une langue commune, l?anglais, devant un site touristique japonais filmé en plan fixe. La conversation futile et incongrue est scandée par le sous-titrage, qui se superpose à l?image mouvante du paysage.

Sophie Dubosc a été diplômée de l?Ecole du Louvre en 1997 et obtient un DEA d?histoire de l?art à l?Université de Paris-IV Sorbonne en 1998. Elle entre à l?Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts à Paris, dont elle sort diplômée en 2002. Elle a également étudié à Glasgow School of Art et à Musashino Art University à Tokyo. En 2004, elle suit le programme du Pavillon, laboratoire de recherche attaché au Palais de Tokyo. Depuis quatre ans, elle a exposé son travail photographique au Conde Duque à PhotoEspana (Madrid), à Art Brussels (Bruxelles), aux Rencontres Internationales de la Photographie (Arles), et ses installations et vidéos au Palais de Tokyo, à Hiroshima Art Document, au Centre d?Art Contemporain de Brétigny, ainsi que dans plusieurs galeries en France.

Inspiré par la pièce d’Alberto Giacometti Le Palais à 4h du matin (1932), Pavillon nocturne est conçu comme un « petit théâtre ». Un théâtre dans lequel les personnages ont été remplacés par des formes, l’histoire par les relations qu’elles entretiennent entre elles, les récits qu’elles portent ainsi que leur inscription dans l’histoire de l’art. La sculpture (la combinaison de six formes emboîtées) est une structure construite et close sur elle-même, il n’y a pas d’espace entre les pièces aucun autre élément ne peut y entrer ni en sortir. A la fois «white cube» et «black box theater», cette forme à tiroirs se présente sous la forme d’une collection, un musée, une sépulture, une abstraction, une mort. Un enfant assis sur le sol assemble les pièces en plâtre d’un étrange jeu de construction. Dans ses mains des formes (un visage, une pierre, une forme géométrique, etc.) apparaissent et disparaissent progressivement par un système d’emboîtement rappelant le principe des poupées russes.

Julien Dubuisson est né en 1978 en France. Il est diplômé de l`École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris en 2005 et participe depuis 2103 au programme de recherche 5/7de la Villa Arson. Son travail a fait l’objet de plusieurs expositions dont notamment : Basse déf au Palais de Tokyo, Paris (2009) ; Dynasty au Palais de Tokyo / musée d’Art moderne de la ville de Paris (2010) ; Parois au Parc culturel de Rentilly (2011) ; Agir dans ce paysage au Centre international d’Art et du Paysage de l`île de Vassivière (2013) ; Natura Lapsa au Confort Moderne (2014) ; aux bois dormants au musée départemental d’Art contemporain de Rochechouart (2014) ; L`Ordre des lucioles à la Fondation d`entreprise Ricard (2015) ; l’après midi à la Villa Arson (2015).

Le film est une succession de plans séquences faisant découvrir, dans un mouvement de travelling arrière lent et proche du sol, l`architecture du toit de l`unité d`habitation de Firminy. L`image est rythmée par une partie de balle jouée par quatre personnes dans laquelle l`architecture devient une des protagonistes. La prise de son de la balle ainsi qu?un extrait de la musique (diffusée sur place) a été faite en quadriphonie. La quadriphonie permet de restituer à l`écoute les profondeurs et la provenance du son émis par l`impact de la balle sur l`architecture, ainsi que le déplacement des joueurs. Le film commence par le son du jeu. La première "image" donnée par le film du lieu est une image sonore, le lieu se dessine d`abord par ses qualités acoustiques ( les 45 premières secondes du film il n?y a que le son de la balle, cela se reproduit aussi ensuite, et parfois la musique est seule présente).

Julien Dubuisson, et Arnaud Laroche, nés entre 1978 et 1979, première rencontre aux Beaux-Arts de Nancy (ça fait 6 ans, déjà) et retrouvailles aux Beaux-Arts de Paris, après un bref passage par les Beaux-Arts de Reims et Saint-Etienne. Nous décidons de travailler ensemble un an après (ça fait 4 ans) et obtenons le Dnsep ensemble en 2005. Ensemble, nous avons publié un livre : "Repérage" aux éditions Onestarpress en 2004, produit le film Passes en collaboration avec la fondation Le Corbusier en 2005, Réalisé une pièce pour l?espace Cerise à Paris (c?est toujours dans l?ascenseur) en 2003, une exposition de dessins au SCA en Australie, 2005, et une sculpture dans un lycée des Vosges (Louis Geisler) en 2006. Actuellement nous préparons une exposition collective au Point Ephémère.

Inspiré par la pièce d’Alberto Giacometti Le Palais à 4h du matin (1932), Pavillon nocturne est conçu comme un « petit théâtre ». Un théâtre dans lequel les personnages ont été remplacés par des formes, l’histoire par les relations qu’elles entretiennent entre elles, les récits qu’elles portent ainsi que leur inscription dans l’histoire de l’art. La sculpture (la combinaison de six formes emboîtées) est une structure construite et close sur elle-même, il n’y a pas d’espace entre les pièces aucun autre élément ne peut y entrer ni en sortir. A la fois «white cube» et «black box theater», cette forme à tiroirs se présente sous la forme d’une collection, un musée, une sépulture, une abstraction, une mort. Un enfant assis sur le sol assemble les pièces en plâtre d’un étrange jeu de construction. Dans ses mains des formes (un visage, une pierre, une forme géométrique, etc.) apparaissent et disparaissent progressivement par un système d’emboîtement rappelant le principe des poupées russes.

Julien Dubuisson est né en 1978 en France. Il est diplômé de l`École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris en 2005 et participe depuis 2103 au programme de recherche 5/7de la Villa Arson. Son travail a fait l’objet de plusieurs expositions dont notamment : Basse déf au Palais de Tokyo, Paris (2009) ; Dynasty au Palais de Tokyo / musée d’Art moderne de la ville de Paris (2010) ; Parois au Parc culturel de Rentilly (2011) ; Agir dans ce paysage au Centre international d’Art et du Paysage de l`île de Vassivière (2013) ; Natura Lapsa au Confort Moderne (2014) ; aux bois dormants au musée départemental d’Art contemporain de Rochechouart (2014) ; L`Ordre des lucioles à la Fondation d`entreprise Ricard (2015) ; l’après midi à la Villa Arson (2015).

Le film est une succession de plans séquences faisant découvrir, dans un mouvement de travelling arrière lent et proche du sol, l`architecture du toit de l`unité d`habitation de Firminy. L`image est rythmée par une partie de balle jouée par quatre personnes dans laquelle l`architecture devient une des protagonistes. La prise de son de la balle ainsi qu?un extrait de la musique (diffusée sur place) a été faite en quadriphonie. La quadriphonie permet de restituer à l`écoute les profondeurs et la provenance du son émis par l`impact de la balle sur l`architecture, ainsi que le déplacement des joueurs. Le film commence par le son du jeu. La première "image" donnée par le film du lieu est une image sonore, le lieu se dessine d`abord par ses qualités acoustiques ( les 45 premières secondes du film il n?y a que le son de la balle, cela se reproduit aussi ensuite, et parfois la musique est seule présente).

Julien Dubuisson, et Arnaud Laroche, nés entre 1978 et 1979, première rencontre aux Beaux-Arts de Nancy (ça fait 6 ans, déjà) et retrouvailles aux Beaux-Arts de Paris, après un bref passage par les Beaux-Arts de Reims et Saint-Etienne. Nous décidons de travailler ensemble un an après (ça fait 4 ans) et obtenons le Dnsep ensemble en 2005. Ensemble, nous avons publié un livre : "Repérage" aux éditions Onestarpress en 2004, produit le film Passes en collaboration avec la fondation Le Corbusier en 2005, Réalisé une pièce pour l?espace Cerise à Paris (c?est toujours dans l?ascenseur) en 2003, une exposition de dessins au SCA en Australie, 2005, et une sculpture dans un lycée des Vosges (Louis Geisler) en 2006. Actuellement nous préparons une exposition collective au Point Ephémère.

Des pins au fond d?une forêt dense, catapultent la caméra dans une rafale de pages et de pages de perspectives pointillistes, volant de banche en branche dans un rapide parcours saccadé de possibilités kaléidoscopiques.

Présentant une morphologie au rythme rapide de l?artefact-en-transformation moderne, souligné par des traits d?esprit intensément lyriques et par d?impossibles perspectives, le purisme de Ducroz met l?accent sur des objets réels propagés par une explosivité surréaliste post-architecturale et déclenche la latence hyper réelle d?objets de la vie quotidienne et de technologies obsolètes en un mediaflash de soixante secondes.

L?agitation de la fête foraine : paroxysme de l?agglomération sociale, du mouvement et des proximités accidentelles. Cet espace de divertissement, échappatoire à l?ordre social est aussi paradoxalement une soumission volontaire au regard des autres et aux forces techniques et physiques des manèges (qui n?est pas sans rappeler celles des automobiles). Les visiteurs de la fête foraine se libèrent de leurs sentiments les plus simples en même temps qu?ils s?y asservissent volontairement : peur, surprise, joie, euphorie, excitation, effroi. Ce processus ambigu est déjà décrit dans le film "l?Aurore" réalisé par Murnau en 1927. Des paysans découvrent et apprennent la ville et la vie modernes à travers le prisme de la fête foraine. L?effervescence de la fête les libère de leur condition paysanne. Par le choc des rencontres, par les frictions sociales et par la puissance mécanique des attractions elle les prépare mentalement et physiquement à la vie dans la société moderne. Dans la vidéo "Forces mobiles" nous juxtaposons des images de fêtes foraines et des photos aériennes d?échangeurs autoroutiers, de bretelles d?accès, de rocades, de rond-points. Autant de dispositifs dont le dessein n?est pas lié à une volonté de dessiner, de structurer le paysage urbain ou d?exprimer une vision cohérente de la ville mais est bel et bien de s?adapter parfaitement aux trajectoires des parcours pendulaires des automobilistes, aux flux continus des voitures vers les zones de travail, de commerce, d?habitat, d?activités.

Aurore Dudevant was born in 1979. She obtained a BA in Architecture at Nancy's (France) College. She also studied at Oporto's University (Portugal) She´s been working as an architect since 2004. Philippe Zulaica was born in 1997 and graduated from the Architecture College of Nancy. He studied architecture for one year in Brighton (UK). He´s been an architect since 2002. His work has been shown at Berlin Visage (Goethe Insitut, Nancy), The Villette (Paris) in 2003 during the exhibition called "Urbanisme", Young Creation 2003 at the Great Hall (Grande Halle, La Villette, Paris), ORILLA#05, MAC (Santa Fe, Argentina) in 2005, and Sao Paulo, Brazil.

"Catalogue" is a series of 16mm films and videos that consider the time it takes to look at the objects for sale in a mainstream furniture catalogue of designer knock-offs. The catalogue presents de-saturated photographs of staged rooms shot and printed to resemble sets for film-noir era movies. This mediation hypothetically increases the objects` desirability by picturing them in a nostalgic historical moment that is, in fact, fictional. In these pictures, copies of designer furniture are indistinguishable from original pieces. The film is a documentary of the filmmaker’s looking; each cut was determined by the rise and decay of her interest in the object. Each film takes one volume of the 11-volume mail order catalogue as its subject. They can be screened as a set or individually. "Catalogue Vol.6" was shot with audio clips from a horror movie that mention the words "house," or particular rooms or parts of a house, playing in the studio while the film was being shot so that each shot acquired a random "soundtrack." Then the film clips were organized as a "tour" through the rooms of a house: foyer, living room, dining room, kitchen, study, bath, ending at the bedroom.

Dana Berman Duff’s artworks are included in the collections of the Museum of Modern Art and the New Museum of Contemporary Art in New York, the Phillips Collection (Washington DC), Brooklyn Museum (NYC), The Carnegie Museum (Pittsburgh), and a number of private collections. Her works in small format film and video have been screened in a number of festivals including the Toronto International Film Festival, International Film Festival Rotterdam, the Biennale de l’Image en Mouvement (Geneva), Edinburgh International Film Festival, ExIS (Seoul), Antimatter (Vancouver), San Francisco Cinematheque’s Crossroads, Experiments in Cinema (Albuquerque), Cairo International Film Festival, Timisoara Festival (Romania), Filmmakers Festival (Milan), Onion City Experimental Film Festival (Chicago), LaborBerlin microcinema (Berlin), Dortmund/Cologne International Women’s Film Festival, Seattle Filmforum, Echo Park Film Center (Los Angeles). The Gringas, (2013) was named Best Documentary Feature at the 2014 Mexico International Film Festival. Dana Berman Duff teaches at Otis College of Art and Design in Los Angeles and lives part-time in Mexico.

Le paysage européen actuel tel que nous le connaissons est en grande partie le résultat de siècles d’aménagements, de décisions, visant à accompagner le développement de l’Homme sur son territoire. Nous contemplons le plus souvent un paysage manufacturé, continuellement en chantier. Ce gigantesque chantier est le fruit de choix émanant d’institutions publiques ou privées, démocratiques ou non. Diverses activités humaines, juridiques, politiques ou économiques rythment et modifient l’environnement en permanence. Few times, few places dresse un portrait des lieux dans lesquels ces activités sont concentrées. La notion de paysage évoque parfois une surface sur laquelle on pose un regard. Ici, il s’agit de remonter à la source de cette surface.

Benjamin Dufour est né en 1984 à Metz. Après une formation musicale au cours de laquelle il apprend le saxophone et la composition, il intègre l'École Supérieure de l'Image d’Angoulême (2002 à 2007), posant les bases d'une recherche plastique mettant en forme son univers musical et conceptuel, s'intéressant particulièrement aux matérialités du son : phénomènes physiques, supports d'enregistrement, partitions, etc.
 À la recherche de nouveaux terrains d'expérimentation et de publics variés, il participe à de nombreuses résidences pendant 4 ans. Il est membre du collectif La Mobylette (www.lamobylette.org) depuis sa création en 2006, collectif qui développe des pratiques de production d’œuvres et de commissariat d’exposition. Régis Feugère est né en 1976, après des études d'Histoire de l'Art et une formation technique en photographie, il intègre l'Ecole Européenne Supérieure de l'Image d'Angoulême de 2002 à 2007 où il établit les bases de son langage plastique. A rebours d’une photographie de l’effet, sa démarche, patiente, réfléchie et mesurée, est celle d’une contemplation qui, à notre époque d’accélération généralisée est aussi une forme d’engagement voire de résistance. Dans ses compositions le vernis du monde que nous croyons connaitre se fissure, laissant entrer le doute, le trouble et l’inquiétude devant le regardeur.

Petites architectures et brèves nébuleuses. Film abstrait.

Félix Dufour-Laperriere est né en 1981, à Chicoutimi. Il a étudié à Montréal et y vit et travaille présentement. M est son sixième film. Il est également co-fondateur de la galerie en ligne www.lappentis.com.

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Téléfiction #5 est une fiction et un essai video réalisé avec des séries télévisées. Il s`agit d'utiliser ces séries comme un matériau de travail brut, d'en isoler des fragments qui permettent de basculer les séquences retenues sur un tout autre plan narratif et conceptuel, de manière à constituer un univers totalement différent, tout en conservant la trace de son origine.

Frédéric dumond est né en 1967. Il est écrivain, plasticien, videaste, performer. Il travaille la narration, le sens et la parole en tant que principes élémentaires de la pensée, à différentes échelles de présence et de perception. Il les structure en proximité avec les théories du désordre en sciences " dures ", étant donné que la détermination des formes (en somme des frontières) est floue - puisque dépendante à tous niveaux du moment (échelle) de la perception. Dans ses textes les plus récents, il évoque, par approches successives, l?être humain et le vivant. Il réalise ses vidéos à partir d?images diffusées à la télévision, déconstruisant et reconstruisant les fictions des séries qui ont envahi le petit écran. Il conçoit ses installations videos avec des éléments détournés du réel (fragments de documents de travail de sociétés ou d?entreprises et/ou captation de moments de la vie de l?entreprise).( II/pauses ). Il travaille ses pièces sonores à partir de fragments radiodiffusés, écrivant un texte au sens multiple comme un puzzle. Lors d?une résidence à Barcelone, il a publié des textes écrits à la fois en catalan et en français, et donné des performances bilingues. Ses vidéos ont été montrées à Bangkok ; au festival Le Signal de Biarritz ; au Lieu Unique à Nantes ; à Hérouville Saint-Clair ; au FRAC Champagne-Ardenne à Reims ; dans le cadre des "Rencontres Paris/Berlin de Roaratorio "... Il a notamment exposé à Espais, centre d?art, à Girona (Espagne), à la Galerie éof, Paris et à la galerie de l?Institut français de Barcelone? Il a donné ses performances, entre autres, au Lieu unique à Nantes ; au Credac à Ivry-sur-Seine ; à Fribourg (Suisse), dans le cadre du Belluard Bollwerk festival? Il a publié à Amsterdam "fyseogaar ng", avec Agnès Geoffray. La pièce sonore "Radiofiction #1" est parue dans la dernière livraison de la revue sonore "Erratum" (" erratum 4 ") " ? " a été publié dans la revue MU ; " for " dans l?ultime livraison de Java ; " tangent, intervenir " dans la revue Formules. " Disposer " est paru aux éditions adéléo (avec Jean-Claude Loubières) ; " monde " paraît aux éditions Les cahiers de la Seine

Dans cette pièce vidéo, paysage d'écriture et de traduction, un poème dans une des langues du marronage, le saramaka, est le lieu de la rencontre : entre des locutrices de saramaka, Odet et Sobriena et l'auteur, entre l'hypothèse d'un texte et sa possibilité. Le poème se précise au fur et à mesure des allers et retours incessants entre Sobriena, sa mère et l'auteur, entre les différents niveaux de langue. Il s'agirait là comme d'une négociation au sens créaeur du terme, quand des mondes qui ne se connaissaient pas avant la rencontre apprennent l'un de l'autre. Ici, c'est ce que la langue coloniale projette qui est remis en chantier, et comment les voix s'accordent et transforment le poème pour qu'il soit et qu'il puisse exister dans les deux ensembles culturels, avec les adaptations nécessaires, parfois les renonciations que cela implique du côté de l'auteur. Ou comment se construit une forme en se déconstruisant. Quand l'autre, essentiel et germinal, transforme avec, à Cayenne, Sobriena Amoïda et, par téléphone, sa mère, Odeth Amoïda, à Kourou. résidence soutenue par la DAC Cayenne et l’Alliance Française de Cayenne.

Frédéric Dumond est plasticien et poète/auteur. II travaille à des textes et des dispositifs textuels dans des médiums multiples : vidéos, installations, performances, dessins, livres, etc. Il mène depuis de nombreuses années une recherche qui a pour objet les langues du monde et leurs liens avec le territoire, dont un projet de collecte dans le vivant du langage en langues autochtones, notamment au Mexique et en Colombie. Il séjourne dans des communautés racines, filme l’environnement, les gestes, les liens entre le milieu et ceux qui y vivent, et recueille des récits en langues amérindiennes qui documentent des cosmovisions, et constituent autant d’archives de langues fragilisées ou en danger. Cet ensemble de matières visuelles et sonores sont à la fois des archives déposées chez les communautés où séjourne l'auteur et se déploient en installations, notamment.