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My experience as a DJ in the eighties has provided me whith first-hand material to be abe to ofer an alternative version of the "Movida Madrileña" through events that were the general trend of group bahavoir. Violence and Drugs are one of the aspects concealed in the official history,Which insists on remembering the most playful and banal aspects. Employing a process of re-writing musical films and the appropiation of soundtracks,the video plays with the reconstruction of memory,showing up the present-day manipulation of the "nostalgia for the not experienced". Assembling real and fictitious images,Madera 22 recreates teh presentations of the first record of a "cult band ",during which the public took an LSD cocktail without teir knowledge,whith the resulting general high.

2009:Para/site-Hong Kong "Misery flae market" 2009:?Chupa-Chapa? BELLAMATIC :RIGA (Lituania)2009:?Feria? película 3m (Video ) 2009 :?Te calientan la cabeza ?? esculpture 2009: ?Trilogía de los tres minutos? 2008:?EL MOTIN DEL MOSCA? centre du art POMPIDÚ (PARIS) Rencontres internacionales Paris/Berlin/Madrid/ 2008: EL MOTÏN DEL MOSCA dentro de LHFA (Explorando Usera) MADRID ABIERTO 2007: Instalatión : MADRID HA-BIERTO 2007:?AMOR DE MOTERO?Proyect art. 2007:?MOLLERUSSA art fair ?MERCADILLO DE LA MISERIA 2007:sound sculpture?NO TE METAS DONDE NO TE LLAMAN? Proyect-film 2007: Instalatión video esculpture :MERCADILLO DE LA MISERIA (working process ) 2007:LAMASBELLA ARCO07 2006: Instalation for Art Palace 2006:PROHIBICION:Street art 2006:Aparca-coches:Sculpture street art 2005:Ape-DREAM-e: ARCO 05 2005: Performance "SUJETO VIOLENTADO" 2005:PerformanceHOAX:Video-performance 2004:?La mujer inventada? esculturas relacionadas 2004:? MeCaGo`NL amorrr? Sculpture.

Madrid 1980, Lou Reed fait un concert dans le quartier usera. Trop de yankees, trop de violence!

Cubo 1967 video-performance video art Sculpture http://es.geocities.com/cuboart/index.htm

Learning Physics Video HD. 13´ 23´´ Single Channel Color, Stereo 2012 Learning Physics raises the importance of reinterpreting history, and to read in the present its possible transformations as an exercise of questioning what is experienced, and of the vision and of how we see? What do we see? Who has the privilege of handling various points of view and why? Why some people blind others or why some people deliberately covers their eyes? It addresses the problem of vision when agreeing the boundaries of the territories and their organization, the boundaries between variable and invariable in the imagination and construction of futures. In the video essay there is a connection between the current financial crisis, the contemporary scientific revolutions and experiences of Huesca and Jaen collectivists at the time of the Spanish Civil War.

Lives and works in Madrid. Artist and cultural producer, member of the collective CASITA and professor at the Faculty of Fine Arts at the University of Salamanca. Among of his solo exhibitions include those in the CAB of Burgos in 2011, ECAT in Toledo in 2009, at the Cultural Center Montehermoso of Vitoria in 2007 and at the Contemporary Art Center of Salamanca, DA2 in 2006. He has participated in group exhibitions including: Educating Knowledge, MUSAC, Leon (2010); Apres la fin / valeur travail, Haus der Culturen der Welt, Berlin, Germany (2009); Heterotopías, Oktogon HFBK, Dresden, Germany (2007 ) Destination future, Royal Botanic Gardens, Madrid (2007), Terraplane blues, The Burning House, Madrid (2006); Radicáis free, Auditorio de Galicia in Santiago (2005). His videos have been programmed into the International Video Rencontres Paris / Madrid / Berlin, Theatre du Chatelet, Paris, MNCA Reina Sofia, Madrid and Jeu de Paume, Paris in 2008 and 2011. His work is also in collections such as the Leon MUSAC or Domus Artium 2002 Salamanca (DA2). Villaplana.!

Sinuous actions reflects a memory of the most important disagreements that have been pronounced by various social and political movements in different contexts. It shows different strategies of these movements using disguises and changes of indentity in order to get their goals or to put in evidence the contraditions of the system. Sinuous actions proposes a set of multiple clashes. Not only for the use of two screens but for showing different types of masks which operate on different levels of power (patriarchal heteronormativity, globalization, intolerance for ideas policies,...). At the same time this work visualizes unconscious gestures of any person which present different ways of hiding. We can hide ourself, by imposed cause or by incidental situation. These gestures could suggest different ways of understanding and changing subjectivities from individual position to collectives positions.

Diego del Pozo Barriuso lives and works in Madrid. He studied at the Faculty of Fine Art in Salamanca and Madrid, and at the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam. Artist and cultural producer, he develops projects about the social production of the body and identity. His work is based on his concern about affection and desire and the way in which these emotions, associated with subjective, private experience are conditioned by our social environment, by power and by production methods. His work is based on the idea that social control mechanisms are interiorised by individuals, and he shows how the cracks in these tools of power come into conflict and create contradictions within us. He also works with the group C.A.S.I.T.A. (www.ganarselavida.net) His work forms part, among other collections, of the collection of the MUSAC of León, Spain, and of the collection of DA2, the Centre of Contemporary Art of Salamanca, Spain.

This is a piece about loneliness, about the need for affection and about how the contemporary subject is submerged in the strive for a resolution of these lacks in the context of the work and production system. The images represent a number of different individuals in two completely different situations, and some of them participate in both: some people have just taken part in an orgy, while others are at work, in different working environments (an office, a production line, a workshop, a school, a hospital). We witness the interior monologues of all these people. They are never alone in these situations, but they feel lonely. Their intimate thoughts come in succession, never simultaneously.

Diego del Pozo Barriuso lives and works in Madrid. He studied at the Faculty of Fine Art in Salamanca and Madrid, and at the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam. Artist and cultural producer, he develops projects about the social production of the body and identity. His work is based on his concern about affection and desire and the way in which these emotions, associated with subjective, private experience are conditioned by our social environment, by power and by production methods. His work is based on the idea that social control mechanisms are interiorised by individuals, and he shows how the cracks in these tools of power come into conflict and create contradictions within us. He also works with the group C.A.S.I.T.A. (www.ganarselavida.net) His work forms part, among other collections, of the collection of the MUSAC of León, Spain, and of the collection of DA2, the Centre of Contemporary Art of Salamanca, Spain.

« El topo y la anguila » est un film sur l?Echange, le travail affectif, et les relations entre Économie et Affection. Il raconte l?histoire de deux groupes de clandestins qui ont inventé un autre type d?économie durant une période de guerre. Les individus qui appartiennent à ces deux groupes choisissent de vivre une existence assez précaire, dans le contexte d?une économie supposée abondante. C?est également l?histoire de deux groupes de personnes anonymes, qui appartiennent à deux classes et deux niveaux de production différents. Ils recherchent des actions subjectives par le biais de l?émancipation de la chaîne des échanges affectifs. Dans le film, la ville, le fleuve, l?île et les réseaux de gens opèrent de façon symbolique et forcent à réfléchir aux problèmes et aux contradictions de notre temps. Pour les Rencontres Internationales Festival, « El topo y la anguila » se limite à une version monocanal, mais le film travaille aussi avec le format installation-vidéo, ainsi qu?avec une autre vidéo et plusieurs séries de dessins.

Diego Del Pozo Barriuso est né à Valladolid (Espagne), en 1974. Il vit et travaille à Madrid (Espagne). Il a étudié à la Faculté des Beaux-Arts de Salamanque et de Madrid ainsi qu?à la Gerrit Rietveld Academie d?Amsterdam (Pays-Bas). Artiste et producteur culturel, il développe des projets sur la production sociale du corps et de l?identité. Son ?uvre se base sur son intérêt pour l?affection, l?amour et le désir et pour la façon dont ces émotions, associées à l?expérience subjective et privée, sont conditionnées par notre environnement social, par le pouvoir et par les méthodes de production. Son travail se base également sur l?idée que les mécanismes de contrôle social sont intériorisés par les individus, et montre comment les fissures de ces outils de pouvoir peuvent entrer en conflit et créer des contradictions parmi nous. En utilisant différentes techniques et médias ? le dessin, les installations, la vidéo ... ? il nous met face à face avec une réalité dans laquelle nos désirs, que nous pensions personnels et privés, se révèlent être des constructions qui incitent à la consommation ou au contrôle social. Iego Del Pozo Barriuso travaille également avec le groupe C.A.S.I.T.A. Son travail fait partie, entre autres, des collections de MUSAC de León (Espagne) et de DA2, Centre d? Art Contemporain de Salamanque (Espagne).

Encyclopaedias describe St. Elmo's fire as a harmless meteorological phenomenon caused by a strong static discharge. In Philippine mythology, a "santelmo" is a wandering soul of a deceased person who has not found peace yet. Three young men wandering through countryside seeking in vain reconciliation with the world. Their aimless journey is accompanied by rustling of leaves and grass, chirping of insects, and singing of birds, conversations about people for whom they have suffered and whom they plan to take revenge on. Yet, they are prevented from freeing themselves by memories that cannot be killed.

Liryc Dela Cruz (1992) is an artist and filmmaker from Tupi, South Cotabato in Mindanao, Philippines and now based in Rome, Italy. His works were selected and screened in different international film festivals and art events. His debut short film “The Ebb of Forgetting” premiered at the prestigious 68th Locarno Film Festival. His films are thematically related to his origins, history, and personal psychology. His works outside cinema focuses on care, indegenous practices, decolonial practices, post-colonial Philippines, transpacific slave trade, hospitality and reconnecting the colonized and slave body to the soil. Dela Cruz was one of the key collaborators of Philippine independent master filmmaker Lav Diaz. He is also considered as one of the representatives of the slow cinema movement (Ji.hlava IDFF ‘18). In 2019, he represented Italy at the UK Young Artist in Nottingham, he was selected as one of the artists of AtWork Venice mentored by Simon Njami and was the Editor in Chief of the Where is South exhibition at the Palazzo Querini, Fondazione Ugo e Olga Levi as part of the “Rothko in Lampedusa'' initiative during the 58th Venice Biennale. In 2020, he was selected as one of the young emerging filmmakers to represent Italy in Berlinale Talents during the 70th Berlin International Film Festival. Dela Cruz was also mentored by French Political Scientist and Activist, Françoise Vergès during the Mediterranean Ecofeminist Decolonial Union for Self-Education in Lecce, Italy. Recently, he debuted a performance in Teatro di Roma - Teatro Nazionale in Rome as part of his ongoing research project “Il Mio Filippino/a,” a project about “gestures of care and cleaning methods” of Filipino cleaning workers. The same project was also a recipient of Artissima - Torino Social Impact Art Award for the year 2020 and has been selected by Cité internationale des arts Paris for their residency program in 2022 and by Mattatoio di Roma for its Prender-si Cura residency programme. Currently, Dela Cruz is developing “Ocean as a Space of Perpetual Care '' a project based on indigenous care and hospitality of pre-colonial Filipinos and from the diary of Antonio Pigafetta.

Atelier d?Alexandre Calder : Un paysage ? promontoire d?essai pour ses stabiles. Un 360° à deux caméras qui prennent le relais d?images l?une de l?autre, formant un cadrage 16/9ème. Capter le spectateur dans une première vision d?une image lisse et attractive. Puis, celle-ci se dilate en son milieu : une jonction de pixels. Des chocs se créent, troublant l?harmonie du plan-séquence. Les corps se dédoublent ou disparaissent, pointant les failles d?un dispositif qui s'est établi sur une forme écran, plane, une circonférence d?images : le trompe l??il du décor d?une pré narration filmique.

Marion Delaballe ? 26 ans Née à Paris. Vit et travaille à Paris. A fait ses études aux Beaux Arts de Valence et est diplômée du D.N.S.E.P. Art, en juin 2005. Spécialisée dans les installations vidéographiques qui se basent sur des processus filmiques spécifiques (morphing, double camera, chronophotographie, ?).

"Well" (2020) un plaidoyer pour les relations familières. À la fois solitaire et intime, il se compose de courts plans de moments ordinaires de la vie à la maison. C’est une inspiration rapide, une expiration rapide. Ce sont des doigts croisés en espérant que tout ira bien.

Anita Delaney est d’origine irlandaise, mais vit et travaille à Londres. Elle est artiste. Parmi ses récentes projections et expositions figurent "Very Thirsty" à la Borzoi Tower, Chicago (USA) [février 2020]; "6 x 6 Project" au Set, Londres (Royaume-Uni) [septembre 2019] et "Sick Monday" au Horse Hospital, Londres (Royaume-Uni) [juillet 2019].

The cusp of your credenza is a wandering speculation through various material encounters. A woman presents a number of scenarios that involve the ingestion or ejection of substances. From toenails to statuary, muffins to monuments, The Cusp of Your Credenza is looking for how we place ourselves bodily in a material world.

Working mainly in moving image, Anita Delaney graduated with BA Fine Art from IADT, Ireland in 2006 and MA Fine Art from Chelsea College, London in 2011. She has recently shown work at CCA, Glasgow, Whitechapel Gallery, London and the Royal Hibernian Academy, Dublin. In 2015 she was a recipient of an Arts Council Visual Arts Bursary Award which helps enable the production of new work.

"Well" (2020) un plaidoyer pour les relations familières. À la fois solitaire et intime, il se compose de courts plans de moments ordinaires de la vie à la maison. C’est une inspiration rapide, une expiration rapide. Ce sont des doigts croisés en espérant que tout ira bien.

Anita Delaney est d’origine irlandaise, mais vit et travaille à Londres. Elle est artiste. Parmi ses récentes projections et expositions figurent "Very Thirsty" à la Borzoi Tower, Chicago (USA) [février 2020]; "6 x 6 Project" au Set, Londres (Royaume-Uni) [septembre 2019] et "Sick Monday" au Horse Hospital, Londres (Royaume-Uni) [juillet 2019].

The cusp of your credenza is a wandering speculation through various material encounters. A woman presents a number of scenarios that involve the ingestion or ejection of substances. From toenails to statuary, muffins to monuments, The Cusp of Your Credenza is looking for how we place ourselves bodily in a material world.

Working mainly in moving image, Anita Delaney graduated with BA Fine Art from IADT, Ireland in 2006 and MA Fine Art from Chelsea College, London in 2011. She has recently shown work at CCA, Glasgow, Whitechapel Gallery, London and the Royal Hibernian Academy, Dublin. In 2015 she was a recipient of an Arts Council Visual Arts Bursary Award which helps enable the production of new work.

This project ventures into the intricate landscape of masculinity, embarking on an in-depth investigation that challenges and deconstructs conventional definitions framed by societal and cultural norms. By examining masculinity through the lens of vulnerabilities, repression, and gender role construction, the initiative encourages a profound reevaluation of the male identity, advocating for a reconnection to the more primal, emotional, and sensitive sides of men's nature.

Daniela is an internationally renowned choreographer and movement director known for her boundary-pushing approach to dance. Driven by a profound curiosity about movement’s power, her work interweaves memory and the body’s capacity for storytelling. She debuted at the 2017 Biennale Danza with We Are Raw Material, setting the stage for a journey of artistic exploration across continents. Her collaborations include projects with the Pinuccio Sciola Museum, Accademia Nazionale di Roma, ?finMalta, and Tanz Company Gervasi. In 2021, Daniela earned an MFA in Choreography from Trinity Laban, where her innovative vision continued to flourish. Her celebrated piece Before Night Falls recently premiered at Contemporary Cairo Night and is currently touring Italy. Her latest work, Truncare Su Cadenas, explores the profound links between Armenian and Sardinian dance traditions.

8 Un film d?animation de Mathias Delfau (2010 ? 17mn) Après avoir travaillé avec Noëlle Renaude à la mise en page d?Une belle journée et de Topographie, où la recherche portait sur une mise en espace du déroulement du texte sur la page, j?ai cherché à mettre en scène une partie de sa pièce 8 dans l?espace 3D et le temps d?un film d?animation. Ce travail est la rencontre entre une recherche picturale abstraite et une situation incarnée par les 5 personnages de la pièce. 8 est avant tout un procédé, celui de ne pas donner à voir, ni à entendre la pièce telle qu?elle pourrait être jouée sur scène, mais à montrer les traces qu?elle pourrait produire. Ne pas chercher le sens mais le laisser apparaître dans les traces laissées par ces phrases qui sont dites sans trop réfléchir à leurs portées, au gré de l?action, mais qui restent et influent sur le déroulement, dans les méandres des traces laissées par les déplacements de ces cinq personnages qui s?attirent et se repoussent au sein de ce qu?on pourrait appeler un groupe. Juste garder la subjectivité de l?axe de la caméra, comme celle des didascalies dans la pièce, le mouvement de la caméra crée un second plan détaché de l?action. 8 est une sorte d?observatoire où l?action se déroule en même temps qu?elle est observée, dans ce qu?elle est et dans ce qu?elle produit.

Je travaille avec des créateurs dans des domaines différents et c`est de ce va-et-vient entre l`art plastique, l`art numérique, le spectacle vivant et la littérature, qu`est né le film 8.

Mur, c?est la rencontre violente de deux points de vue. De l?extérieur, c?est un motif, sorte de treille végétale plus ou moins régulière. Dans la violence des percussions, la caméra semble hésiter face au mur, puis elle est projetée contre le motif. De l?intérieur, silence, le motif se découvre en volume, construit à partir de formes anthropomorphes, postures figées et épinglées de façon régulière sur le tracé du motif. La caméra découvre la particularité de chacun de ces corps, le motif est oublié, il est vu dans l?accumulation d?individualité dont il est formé. C?est de la répétition de ce passage entre le bruit et le silence, la forme et son sens que va naître MUR.

Mathias Delfau (1968) : je travaille comme designer graphique, plasticien et artiste numérique. Mon travail sur l?image s?est développé au moyen de différents médias. D?abord la peinture (1988/1999). Puis avec la scénographie et le spectacle, l?image est pensée dans l?espace (de 1995 à 1999 j?ai monté trois spectacles confrontant l?acteur à l?image). Enfin la vidéo en 1997 avec l?arrivée du numérique, parce qu?elle est le support parfait pour une recherche sur le montage, sur le passage progressif d?une image fixe à 25 images seconde. Pendant 7 ans, j?ai travaillé la vidéo sur ordinateur comme la peinture, couche après couche par superposition. Au service de la composition plus que de l?histoire. J?ai mâché cette matière numérique en produisant beaucoup de petites choses qui n?avaient d?autres buts que le temps passé à les faire. Depuis 2000, je travaille aussi avec le groupe d?artiste Accès local dont le but est de replacer la recherche artistique dans un contexte social et professionnel. Aujourd?hui, je n?utilise plus la vidéo mais l?animation 3D qui me permet de continuer ma recherche sur le dessin dans l?espace.

L?animation HA semble un aboutissement au regard des films réalisés depuis 1991. Travail de rencontre entre l?image vidéo et sa manipulation numérique, jeu de caché/montré, qui a débouché sur la disparition, le recouvrement de la figuration par l?image 3d (v. C?est Clair 2003), seul est resté le dessin, le trait. Ha c?est aussi le point d?équilibre entre la narration et le motif, l?animation n?ayant pas réellement de début et de fin, elle donne la possibilité d?être croisée du regard ou regardée sur la durée. Car c?est aussi de ça qu?il s?agit , amener par une accroche ludique (chevaucher le trait comme des montagnes russes) le spectateur à passer du temps devant ce trait qui dessine en fonction du regard qu?on lui porte, passant continuellement d?une impression physique d?espace au dessin qui s?anime sur le plan de l?écran.

Mathias Delfau (1968) Mène en parallèle un travail de graphiste, de plasticien et d?artiste vidéo. 1985-1994 Par la peinture, apprend l?image comme surface finie pouvant englober les espaces les plus infinis. L?image comme vocabulaire d?une parole non démonstrative. 1987-1992 Etudes de plasticien de l?environnement architectural aux Arts Appliqués de Paris (BTS), et de peintre aux Beaux-Arts de Paris, pour réfléchir sur la notion paradoxale de l?art appliqué. 1992-1995 Travail à temps partiel comme assistant d?exposition à la Galerie Nationale du jeu de paume. 19993-1994 Conception et réalisation d?expositions pour la cinémathèque française. 1992-1995 Mise en scène trois spectacles de manipulation d?images. 1994-2006 Poursuite de la peintre par la vidéo numérique et réalisation de plusieurs films d?animation. 1997-2003 Travail à temps partiel comme créatif dans une agence de graphisme spécialisée dans la communication culturelle. 2000-2006 Collaboration et expositions avec le groupe d?artistes Accès Local dont le but est de replacer la recherche artistique dans un contexte social. 2003-2006 Travail en indépendant pour des travaux imprimés (affiches, plaquettes, éditions, illustrations), animés (sites internet, habillages, vidéos), et mis en espace (signalétique, site d?accueil, événementiel). 2003-2006 De nouveau des images fixes au moyen de grands tirages couleurs, formes sculpturales apparemment simples reconstruites à partir de centaines de macrophotographies. 2004-2005 avec l?installation Madame T. la vidéo est placée dans l?espace et confronte au sein d?une même installation différents médias, chacun prenant en charge une facette de l?histoire. 2006 Fondation de l?association OA, structure légale permettant à des artistes aux savoirs faire complémentaires de travailler ensemble pour concevoir, réaliser et diffuser des formes émettrices originales, légères et mobiles pouvant s?intégrer simplement dans différents espaces publics.

BLAH BLAH, c?est un huis clos dont chaque protagoniste est réduit à une action. C?est aussi un manège répétitif de pantins qui montent et descendent. Comme des automates de boîtes à musique, sauf que dans BLAH BLAH il n?y a pas de son. La seule chose qui se développe et qui raconte, ce sont les mots, pas dans leurs significations mais par leurs déplacements. BLAH BLAH, c?est une caricature de société où la vie naît de l?interaction., un flipper de mots dont le flux a plus d?importance que le sens.

Mathias Delfau (1968) Mène en parallèle un travail de graphiste, de plasticien et d?artiste vidéo. 1987-1992 études de plasticien de l?environnement architectural aux Arts Appliqués de Paris, et de peintre aux Beaux-Arts de Paris, 1992-1995 Met en scène trois spectacles de manipulation d?images. 1994-2005 Poursuit son travail de peintre grâce à la vidéo numérique et réalise de nombreux films d?animation. 1997-2003 Travail à temps partiel dans une agence de graphisme. 2000-2005 Collaboration avec le groupe d?artistes Accès Local dont le but est de replacer la recherche artistique dans un contexte social. 2003-2005 Travail en indépendant pour des travaux imprimés (affiches, plaquettes, éditions, illustrations), animés (sites internets, habillages, vidéos), et mis en espace (signalétique, sites d?accueil, événementiel). 2004-2005 avec l?installation Madame T. il place la vidéo dans l?espace et confronte au sein d?une même installation l?image fixe et l?image en mouvement.

Veracruz without ship by Teresa Delgado & Jakob Kirchheim A documentary melodrama with privatizations and without lovers. A poetic walk through Veracruz, port of European exiles and Mexican oil, of melodrama and of the rhythm danzón. Since 1938 Lázaro Cárdenas government offered political asylum to thousands of Spanish republicans who were fleeing war and persecution. They arrived to the port of Veracruz, unreachable paradise for the defeated who couldn´t leave Spain. We revisit this myth of the grandparents and confront it with the present in 2014. In this year the PRI government is opening the doors to private investment of multinationals in a natural resource which Mexicans consider their own: oil. Oil plays an important role in the Gulf of Mexico and Mexican oil was nationalized by Cárdenas government in 1938.

Born in Madrid 1965 and living in Berlin since 1987. Graduated from the Free University of Berlin with a M. A. in German and Spanish Literature. She is teaching Latin American cinema, history and culture at the Humboldt University and use to collaborate with the artist Jakob Kirchheim since their first film “Die Prinzessin der zweiten Hand”/”La princesa de la segunda mano” which was shown at the Berlin Film Festival and in Imagfic Madrid (1992). She has been working in poetry and short documentary films. The best known is “Terrorsounds” in collaboration also with Jakob Kirchheim (2010) shown at the Zebra Poetryfilm Festival in Berlin, VideoBardo Buenos Aires, Bristol, Vancouver and in 2013 at the “Zentrum für Kunst und Medien “ in Karlsruhe in the exhibition “Typemotion. Type as image in motion”.

There are mass suicides and there are mass naps. They seem pretty close but they actually have different ontological dimensions. This film is about a mass nap and some mysterious acts of violence that are not taken very seriously. There is not much more to say. However, I would like to add the fact that I believe this film is very serious due to the fact that doesn?t take itself seriously.

Daniela Delgado was born in Ecuador in 1987. She studied film at Universidad del Cine in Buenos Aires. She wrote and directed short films screened at Rotterdam Film Festival, Split Film Festival, Bienal of Moving Image in Buenos Aires, Museum of Modern Art in Buenos Aires and Semana del Cine Experimental in Madrid. She participated at the Berlinale Talent Campus #10 (2012). She is currently a scholarhip holder at the Centre of Investigation of the Arts in Buenos Aires.

A travers la rencontre de trois communautés emblématiques de l`univers virtuel "Second life" - les furries, les goréens et les évangélistes chrétiens -, le film interroge la porosité entre la vie réelle et la vie virtuelle. Pour ces joueurs, la frontière réel/virtuel disparaît, jusqu`à perdre sens, tant l`un et l`autre sont étroitement mêlés et s`influent directement.

Un parachutiste se tient en plein centre de Frankfort/Main comme s'il venait d'atterrir. Ses traces nous mènent par de grands bonds à travers des bureaux dans des grattes-ciels, des rues, des parcs et mêmes à travers les fondations et les chantiers des futurs projet du quartier financier: partout les plantes sont menaçantes, des reptiles se tapissent et des apparition scintillantes surgissent. Un portrait urbain métaphorique.

Gunter Deller Geb. 1963 in Wasserlos, Freier Filmemacher und Fotograf Studium Germanistik, Philosophie, Medienwissenschaften an der JWG-Universität Frankfurt a. M., Studium Visuelle Kommunikation an der Hochschule für Gestaltung Offenbach a. M., Abschluß als Diplom-Designer mit Schwerpunkten Freie Fotografie und Künstlerischer Film, Kuratorische Tätigkeiten und Programmarbeit im Mal Seh´n Kino, Frankfurt a. M., diverse Lehraufträge mit dem Schwerpunkt 16mm- und Super-8-Experimentalfilm, Technische Betreuung und Durchführung von Projektionen aller Art.

Dans cette vidéo inspirée du cinéma muet, dans une forêt, des ouvriers aidés de leurs machines creusent un trou en pleine forêt. Pour déplanter un arbre? Le trou s`allonge. Mais que creusent-ils ? Une tombe, une fosse septique, les fondations d?une maison ?

Vit et travaille à Paris. Diplômée de l?Ecole supérieure des Beaux-Arts en 1987, sa pratique artistique réunit le dessin, la photgraphie, la vidéo, l'installation in situ. Son travail a été exposé notamment au FRAC Auvergne, au Musée d?Art Moderne de la Ville de Paris, à la Biennale d?Art Contemporain du Littoral à Anglet, au Salon du dessin contemporain de Paris, à la Galerie Yvon Lambert à Paris. Son travail fait partie de collections notamment du FNAC Fonds National d?Art Contemporain, du FRAC Auvergne, du Landes Museum de Linz en Autriche, du Albertina Museum à Vienne en Autriche, de la Collection Weil, Gotshal and Manges à New York.

Synopsis De bon matin, quatre personnes roulent vers un désert. Trois hommes partent en expédition et déchargent un décor. Ils démoulent, peignent, montent des formes polystyrènes dans un espace digne des meilleurs western. Pendant ce temps là, une blonde (rousse), flâne devant ses mots fléchés. Au milieu des trois workers beaux gosses, elle tournera son transat dans le sens des aiguilles d?une montre liée au soleil, jusqu?à l?heure bleue, à l?heure où l?installation est dévoilée.

?Mad Professor? a été réalisé lors d?une résidence d?une semaine au Netwerk Art Center à Alost en Belgique. Le film fait partie du projet du Paul Deschanel Movement Research Group. Le thème était ?humour et genre? et le film pourrait être considéré comme une collaboration entre tous les participants. En remaniant les frontières entre l?art et la vie, entre un monde de l?art institutionnalisé et la culture populaire, entre intellectuel et populaire, la performance invoque les stratégies de l?humour et joue avec les problèmes de genre. L?humour est le véhicule du bouffon qui lui permet de bouleverser la bienséance et de créer des formes et des hiérarchies singulières. Le genre s?insinue également dans nos goûts et nos manières, rarement remarqué et rarement exprimé par la parole, tel un résidu culturel tenace qui hante les aspects soi-disant formels de la vie. Est-ce que l?humour et le genre se renforcent mutuellement sur ce point, en tant que stratégie de critique artistique ? Ont-ils des intérêts différents ? Puisque le genre nous concerne, que nous le voulions ou pas, ne nous pousse-t-il pas au-delà de l?ironie ? L?humour d?un autre côté, une technique confortable de distanciation, mais n?est-ce pas également un exercice essentiel de légèreté ?

Alexandra Dementieva a étudié le journalisme et les beaux-arts. Elle s?intéresse principalement à la psychologie sociale et la perception et à leur application des les installations interactives multimédia. Son travail vidéo inclus différents éléments comme par exemple la psychologie comportementale en développant un récit du point de vue d?une caméra subjective. Ses travaux vidéo et multimédia ont été exposés au niveau international. Paul Deschanel Movement Research Group Le Paul Deschanel Movement Research Group remanie une approche orientée sur le processus dans la recherche sur le mouvement et proclame la recherche fondamentale comme un pré requis à la pérennité artistique. Il prête une attention toute particulière à la collaboration et à l?échange, à la conscience environnementale ainsi qu?une conscience des frontières physiques et culturelles.

Les histories et les légendes sur les nombres sont nombreuses et très populaires dans l?histoire humaine. Est-ce que cela signifie que l?Homme suit les nombres et quel genre d?association pourrait être épelé par certain d?entre eux ? Le personnage d?une caméra subjective chasse les combinaisons magiques devenant une partie de l?étrange et fragile monde des rêves et perdant le contact avec la réalité.

L?intérêt principal d?Alexandra Dementieva est l?application de la psychologie sociale et de la perception dans des installations multimédias interactives. Ces ?uvres vidéos intègrent des éléments différents comme la psychologie comportementale et le développement narratif par un point de vue subjectif de la caméra. Le projet de son installation interactive est d?élargir les possibilités de perception de l?esprit par différent moyens de production, l?utilisation de bande sonore, des diapositives, etc. En faisant des allusions historiques, culturelles et politiques, ses lieux d?expositions créent un cadre dans lequel ses idées se développent. Les projets développent les profondeurs de l?expérience sensationnelle des spectateurs et l?interaction avec l?installation proprement dit, ainsi qu?avec les autres visiteurs. L?objet d?une installation ou de ses moyens de production deviennent moins important pour l?artiste que l?esprit de l?utilisateur. Ses installations ressemblent à des questionnaires auxquels on peut ou pas répondre avec la participation des spectateurs.

Brussels was built on a swamp. Today, only one tiny part of Brussels is still officially a swamp. Although continually threatened by development the area stayed intact, largely due to being ensnared between two railroad tracks. Further enclosed by high-rise social housing and industrial areas just behind these railroads, the swamp is a mix of damp prairies and patches of bushes and trees. It’s home to a lot of small wildlife such as birds, rodents, bats, amphibians and even ringed snakes. A small green oasis, in the middle of a concrete landscape. Murmur is a collaboration between film maker Jan Locus and sound artist Stijn Demeulenaere. Just before first light, Jan and Stijn recorded the dawn chorus at the swamp. The city drone permeates the sound of the swamp, and a strange mix enfolds between the sound of an awakening nature and a human presence. Urban drone and bird song merge into an (un)familiar murmur presence in the twilight hour of the morning.

JAN LOCUS The long-term projects of photographer and filmmaker Jan Locus study the complexity of worldwide, socio-political issues. He had exhibitions at FOMU Antwerp, Noorderlicht Photo Festival Groningen, Iklectik Art Lab London, De Brakke Grond Amsterdam, and Les Rencontres d’Arles. His photography books include “Mongolia”, “De Bewegende Stad”, and “Devoted.” Jans films have been shown at film festivals including IFFR Rotterdam, DokFest Kassel and International Short Film Festival Oberhausen. He lives and works in Brussels. STIJN DEMEULENAERE Stijn Demeulenaere is sound artist and field recordist. He creates installations, soundscapes, performances, and does sound design for dance and theatre. Stijn researches the relationship between identity, sound and listening. His work was shown at, among others, Concertgebouw Bruges, NIMk (NL), Den Frie (DK), STUK (BE), Kaaitheater (BE), New adventures in Sound Art (CA), and IFFR Rotterdam. His work was nominated for the LOOP Discovery Award, the European Sound Art Award, and it won prizes at the Engine Room International Sound Art Award and the Musica Soundscape Award. He lives and works in Brussels.

“Yildiz Movie Theater” was opened in the beginning of the 1950’s. The location and the environment of the cinema have changed because of the fact that urban renewal within years. Video work approaches this transformation from social and architectural perspective. “Basmane” is that the region of the movie theater was the city center of Izmir. However, in the beginning of the 2000’s, many immigrants came to Izmir and “Basmane” has started to become male-dominated area. Then, “Basmane” has become a marginalized region. The cinema “Yildiz” had affected by that change and the place has been changed as enclosed soccer field and billiards saloon. It is easy to notice the traces of these constrained and rushed changes in the place. The goalpost in front of the silver screen clarifies the morphological contrast and social history of the cinema. This work addresses an issue with architecture as a witness of the social memory, the process of transformation of soccer field from a cinema and the social impacts of cinema and football.

Ozgur Demirci was born in Konya in 1982. After graduating from the Department of Interdisciplinary Art in the Faculty of Art and Design at Yildiz Technical University in Istanbul in 2008, he completed his Master’s degree in C:Art:Media at Valand School of Fine Arts in Gothenburg in 2010. He is currently a PhD candidate at Dokuz Eylül University Art and Design department. Demirci has held many solo exhibitions and participated in various group exhibitions and public projects in Turkey, Sweden, Japan, Italy, Germany, Poland, Slovakia, Czech Republic, Bulgaria, Albania and USA.

Conzerrrt in Streifen 3`23``, DVD, stereo, couleur, 2005 Musique: Brigitta Muntendorf Vidéo: Stefan Demming Un touriste prend la pose dans une station thermale, jusqu'à ce qu'il se passe une chose dans laquelle sont impliqués une noyée et un sauveur masqué - jusqu'à une douteuse happy end. L'image est continuellement découpée en de nouvelles bandes et combinée avec elle-même.

Stefan Demming (* 1973) Licence d'art et d'histoire (1999), travail sur des bandes vidéo et des installations à l'Atelier für Zeitmedien à Brême (A;1999 -2005), chez V2_Organisation, Rotterdam (PB: 2002/3), séjour d'études à Marseille (F: 2005) http://stemming.free.fr

In Ne vous laissez pas consoler Democracia collaborates with the Ultramarines, hooligans of the football team Girondins from Bourdeaux, intervening with the introduction of political sentences (via banners and merchandising paraphernalia) into a completely unusual context: a football stadium in full activity, questioning the logical structure of the spectacle. The protagonist of the film are the spectators, from entering the stadium until they leave, the game is never filmed.

After having founded the group El Perro (1989-2006), Pablo España and Iván López (1970, Madrid, Spain) formed Democracia (2006), a name synonymous with an artistic approach committed to exchanging ideas and practices along strong ethical and social lines. Their projects bear witness to an interest in scenes from social and everyday life, marked by the growing importance of images and the notion of â??simulacraâ?�, from the political, technological and cultural perspectives. Democracia had been participated at Evento 2009, Burdeos, France; X Bienal de la Habana (2009), Cuba; Taipei Biennial 2008, Taiwan; 10 Estambul Biennial, Turkey; 3rd Goteborg Biennial, Sweden . The Democracia collective is also the brains behind the magazine Nolens Volens and is the organizing body for numerous curatorial projects (Madrid Abierto 2008, No Futuro, ONG, Caracas, 2007).

Dans mes vidéos, j?ai utilisé l?appropriation comme une sorte de point de repère où ?boite à outils? que j?ai fait mienne. De la même manière qu?un DJ prend des extraits musicaux et les remixe, je m?intéresse aux méthodes de reproduction et recontextualisation des images. Plutôt que de suivre la bienséance et créer quelque chose à partir de rien, je m?intéresse à monter et à former ce qui existe déjà dans le monde. En expérimentant le "found footage", le rôle du réalisateur est remplacé par celui du monteur. Je manipule activement le médium par des montages en boucles, et en effaçant et compressant des images en mouvement. Je m?intéresse à la manipulation d?images en mouvement de manière à ce qu?elles ?marchent pour nous? plus qu?elles ne ?marchent sur nous?. J?utilise cette méthode dans ma vidéo Showertime. Ce film explore la pornographie et l'érotimse homosexuel où les sentiments d'extase s'étendent au-delà de l'écran jusqu'au spectateur. Cette ?uvre donne des indices sur la notion de sublime ? le type de plaisir qui ne peut être vécu qu?indirectement, qui défie toute logique et rationalité.

L?artiste est née en 1967 en Angleterre. Elle vit et travaille à Londres. Martine DEMPSEY a eu son BA beaux arts au Chelsea College of Art and Design de Londres.

Dans mes vidéos, j?ai utilisé l?appropriation comme une sorte de dessin en négatif ou ?boite à outils? que j?ai fait mienne. De la même manière qu?un DJ prend des extraits musicaux et les remixe, je m?intéresse aux méthodes de reproduction et recontextualisation des images. Plutôt que de feindre créer quelque chose à partir de rien, je m?intéresse à monter et à former ce qui existe déjà dans le monde. En explorant l?utilisation de pellicule trouvée, le rôle du réalisateur est remplacé par celui du monteur. Je manipule activement le médium par des mises en boucles, en effaçant et compressant des images en mouvement. Je m?intéresse dans la manipulation d?images en mouvement de manière à ce qu?elles ?marchent pour nous? plus qu?elle ne ?marchent sur nous?. J?utilise cette méthodologie dans ma vidéo Why Are They All Going Mad ? Cette ?uvre donne des indices sur la notion de sublime ? le type de plaisir qui ne peut être vécu qu?indirectement, qui défie toute logique et rationalité.

L?artiste est née en 1967 en Angleterre. Elle vit et travaille à Londres. Martine DEMPSEY a eu son BA beaux arts au Chelsea College of Art and Design de Londres.

This is a piece of works done according to my poem written in early 2014 (the following is the content). Letting every sentence of the poem burn at night at someplace outside the Fifth Ring Expressway, including the crossroads, the entrance to the village, the dam, the end of the roads, the demolition ruins, and the uninhabited villages?The poem is filled with plaint, depression, and hopelessness, burning at the places outside the Fifth Ring Expressway where the migrant workers live, the so-called antizens agglomeration area. In the daytime, the places are so noisy with tumultuous crowds in a harsh, dirty restaurants, inferior buildings, and frequent crimes. When Beijing, the great city, is expanding itself, this is a corner that might be easily forgotten. There are always many trucks carrying sandy soil and cement coming and going, for everything there is in a temporary and rough and mobile state, waiting for demolition at any time. The plaintive sentences are burnt in the fire, of some romance. However, the fire has the power to transform things: it burns the old things, but along with the burning, the seriousness and solemnity of the images and sounds of the poem are sublimated. In the darkness, these burnt sentences are not only whoops of one after another, but also the numerous sparks that have been devoured by the big city. They remind us of the A Single Spark Can Start a Prairie Fire, the works of great men.(writen by Deng Dafei)

DENG Dafei (b. 1975, Jinzhou, Liaoning Province, China) and HE Hai (b. 1974, Zhengzhou, Henan) currently live in Beijing, China and are co-collaborators under the name The Utopia Group. Using residencies as their primary vehicle to create artworks together, their yearlong project Family Museum, in 2008, at the Zendai Art Museum, Shanghai practiced the concept of "art venue outside of the gallery system" and earned them much acclaim. DENG Dafei received an MFA in 2005 from the China Academy of Fine Art, Beijing, China and a BA in Art Education from Northeast Normal University, Changchun, Jilin, China. He was given the Shenzhou 19 Astronaut Award at the VIDEO Beijing Film Academy Multi-Media Festival and The Invisible Sword Award at the Yokohama Media Art Festival. He has shown in numerous exhibitions including: In Interaction, Yokohama Media Art Festival, 2007; 2nd Doland Exhibition of Young Artists, Doland Art Museum, Shanghai, 2006; Opening the Door and Seeing the Luck: International Hangzhou Contemporary Art Exhibition, Beicangmen Art Center, Wuxi, China, 2006; Long March Capital, Long March Art Space, Beijing, 2006; Fortune Video, Common Place, Hangzhou, China, 2006; Rule and Possible, Zhejiang Province Museum, Hangzhou, China, 2005; Seeing inside from Physical Body: Chinese Performance Art Document, Macao, 2005; Launch, Long March Art Space, Beijing, China, 2005; OBSESSION ? Turkey Video Festival, X Gallery, Istanbul, Turkey, 2005; Follow Me: Chinese Contemporary Art Exhibition, Mori Museum, Tokyo, Japan, 2005; Transparent Box, SOHO, Beijing, 2005; Double Reading, Directions Art Gallery, Hangzhou, China, 2005. HE Hai received an MFA in Fine Art from Donghua University, Shanghai, a BA in Graphic Design from the Beijing Institute of Fashion Technology, as well as MA and BA degrees in Visual Art from the University of Marc Bloch, France where he is currently a Doctoral Candidate. He won the Annual Prize for the Best Exhibition in 2006 at the Looking up Luck show. He has shown in numerous exhibitions including: Shenzhen Mobile, Hangzhou Exhibition Center of Peace, Hangzhou, 2009; Two Points, Palazzo Frisacco, Tolmezzo, Italy, 2008; Family Museum Project, Shenzhen Free Art Creation Base, Shenzhen, 2008; Intrude: Art Life 366, ZenDai MOMA, Shanghai, 2008; Opening the Door and Seeing the Luck: International Hangzhou Contemporary Art Exhibition, Beicangmen Art Center, Wuxi, China, 2006; Looking up the Luck: International Hangzhou Contemporary Art Exhibition, Feng Shan Art Space, Hangzhou, 2006; Gift, Museum of Normal Institute of Hangzhou, Hangzhou, China, 2005; Body Measure, Place de Palait Universitaire, Strasbourg, France, 2005.

Quand Tomoko arrive à Londres, elle ne sait pas encore qu'elle va bientôt découvrir un secret caché sous la ville... Londres est une grande ville et pour les nouveaux arrivants, elle peut parfois paraître effrayante. Mais Tomoko, qui arrive du Japon pour apprendre l'anglais, découvre accidentellement une mystérieuse ville souterraine, habitée par de gentils petits étrangers et une belle végétation. Après une telle découverte, tout change...

Gaëlle Denis est âgée de 30 ans, elle est née en France où elle a étudié jusqu'en 2000, elle s'est alors installé à Londres afin de suivre une Maîtrise en Réalisation d'Animation au "Royal College of Art" (MA). Une partie de ce cours impliquait une période de 4 mois à l' "Université des Arts de Kyoto" au Japon, et lui permit finalement de remporter un prix pour son court-métrage intitulé "Fish Never Sleep". Le film remporta le prix de la "Meilleure Animation Européenne" au Cinanima Esphihno en novembre 2002 et au BAFTA pour "Meilleur Court-Métrage d'Animation" en 2003, ainsi que le "Prix Spécial du Jury" au Festival d' Animation d' Hiroshima et d' autres nombreux prix à des festivals internationaux. En 2004, elle se joint aux "Passion Pictures" et réalise son récent court-métrage "City Paradise" qui a été réalisé en accord avec le programme de AIR (Artistes en Résidence). Son court-métrage a lui aussi remporté plusieurs prix dont le" Prix du Jury d'Annecy" et le "Prix d'Innovation à Aspen". "City Paradise" a aussi été nominé au BAFTA. Gaëlle travaille actuellement aux "Passion Pictures"sur différentes publicités et vient juste de terminer son premier court-métrage de rôle d'action "After the Rain".