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That night, a lady met a group of lovely beasts - gigantic slimy cheesy ones.

Äggie Pak Yee Lee is an audio-visual artist/ animation director from Hong Kong, graduated in Estonia. Her works draw inspiration from the playful relationship between the flow of sound and of images, with a tint of stupidity. Both of her experimental and narrative shorts were showcased in several festivals such as Sundance, Annecy, Goldenhorse and Interfilm.

LA PLUIE est une rencontre dans un paysage typique, dont l’apparente magie ne saurait faire oublier le drame de la situation. Des voix se font entendre. Qui sont-elles ? Peu à peu leur histoire nous est contée et leur présence semble flotter à nos côtés. Ce film est un hommage aux victimes de l’exploitation sexuelle en temps guère établie par le gouvernement japonais durant la seconde guerre mondiale. Les victimes n’ont pas encore été reconnues par le Japon. Elles sont Coréennes, Chinoises, Philippines, Thaïlandaises, Vietnamiennes, Malaisiennes, Indonésiennes… Ce projet n’intente pas un procès au Japon, mais se focalise sur la douleur humaine traduite métaphoriquement à travers la figure du fantôme et rend hommage à ces femmes. La réalité virtuelle est le moyen le plus approprié pour explorer la vision d’un spectre. Cette mise en forme, la multiplicité de modes de production qu’elle induit, permet d’envisager une immersion totale dans l’œuvre et créer une identification immédiate ; un flou entre les limites physiques et mentales du spectateur et des personnages. Le supplément d’informations que produit la VR enrichit l’environnement du spectateur et l’implique activement dans l’œuvre.

HeeWon Lee est née en 1978 en Corée du Sud. Après avoir étudié la mode à Séoul elle s’installe en France fin 2002 ; elle suit l’enseignement du français à l’université de Nancy II et poursuit son activité artistique. Elle entre à l’Ecole Nationale Supérieure d’Art de Nancy, option Communication Art Visuel, avant de conclure son parcours par un post diplôme au Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains, à Tourcoing. Heewon Lee est une artiste multimédia qui développe une pratique artistique où se rencontre vidéo, graphisme, son et installation. Son travail inspiré par notre quotidien opère de légers déplacements qui nous plongent dans un univers fragile et onirique. Ses projets ont été primés et présentés à de nombreuses reprises : Jeunes Talents-Air France, la Diagonale des Arts- Biennale d’art contemporain, Busan International Video Festival, Vidéographie(s), Vidéoformes...et diffusés en France au Grand palais, Palais de Tokyo, Air France, Féstival Némo au 104 et La Gaîté Lyrique, BIAN II au Cinémathèque québécoise, Montréal, Digital life, à Rome, the Special Olympics World Winter Games PyeongChang, Nabi center, Corée du sud, Museum of Art Hong Wan, Beijing... Ses oeuvres sont régulièrement diffusées au Brésil, Canada, Corée du Sud, Maroc, Espagne, Italie, France…

Meesoo Lee a commencé à faire de la vidéo en utilisant un caméscope et deux magnétoscopes. Inspiré par les DIY ethos of Zines, la musique « lo-fi » et le cinéma d?avant-garde, il réalise des vidéos originales inspirées de la méthode du « vidéo-clip ». Il prétend que ce médium peu coûteux ouvre la voie à un monde infini de créativité et permet l?apprentissage autodidacte sous forme «d?essai-erreur». Meesoo Lee a réalisé des dizaines de courts métrages qui ont été présentés dans divers festivals ainsi qu?au Festival du Front Occidental et au Festival des Images à Toronto

The film is built up from that single, imperceptible instant that signals the shift from day to night, a fleeting moment in which what was, is no more, where things might acquire fresh significance. A voiceover guides us through the city, while the camera seems to be searching for a specific plot of land, for the coincidence between narrative and image. The topography of the site continues to advance, while in parallel there emerges a second topography ? mental this time, ? until, perhaps, they meet, somewhere here, in a new psychical space. Using the city of Seoul, it is a personal story that is being told. Our role is to follow it and select a locus of interpretation: truth, (urban) folktale ?

HeeWon Navi LEE Born in December 1978, at Kyeung Ki - Do, South Korea. She worked as a stylist in Seoul, and since 2002 it is installed in France. After studying visual communication at the Ecole Nationale Superieure d?Art de Nancy, Won Hee LEE Navi integrates the Fresnoy - Studio National des Arts Contemporain. His research and practice various artistic blend clothing influences ranging from cinema to graphics, sound installation. His works are moving and using more and more new media across a digital world in works such as;

An instrument of Meta-Inspiration. With Oamos, Marc Lee had only one goal: to make the spectator discover with the contents those things likely to please and inspire him. What is Oamos? According to topics launched by the public, Oamos requests machines to investigate, using current events, images, synonyms, music, arguments, noises, blogs and videos. The data are prepared audio-visually and are presented by choice in a pragmatic or entertaining way, with or without sound, with or without interconnecting with the others sites.

Marc Lee was born in 1969 in Switzerland. He created interactive projects oriented towards the network since 1999 in a production directed towards the artistic field. He experiments with information and communication technologies which contain cultural, creative or economic and political aspects. He recently took part an important art media exhibition, such as the ZKM of Karlsruhe, New Museum of New York, the Biennial one of art media of Seoul, Transmediale 02 and 04 of Berlin, Viper 01, 03, 04 and 05 from Basel, Ars Electronica, CeC de Dehli, Read_Me Festival of Moscow and the ICC of Tokyo.

Jan Robert Leegte a étudié à l'académie des arts de Rotterdam, après trois ans d'études d' architecture à l'université de Delft. PArallèlement à ses performances et installations, il a commencé à travailler pour internet en 1997. http://rhizome.org/thread.rhiz?thread=20448&page=1#39300

Men and women shout, crowd, shake then embrace. Paul says goodbye to them. He leaves the institution with the hope, perhaps, of a new beginning, but outside, the past persists from one room to another.

Pierre Lefrançois Vérove was born in 1989 and lives in Montreuil, France. He studied at the national school of art of Paris-Cergy before joining Le Fresnoy, national studio of contemporary arts in 2021. His works, films and texts focus on the visible or invisible margins and those who inhabit them. A consideration that led him to explore the field of institutional psychotherapy (La chambre de Paul, 2022) or to follow European borders from Paris to the island of Lesbos in Greece (Algèbre, 2019).

When night falls, the city exists only in halos. Vigil or guardian, you must keep watch among the shadows, confusing tiredness with sleep, night after night, scrutinising the darkness even if it means opening a breach in it and stirring the invisible.

Pierre Lefrançois Vérove was born in 1989 and lives in Montreuil (France). He studied at the national school of art of Paris-Cergy before joining Le Fresnoy, National Studio of Contemporary Arts in 2021. His works, films and texts focus on the visible or invisible margins and those who inhabit them. A consideration that led him to explore the field of institutional psychotherapy (La chambre de Paul, 2022) or to follow European borders from Paris to the island of Lesbos in Greece (Algèbre, 2019).

In a city, in the North, there is an explosion...

I'm a young artist graduated from a regional school in the North of France. In my creation I hesitate between doing nothing, poetry and fiction.

Visual reconstitution essay; a play on speeds of one, two, three, or four colored sticks hitting a disintegrated cube.

Sylvain was born in 1977. He has a master's degree in film from Université de Paris VIII. He tours the world without moving and makes small films.

A super-8 filmstrip, shot in 2002 is weaved and transferred by craftsmen in mini-DV in order to be digitally composed. It was an attempt to create a new cinematic vision, to have access to another visible world from the visual and light. The viewer sees geometric and floral designs, according to the various levels of recomposition of the initial ribbon. Disjointed around an inaccessible center, "D-VIDE" blends directly into the minds of the spectators that animate it.

Born in 1977, Sylvain Legrand obtained an M.A. in Cinematographic and Audio-Visual studies at the Université de Paris 8. He currently works ?the world over? and continues to make personal cinema projects.

ROUTE TO CAPE TOWN A picture and sound concept (Klangwerk), a sketch, a moving drawing. Streets leading to a town. Brief moments in the old center of Cape Town. Thoroughfares, People, pedestrians, brief flashes. Everything in motion; The people, the cars, the camera. Those who know the town and surrounding area will recognise the topography. All shots were taken out on the streets leading into the town but still, it is not a documentary; time is altered, camera takes are not linear. These are fragments of time. The film montage and the music allows the beginning to fall at the end and vice versa. Time frozen, parallel time. Motionlessness and movement combined. The rhythmn begins slowly, gathers speed, interrupted by panoramic shots. Concrete sounds become music,a sound becomes a Soundscape. A Sound Poem about a place surrounded in melancholie. Fleeting moments of people who we don´t meet and won´t get to know. It is the brief moment of encounter.What do we know of our fellow man? what does it mean exactly to know someone?, a place, a landscape, a feeling,an experience?. Memories. In the end everything is just a fleeting moment. Our most inner thoughts are written in ink on the tips of the waves of the sea. ROUTE TO CAPE TOWN is a short poem in black and white, in tones and shades, something secretive, something dark and sad lies within. It is filmed from inside a moving vehicle but in the very movement itself lies the stationary, the brief moment, the life of a fragment. The scenes are out of focus, dirty, sometimes mirrored in the windscreen. Our memories are not linear. A mosaic of sounds, pictures, impressions. What is hiding behind the faces of the people who glance in our direction as we pass by?. The film uses concrete pictures and sounds to form a rhythmical abstract poem. A couple of short moments from Cape Town South Africa-a foreign City in moments, that by the end-seem strangely familiar to us.

Born in 1967 in Breisgau, Germany. Involved primarily in Art Films, Contemporary music and writing texts for publications. Also active as; Author, Director, Cameraman and Editor. His films are shown in festivals, Art Cinema´s and Galleries both inside and outside of Europe. Over the last ten years he has organised; Festivals, Film Showings, Lectures and Film Introductions, focusing on the Classical AvantGarde. Thomas Gerwin (*1955) A classically educated Composer and Musicologist (Musikwissenschaftler), He came into contact early on with Electric Acustic Music.Since 1990 he has been intensely involved in Soundscape Composition and Radiophone Art. He is presently composing for concerts and the radio in his own studio using sound and video installations. His artistic space works draw from the New Media forms in Theatre, Dance, Film and Sculpture. He has won various international awards and grants and his performances and exhibitions are presented world wide. In 2001 Thomas Gerwin founded the?Gesellschaft für multisensoriale Kunst? (?Community for Multisensual Art?) and in 2002 ?The Berliner Lautsprecher-Orchester? (The Loudspeaker Orchestra?). Since 2003,he has been leading a series of Concerts (?Klangwelten?) in Der Unsicht-Bar (Invisible-Bar) in Berlin where he intepreted Ars Acustica in complete darkness with a small Loudspeaker Orchestra.

Moving trough the world wide web means being exposed to a variety of content in a high tempo which does not always attract you, but can also seem revolting to you. The resulting emotional state of the user - a feeling of being overwhelmed and a certain unsteadiness - is the starting point of the work “66mio views“. The viewer is sitting inside a room filling installation. Head mounted displays enable him to be part of an immersive VR environment in which he faces irregular shapes and so called “non-player characters“ (NPCs). The shapes are textured with videos from common Image- boards (4chan, 9gag, ...) as well as viral YouTube videos. Their content is diverse and evokes not only positive emotions (e.g. videos of puppies), but also very negative emotions (e.g. so-called gore videos, videos of violence). In a self- developing rhythm of motion, the forms relate to the position of the viewer, move towards him, go through him and move away from him. Various NPCs from 3D-model databases approach the viewer and recite text-sequences from the videos in varying tonalities. This immersive installation understands the technical infrastructure (computercases, cables, ...) as an instrument which designs and shapes the space. It is being expanded with ropes as well as pictures and text fragments from the videos. Stacks of prints show extracts from the videos and thereby display their content transformed and adapted to an analogue medium. The visitors are invited to take these prints with them and transform the content once again by removing it from its original place. Keywords like connectivity/disconnectivity and comprehension/incomprehension as well as thinking about the digital space as an emotional shaping tool led to this installation which connects digital and analogue content in an abstract, fragmented way. (The installation was originally developed for a specific exhibition space in the basement of „Halle 14 - center for contemporary art“ in Leipzig. However, we can set up the installation with regards to any available space, as its dimensions are variable. At least one VR system, ropes and prints in different sizes are fixed.) Yannick Harter, Fabian Lehmann, 2019

Fabian Lehmann (*1988, Castrop-Rauxel, Germany) graduated at University of Applied Sciences, Bielefeld (2015) with degree Bachelor of Arts „Photography and Media“. Since 2016 he is studying „Media Art“ at the „Academy of fine Arts, Leipzig“ in the class „Expanded Cinema“ / Prof. Clemens von Wedemeyer and has studied „Fine Arts“ at „Bezalel Academy of Arts and Design“ in Jerusalem during an exchange semester. His artistic work focus on different communication systems and how digital techniques shapes the humanity and society. He had various exhibitions in Germany and Europe e.g. Hamburger Triennale der Fotografie (Hamburg), Gallery „Kunstpunkt“ (Berlin), Emscherkunst 2016 (Dortmund) Siva Galerija, (Zagreb) UG Halle 14 (Leipzig) Yannick Harter (*1990, Worms, Germany) is a trained productdesigner, who worked in branches like automotive industry and medical cybernetics. Since 2016 he is studying „Media Art“ at the „Academy of fine Arts, Leipzig“ in the class „Installation and Space“ / Prof. Joachim Blank and has studied „Visual Communication“ at „Latvias Art Academy“ in Riga during an exchange semester. His artistic practice oscillates around the intersection between art, science and society. He had various exhibitions in Germany and Europe e.g. Kaiserwerke (Gera), Gallery? „Kunstpunkt“ (Berlin), Obro?ców Stalingradu 17 (Szczecin), D27 (Riga), UG Halle 14 (Leipzig) Yannick Harter participated in several curatorial and educational projects and volunteered as artist assistant e.g. at Kunstverein (Leipzig), Neustadprojekte (Mainz), Latvian Center for Contemporary Art and Survival Kit 10.0 (Riga)

¡¶What ¡· The "what", is my first Video works. Since 1986, I was a photographer and I`ve been travelling different small city in China 1993-1998, I shooting a lot of black and white photographs , During that period, I also use a Hi8 camera casually shooting something.The piece material of "what" all from that Hi8 camera. In fact, I did not think of the future to put them into a film editing. There is just some messy, about some of China`s cities and towns. The middle of 2012, I was opened these Hi8 tapes, I start editing the material, and I hope they become a movie. I don`t want some subjective intervention into the "what", I hope it is messy, I hope it is messy, fury, in a disorderly daily style, commemorate my trip. This movie only made of my own, have not other people involved, music also by me.

biographical Han Lei, 1967 Born in Kaifeng, Henan Province, China, 1989 Graduated from Central Academy of Craft and Design, Beijing, China. Currently works and lives in Beijing, China. in creative photography from 1986. since 1993-1997, Travel in the small cities of China and shoot a lot of black and white photographs. In 1998 series Win The ¡°1998 Mother Jones International Fund for Documentary Photography Awards¡±, (San Francisco, U.S.A) In 1996-1997 A solo Exhibition , show in Helsinki, Finland, Berlin, Germany and Beijing, China. Selected Other solo exhibitions include: 1995 , Brussels, Belgium. 2005 Gallery Polaris, Paris, France, Killing Legend, 798 Photo Gallery, Beijing, China. 2006 ¨C 2012: , Gallery LOFT, Paris, France. , Hanart TZ Gallery, Hong Kong, China. 2010 , Talkang Space, Beijing, China. 2012 M97 Gallery,Shanghai, china. Selected Group Exhibitions include: 1996 , Reithalle, Munich, Germany, 2000 , Frankfurt, Germany; New York, U.S.A. 2007 Rome, Italy. , Prague International Museum, Prague, Czech Republic. 2012 , Lianzhou, Guangdong, China

Photographs, snowy mountains, videotapes. Two stories of love and death. Episode 1: The Lost Photographs. Episode 2: The unfound movie videotapes.

Lei Lei is born in Nanchang, Jiangxi Province. In 2009 He got a master's degree in animation from Tsinghua University. In 2010, his film This is LOVE was shown at Ottawa International Animation Festival and awarded The 2010 Best Narrative Short. In 2013 his film Recycled was the Winner Grand Prix shorts - non-narrative at Holland International Animation Film Festival. In 2014 he was the winner of Asian cultural council grants. In 2017 he works at CalArts Experimental Animation program as full time Faculty. In 2018 he invited for New Academy Member for the Short Films and Feature Animation branch, and his installation Weekend was the winner of Jimei x Arles discovery award. In 2019 his first feature film Breathless Animals has been selected by Berlinale Forum.

“The photo was taken using a painted board in Kuling Park on Lushan…” A woman is reminiscing about the story behind a photograph: it was a bright summer day in the 1980s. Her family traveled to Lushan to escape the heat. As her memory unfolds, we gradually come to see the forgotten history and that very photograph being damaged by water stain.

1985 Born in Nanchang, Jiangxi Province, An experimental animation artist with his hands on video arts, painting, installation, music and VJ performance also. In 2009 He got a master's degree in animation from Tsinghua University. In 2010, his film This is LOVE was shown at Ottawa International Animation Festival and awarded The 2010 Best Narrative Short. In 2013 his film Recycled was the Winner Grand Prix shorts - non-narrative at Holland International Animation Film Festival. In 2014 he is the Jury of Zagreb / Holland International Animation Film Festival. and he was the winner of 2014 asian cultural council grant. In 2017 he works in CalArts Experimental Animation program as Faculty. In 2018 he invited for New Academy Member for the Short Films and Feature Animation branch. In 2019 his first feature film Breathless Animals has been selected by Berlinale Forum.

SCREENING (HD, 9 min, 2011, single screen) SCREENING is based on the association of screen-tests and auditioning, that is often attached as extra material on dvds. Five female characters of age 16-30, are filmed in a white studio. They are wearing ordinary clothes and at first sight it might look like they are filmed just as ?themselves? in front of the camera. After a while it becomes more obvious that they go in and out of, and are trying out different roles. The characters do not know that the camera is recording the whole time during the shooting, even when they are stopped in the middle of an act; this to create an interaction of acting, trying to act, or just being themselves. Feminine expressions are contrasted with masculine to generate friction and to enhance the collision of the characters? attempts to go into a role, failing and managing the role.

Kaja Leijon is born in Tromsø, 1980, and now lives and works in Oslo, Norway. She is educated at the National Academy of Fine Arts. During her education she participated in several exchange programs, among those at CalArts, US. Leijon works with film and photography. Leijon recently had a solo exhibition at Trøndelag senter for samtidskunst. Her films have been screened at international exhibitions and film festivals such as; National Taiwan Museum of Fine Arts, Kunsthalle in Mainz, Luis Adelantado Gallery, Videonale and Kasseler Dokumentar und videofest,

Wasteland ? synopsis: Wasteland is a film that consists of short episodes. The structure of the film gives impression of a loose narration, but the episodes have a common thread which becomes clearer throughout the film. The film investigates how our fantasy and imagination is affected by film, and how people in everyday life integrate images from fiction into their own lives. The film attempts to understand how preconceived conceptions influences the way we see and interpret our surroundings.

Kaja Leijon is born in Tromsø, 1980, and now lives and works in Oslo, Norway. She is educated at the National Academy of Fine Arts. During her education she participated in several exchange programs, among those at CalArts, US. Leijon works with film and photography. Leijon recently had a solo exhibition at Trøndelag senter for samtidskunst. Her films have been screened at international exhibitions and film festivals such as; National Taiwan Museum of Fine Arts, Kunsthalle in Mainz, Luis Adelantado Gallery, Videonale and Kasseler Dokumentar und videofest.

Agenzia Luce di Trieste is the meeting point of Valentina Giuriolo and Mauro Zerial: it is where analogue photography, professional excellence, photographic passion, rigorous approach and a certain vision of the world converge. It is the business they created together immediately after getting married. Valentina started from scratch, she knew nothing about photography, and Mauro taught her everything. Mauro started from scratch as well, after losing his sight in an accident along with the profession he had built. CRD is an experimental documentary in three acts that, starting from an absence, pursues an unexplored reading of reality. With a documentary approach Lele Marcojanni takes up the threads of a discussion born with Zerial and Giuriolo in 2018 in the comfort zone of their home-laboratory to go out into the streets of Trieste. Lele Marcojanni presents the first chapter, a study, which expands the experience of the first meeting with Zerial and Giuriolo and delves into the fear of losing images, into visual memory and the space around us that changes, the relationships between people that deteriorate over time like a jpeg re-exported too many times. Not seeing moves from the personal to the collective, opening up the search for the next chapter which, through a digital reworking, will investigate how to orient ourselves when there are no longer any references on the horizon.

Lele Marcojanni (Bologna, IT) focuses on filmmaking and visual arts. It started as a group dedicated to documentaries and then evolved into a path that intertwines writing, audiovisual, sound design, music and visual design in non ordinary exhibition supports tailored for its narratives. The stories collected and told by Lele prompt from everyday stories, far from mainstream media narratives. Lele Marcojanni investigates traditional forms of spectatorship by researching on screening formats, often working on the threshold of the ephemeral. Lele Marcojanni has directed documentaries, such as Carta and EVM 01, short films and mockumentaries. It was exhibited at festivals, museums and hybrid venues. It collaborated with several Italian and international performing arts festivals (Santarcangelo festival, Short Theatre, Live Arts Week, FUORI! among others) for the documentation of live works, experimenting with formats, practices and languages. Lele Marcojanni is the name of a collective visual narrative project founded in 2010 by Elena Mattioli and Flavio Perazzini.

Répondant à l`invitation du Théâtre Jean Lurçat, Scène Nationale d`Aubusson, nous avons réalisé cette série d`images alternant vues de la ville d`Aubusson et portraits de ses habitants. Quelque part entre la carte postale, le diorama et la stéréophotographie, ces images dressent un portrait sensible de la ville d`Aubusson. L`ensemble se présente comme un diptyque établissant un aller-retour permanent entre la ville et ses habitants.

Architecte diplômé en 2001, Nicolas Lelièvre s`est rapidement tourné vers les pratiques de l`image. La vidéo et la photographie sont pour lui des moyens privilégiés pour interroger les rapports qu`entretiennent le temps et l`espace. Le projet Centres Horizons mené entre 2003 et 2008 avec le marionnettiste Renaud Herbin a notamment été l`occasion d`explorer différents territoires urbains parmi lesquels Berlin (Villa Médicis Hors Les Murs 2004), Buenos Aires, Montréal ou encore Saint-Jacques-de-la-Lande et Lisbonne. Son questionnement sur les perceptions et les représentations des espaces urbains prend des formes variées, entre photographie, vidéo et spectacle vivant. Parallèlement, Nicolas Lelièvre participe régulièrement en tant que vidéaste à des créations de spectacles de théâtre (Cie LàOù, Théâtre de l`Arpenteur,...) et de danse (Cie EnCore, Cie Jean-Pierre,...).

Angela et Marius, deux jeunes étudiants, ont accompagné un jeune migrant lors de son arrivée en France. A travers leur récit, nous découvrons le périple de Bangoura, jeune guinéen ayant fui son pays lorsqu'il avait 17 ans. Sur une production musicale composée de samples (notamment extraits de musiques traditionnelles issues de différentes immigrations françaises), l'œuvre questionne la manière dont chacun de nous se réapproprie un fait, un événement ou un récit en en abolissant son contexte, son passé, sa connaissance et sa mémoire collective. Ainsi, la vidéo propose au spectateur de s’approprier l’histoire de Bangoura en reprenant son récit à la manière d’un karaoké. De cette manière, le récit relaté offre de multiples interprétations et peut aussi bien symboliser une génération de migrants cherchant à survivre, critiquer une société capitaliste ou les instituions, décrire le portrait d'une jeunesse française ou encore interroger la connaissance que nous avons de l’immigration française.

Artiste plasticien diplômé de l'ENSAM, Yoann Lelong trouve son inspiration dans la danse, la recherche scientifique et la problématique de l'exclusion. Il explore la vidéo comme moyen de retranscrire une réalité transcendée, mêlant la poésie réaliste de ses sujets à une réalité sociale fragmentée. Son passage par l'Ecole Normale Supérieure de Cachan le forme à la physique quantique, point de départ d'une démarche artistique qui irrigue l’ensemble de ses travaux, et donne à ses œuvres une lecture sous-jacente plus métaphysique. De sa collaboration avec Amos Poe, pionnier dumouvement new-yorkais No Wave, naît PERSON(A), installation vidéo où s'entrelacent vingt-trois portraits filmés au 16mm. Une œuvre poétique où les éléments se distinguent, se répondent, puis se fondent dans un flou indistinct. Cette 1ère œuvre illustre dès lors le rapport distancié qu’entretient Yoann Lelong au réel et qui le pousse, à chaque nouvelle création, à saisir l'instant sans filtre et sans interprétation pour retranscrire et sublimer les sujets à l'état brut. Les sujets deviennent matière, le tout rejoignant le tout. A l'issue d'une résidence artistique à bord du voilier Tara Méditerranée en 2014, il crée PerceptConcept, à l'image du mouvement ondulaire et répétitif de l'expédition maritime : les gestes de l'équipage épousent le va-et-vient de la mer, au rythme de sons mécaniques ou organiques. Par la suite, il s'interrogera sur l'essence d'une création et plus particulièrement sur ce qui en fait son unicité en collaborant avec la chorégraphe Anne Nguyen et le musicien Les Gordon (2015). Le mouvement gestuel et sonore apparaît ainsi dans le travail de l’artiste comme une composante clé de toutes ses créations. La recherche de l’unicité à partir de fragments épars constitue, pour l’artiste, un cheminement permanent, un questionnement métaphysique qui explore, chaque fois, un nouveau terrain de création, tantôt attaché à une réalité sociale, tantôt abstrait.

Derrière tout œuvre artistique, se cache un travail de recherche foisonnant, un parcours irrégulier fait d’avancées et de doutes. Mettant en perspective le travail de 2 artistes aux disciplines différentes, le film retrace ces moments d’improvisations, de répétition ou d’hésitations qui font partie intégrante d’une œuvre en devenir. Aux mouvements des danseurs hip-hop de la chorégraphe Anne Nguyen (artiste associé à Chaillot), se superpose une oeuvre musicale du musicien Les Gordon (du label Kitsuné), 2 univers qui, bien que différents, viennent se compléter pour créer une forme nouvelle et singulière. Qu’il s’agisse d’une pièce dansée ou d’une œuvre de musique, l’impression d’aisance et de maîtrise que suscite la découverte de l’oeuvre aboutie est toujours flagrante. Quel processus de création derrière cette sensation de fluidité, de perfection ? Comment, d’une matière brute et spontanée, naît l’oeuvre future ? C’est par cet angle que le film tente de capter et de retranscrire la genèse d’une création artistique, nourri par les séances de travail et de répétition des danseurs, autant que par la l’oeuvre musicale composée sur le mode de l’improvisation. Questionnement, tentatives, ajustements, répétitions... Autant d’étapes nécessaires que requiert la création d’un projet artistique, mouvement permanent oscillant entre la projection initiale de l’artiste et le projet en devenir, matière polymorphe et versatile. Miroir de cette genèse continue, le film finit par lui-même devenir objet de son propos.

Yoann Lelong, né en 1985. Après avoir étudié la physique quantique au cours de son cursus universitaire, Yoann Lelong s’est progressivement tourné vers la création artistique en se formant au California Institute of Arts et en collaborant avec le pionnier du mouvement No wave New Yorkais, Amos Poe. Le travail de Yoann Lelong émerge d’une vision du monde où tous les éléments sont reliés et interagissent entre eux. Chaque élément est, pour lui, une abstraction issue d’une totalité de mouvement fluide (telle la notion d’holomouvement). Il adopte ainsi une approche centrée sur l’individu pour ensuite en dégager une structure systémique en s’intéressant aux interactions qu’un individu peut avoir avec un lieu, une ambiance ou d’autres personnes. En 2013, encouragé par Alain Cavalier, Yoann Lelong réalise le film PERSON(A). Il s’agit de 23 portraits entrelacés (dont ceux de Benoit Forgeard, Amos Poe et Lola Bessis). En 2014, il rejoint l’expédition Tara Méditerranée, dans le cadre d’une résidence artistique qui donnera lieu à l’installation vidéo PerceptConcept. En 2015, Yoann Lelong a réalisé des projets sur le thème de la transidentité et de l’insertion des personnes réfugiées en collaboration avec l’association Singa. En 2017, il prépare une nouvelle œuvre en relation avec le centre de pédopsychiatrie de l’hôpital La Pitié Salpêtrière.

Angela et Marius, deux jeunes étudiants, ont accompagné un jeune migrant lors de son arrivée en France. A travers leur récit, nous découvrons le périple de Bangoura, jeune guinéen ayant fui son pays lorsqu'il avait 17 ans. Sur une production musicale composée de samples (notamment extraits de musiques traditionnelles issues de différentes immigrations françaises), l'œuvre questionne la manière dont chacun de nous se réapproprie un fait, un événement ou un récit en en abolissant son contexte, son passé, sa connaissance et sa mémoire collective. Ainsi, la vidéo propose au spectateur de s’approprier l’histoire de Bangoura en reprenant son récit à la manière d’un karaoké. De cette manière, le récit relaté offre de multiples interprétations et peut aussi bien symboliser une génération de migrants cherchant à survivre, critiquer une société capitaliste ou les instituions, décrire le portrait d'une jeunesse française ou encore interroger la connaissance que nous avons de l’immigration française.

Artiste plasticien diplômé de l'ENSAM, Yoann Lelong trouve son inspiration dans la danse, la recherche scientifique et la problématique de l'exclusion. Il explore la vidéo comme moyen de retranscrire une réalité transcendée, mêlant la poésie réaliste de ses sujets à une réalité sociale fragmentée. Son passage par l'Ecole Normale Supérieure de Cachan le forme à la physique quantique, point de départ d'une démarche artistique qui irrigue l’ensemble de ses travaux, et donne à ses œuvres une lecture sous-jacente plus métaphysique. De sa collaboration avec Amos Poe, pionnier dumouvement new-yorkais No Wave, naît PERSON(A), installation vidéo où s'entrelacent vingt-trois portraits filmés au 16mm. Une œuvre poétique où les éléments se distinguent, se répondent, puis se fondent dans un flou indistinct. Cette 1ère œuvre illustre dès lors le rapport distancié qu’entretient Yoann Lelong au réel et qui le pousse, à chaque nouvelle création, à saisir l'instant sans filtre et sans interprétation pour retranscrire et sublimer les sujets à l'état brut. Les sujets deviennent matière, le tout rejoignant le tout. A l'issue d'une résidence artistique à bord du voilier Tara Méditerranée en 2014, il crée PerceptConcept, à l'image du mouvement ondulaire et répétitif de l'expédition maritime : les gestes de l'équipage épousent le va-et-vient de la mer, au rythme de sons mécaniques ou organiques. Par la suite, il s'interrogera sur l'essence d'une création et plus particulièrement sur ce qui en fait son unicité en collaborant avec la chorégraphe Anne Nguyen et le musicien Les Gordon (2015). Le mouvement gestuel et sonore apparaît ainsi dans le travail de l’artiste comme une composante clé de toutes ses créations. La recherche de l’unicité à partir de fragments épars constitue, pour l’artiste, un cheminement permanent, un questionnement métaphysique qui explore, chaque fois, un nouveau terrain de création, tantôt attaché à une réalité sociale, tantôt abstrait.

Derrière tout œuvre artistique, se cache un travail de recherche foisonnant, un parcours irrégulier fait d’avancées et de doutes. Mettant en perspective le travail de 2 artistes aux disciplines différentes, le film retrace ces moments d’improvisations, de répétition ou d’hésitations qui font partie intégrante d’une œuvre en devenir. Aux mouvements des danseurs hip-hop de la chorégraphe Anne Nguyen (artiste associé à Chaillot), se superpose une oeuvre musicale du musicien Les Gordon (du label Kitsuné), 2 univers qui, bien que différents, viennent se compléter pour créer une forme nouvelle et singulière. Qu’il s’agisse d’une pièce dansée ou d’une œuvre de musique, l’impression d’aisance et de maîtrise que suscite la découverte de l’oeuvre aboutie est toujours flagrante. Quel processus de création derrière cette sensation de fluidité, de perfection ? Comment, d’une matière brute et spontanée, naît l’oeuvre future ? C’est par cet angle que le film tente de capter et de retranscrire la genèse d’une création artistique, nourri par les séances de travail et de répétition des danseurs, autant que par la l’oeuvre musicale composée sur le mode de l’improvisation. Questionnement, tentatives, ajustements, répétitions... Autant d’étapes nécessaires que requiert la création d’un projet artistique, mouvement permanent oscillant entre la projection initiale de l’artiste et le projet en devenir, matière polymorphe et versatile. Miroir de cette genèse continue, le film finit par lui-même devenir objet de son propos.

Yoann Lelong, né en 1985. Après avoir étudié la physique quantique au cours de son cursus universitaire, Yoann Lelong s’est progressivement tourné vers la création artistique en se formant au California Institute of Arts et en collaborant avec le pionnier du mouvement No wave New Yorkais, Amos Poe. Le travail de Yoann Lelong émerge d’une vision du monde où tous les éléments sont reliés et interagissent entre eux. Chaque élément est, pour lui, une abstraction issue d’une totalité de mouvement fluide (telle la notion d’holomouvement). Il adopte ainsi une approche centrée sur l’individu pour ensuite en dégager une structure systémique en s’intéressant aux interactions qu’un individu peut avoir avec un lieu, une ambiance ou d’autres personnes. En 2013, encouragé par Alain Cavalier, Yoann Lelong réalise le film PERSON(A). Il s’agit de 23 portraits entrelacés (dont ceux de Benoit Forgeard, Amos Poe et Lola Bessis). En 2014, il rejoint l’expédition Tara Méditerranée, dans le cadre d’une résidence artistique qui donnera lieu à l’installation vidéo PerceptConcept. En 2015, Yoann Lelong a réalisé des projets sur le thème de la transidentité et de l’insertion des personnes réfugiées en collaboration avec l’association Singa. En 2017, il prépare une nouvelle œuvre en relation avec le centre de pédopsychiatrie de l’hôpital La Pitié Salpêtrière.

Somehow Continue is a document of an unprecedented and fleeting moment in time set in a piece of urban wilderness located in the cultural heart of Montreal’s Mile End. A cinematic capsule shot on 16 mm that is an ode to instability and collective resiliency.

Karl Lemieux is a filmmaker, who's work is inspired by the dialogue that occurs between film, music and sound art. At the heart of his practice, also including narrative filmmaking, the importance of the cinematographic apparatus and the attachment to celluloid are essential. His films, installations, and performances have screened internationally in museums, galleries, music venues and film festivals including: the Montreal Contemporary Arts Museum, the MOMA - Museum of Modern Art in San Francisco, the Austrian Film Museum in Vienna and the Eye Filmmuseum in Amsterdam. He is known for his collaboration with Godspeed You! Black Emperor, a Montreal music collective for which he does live 16mm film projections since 2010. He is also the co-founder of Double Négatif, a Montreal-based collective, dedicated to the production and dissemination of experimental films. His first feature, Maudite Poutine (2016), premiered in the Orizzonti competition of the 73rd Venice International Film Festival presented by the Venice Biennale.