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A group of teenagers conducts a cremation ceremony for a man who is entering the afterlife while still being sought by the military for deserting. Shot on expired black-and-white film stock, the deteriorating image surface echoes life fading away in this tribute to the director`s friend.

MONT TESPRATEEP was born in Bangkok but raised in Isan (the northeastern region of Thailand). He graduated with a Master degree in Fine Art from Chelsea College of Arts in London. Since 2014, he has been working on a series of hand-processed 16mm and S-8 short films: Endless, Nameless (2014) and Song X (2017). His films has been shown at film festivals, including Locarno Festival, International Film Festival Rotterdam, BFI London Film Festival, Les Rencontres Internationales and etc. Mont received a completion grant from the programme `Frameworks`, International Film Festival Rotterdam to complete a new work `Confusion Is Next`, premiered at the festival in 2018. He is currently developing his first feature film project.

Endless, Nameless is a hand-processed Super 8 film, shot in the private garden of a high-ranking Thai army officer. The film constructed from more than twenty years of mont’s observations and memories about different groups of conscript who worked alternately in this garden. The film was created as a self-hypnosis to reinvestigate and seek to understand his existence in the family and how he has been brought up. “I am interested in the phenomenon of light motion and form becoming directly visible when one's eyes are closed or when one is in darkness or so-called Prisoner's Cinema. This reminded me of a resurrection of memories or maybe an invented illusion.”

Mont Tesprateep is an artist and filmmaker based in Bangkok.

The video installation A crime must be committed is the second part of a series of three parts, focusing on the historical development of the way characters are por-tray¬ed in European and North American movie and TV history. In A crime must be committed Tess cites and alters typical scenes of the crime and detective film genre, such as 1920s gangster movies, (Underworld, 1927), Film Noir (The Maltese Falcon, 1941) Neo-Noir Films, (The Detective, 1968), thrillers, (Die Hard, 1988; Shaft, 1971 and 2000), and contemporary investigation series (CSI, from 2000). The artist follows the historical development of the detective character and his relationship to the criminal, as well as the power games between the pro¬ta¬go-nists, that change over time. The video refuses to follow a chronological order that normally structures historiography. And the tension, as well as the case, of the criminal film remain unresolved, while the loop leaves beginning and end undefined.

Rebecca Ann Tess is an artist born in 1980 in Annweiler Am Trifels, Germany. She studied fine arts at the University of Fine Arts of Berlin, at the Chelsea College of art & Design, and at the Städelschule in Frankfurt. She works essentially with video and found footages and her research approaches diverse subjects such as queer theory or television history. Her work was shown in several European exhibitions.

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Pour le Center of Attention, l?auditoire, qui est invité à participer, est plus qu?un simple destinataire, en ce que grand nombre de leurs ?uvres ne sont achevées que grâce à l?engagement du public dans le jeu. Souvent, l'objectif est de faire rentrer le visiteur à l?intérieur de la performance grâce à une proposition attirante, puis de terminer l??uvre avec leur aide. Un spectacle comme « La Discorde » (Zwietracht) ne fait pas exception : les deux artistes agissent comme des catalyseurs, qui commencent par encourager le public à applaudir quelqu?un. Cette réaction plutôt positive de la part du public est ensuite transformée en son opposé, lorsqu?ils incitent les visiteurs de l?exposition à siffler la même personne qu?ils venaient d?acclamer. D?un point de vue psychologique, cela est extrêmement habile, car les réticences envers l?expression négative sont désamorcées par l?expérience positive de l?applaudissement collectif, connoté positivement. Dans un troisième temps, le public est invité à se bagarrer pendant une minute. Le public joue le jeu de cette escalade d?hostilité parce que le seuil d?inhibition envers les comportements négatifs a déjà été franchi grâce aux huées.

Fondé en 1999, le Centre of Attention est formé par Pierre Coinde et Gary O?Dwyer. Ses projets sont présentés internationalement et constituent une recherche continue sur le phénomène de la production artistique, de la présentation, de la consommation et de la « patrimonisation ». Parmi leurs récentes expositions, citons « L'argent » (« Money ») au Plateau de Paris (pour laquelle le Center of Attention a payé Le Plateau pour être intégré dans l'exposition, le paiement constituant l??uvre) et « Gemeinschaft und Gesellschaft », une installation open source au Mejan Labs de l?Académie Royale des Beaux-Arts de Stockholm (Suède). Leurs prochains projets comprennent la réalisation d?un long-métrage, qui sera produit début 2009.

Cette réalisation traite de la manipulation de l'histoire, dans le contexte de la reconstruction du Château de Berlin (musée Humboldtforum). À partir des incertitudes entourant la proclamation présumée d'une république socialiste par Karl Liebknecht depuis l'un des balcons du château en 1918, le film examine d'autres événements politiques qui ont eu lieu sur des balcons. La reconstitution d'événements politiques et culturels emblématiques, sur le balcon d'origine, soulève les questions de l'authenticité et de la manipulation. Qui écrit notre histoire? Comment faisons-nous face à notre passé? Comment fonctionne la mémoire collective? Le balcon est le motif central du film, représentant les hiérarchies et les politiques de pouvoir.

Daniel Theiler est artiste visuel, réalisateur et architecte. Il est d’origine germano-turque. Il a obtenu le diplôme de Meisterschüler en art et médias auprès de Nina Fischer, à l'UdK – Universität der Künste, Berlin (Allemagne), a étudié l'art à la Bauhaus-Universität Weimar (Allemagne), sous la direction de Danica Daki?, et a fait un MFA au School of the Art Institute of Chicago (USA). Il a également étudié l'architecture à la Technische Universität Berlin (Allemagne), à la ETH, l’École polytechnique fédérale de Zurich (Suisse), et à la University of Strathclyde Glasgow (Royaume-Uni). Daniel Theiler travaille avec une variété de médiums, de la vidéo, à la photographie, en passant par la sculpture et les interventions publiques. Dans ses œuvres, il examine les écarts entre l'utopie et la réalité, en défiant les conventions et en interrogeant les habitudes. Daniel Theiler vit et travaille à Berlin (Allemagne).

"Ingen Problemer" est un film à propos de six personnages et de leurs relations personnelles. Ce sont tous des personnes scannées en 3D qui, tout en écoutant le texte de leur monologue intérieur, se déplacent dans le monde "réel", où ils n'ont pas vraiment leur place. Leur peau réagit différemment au soleil, leurs vêtements ne bougent pas au vent et leur expression faciale reste la même, quel que soit ce qui est dit. Ils utilisent des signes de la main, des mouvements corporels maladroits et la danse pour tenter de mettre en scène les textes qui sont lus. Des textes qui parlent de l’impression de se décevoir soi-même et de décevoir ses proches.

Aske Thiberg (né en 1994) est artiste. D’origine suédoise et danoise, il vit à Copenhague (Danemark), où il prépare actuellement un Master en beaux-arts.

Les films se terminent. Les biographies se terminent. La vie continue. Peut-on enfreindre cette loi? Clarissa Thieme s'y essaie. Dans "Was bleibt | Šta ostaje | What remains / Re-visited" (2020), elle se rend dans certains villages et villes de Bosnie-Herzégovine. Elle tourne une seule prise dans chacun des lieux, où d'innombrables personnes ont été violées, torturées, et assassinées pendant la guerre de Bosnie. Elle s'était déjà rendue sur place il y a dix ans. "Was bleibt | Šta ostaje | What remains" (2009, 2010 première mondiale à la Berlinale) montrait ces lieux sans les accompagner de commentaires. Chacune des images posait la question: les lieux témoignent-ils de l'horreur, ou restent-ils silencieux? Dix ans plus tard, tout est différent. Vraiment? Dans chacun des lieux, Clarissa Thieme et son équipe de tournage ont déployé une bâche sur laquelle est imprimée à taille réelle un arrêt sur image du film de 2010. Parfois, cette comparaison entre "hier et aujourd'hui" est un simple acte de reconnaissance silencieux. D'autres fois, elle suscite la conversation. Certains sont évasifs, d'autres sont remplis de souvenirs d’expériences. "Qui est mort où ?" est l'une des questions soulevées. "Qui est parti pour se construire une nouvelle existence?", "qui est resté?", "qui est revenu?" en sont d'autres. Entre les lignes et entre les images, il apparaît clairement que ces sujets n'ont pas encore été assimilés. Comment le pourraient-ils? Il est déjà assez difficile de continuer à vivre. En même temps, l'intervention filmique suscite une réaction: devant la caméra de Clarissa Thieme, des espaces publics temporaires apparaissent. Les vieilles images suscitent un échange, qui prend la forme de ce que les personnes qui réagissent lui apportent. Le film ne résout pas les mystères - il fait quelque chose de mystérieux: il plonge dans l’espace entre le souvenir et la continuation, et imbrique la rétrospection dans le présent. Le vide est partout. Et le film de Clarissa Thieme n'est jamais terminé. Au contraire, il prouve qu'il existe une chance d'agir à travers un film qui persiste. À suivre. (Jan Verwoert)

Clarissa Thieme est artiste et réalisatrice. Travaillant le film, la photographie, la performance, l'installation et le texte, elle associe les formes documentaires et fictionnelles, en se concentrant sur les processus de mémoire, la politique de l’identité, et les stratégies de traduction. Sa pratique est basée sur la recherche, et adopte souvent une approche collaborative. Elle a étudié les arts médiatiques à la UdK - Universität der Künste Berlin (Allemagne), est titulaire d'un Master en études culturelles et pratiques esthétiques à la Stiftung Universität Hildesheim (Allemagne), et est Research Alumni au BAS – Berlin Centre for Advanced Studies in Arts and Sciences (Allemagne). Son travail a été exposé et projeté dans le monde entier, et est disponible chez Arsenal Distribution Berlin (Allemagne) et sixpackfilm, Vienne (Autriche), ainsi que dans le cadre de Video-Forum n.b.k., Berlin (Allemagne); blinkvideo, Hambourg (Allemagne); et DES'T / district, Berlin (Allemagne).

Trauma prevents realities from aligning with themselves. Pain stops the puzzle pieces from fitting and forming a full picture, so the soul returns to the scene of its scarring over and over. Clarissa Thieme enters these loops of troubled remembrance: There is a video she found in the Hamdija Kresevljakovic Video Archive that collects footage of the siege of Sarajevo, filmed by Nedim Alikadic. It shows militia men by a river in a residential area. “Film them,” Alikadic is being urged by his companion. Handheld, the camera nervously moves, pans, and stutters as it seeks to connect to the threat before it. It is this particular camera movement that Thieme tracked with advanced digital image processing technology. The resultant meta-data now control an automatic arm and make it move a ray of light in exactly the same way the hand shifted the camera. Exactitude and ephemerality: extremes meet. The closer ones gets to the traumatic real, it seems, the more strongly it fractures and disperses over different planes of representation. Thieme enters the gap between them, widening it, while simultaneously pulling the fragments of reality together into one unsettling force-field. (Jan Verwoert)

clarissa thieme is an artist and filmmaker. working across film, photography, performance, installation and text, she combines documentary and fictional forms focussing on processes of memory, politics of identity and strategies of translation. her practice is research-based and often takes a collaborative approach. thieme studied Media Art at the University of the Arts Berlin (UdK), holds a MA in Cultural Studies And Aesthetic Practice, University Hildesheim and is research alumni of the Berlin Center for Advanced Studies in Arts and Sciences (BAS). she is based in berlin.

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Soren Thilo Funder’s works are carefully crafted cinematic mash-ups of diverse cultural fields and social histories. They serve as formal investigations into the power relations of modern day society and the truisms of written and unwritten history. Proposing new connections between historical, cultural and political matter, they open up new potential spaces ? third places ? for political contemplation and counter-memory.

Cheminement de pensée pour un face à face explosif nouveau synopsis: Un univers épuré, balayé par les vents. Soudain, le sol remue. Une tête au regard fixe émerge, à la façon d?un végétal. Puis une autre. Face à face. Ca y est, le décor est posé, les protagonistes sont là. Ils se dévisagent. A l?intérieur de l?esprit de l?un d?eux, une idée commence à prendre forme? et c?est la plongée. Bienvenue dans les méandres d?un laboratoire à pensées complètement délirant, peuplé de monstres et de bébés monstres ! Tout ceci débouchera-t-il sur un dialogue ?

Laurie Thinot naît à Paris en 1978. Après son bac, elle prend des cours de théâtre pendant 3 ans, puis entre en 2001 à L?ENSAD de Paris. Parallèlement, elle cumule des petits travaux de graphisme (affiche de pièce de théâtre, identités visuelles), participe à des expositions collectives, des stages et donne des coups de mains sur de petites productions d?animation en technique mixte (décor, story board). Elle réalise quelques films d?animation dans le cadre de ses études, s?oriente dans cette section et décroche son diplôme en 2006. X.pression est son film de fin d?étude. Sortie de l?école, elle fait du banc-titre sur le clip « I want love » de Jerho réalisé par Edouard Salier. Elle réalise son premier clip « La terre ferme » en technique mixte pour le groupe Luke en 2007.

En grandissant silencieusement Queer, au sein d’une famille brisée et dysfonctionnelle, Kurtis s’est confronté aux abus, aux traumatismes et à l’addiction. En guise d’échappatoire, il poursuit la Beauté partout durant son éducation à la campagne. Son obsession l’amène alors à créer son alter-ego, Miss Fame, une des super modèles drag les plus iconiques de sa génération. Miss Fame lui ouvrira ainsi les portes d’univers dépassant ses rêves les plus fous. Une session d’hypnose nous emporte dans l’esprit de Kurtis/Miss Fame, sur les traces de sa relation salutaire mais tortueuse, entre Beauté et Souffrance.

Guillaume Thomas I delve into the intimate and the power of representation, exploring the role of images in self-discovery. My creative spectrum encompasses photography, film, video, installation, sculpture, and silkscreen techniques. My work uncovers the creation of icons and myths while revealing the intricate processes behind them. This pursuit was embodied in my debut documentary, "Life Damages the Living," produced by Le Fresnoy in 2021, and showcased at Rencontres internationales Paris/Berlin in 2022. The film traces Valerie von Sobel's journey from Nazi Budapest to Hollywood, presenting the wisdom of a liberated woman spanning eight decades. Trained at l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs in Paris and the School of Visual Arts in New York, I am constantly drawn to characters reinventing themselves, as evidenced in my art exploring beauty's future, the Queer community, and body expression. Transformation, the search for the absolute, and our origins captivate me. In collaboration with Le Fresnoy, my digital art installation "Ad Astra" (2022) captures moving light as a dynamic portrait, merging centuries-old techniques with modern tools like 3D scanning and NASA imagery. This hybrid installation juxtaposes human luminance and starlight, prompting contemplation of our cosmic connection. I am driven to portray individuals and phenomena from fresh angles. On September 1, 2022, "Pinned into a Dress," co-directed with Gianluca Matarrese, starring drag artist and supermodel Miss Fame, opened the Venice International Film Critics' Week. This film redefines identity exploration through the lens of a chameleon artist. Cross-pollination of universes, hybridization, and diverse techniques are my artistic lifeblood. ----------------- Gianluca Matarrese (1980) was born in Torino and moved to Paris in 2002 to study cinema and theater. He graduated in History and Critics of North American Cinema at the University of Torino and Paris VIII, also graduating at the Ecole Internationale de Théâtre Jacques Lecoq in Paris. In 2008 he started working in French television, as a writer and director for a comedy series on OCS networks broadcast until 2012. Then he continued as writer, director and segment producer in entertainment department for moreover than 25 programs and all French networks. In 2019 his documentary “Fuori Tutto” (Rossofuoco Films, Agat Films, France Télévisions) won the award for Best Italian Documentary at the Torino Film Festival. His film “La dernière séance” (“The Last Chapter”) had its world premiere at the last Venice International Film Critics’ Week, winning the Queer Lion Award. The film has been selected at IDFA, Thessaloniki Documentary Film Festival, and keeps touring in other international festivals. The film has recently been broadcast on SKY Italy networks. He directed, for France Télévisions, the musical documentary on the singer Barbara Pravi, representative of the Eurovision Contest 2020. His film “Fashion Babylon” (Bellota Films & France Télévisions) premiered at CPH:DOX and Hot Docs and more than 20 festivals around the world. It has been broadcast in 10 countries. His film “Il Posto” (“A Steady Job”) (Altara Films, Bocalupo Films & ARTE / NDR), co-directed with Mattia Colombo premiered in Vision du Réel and Hot Docs, and it’s currently touring in several international festivals. In 2023, Gianluca premiered his latest films “Les Beaux Parleurs” at Biografilm Festival & “L’expérience Zola” at Giornate degli Autori of the 8oth Venice International Film Festival.

Valerie von Sobel, 80 années drapées en couture et en mystères. Un huis clos californien en temps de peste, où un fils tente le portrait de sa mère spirituelle.

Petit, Guillaume THOMAS voulait être magicien. On lui a dit : « la magie n’existe pas ». A contrepied, il s’arme alors d’un appareil photo et d’une caméra pour attester de la vitalité des fées. Sa recherche l’emmène sur la trace de ceux·elles qu’il qualifie de « personnages », des êtres épris·es de liberté et qui s’affirment dans leur multiplicité, leur recomposition infinie. Formé en photographie et vidéo à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs à Paris, ainsi qu’à la School of Visual Arts à New York, il réalise son premier film « Life damages the living » en 2021 lors de sa résidence au Fresnoy – Studio national des arts contemporains.

Un homme à l?aspect distingué (l?artiste Richard Layzell) est apparemment pris au piège dans un vide de couleur toujours changeant, enfermé dans un jeu de pouvoir avec une caméra utilisée de façon perverse. Présentateur de télévision, muet, prisonnier, et charismatique, il est tour à tour charmant, menaçant, instructif, confus. Parfois, il semble avoir de grands pouvoirs. Une voix-off nous dit des choses extraordinaires ? combien cet homme est vraiment spécial ? le premier homme à avoir un bébé. Des images de flashs hallucinogènes ponctuent le champ des couleurs pour nous donner une vision de la logique inquiétante et étrangement futuriste de son monde. Une critique science-fiction et rétro et de la représentation. Une méditation ludique sur l?idiotie de vouloir donner un sens aux choses.

Thomas Jennet est réalisatrice et membre fondateur du collectif londonien Exploding Cinema Collective. Son ?uvre est issue de la culture anarchiste et expérimentale du cinéma underground et de la scène alternative londonienne des années 1990. Son travail est diffusé les festivals de film à une échelle internationale, avec des rétrospectives récente aux Anthology Film Archives de New York (USA) et aux Rencontres Video Art Plastique en France. Plus récemment encore, ses ?uvres ont été exposées sous forme d?installation vidéo dans des galeries, à Londres (Royaume-Uni), en Europe et en Amérique du Nord, avec une récente exposition individuelle à PEER et une grande exposition à venir à la Matt?s Gallery de Londres. Son travail a débuté comme un hybride de performance verbale et de projections publiques ; il combine désormais une large variété de langages cinématographiques, allant du soap-opera à la réalisation de films expérimentaux et underground, de la science-fiction à la comédie musicale. Son travail aborde des sujets très humains et est souvent tristement comique.

"J'installe une boite à outils à penser personnelle customiser seulement pour toi. Tu la mets en marche par le simple fait de cligner des yeux. A partir de maintenant, tes pensées vont êtres concentrées et vraies."

I live and work in London, and am a founder member of the Exploding Cinema Collective ( ww.explodingcinema.org) I am pathway leader of the Fine Art Time Based Media course at the University of the Arts London. My single screen work is distributed internationally by Video Data Bank www.vdb.org

A cause de la guerre les choses changeaient. il ne restait que très peu de jouets et de jeux. la musique état presque finie. L'eau du robinet avait un goût de femme et la télévision s'allumait par spasmes...

mon travail est ma façon hybride de faire se rencontrer la culture pop, l'expérimental et les formes narratives. J'ai récemment présenté mon travail : Anthology Film Archives, New York, Centre d?Art Contemporain de Basse-Normandie, France The Gene Siskel Film Center, Chicago USA. je suis membre fondateur de EXPLODING CINEMA COLLECTIVE (www.explodingcinema.org) à Londres. mon travail est issu de la scène cinéma alternative londonienne des années 90. Mon travail solo est distribué à l'international par Data Bank www.vdb.org. J' enseigne au Wimbledon College of Art, et à la University of the Arts, London.

Quatre mannequins, deux chats et un portail pour apporter la félicité dans leur tentative de symétrie. Une boule de cheveux, un mélange de brindilles dont l?amour est mort et qui sont tristes.

Mon travail a commencé à pousser à partir de la scène underground media de Londres dans les années 90 qui était animée par les artistes. Un membre fondateur du collectif Exploding Cinema basé à Londres dont j'avais visionné et projeté des films, ainsi que des vidéos et des installations,travaille sur le circuit de l?International Experimental Media Festival depuis 9 ans. Je vis dans le sud de Londres avec un réalisateur, Paul Tarrago, et Olive, son chat. Je suis un chargé de cours expérimenté au Wimbledon College of Arts à la University of Arts de Londres. Mes travaux vidéos sont distribués par la Video Data Bank à Chicago. Récemment, j?ai eu des rétrospectives de mes travaux dans plusieurs endroits : l'Anthology Film Archives de New York, le Centre d?Art Contemporain de Basse-Normandie et le Gene Siskel Film Center de Chicago aux Etats-Unis. Il y a aussi eu une tournée de mes travaux à la National Review of Lie Arts de Glasgow.

The imagery archival of breast cancer became subject to a critical examination and reevaluation in an artistic approach. On the one hand, the personal experience, on the other, the volcanos, a powerful allegory. They encounter each other in a provocative feminist reread of archival medical images. By remixing these images and juxtaposing them with personal and contemporary experiences, the film subverts their original messages bringing embodiment back to patients. Merging artistic practice and social activism, Red Skies brings together aesthetics and political investigation. It conveys the relationship between archival scientific media and personal breast cancer experience engaging with a wide variety of issues related to women’s health.

www.marinathome.com.br Marina holds a master degree in Creative Documentary (Universitat Autònoma de Barcelona) and studied photojournalism at International Center of Photography (NYC). Her work took part in festivals in France, Portugal, Spain, and elsewhere, including BAFICI (AR), Biarritz Amérique Latine (FR), and Krakow Film Festival (PL). She directed 2 award-winning documentary films. "What I've never lost", premiered in 2021 at the Buenos Aires International Festival of Independent Cinema (BAFICI), was released theatrically in Brazil and Portugal, broadcasted in public TV, and holds 2 nominations for the Brazilian Society of Cinematographers Award (ABC). “The sound of bells” (2016), was broadcasted in public TV and is distributed internationally by Boston-based Documentary Educational Resources (USA). In 2021, she was honored as part of the Santiago International Film Festival, in the “Directoras en Foco” session at Chile. Currently Head of Industry and Development at DocLisboa International Film Festival, she co-directs ESTUDIO CRUA, a documentary production company based in Lisbon and São Paulo.

« Je viens tout juste d’arriver du futur, et là-bas les gens vont encore au cinéma. En y repensant, il vaudrait peut-être mieux commencer ainsi : Je viens tout juste d’arriver du futur, et là-bas les gens vont encore au cinéma. »

Nicolas THOMÉ ZETUNE (1993, Brésil) est un réalisateur basé à São Paulo. En 2012, il fonde la société de production FILMES DE AMOR. Ses courts métrages ont été présentés dans certains des plus grands festivals internationaux, dont l’International Film Festival Rotterdam. Son premier long métrage, O Pequeno Mal, a été présenté au FID Marseille en 2018. Son deuxième film, O Tubérculo, a fait sa première mondiale au 27? Festival de Tiradentes. En 2025, Nicolas est sélectionné pour Berlinale Talents Buenos Aires, un forum international de discussion et de développement de projets organisé en partenariat avec la Berlinale et le BAFICI – Buenos Aires International Independent Film Festival. Il prépare actuellement son troisième long métrage, Invisible Tunnel, un projet sélectionné au FIDLab (Marseille, France). Le tournage est prévu pour novembre 2026. Felipe ANDRÉ SILVA (1991, Recife) est cinéaste et poète. Il a signé notamment les longs métrages Santa Mônica (2015) et Passado (2020), ainsi que le court Cinema Contemporâneo (2019). Il travaille régulièrement comme programmateur pour le festival Janela Internacional de Cinema do Recife. En littérature, il a publié les recueils o escritor Xerxenesky et o autocad de Britney Spears, et dirige actuellement &legal edições, une micro-maison d’édition numérique dédiée à la poésie contemporaine.

From the Campidoglio to the Zoo est une œuvre filmique et sonore qui examine la persistance de la colonialité dans l’Italie d’après-guerre, en s’appuyant sur le Ponte Flaminio, un pont conçu pour célébrer les aspirations fascistes et offrir une entrée cérémonielle dans la ville, construit après la Seconde Guerre mondiale à partir de la proposition initiale d’Armando Brasini. Le titre de l’œuvre est emprunté à un essai inédit de l’écrivain William Demby, rédigé comme une critique du Deuxième Congrès des Artistes et Écrivains Noirs de 1959 auquel il avait assisté. Ce congrès, dédié au développement d’une vision et d’une solidarité entre producteurs culturels afro-diasporiques, existait en contraste direct avec son organisation par l’Istituto Italiano per l’Africa. Le film est activé par une performance sonore en direct, enregistrée au Museo delle Civiltà à Rome, par Dudu Kouate et Justin Randolph Thompson, puisant dans l’essence de la négritude avancée en relation avec le congrès et dans la nature fragmentaire de l’unité noire globale. Le son a été produit à partir d’une série d’instruments appartenant à la collection ethnographique du Musée Pigorini à Rome, conservée au Museo delle Civiltà. C’était la première fois que ces instruments étaient joués depuis leur intégration dans la collection, dans certains cas, depuis plus de cent ans. L’œuvre a été réalisée avec le soutien de la British School at Rome et du Museo delle Civiltà.

Justin Randolph Thompson est un artiste, facilitateur culturel et enseignant, né à Peekskill, dans l’État de New York, en 1979. Il partage sa vie entre l’Italie et les États-Unis depuis 1999. Thompson est lauréat d’un MAP Fund Award 2024, d’un Creative Capital Award 2022, d’une Italian Council Research Fellowship 2020, d’un Louis Comfort Tiffany Award, d’un Franklin Furnace Fund Award, d’une Visual Artist Grant de la Fundación Marcelino Botín, ainsi que d’une Emerging Artist Fellowship de Socrates Sculpture Park, entre autres distinctions. Ses œuvres et performances ont été largement présentées dans des institutions telles que le Whitney Museum of American Art, le Centro de Arte Reina Sofía, et The American Academy in Rome, et figurent dans de nombreuses collections, dont le Studio Museum in Harlem et le Museo MADRE. Sa vie et son travail cherchent à approfondir les discussions autour de la stratification socioculturelle et de l’« arrogance de la permanence », en mobilisant des communautés temporaires et fugitives comme formes monumentales, et en développant des projets reliant discours académique, activisme social et stratégies DIY de mise en réseau, au sein de rassemblements annuels ou biennaux, de partages et de gestes de collectivité.

Minimalist frontiers proliferate from acquisition. Larping utopia, shedding skins, forging new luxury amidst shards of past lives. Embracing shadows, sculpting stagnant futures in the flicker of ancient flames.

Christopher Thompson (1990) is a contemporary American artist and filmmaker whose work examines desire, capital, and the seemingly supernatural forces that govern its acceleration. His films and video works have been featured in film festivals and exhibitions worldwide, including San Francisco Cinematheque’s CROSSROADS, London Short Film Festival at ICA London, Prismatic Ground, Athens International Film and Video Festival, Brooklyn Film Festival, San Diego Underground Film Festival, and Iowa City International Documentary Film. He holds an MFA from Washington University in St. Louis, where he studied video art and experimental film. Thompson lives and works in Brooklyn, NY.