Catalogue > Liste par artiste

DVD d'une durée de 30'18'', couleur et son. Sélection de 9 sketches de la série "Delirium-Vidéo", 2004-2000. Cinq sketches sont inspirés par l?art moderne : « Le calvaire de R. Mutt » (référence à Duchamp). L?artiste suit un Chemin de Croix escarpé. Il porte la « Fontaine » de Duchamp. « Peinture au blanc » (référence à Warhol). Dans un paysage, l?artiste peint en blanc sur un tableau blanc le mot « brillo ». « Tombeau pour M.B. » (référence à Broodthaers). L?artiste trouve le « Fémur d?homme belge » peint aux couleurs de la Belgique. Il le décolore et l?enterre sur le champ de bataille de Waterloo. « Le semeur de pensées » (référence à Monet). L?artiste sème des pensées dans le jardin de Monet à Giverny. « Parcours d?artiste » (référence à Ensor). L?artiste en complet veston, une valise à la main, remonte un ruisseau. Il finit par trouver un hareng-saur. Trois sketches donnent au téléviseur un autre rôle que celui d?écran : « La tour penchée ». Des touristes essaient de soutenir la Tour de Pise. La tour est redressée en inclinant le téléviseur. « Repasser l?image ». Une scène montrant une repasseuse est repassée sur l?écran du téléviseur. « Chaussettes-show ». Ballet d?une paire de chaussettes pour une paire de godasses. Un sketch transmet un message au spectateur : « Le message de l?ogre » (le rébus de Bomarzo). Dans le parc des monstres de Bomarzo, l?artiste transmet un mot énigmatique en langage sémaphorique.

Jacques Lennep (né à Uccle, en Belgique, le 11 juillet 1941). Artiste pluridisciplinaire. Fondateur en 1972 du groupe CAP, il formule les principes d?un art relationnel et en développe une tendance sociologique en créant son Musée de l?homme en 1974. Il est un des premiers en Belgique à se consacrer à la vidéo, jouant le rôle de pionnier. Il a enseigné à l?Académie des Beaux-Arts de Bruxelles et est membre de l?Académie royale de Belgique. Ses vidéos les plus récentes sont regroupées sous les titres « Delirium-vidéo » » et « Musée de l?homme (Postproductions) ». Jacques Lennep est auteur de deux ouvrages sur sa démarche: « Alchimie du sens » (Ed. La part de l??il, Bruxelles, 1999) et « Conversation avec P.-Y. Desaive » (Ed. Tandem, Gerpinnes, 2003). Le Musée d?Art moderne et d?Art contemporain (MAMAC) de Liège lui consacrera une rétrospective en 2007.

Le supporter Ezio Bucci est l?une des personnes qui figurèrent dans le Musée de l?homme de Jacques Lennep. Celui-ci lui consacra une exposition au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles en 1977. Ancien mineur, Bucci est un fan du Sporting Club de Charleroi, un club de foot dont les joueurs portent un maillot zébré noir et blanc. Quand il se rend aux matchs, Bucci se fait teindre sur les cheveux des bandes noires et blanches assorties à son accoutrement pareillement zébré. Sa maison, sa femme, ses enfants, sa voiture sont également zébrés. De larges extraits des vidéos tournées pour l?exposition de 1977 sont intégrés dans ce montage alternant avec des séquences tournées chez Bucci en 2004.. Harald Szeemann sélectionna ce film pour son exposition La Belgique visionnaire (2005). Il envisageait de le produire également à Berlin dans son exposition Rundlederwelten prévue à l?occasion du championnat du monde de football.

Jacques Lennep, né à Uccle / Bruxelles, le 11 juillet 1941, est artiste multimédia. il a fondé en 1972 le groupe CAP, qui pratiqua un art relationnel et fut le pionnier de l?art vidéo en Belgique. Ce groupe, actif jusqu?en 1982, développa une activité internationale. Jacques Lennep conféra à sa propre démarche un caractère sociologique quand il créa son Musée de l?homme en 1974. Pendant une dizaine d?années, celui-ci présenta dans diverses institutions artistiques des personnes qui se distinguaient par une passion remarquable. Ces personnes étaient toujours présentes dans ces expositions conçues comme des installations où la vidéo jouait un rôle majeur. J. Lennep mit un terme à son Musée en inventant un peintre du dimanche, N.V. Panneel, dont il narra les aventures et exposa les ?uvres. Au cours de cette période, ses vidéos furent programmées dans la plupart des manifestations internationales consacrées à ce médium. Ainsi, en 1979, exécuta-t-il à Paris sa performance Vidéo-fil lors des Journées interdisciplinaires sur l?art corporel au Centre Pompidou. En 1996, J. Lennep entama ses Devoirs quotidiens, sorte de journal qui s?acheva avec le 2195e feuillet en 2002. Il renoua alors avec la vidéo en actualisant des films tournés dans le cadre des activités du Musée précité, mais aussi en réalisant une série de sketches regroupés sous le titre de Delirium vidéo. J. Lennep est aussi l?auteur de livres d?artiste, d?installations et de performances. La dernière en date : il prit la place d?une prostituée dans sa vitrine (tourné en vidéo). J. Lennep fut professeur à l?Académie des beaux-arts de Bruxelles et est membre de l?Académie royale de Belgique.

À partir d’un témoignage audio, la vidéo est à la fois une investigation et la mise en image d’un événement familial, personnel et violent. Elle cherche à décomposer, donner à voir et conduire le regardeur.euse dans l’expérience intime du processus de deuil. Le dessin, dans la variété de ses modes d’expression et ses modalité techniques diverses (dessin à la main, images de synthèse, formes hybrides), occupe une place centrale dans ce projet pour exprimer des processus psychiques tels que le trauma et le rapport à la mémoire, etc.

Thomas Léon développe sa pratique en fusionnant cinéma, arts graphiques et images issues des nouvelles technologies. Il crée des films, des installations vidéo et sonores immersives, ainsi que des dessins en grand format. Son oeuvre explore les interrelations entre mémoire, sensualité, expériences intimes et imaginaire, en s’appuyant sur des fictions, qu’elles soient sociales, urbanistiques, climatiques etc. Il s’inspire notamment de la science-fiction et de la littérature utopique et développe le plus souvent ses travaux par l’intermédiaire des outils contemporains de création d’images (modélisation 3D, IA, etc.). Il participe régulièrement à des projections ou expositions en France et à l’étranger: « Listening to Transparency » au Minsheng Art Museum de Shanghai (Chine, 2017), « Cruces Sonoros : Mundos Posibles » au MAC de Santiago de Chile (Chili, 2016), « Rendez-vous 11 » à l'Institut d'art contemporain à Villeurbanne (2011) et à la South African National Gallery à Cape Town (Afrique du Sud, 2012). Il a notamment suivi les résidences : Drawing Factory organisée par le CNAP et le Drawing Lab (Paris) en 2021 ; la résidence à Taiwan, organisée par le Grame, centre national de création musicale (Lyon) et le Digital Art Center (Taipei) en 2011. Ses oeuvres sont notamment présentes dans les collection du CNAP et de la Fondation Louis Vuitton. Thomas Léon vit et travaille à Montreuil.

L?installation fait directement référence au cinéma à grand spectacle dans son organisation et sa dramaturgie (succession des scènes, rôle de la musique) autant que dans les moyens techniques mis en ?uvre (projection haute définition, son 5.1). Conçue comme un film d?aventure dont le personnage principal est la caméra, la vidéo traverse une île qui est aussi un répertoire de formes. Elle s?organise comme un long travelling arrière : à l?intérieur d?une structure cristalline, à travers différents lieux désertés et désertiques, en survolant la mer au large d?une forme prismatique. La nature des objets et des lieux figurés ainsi que leurs relations ne sont jamais évidentes, la caméra changeant de direction pour se rapprocher des surfaces et jouant d?effets d?échelle en se perdant parfois dans les détails. Coproduction Ville de Beauvais, Le LABO, DRAC Picardie.

Thomas Léon développe depuis plusieurs années sa pratique à travers des installations et participe régulièrement à des projections ou expositions en France et à l?étranger : «Réalités confondues» à la BF15 à Lyon (2010); «Les Rencontres Internationales Paris / Berlin / Madrid» au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía à Madrid, Espagne et à la Haus der Kulturen der Welt à Berlin, Allemagne (2009); «Le syndrome de Broadway» au centre d?art du Parc Saint-Léger à Pougues-les-eaux (2007); «Multipolaire» à la Halle 14 à Leipzig, Allemagne (2006). Il a notamment participé à la résidence de post-production multimédia «Synapse» au sein de l`ESA-Rueil-Malmaison en 2008 avant de travailler avec Glassbox et la Cité internationale universitaire de Paris en 2009 dans le cadre de leur programme «Acteurs Autonomes». --- "Mon travail se construit à partir des outils informatiques et plus particulièrement de l`image de synthèse. Il s`incarne dans des médiums allant de l`installation vidéo à l`impression numérique, en passant par l`installation sonore ou la conception de volumes assistée par ordinateur. Il puise ses sources dans la littérature (romans d`anticipation et littérature utopique) ou les projets des avant-gardes, dont il tire une partie de ses problématiques : les relations complexes qui se développent entre un projet, sa représentation et sa mise en ?uvre (architecture, urbanisme, modèles de sociétés idéales) ; les liens entre les questions de forme et les enjeux de pouvoir. Ces problématiques s`articulent à des questionnements plus particulièrement esthétiques (rapport de l?art à la réalité, évaluation des apports de la modernité et des valeurs formelles inhérentes à chaque médium, mode et temps d`apparition de l`?uvre, action du spectateur) afin d`interroger la persistance de modèles, d`archétypes, et de produire des formes nouvelles." www.thomasleon.net

C?est un film sur le temps et l?expérience de l??uvre. La forme et la structure de la vidéo, l?utilisation des médiums numériques et du son, insufflent une tension émotionnelle dans un environnement qui en est dépourvu. Exécutant un travelling avant régulier, la camera progresse dans un paysage enneigé. La vidéo en deux parties égales, s?articule à la moitié, autour du basculement de l?axe de la camera en direction du sol. A partir de cet instant, l?image glisse de la représentation d?un espace à une abstraction rythmique. Quand la caméra se relève nous sommes revenus au début. Deux mouvements sonores successifs correspondant à ces deux parties accompagnent la vidéo.

Né en 1981 à dijon, Thomas Léon vit et travaille actuellement à Paris. ses travaux s?articulent principalement autour du médium vidéo, sous la forme d?installations complexes et condensées, à la frontière de la narration. ses réalisations ont notamment été présentées lors des expositions suivantes : «les enfants du sabbat 07» au Creux de l?enfer, centre d?art contemporain de Thiers (2006); «Multipolaire» à la Halle 14 à Leipzig (2006); «Filterbox» à Glassbox à Paris (2006); «Le syndrome de Broadway» au centre d?art du Parc Saint-Léger à Pougues-les-Eaux (2007); «Science et fiction» à la générale en manufacture (2008).

L'oeuvre "Opération Nunalivut" d'Emmanuelle Léonard a été réalisé lors d’une résidence de recherche dans le Grand Nord canadien au sein du Programme d’arts des Forces canadiennes. Poursuivant le travail photographique et vidéographique réalisé depuis quinze ans sur des groupes hiérarchisés issus des systèmes social, judiciaire, militaire et religieux, l’artiste continue de s’intéresser ici aux fonctions d’autorité et aux mécanismes de détournement qu’elles engendrent. En assistant aux manœuvres des patrouilles d’affirmation de la souveraineté canadienne à Resolute Bay sur l'île de Cornwallis dans le Haut-Arctique, Emmanuelle Léonard a découvert un ensemble de réalités très diverse lors d'un déploiement militaire stratégique dans cette région du monde où les enjeux nationaux, politiques et économiques se trouvent exacerbés par les effets du réchauffement climatique. […] Dans un contexte de tournage difficile, Emmanuelle Léonard a filmé les activités des soldats retranchés derrière leurs boucliers contre le froid – vêtements, masques et lunettes –, les révélant tantôt fantomatiques et anonymes, tantôt bien réels et personnifiés. Attentive aussi bien aux exercices d’entraînement qui nivellent leur identité qu’aux personnes elles-mêmes et à leur perception du monde en marge du modèle militaire, l’artiste s’est faite le témoin de l’attente et de la passivité relative des soldats face à l’impuissance des moteurs qui refusent de démarrer, devant la troublante nuit nordique qui tarde à tomber ou qui s’éclipse, là où rien d’impressionnant n’est dit, n’est fait, n’est prétendu. (Louise Déry - Directrice, Galerie de l’UQAM – Université du Québec à Montréal)

Emmanuelle Léonard est née en 1971 à Montréal, où elle vit et travaille. Elle a obtenu une maîtrise à l’Université du Québec à Montréal. L’artiste compte de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment au Musée d’art contemporain de Montréal (Canada); à OPTICA, Montréal (Canada); à VOX - centre de l’image contemporaine, Montréal (Canada); à la Galerie de l’UQAM, Montréal (Canada), au Mois de la Photo, Montréal (Canada); à la Kunsthaus Dresden (Allemagne); à la Neuer Berliner Kunstverein, Berlin (Allemagne); à Mercer Union, Toronto (Canada); à Gallery 44, Toronto (Canada); à Glassbox, Paris (France); à L’Œil de poisson, Québec (Canada), etc. Elle a été artiste en résidence à la Villa Arson, Nice (France); à la Fondation Christoph Merian, Bâle (Suisse) et à la Fondation finlandaise de résidences d’artistes, Espoo (Finlande). Elle s’est méritée le Prix Pierre-Ayot, Montréal (Canada), en 2005. Elle a exposé en 2012 à la AGO – Art Gallery of Ontario, Toronto (Canada), dans le cadre du International Grange Prize pour lequel elle était en nomination, et en 2013 au Fresnoy – Studio national des arts contemporains, Tourcoing (France), dans le cadre de l’exposition "À Montréal, quand l’image rôde". En 2019, elle a exposé "Le déploiement" à la galerie de l'UQAM, Montréal (Canada), avec la commissaire Louise Déry. En 2020, elle était parmi les trois finalistes pour le Prix de photographie Banque Scotia.

Peut-être cette fluctuation « dramatique » des images n?est-elle pas vraiment nécessaire.

Slava Leontjev est née à Vilnius (Lituanie) en 1967. Entre 1983 et 1995, elle a travaillé en tant qu?artiste au Centre de Restauration de Vilnius, au Conservatoire de Vilnius, à la Télévision Nationale de Lituanie ainsi qu?au Sarunas Bartas Studio Kinema. De 1996 à 2000, elle a été directeur artistique de l?Agence Brand Sellers DDB de Vilnius. Depuis 2000, elle est directeur de production du Studio Vilks (Latvie). Elle a mis en scène de nombreux films commerciaux et réalisé plusieurs vidéos musicales. Elle lui a été décernée de multiples récompenses, notamment le Prix MTV Russie pour la meilleure vidéo musicale de l?année.

Contrapeso / verde / rojo est une vidéo-documentation présentant deux regards distincts. La première scène se passe au parc de Chapultepec (ville de Mexico), où l?on observe un stand de restauration rapide dont la bâche est soutenue par une corde au bout de laquelle se trouve une bouteille de Coca-Cola. Celle-ci joue le rôle d?un contrepoids telle une balance, ou une ancre (d?où le nom de la pièce). La deuxième scène présente un zoom d?une autre bouteille de Coca-Cola qui, grâce à l?ouverture du plan, se découvre à l?intérieur d?un taxi démantelé dans les bois de l?Ajusco. Les deux regards commencent et se détiennent sur la tension générée par ces bouteilles entre le naturel et le culturel, qui nous permet d?associer les objets lorsque ces derniers activent ou désactivent quelque chose de concret. La logique structurelle de mon travail dans ces deux vidéos réside dans la présentation d?une narration qui conduit à une lecture d?une idée de production après celle de consommation.

En 2005 il termine un Master en Arts Visuels à l?Académie de San Carlos, Université Nationale Autonome de Mexico (UNAM). Il a réalisé une douzaine d?expositions individuelles entre le Mexique et le Costa Rica et a participé à plus de quarante expositions collectives dans le monde entier. En tant que commissaire indépendant, sa dernière exposition, ?La reconstrucción del lugar común. Imágenes de autor? a été inaugurée au Musée d?Art et Dessin Contemporain de San José, Costa Rica en 2005. Il avait organisé ??Residuos y Particulas. Privado Público?? au Mexique en 2004. Il vit et travaille en région parisienne.

In the spirit of the modernist vanguards of a century ago, three contemporary media artists read their manifestos.

Jesse Lerner is a documentary filmmaker, curator, and writer based in Los Angeles. His short films Natives (1991, with Scott Sterling), T.S.H. (2004), Magnavoz (2006), and Manifesto (2023), and the feature-length experimental documentaries Frontierland/ Fronterilandia (1995, with Rubén Ortiz-Torres), Ruins (1999), The American Egypt (2001), Atomic Sublime (2010), The Absent Stone (2013, with Sandra Rozental) and The Fragmentations Only Mean (2021, with Sara Harris) have won numerous prizes at film festivals in the United States, Latin America, and Japan, and have screened at the Museum of Modern Art in New York, the National Anthropology Museum in Mexico City, the Reina Sofía Museum in Madrid, and the Sundance, Rotterdam, and Los Angeles Film Festivals, among many other venues. Washington’s National Gallery, New York’s Anthology Film Archives, and Mexico’s Cineteca Nacional have presented mid-career surveys of his films. His books include The Maya of Modernism, F is for Phony: Fake Documentary and Truth’s Undoing (with Alexandra Juhasz), The Shock of Modernity, Ism Ism Ism: Experimental Cinema in Latin America (with Luciano Piazza), and The Catherwood Project (with Leandro Katz). His critical essays on photography, film, and video have appeared in Afterimage, Cabinet, Film History, History of Photography, La Pusmoderna, The Spectator, Visual Anthropology Review, Wide Angle, and other media arts journals, anthologies, and exhibition catalogues. As a curator, he has organized exhibitions for the Robert Flaherty Seminar, Mexico’s National Palace of Fine Arts, the MAK Center, and the Carrillo Gil Museum, as well as solo shows of Gala Porras-Kim, Manuel Álvarez Bravo, and Cannon Bernáldez. He is a professor in the Intercollegiate Media Studies program of the Claremont Colleges.

"Magnavoz" est une adaptation expérimentale de la diatribe spéculative de Xavier Icaza sur l'avenir de Mexico. Réunissant de bruyantes émissions au dessus des volcans, de tonitruantes bacchanales dans des abreuvoirs populaires et une série de discours apocalyptiques, hypernationalistes, la méditation est opportune et visionnaire, bien qu'écrite il y a plus de quatre-vingts ans. L'adaptation filmique de ce texte d'avant garde utilise des images d'archives, des reconstructions et un mélange complexe d'éléments sonores pour donner vie à cet essai politique.

Jesse Lerner vit à Los Angeles. Il réalise des documentaires et des vidéos. Son oeuvre a été diffusée au Museum of Modern Art de New York, au National Anthropology Museum de Mexico City, au Reina Sofía Museum de Madrid, à la biennale de Sydney, au Sundance Film Festival, aux musées Guggenheim de New York et de Bilbao, au Los Angeles International Film Festival, à la Film Society of Lincoln Center, ainsi que dans d'autres festivals et musées à travers le monde. Ses films ont remporté de nombreux prix à des festivals de cinéma au Etats-Unis, en Amérique Latine et au Japon. En plus de son travail de réalisateur, ses essais critiques sur la photographie, le cinéma, et la vidéo ont été publiés dans After Image, Visual Anthropology Review et Wide Angle. Il été conservateur pour le Robert Flaherty Seminar, le Centro Fotográfico Manuel Alvarez Bravo à Oaxaca, et les musées Guggenheim de New York et de Bilbao. Il enseigne dans le cadre du programme intercollegial d'études des média à l'université de Claremont en Californie.

Das Fehlen eines konkreten Bildes. Autobiografische Bruchstücke zwischen Fiktion und Realität vereint zu konstruierten Erinnerungssequenzen und endlosen Variationen davon. Das Gegenteil des Vergessens. Aber was ist wirklich passiert? Es gibt nur die eine Wahrheit. Die eigene. Entscheidungen trifft man, weil man sie treffen muss.

1985 in Frankfurt am Main geboren, seit 2005 Studium der freien Kunst an der Hochschule für Gestaltung Offenbach mit dem Schwerpunkt Malerei und neue Medien und seit 2010 Studium der Malerei, Animation und Tapisserie in der Klasse von Judith Eisler an der Universität für Angewandte Kunst Wien. Ihre Videoarbeiten wurden bereits bei vielen nationalen und internationalen Filmfestivals wie z.B. den Kurzfilmtagen Oberhausen, der Kunstfilmbiennale Köln/Bonn oder den Rencontre Internationales Paris/Berlin/Madrid gezeigt.2008 erhielt Xenia Lesniewski den ?3 Sat Förderpreis? bei den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen sowie das Stipendium der Deutschen Studienstiftung. 2009 gewann ihre Arbeit EGODYSTON den "Movies and Stills" Award der Videor Art Foundation sowie den zweiten Muvi-Preis bei den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen. 2010 erhielt sie beim Internationalen Filmfest Dresden den Drematrix Förderpreis. Ebenso nahm Lesniewski an zahlreichen Ausstellungsprojekten sowie weiteren internationalen Film- und Medienkunstfestivals teil.

Egodystonic - My fear of death will blow my head away. I think I need other eyes for my brain.

Born in 1985 / Frankfurt am Main, has been studying Fine Arts with focus on Painting and New Media at the Offenbach Academy of Art and Design since 2005.

?Supersensibel? : Des crottes d?enfants anal-ysées entre sodomie et peur de la mort. La vidéo ?Supersensibel? de Xenia Yvon Lesniewski est une animation provocante qui traite de sexe, d?érotique, d?obscénité et de peur individuelle. Une représentation enjouée de la sexualité polymorphe commentée avec des phrases et bruits en forme de devinette qui donnent au film une énergie colérique.

Xenia Yvon Lesniewski est née en 1985 à Francfort, elle étudie depuis 2005 à l?Ecole de réalisation d?Offenbach dans la spécialité Peinture et Nouveaux Médias.

xenia yvon lesniewski GERADE AUS Die künstlerin stellt eine schwarzweiss animation mit dem titel ?gerade aus? vor. zeichnungen sind der ausgangspunkt von xenia yvon lesniewskis arbeit, welche sie dann in stilistische animationen überträgt. kurze szenen werden durch ein flimmern ineinander übergeleitet. szenen, in denen zum beispiel eine mit einem maulkorb versehene, der künstlerin stark ähnelnde person, nach luft schnappt oder in einer unterwürfigen pose auf dem boden liegt. fetisch und sadomasochismus werden in ihrer arbeit thematisiert, gefühle plakativ und direkt wiedergegeben. ?der betrachter ist ein teil meiner arbeit.? dem zuschauer werden innere verlassene landschaften vor augen geführt. man erhält unweigerlich einen offenen blick in eine innere folterkammer. für die künstlerin handelt es sich hierbei um eine sehr intime arbeit ?die grenzen zwischen realität und fiktion verschmelzen. ein zwischenraum entsteht und zwar ? GERADE AUS.? der eingeschobene text gibt hinweise und lenkt den betrachter. der abstrakte sound der arbeit nimmt unmittelbar einfluss auf seine befindlichkeit. aus dieser fragmentierung von bild, text und ton resultiert eine provokative und kompromisslose aussage über die erfahrung von kunst und wirklichkeit. text anna kalinski

biografie xenia yvon lesniewski xenia yvon lesniewski geboren 1985 in frankfurt, deutschland: bildende künstlerin; studiert seit 2005 an der hochschule für gestaltung offenbach freie kunst mit dem schwerpunkt malerei und neue medien. malerei prof. adam jankowski freies zeichnen/film prof. mariola brillowska experimentelle raumgestaltung prof. heiner blum warum sie etwas tut? alles immer nur mittel zum zweck. aber sie hätte sich auch auf die zunge beissen können, sie hat eine schöne, gesunde zunge - rot von blut.

Alain LeTourneau & Pam Minty are filmmakers based in Portland, Oregon (US). They are co-founders of 40Frames (www.16mmdirectory.org), as they both make efforts to protect the 16mm format and to promote it as a usable format for exhibition and production. ?Empty Quarter? is their first collaboration and they are both working on solo projects but they plan to collaborate again on another film focusing on work. www.40frames.com and www.emptyquarterfilm.org. for more informations.

"My Random Diary" juxtapose la description, sous forme de journal intime, d'événements sans rapport entre eux, extraits de diverses archives d'actualités, et les photos prises lors de visites sur les lieux des événements violents en question. Le caractère aléatoire n’est pas seulement dû à la place que Leung Chi Wo a faite à sa réflexion personnelle sur les scènes de violence, mais aussi aux célébrations survenues par coïncidence le même jour, il y a exactement 50 ans. À partir de 2017, Leung Chi Wo s’est rendu sur les lieux de divers attentats à la bombe qui se sont déroulés pendant les émeutes de 1967 - une série d'événements violents qui ont renforcé les sentiments compliqués envers le gouvernement colonial de Hong Kong. À la même date, au même endroit, exactement cinquante ans plus tard, l'artiste filme en film noir et blanc les lieux et le ciel qui les surplombe. La série évolue vers une quête personnelle et continue pour retracer les événements violents, des bombardements aux conflits domestiques, en passant par les agressions sexuelles et les bagarres entre gangs. À travers la polysémie et la polyphonie, Leung Chi Wo systématise la contemplation et la conception de deux types de mondes parallèles: l'un synchrone sur le plan temporel mais distant sur le plan spatial, l'autre temporellement distinct mais unifié spatialement.

Leung Chi Wo, cofondateur du Para/Site Art Space, Hong Kong (Chine), a participé à de nombreuses expositions dans de grandes institutions artistiques internationales, notamment aux biennales de Venise (Italie), Shanghai (Chine) et Gwangju (Corée du Sud); au Queens Museum of Art, New York (USA); au Museu da Imagem e do Som, São Paulo (Brésil); au Tate Modern, Londres (Royaume-Uni); et au Museum of Contemporary Art Shanghai (Chine). Son travail a notamment fait l'objet de critiques dans Yishu, Artforum International, Art Review, Leap, ArtAsiaPacific, et dans le New York Times. Il est Maître de conférence à la School of Creative Media, City University of Hong Kong (Chine).

La vidéo met en scène le corps de personnages dénudés filmé en caméra infra rouge semblant errer dans un espace vert, enveloppés de silence. Les corps se heurtent, se touchent, se bousculent. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, entre violence et douceur les hommes semblent monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire.

Isabelle Lévénez aime à manier les contraires et l?ambiguïté. Les images, les titres de ses ?uvres, les phrases qu?elle écrit sont autant de jeux d?ombres et de lumières qui définissent la posture générale de l?artiste, développé par les multiples pièces de son travail tournant autour du thème du secret », nous proposant une réalité fragmentée, un jeu entre innocence rêves et fantasmes, entre douceur et violence. Biographie : Isabelle Lévénez Après des Etudes à l?école des Beaux Arts de Nantes elle décide de s?installer à Paris ou elle obtient en 1997 un DU en psychopédagodie à l?université paris V. En 1994 elle est sélectionnée pour le master de l?institut des Hautes études en arts plastiques crée par Pontus Hulten. En 1995 elle effectue un master multi média aux Arts et métiers à Paris. Depuis 1995 Isabelle Lévénez a effectué plusieurs séjours à l?étranger au cours desquels son travail a été exposé : New York, Milan, Madrid, Berlin, Moscou, Bratislava, Budapest, Prague, Amsterdam, Rotterdam, Ottawa, Nagoya, Reykjavik, Athènes, Riga, Barcelone, Istambul, Sofia. En 2001, elle a obtenu la bourse de la Villa Médicis hors les murs à Los Angeles. Différents lieux en France et à l?étranger (Musées, Centres d?art, Fracs, Galeries?) lui ont consacré des expositions personnelles et collectives , notamment

Je m`interroge ici sur la dualité humaine, déchirée entre pulsion de mort et respect de l'environnement. Ainsi la vidéo, qui a pour titre " à mort la mer" montre des images en Noir et Blanc d`un paysage marin. La jeune fille filmée au bord de la mer, la présence du vent,un bateau échoué au milieu d`un champ créent une atmosphère étrange, ou temps, espace et mouvement sont modifiés. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, un univers suréaliste semble évoluer, monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire. La jeune fille les mains tachées de goudron manipule un poisson dans l`eau, joue t `elle ? , est ce qu`elle le lave de son jus noir ? avant de finir triomphante sur son bateau échoué brandissant son trophée à la main: un poisson vierge de toute pollution!

Isabelle Lévénez (1970) vit et travaille entre Trélazé (49) et Paris. Elle est représentée par la Galerie Aeroplastic à Bruxelles. Depuis 1995 Isabelle Lévénez a effectué plusieurs séjours à l`étranger au cours desquels son travail a été exposé: New York, Milan,Barcelone, Madrid, Berlin, Moscou, Tokyo, Budapest, Prague, Amsterdam, Rotterdam, Ottawa, Reykjavik.... En 2001, elle a obtenu la bourse de la Villa Médicis hors les murs (Los Angeles). Différents lieux en France (musées, centres d`art, Fracs...) lui ont consacré des expositions personnelles et collectives notamment: Le centre d`art de Meymac (2007),Musée de Grenoble (2007), Le Palais de Tokyo (2006),Le lieu Unique, Nantes (2004),Le Centre d`art de St Fons (2002), Le Frac Haute Normandie ( 2002), Le rac Alsace (2000), La Fondation Guerlain, Paris (1999), La Box, Bourges (1997)...

Depuis 1991 et à travers ses vidéos, dessins ou photographies, Isabelle Lévénez révèle le mal être de l`individu ou son inquiétude identitaire dans sa dimension cachée sans que le dysfonctionnement mental ne soit jamais mis en avant.Les vidéos de la serie animaux domestiques forment pour elle, une seule et même ?uvre considérée à des stades différents de sa conscience du monde. Elle s`interroge ici sur la dualité humaine, déchirée entre pulsion animale et respect de la loi. Ces vidéo montrent le corps de personnages dénudés portant un masque (lapin, loup, âne, mouton?) Les protagonistes sont souvent silencieux, par exemple en partageant un repas qui se termine par un cri proche de celui d?un animal. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, un univers hybride, humain/animal, semble évoluer, monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire. Les visages recouverts d?un masque d?animaux nous renvoient à la construction d?un système où désir, violence et pulsions rencontrent la morale d?un monde codifié. Cette violence ne fait jamais l`objet d`une quelconque fascination, elle n`est pour l`artiste que le reflet du monde dans lequel elle vit.

Isabelle Levenez est née à Nantes en 1970. Artiste enseignante à l`école des Beaux arts d`Angers, elle se considère comme une artiste multimédia, c`est à dire qu`elle passe d`une production de dessin à une réalisation d`installation vidéo ou de photographie numérique. Entre réalité et fiction son travail ne cesse d`interroger l`individu. Son travail a été montré dans de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment à la galerie Anton Weller, à LOOP Barcelone , au CCC de Tours, à l?Abbaye du Ronceray, Angers, au Musée de Grenoble, à l?ARCO, au Musée National des Beaux Arts de Lettonie à Riga, à la National Art Gallery à Sofia, dans plusieurs Instituts Français à l?étranger : à Barcelone, Budapest, Cologne, Berlin. Elle a également exposé au Palais de Tokyo, Paris, au Musée Péra d?Istambul, au Musée Benaki, Athènes, au Musée Zadkine à Paris, à l?Orangerie du Sénat et Jardin du Luxembourg, Paris, au Musée des Beaux arts de Tourcoing, au Lieu unique à Nantes, au Musée d`art contemporain de Milan. Son travail fait partie des collections du FNAC et de plusieurs FRAC. Elle a obtenu la bourse de la villa Médicis hors les murs à Los Angeles.

Depuis 1991 et à travers ses vidéos, dessins ou photographies, Isabelle Lévénez révèle le mal être de l`individu ou son inquiétude identitaire dans sa dimension cachée sans que le dysfonctionnement mental ne soit jamais mis en avant.Les vidéos de la serie animaux domestiques forment pour elle, une seule et même ?uvre considérée à des stades différents de sa conscience du monde. Elle s`interroge ici sur la dualité humaine, déchirée entre pulsion animale et respect de la loi. Ainsi les vidéos ayant pour titre de série "Animaux domestiques", montrent le corps de personnages dénudés portant un masque (lapin, loup, âne, mouton?) Les protagonistes sont souvent silencieux, par exemple en partageant un repas qui se termine par un cri proche de celui d?un animal. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, un univers hybride, humain/animal, semble évoluer, monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire. Les visages recouverts d?un masque d?animaux nous renvoient à la construction d?un système où désir, violence et pulsions rencontrent la morale d?un monde codifié. Cette violence ne fait jamais l`objet d`une quelconque fascination, elle n`est pour l`artiste que le reflet du monde dans lequel elle vit.

Isabelle Levenez est née à Nantes en 1970. Artiste enseignante à l`école des Beaux arts d`Angers, elle se considère comme une artiste multimédia, c`est à dire qu`elle passe d`une production de dessin à une réalisation d`installation vidéo ou de photographie numérique. Entre réalité et fiction son travail ne cesse d`interroger l`individu. Son travail a été montré dans de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment à la galerie Anton Weller, à LOOP Barcelone , au CCC de Tours, à l?Abbaye du Ronceray, Angers, au Musée de Grenoble, à l?ARCO, au Musée National des Beaux Arts de Lettonie à Riga, à la National Art Gallery à Sofia, dans plusieurs Instituts Français à l?étranger : à Barcelone, Budapest, Cologne, Berlin. Elle a également exposé au Palais de Tokyo, Paris, au Musée Péra d?Istambul, au Musée Benaki, Athènes, au Musée Zadkine à Paris, à l?Orangerie du Sénat et Jardin du Luxembourg, Paris, au Musée des Beaux arts de Tourcoing, au Lieu unique à Nantes, au Musée d`art contemporain de Milan. Son travail fait partie des collections du FNAC et de plusieurs FRAC. Elle a obtenu la bourse de la villa Médicis hors les murs à Los Angeles.

Nine Hamlet RGB engages a simple algorithm to destabilize the timing of the red, green and blue frame sequential display system while incorporating fragmented, appropriated “to be or not to be” excerpts from nine Hamlet films. The audio is the synced sound from the appropriated excerpts laced with low frequency binaural tonal pulsations. The physicality of the constructed optical and aural experience is seeking a mechanism of unconscious disarticulation. The ghosting of colors, evanesent Hamlets, and somatic tones are looking for a “dream-work” that can be ciphered, displaced, or not.

Les LeVeque works with digital and analog electronic technology. His projects include single and multi-channel videos and video/computer based installations. His projects have been exhibited and screened internationally. Video Data Bank distributes his single-channel video work. He is represented by Kerry Schuss Gallery in New York City.

Communists Like Us is an ambient music video made from a few seconds of archival footage of Mao Zedong applauding and members of the Red Guard chanting. The title Communists Like Us was taken from the 1985 text of the same name written by Felix Guattari and Toni Negri.

Les LeVeque received an MFA in Video Research from the Department of Art Media Studies at Syracuse University. He is a Visiting Associate Professor in Film and Electronic Media at Bard College and co-Chair of the Film/Video program in the Milton Avery Graduate School of the Arts. His work has been exhibited internationally including 2000 Whitney Biennial, Georges Pompidou Center, Museum fur Neue Kunst ZKM, Australian Centre for the Moving Image, Museo de Arte Moderno Buenos Aires, Laboratorio Arte Alameda, Centre Culturel et de Cooperation Linguistique Bilbao, Pacific Film Archive, Palm Beach Institute of Contemporary Art, The Hammer Museum and The New Museum of Contemporary Art. Festival screenings of his work include Transmediale Berlin, San Francisco International Film Festival, and Sundance Film Festival. The Video Data Bank distributes his single channel video work. He is represented by KS Art in New York City.

« Stammering Forward Backward GIANT » est un re-montage du film « Giant » de George Stevens (1956) ? une histoire épique sur le Texas, le pétrole et le racisme. Condensé en 17 minutes et commençant au milieu, « Stammering Forward Backward GIANT » met en ?uvre des structures de montage improvisées et percussives, image par image, afin de dérouler le film simultanément vers la conclusion du début et de la fin.

Les Leveque est un artiste média électronique basé à New York. Son travail a été exposé internationalement, notamment à la Biennale Whitney de New York (USA) en 2000, au Centre Georges Pompidou de Paris (France), au Museum für Neue Kunst ZKM de Karlsruhe (Allemagne), à l?Australian Centre for the Moving Image, au Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentine), au Laboratorio Arte Alameda de Mexico (Mexique), au Centre Culturel et de Coopération Linguistique de Bilbao (Espagne), aux Pacific Film Archives de Berkeley (USA), au Palm Beach Institute of Contemporary Art de Lake Worth (USA), au Hammer Museum de Los Angeles (USA) et au New Museum of Contemporary Art de New York (USA). Ses ?uvres ont été projetées notamment à la Transmediale de Berlin (Allemagne), au San Francisco International Film Festival, et au Sundance Film Festival. La Video Data Bank distribue ses vidéoprojections. Il est également représenté par KS Art à New York.

Dramatically Repeating Lawrence of Arabia est un remix de l'orientaliste Laurence d'Arabie de David Lean en une dissonante hallucination de poses masculines répétées, costumes et gestes théâtraux.

Pendant la dernière décennie, Les LeVeque ont produit des ?uvres en vidéos où des structures des montage algorithmiques qui sont appliquées ont des médias de culture de masse, de films d'Hollywood, de publicités, de diffusions présidentielles et des auditions de publicités TV. Ces mots utilisent une utilisation impropre de la persistance de la vision et du phénomène de phi pour générer des hallucinations des sens, qui activent un espace aléatoire entre les images.

Last Person Shooter examine a range of both human and mechanical modes of vision. By way of a series of historical scenes reconstructed as 3D architectural models, the historical context of machine vision and its underlying concepts are conjured. These models are explored by an invisible protagonist, embodying the familiar, yet antiquated aesthetic of a first-person shooter. The work opens with a reconstruction of the assassination of Ahmed Jabri, a Palestinian militant who was targeted by an Israeli drone in November 2012. The assassination was documented simultaneously both by Palestinian passersby and by the IDF’s drone, creating two parallel, conflicting narratives: these were then uploaded to Youtube and tweeted, in what was in effect a war of images. The video leads into a dreamlike digital desert, evoking the Cuban Missile Crisis and its significance for the development of satellite reconnaissance during the 1960s. The protagonist embodies a birds-eye view, exploring the blind spots and prejudices of such varying perspectives. Finally, the film concludes with a reenactment of a video shot by an American soldier in Afghanistan in a first-person perspective. The footage offers an immersive, bleak representation of 21st century warfare and its mediation.

Adam Kaplan is an artist, ­a graduate of the Fine Arts department in Bezalel Academy in Jerusalem and the Academy of Fine Arts Vienna. Born in Jerusalem, he currently lives between Montreal and Berlin where he is studied under Hito Steyerl as a guest student in the Universität der Künste. Boaz Levin is an artist and writer based in Berlin. He studied at the Bezalel Academy of Arts and Design in Jerusalem and under Hito Steyerl at the Universität der Künste in Berlin.

MIDSENTENCE, filmed over five years inside a county jail, lays bare larger truths about incarceration, institutional authority, confinement, shame, guilt, and power dynamics between those in and out of uniform.

Erik Levine was born in Los Angeles, California in 1960. He has exhibited widely in the United States and Europe, most recently at Ludwig Forum Aachen with a solo survey exhibition of his videos from the past 15 years. His work includes video, sculpture, and drawings, and is in the public collections of the Whitney Museum of American Art, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Walker Art Center, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, and Des Moines Art Center, among several others. He has received numerous awards including a Guggenheim Fellowship and three Pollock–Krasner Foundation awards. In addition, he’s received two grants each from the National Endowment for the Arts, the New York Foundation for the Arts, the New York State Council on the Arts, and the Massachusetts Cultural Council, as well as grants from Awards in the Visual Arts, Nancy Graves Foundation, and the Jerome Foundation.

The Guilty Sleep, filmed during more than 75 overnight ride-along shifts with the police, illuminates urgent issues related to the current state of policing. It's a composed collage of raw, slow paced, and evocative imagery and sounds that frame polarities such as justice/injustice, observer/observed, confined/free, power/disempowered, and innocence/guilt. The video highlights the landscape behind these dualities and focuses on their complex relationship to one another.

Erik Levine was born in Los Angeles, California in 1960. He has exhibited widely in the United States and Europe, most recently at Ludwig Forum Aachen with a solo survey exhibition of his videos from the past 15 years. His work includes video, sculpture, and drawings, and is in the public collections of the Whitney Museum of American Art, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Walker Art Center, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, and Des Moines Art Center, among several others. He has received numerous awards including a Guggenheim Fellowship and three Pollock–Krasner Foundation awards. In addition, he’s received two grants each from the National Endowment for the Arts, the New York Foundation for the Arts, the New York State Council on the Arts, and the Massachusetts Cultural Council, as well as grants from Awards in the Visual Arts, Nancy Graves Foundation, and the Jerome Foundation.

Dans une routine déjà bien installée, le personnage commence sa journée en revêtant une combinaison intégrale en tricot. Cette mise en abyme d’un huit clos domestique le guidera tout au long de ses activités quotidiennes : lire, manger, nettoyer, brosser. Cette seconde peau le suivra jusqu’à la délivrance d’une nouvelle nuit dont il en oubliera même de la retirer. Le mystère de son identité perdurera dans la monotonie détricotée de ses journées.

Mehryl Levisse (né à Charleville-Mézières) est un artiste français qui explore les frontières, les enjeux sociologiques et les représentations archétypales du corps, au travers de médiums tels que la photographie, l’installation ou les pratiques performatives. Dans son travail le corps n’est pas une fin mais un commencement, un matériau malléable et adaptable aux idées. Mehryl Levisse se met en scène dans des environnements de fortune inspirés par son histoire familiale, la littérature, les expériences de vie, la philosophie, la musique, la mythologie, le cinéma, les cultures populaires et beaucoup d’autres sources encore... Ses environnements entre parodie sociale et pathétisme critique, prennent les codes du théâtre et utilisent le corps comme s’il était un objet. Mehryl Levisse considère son travail photographique comme la trace documentaire de situations s’étant déroulées dans l’intimité de son atelier. Il construit soigneusement et patiemment ses environnements pièce après pièce au sein de son espace de travail, dans la volonté permanente de n’utiliser aucune retouche informatique une fois la captation photographique réalisée. Il vit et travaille entre Paris et Raillicourt (Champagne-Ardenne), France.

Creatures of the Lines is an artist film and collaboration with anthropologist Heather Anne Swanson. It explores how desires for economic growth and linear progress have produced straightened forms in England’s watery terrains and asks what risks are associated with the conversion of once-curvy and braided worlds into a linearised landscape. Drawing on their longstanding research interests and conversations exploring the risks to and in aquatic ecologies with freshwater scientists, the film explores how English waterscapes have been transformed via the construction of canals. As arteries of British Empire, canals linked Indian cotton fields to domestic textile mills, facilitating vast ecological transformations from monoculture agriculture in the colonies to industrial discharges in England’s waters, soils, and air– and thus serve as a key site for exploring often-overlooked histories of colonial capitalism and their material presences in contemporary worlds. Attempting to work from within muddy, submerged sites, rather than from grand narratives or “god’s-eye” viewpoints, the work begins inside canals, telling stories from within the lines. Making use of the open-ended sensibilities of ethnography and natural history, it raises questions about ecological transformations and their ties to infra/structures of global political economy.

Sonia Levy's inquiry-led practice considers shifting modes of engagement with more-than-human worlds in light of prevailing Earthly precarity. Her work operates at the confluence of knowledge practices to interrogate Western expansionist and extractivist logics. She is the 2023-2024 recipient of the European Marine Board artist-in-residence programme. She was the 2022 selected artist of the S+T+ARTS4Water residency hosted by TBA21 in Venice and the 2021 commissioned artist at Radar Loughborough and Aarhus University's "Ecological Globalization Research Group". She has presented her work internationally, including shows and screenings at Ocean Space, Venice; Museo Thyssen, Madrid; Museo CA2M, Madrid; Sainsbury Centre, Norwich; ICA, London; The Showroom, London; Goldsmiths College, London; BALTIC, Gateshead; ZKM, Karlsruhe, Art Laboratory Berlin; HDKV, Heidelberg; Centre Pompidou, Paris; Musée de la Chasse et de la Nature, Paris; Muséum d'Histoire Naturelle, Paris, Verksmiðjan á Hjalteyri, Iceland Whale Museum, Iceland; Harvard Graduate School of Design, Cambridge USA; NYU Gallatin, New-York, Paris. Her work has been published by MIT Press and Thames & Hudson.

Filmed in Maison de l`Armateur, One of the few houses in Le Havre, France that remained in tact after the city was almost completely destroyed in the allied bombings of 1944. The tower like mansion is a kind of museum. A woman, the curator, is rigorously organizing objects. All kinds of dishes, globes, shells, sculptures, paintings, taxidermy animals, maps, ship models etc... There is something obsessive about her preciseness and the time she invests in placing each item. It is clear that despite the objects useful proposes, they are not being used, lifeless. The more she organizes them, the more she kills them. The work is about a nostalgia to a world that no longer exists, and perhaps never did. The house is built like a spiral, where each floor has more and more rooms, full of treasures that all tell the story of western colonialism, particularly French 19th century bourgeoisie objects, with curiosity cabinets full of exotic oddities from faraway conquered lands. The woman seems to have a special relationship to the objects. Her love and care for the objects, also express her love of the culture she belongs to. The film makes references to suspense movies, such as Hitchcock Vertigo. And the soundtrack is based parts of Bernard Hermann?s Psycho soundtrack.

Born in Tel Aviv, lives in New York Levy?s solo exhibitions include World Order, Center For Contemporary Arts, Tel Aviv (2012); The Wake/ Silent Among Us, Loop Fair, Barcelona (2012); Wild Thing, Nicelle Beauchene Gallery, NYC (2010); and Dreams & Disasters, Habres+Partner Gallery, Vienna, Austria (2009). Her group exhibitions include Unnatural, Bass Museum of Art, Miami (2012); Art and Social Activism, Nicholas Cohn Art Projects, Long Island City, NY (2012); Magic Lantern: Recent Acquisitions in Contemporary Art, Israel Museum, Jerusalem (2012); Lush Life, Invisible-Exports Gallery, NYC (2010); and Trembling Time: Recent Videos from Israel, Tate Modern, London (2010). Levy was awarded residencies by the LMCC in 2012, Omi International Arts Center (2011), the I-Park Residency Program (2011), and the Institut Francais/Triangle Arts Association (2010), and received the Young Artist Award by the Ministry of Culture and Sport, Israel (2008). She received her B.A. from Camberwell College of Art and her Post Graduate Diploma from Duncan of Jordanstone ? College of Art, Dundee University.

In the midst of the recent revolution in Egypt, Beduins in Israel get updated on the latest news from their car`s radio, in what seems to be the middle of nowhere. Suddenly a bus load of Polish "holyland" pilgrims fill the landscape, posing with Beduin`s camel and taking pictures.

Born in Tel Aviv, Israel, lives in New York 1998 PostGrad- Electronic Imaging Duncan of Jordanstone College of Art, Dundee 1997- BA Camberwell College of Art, London . Won the Dumbo Arts Festival NYC best open studio award in 2010; Won the 2008 Young Israeli Artist Award, The Hamburg Film festival low budget jury award 2006, Took part in the Berlinale Talent Campus in 2006. Took part in various international artist residencies in the USA: New York 2009-2010, 2011, Florida 2001,Connecticut 2011; In France: Le Havre 2011; in Austria: Vienna 2005, Linz 2003, and in Italy Milan 2007. Solo exhibitions include at: Nicelle Beauchene NYC 2010, Habres+Partner Gallery Vienna 2009; Tavi Dresdner Gallery Tel Aviv 2008; Rosenfeld Gallery, Tel Aviv 2004; Haifa Museum of Art 2004.

Le film est construit à partir d'une suite de photographies prises par l'artiste dans une maison abandonnée, près du mur de séparation dans le territoire palestinien. Les graffitis sur les murs de la maison indiquent que l'armée israélienne occupait ce site. Il s'agit d'un jour ordinaire, les habitants ne peuvent pas partir sans permission, ils sont emprisonnes comme des moutons. Mais les enfants n'ont pas perdu la foi, ils font voler un cerf-volant noir fabriqué avec un sac en plastique.

Dana Levy est née en 1973 à Tel Aviv. Elle a un MA en imagerie électronique du Duncan of Jordanston College of Art (Dundee, Ecosse) et un BA en graphisme du Camberwell College of Art (Londres). Elle vit actuellement en Israel, où elle travaille la photographie numérique, la vidéo single channel et les installations vidéo et multimédia. Son oeuvre explore les notions d'indentité et de frontières, d'appartenance au lieu, d'architecture temporelle. Elle a participé à des résidences d'artistes en Autriche, en Finlande et aux Etats-Unis. Elle a également montré son oeuvre au Haifa Museum of Art, à la Rosenfeld Gallery à Tel Aviv, au Digital Art LAb en Israel. Elle a participé à diverses manifestations collectives, au Tel Aviv Museum of Art, au Smack Mellon à New York, à l'OK center for Contemporary art en Autriche, au Jewish Museum à New York. Ses vidéos ont été projetées dans divers festivals de films.

A la frontière entre film de science-fiction, roman-photo et found-footage film, another picture for the end questionne la multiplication des images autant que la domination du discours et de la pensée médiatique contemporaine par les tech-entrepreneurs et autres milliardaires-héroïques. Une I.A., dans un futur incertain, essaye de se souvenir, ou de recréer une mémoire, pour comprendre comment le monde qui l’entoure est devenu ainsi.

Né en 1981 à Genève. Après une première vie dans les méandres de la communication audiovisuelle d’entreprises, Jonathan Levy-Forcada a fait un virage à 180 degrés en 2015 et repris des études en Arts Visuels, d’abord à la HEAD Genève puis à l’EDHEA à Sierre, dont il est sorti diplômé d’un Master en juin 2023. Son travail porte sur les questions du langage capitaliste à l’heure du Capitalocène, sur les liens entre humains et non-humains et sur les différents modes de représentations d’un monde en pleine hybridation. Ses médiums de prédilection sont la vidéo, la photographie, l’écriture et la performance.

`Backstory` introduces the remaining stars of rear projection, a technique prevelant in cinema until the development of green screen. In Backstory, Lewis invited the Hansard family, which has been instrumental in the provision and development of rear projection for hundreds of Hollywood productions over several decades, to tell (with humour and straight-laced directness) their own story of the heyday of the techniques and their decline and disappearance as they are replaced by new technologies and new tastes in visibility.

Born in Ontario in 1957, Mark Lewis is an artist who lives and works in London. Solo Exhibitions include: the Vancouver Art Gallery (Canada), Hamburger Kunstverein (Germany), Musée d?art moderne (Luxembourg), BFI Southbank (London) and Museo Marino Marini (Italy) Forte Di Bard (Italy) and Monte Clark (Vancouver, Canada). In 2009 Mark represented Canada at the 53rd Venice Biennale with his exhibition Cold Morning. His films have been shown at a number of international film festivals including; Rotterdam International Film Festival 2010 (The Netherlands), Toronto International Film Festival 2009 (Canada) and Berlin International Film Festival 2010 (Germany).

Mark Lewis was born in 1958 in Hamilton, Ontario. From 1989 to 1997 he lived in Vancouver becoming part of the burgeoning photoconceptualism scene of the Vancouver School. Much of his work focuses on the technology of film and the different genres which have been developed in over 100 years of film history. His films are often short, precise exercises on particular techniques. His films tend to look at contemporary cities, film history, and the way film has impacted ideas about everyday life—subjects, for instance, have included ice skaters at Toronto’s Nathan Phillips Square and a custodial worker at Vancouver’s 1500 West Georgia Street. In 2009, Lewis represented Canada at the Venice Biennale. Other exhibitions include shows at the Power Plant, the Vancouver Art Gallery, the Hamburger Kunstverein, BFI Southbank and the Art Gallery of Ontario. His work is in many collections including the National Gallery of Canada, the Museum of Modern Art and the Centre Pompidou. Lewis is also co-editorial director of Afterall, which produces a journal and books on contemporary art.