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Meesoo Lee a commencé à faire de la vidéo en utilisant un caméscope et deux magnétoscopes. Inspiré par les DIY ethos of Zines, la musique « lo-fi » et le cinéma d?avant-garde, il réalise des vidéos originales inspirées de la méthode du « vidéo-clip ». Il prétend que ce médium peu coûteux ouvre la voie à un monde infini de créativité et permet l?apprentissage autodidacte sous forme «d?essai-erreur». Meesoo Lee a réalisé des dizaines de courts métrages qui ont été présentés dans divers festivals ainsi qu?au Festival du Front Occidental et au Festival des Images à Toronto

Le film est construit à partir d?un moment de bascule imperceptible qui nous mène du jour vers la nuit, un instant fugace où ce qui a été n?est plus, où les choses peuvent revêtir une autre signification. Plusieurs voix-off qui se croisent par le téléphone portable sur les écoutes téléphoniques, qui parlent de fantômes, nous guident à travers la ville, tandis que la caméra semble en quête d?une parcelle de territoire, d?une concordance récit ? image. La topographie du lieu s?avance et se construit en parallèle d?une autre topographie, elle mentale, jusqu?à, peut-être leur rencontre, quelque part ici, dans un nouvel espace psychique. Une histoire personnelle se livre à travers la ville de Séoul, à nous de la suivre et de choisir le terrain d?interprétation : vérité, conte (urbain)?

HeeWon Navi LEE Born in December 1978, at Kyeung Ki - Do, South Korea. She worked as a stylist in Seoul, and since 2002 it is installed in France. After studying visual communication at the Ecole Nationale Superieure d?Art de Nancy, Won Hee LEE Navi integrates the Fresnoy - Studio National des Arts Contemporain. His research and practice various artistic blend clothing influences ranging from cinema to graphics, sound installation. His works are moving and using more and more new media across a digital world in works such as;

Avec Oamos, Marc Lee avait un seul but: faire découvrir au spectateur des contenus susceptibles de lui plaire et de l?inspirer. Qu?est-ce qu?Oamos: D?après des thèmes lancés par le public, Oamos sollicite des machines à chercher à travers les actualités, des images, des synonymes, de la musique, des discussions, des bruits, des blogs et des vidéos. Les données sont préparées audiovisuellement et sont présentées au choix de manière pragmatique ou divertissante, avec ou sans ton, avec ou sans liens vers d?autres sites.

Marc Lee est né en 1969 en Suisse. Il crée des projets interactifs orientés vers le réseau depuis 1999 dans une production orientée vers le domaine artistique. Il expérimente des technologies d?information et de communication qui contiennent des aspects culturels, créatifs ou encore économiques et politiques. Il a dernièrement participé à d?importantes expositions d?art média, comme le ZKM de Karlsruhe, le New Museum de New York, la Biennale d?art média de Séoul, la Transmediale 02 et 04 de Berlin, le Viper 01, 03, 04 et 05 de Basel, Ars Electronica, le CeC de Dehli, le Read_Me Festival de Moscou et le ICC de Tokyo.

Cinq histoires différentes comprennent une seule vignette de quatre vingt dix secondes. Chaque conte illuminant un élément de la vie d'un défunt durant la veille funéraire. Une méditation sur la notion bouddhiste de réincarnation, "5x90: the wake" est un regard entendu et avisé sur une famille interraciale qui fait face à une mort en son sein.

Les oeuvres de Samuel Kiehoon ayant été récompensées sont le documenatire court "How to make Kimchi according to my Kun-Umma", le récit expérimental "5 x 90: the wake" et "Hannah".

About the jade-mining lives led by the Burmese youths, most of whom work illegally for black jobs, risking and betting on their lives, for a meager living or the commitments to their beloved ones.

Yong Chao, born in Myanmar, passed the overseas College Entrance Exam of Taiwan after high school and went to university in Taiwan. During his university years, Yong Chao came into contact with the charm of image and movie, thus embarked on the journey of independent filmmaking.

Jan Robert Leegte a étudié à l'académie des arts de Rotterdam, après trois ans d'études d' architecture à l'université de Delft. PArallèlement à ses performances et installations, il a commencé à travailler pour internet en 1997. http://rhizome.org/thread.rhiz?thread=20448&page=1#39300

Des hommes et des femmes crient puis s’attroupent, s’agitent puis s’enlacent. Paul leur dit adieu. Il quitte l’institution avec l’espoir peut-être d’un nouveau départ, mais au dehors, d’une chambre à l’autre, partout le passé persiste.

Pierre Lefrançois Vérove est né en 1989 et vit à Montreuil. Il a étudié aux beaux-arts de Paris-Cergy avant d’intégrer le Fresnoy, studio national des arts contemporains en 2021. Ses travaux, films et textes s’attachent aux marges visibles ou invisibles et à celles et ceux qui les peuplent. Une considération qui l’a mené à entrer dans le champ de la psychothérapie institutionnelle (La chambre de Paul, 2022) ou encore à tirer le fil des frontières européennes entre Paris et l’île de Lesbos en Grèce (Algèbre, 2019).

La nuit tombée, la ville n’existe plus que par halos. Vigile ou gardien, il faut alors veiller parmi les ombres, confondre la fatigue et le sommeil, nuit après nuit, scruter l’obscurité quitte à y ouvrir une brèche et réveiller l’invisible.

Pierre Lefrançois Vérove est né en 1989 et vit à Montreuil. Il a étudié aux beaux-arts de Paris-Cergy avant d’intégrer le Fresnoy, studio national des arts contemporains en 2021. Ses travaux, films et textes s’attachent aux marges visibles ou invisibles et à celles et ceux qui les peuplent. Une considération qui l’a mené à entrer dans le champ de la psychothérapie institutionnelle (La chambre de Paul, 2022) ou encore à tirer le fil des frontières européennes entre Paris et l’île de Lesbos en Grèce (Algèbre, 2019)

dans une ville du nord, une explosion a eu lieu...

je suis artiste diplomé d`une école régionale du nord de la france. j`hésite dans mes créations entre ne rien faire, la poësie et la fiction.

Essai de reconstitution visuelle, par le jeu des vitesses du battement d'un, deux, trois ou quatre bâtons colorés, d'un cube décomposé.

Sylvain est né en 1977 ; titulaire d'une maîtrise de cinéma à Paris 8, il fait le tour du monde sans bouger et des petits films.

Tissage d'un ruban super-8 tourné en 2002, transféré artisanalement en mini-DV pour être composé numériquement. Essai de visions cinématographiques, d'accès à un autre visible à partir du visuel et de la Lumière. Eclatements de motifs géométriques et floraux selon les différents niveaux de recompositions du ruban initial. Partitionné autour d'un centre inaccessible, D-VIDE fusionne directement dans l'esprit du spectateur qui l'anime.

Né en 1977, titulaire d'une maîtrise d'Etudes Cinématographiques et Audiovisuelles soutenue à l'université de Paris 8, Sylvain Legrand travaille actuellement "autour du Monde" et continue de mener des projets cinématographiques personnels.

Moving trough the world wide web means being exposed to a variety of content in a high tempo which does not always attract you, but can also seem revolting to you. The resulting emotional state of the user - a feeling of being overwhelmed and a certain unsteadiness - is the starting point of the work “66mio views“. The viewer is sitting inside a room filling installation. Head mounted displays enable him to be part of an immersive VR environment in which he faces irregular shapes and so called “non-player characters“ (NPCs). The shapes are textured with videos from common Image- boards (4chan, 9gag, ...) as well as viral YouTube videos. Their content is diverse and evokes not only positive emotions (e.g. videos of puppies), but also very negative emotions (e.g. so-called gore videos, videos of violence). In a self- developing rhythm of motion, the forms relate to the position of the viewer, move towards him, go through him and move away from him. Various NPCs from 3D-model databases approach the viewer and recite text-sequences from the videos in varying tonalities. This immersive installation understands the technical infrastructure (computercases, cables, ...) as an instrument which designs and shapes the space. It is being expanded with ropes as well as pictures and text fragments from the videos. Stacks of prints show extracts from the videos and thereby display their content transformed and adapted to an analogue medium. The visitors are invited to take these prints with them and transform the content once again by removing it from its original place. Keywords like connectivity/disconnectivity and comprehension/incomprehension as well as thinking about the digital space as an emotional shaping tool led to this installation which connects digital and analogue content in an abstract, fragmented way. (The installation was originally developed for a specific exhibition space in the basement of „Halle 14 - center for contemporary art“ in Leipzig. However, we can set up the installation with regards to any available space, as its dimensions are variable. At least one VR system, ropes and prints in different sizes are fixed.) Yannick Harter, Fabian Lehmann, 2019

Fabian Lehmann (*1988, Castrop-Rauxel, Germany) graduated at University of Applied Sciences, Bielefeld (2015) with degree Bachelor of Arts „Photography and Media“. Since 2016 he is studying „Media Art“ at the „Academy of fine Arts, Leipzig“ in the class „Expanded Cinema“ / Prof. Clemens von Wedemeyer and has studied „Fine Arts“ at „Bezalel Academy of Arts and Design“ in Jerusalem during an exchange semester. His artistic work focus on different communication systems and how digital techniques shapes the humanity and society. He had various exhibitions in Germany and Europe e.g. Hamburger Triennale der Fotografie (Hamburg), Gallery „Kunstpunkt“ (Berlin), Emscherkunst 2016 (Dortmund) Siva Galerija, (Zagreb) UG Halle 14 (Leipzig) Yannick Harter (*1990, Worms, Germany) is a trained productdesigner, who worked in branches like automotive industry and medical cybernetics. Since 2016 he is studying „Media Art“ at the „Academy of fine Arts, Leipzig“ in the class „Installation and Space“ / Prof. Joachim Blank and has studied „Visual Communication“ at „Latvias Art Academy“ in Riga during an exchange semester. His artistic practice oscillates around the intersection between art, science and society. He had various exhibitions in Germany and Europe e.g. Kaiserwerke (Gera), Gallery? „Kunstpunkt“ (Berlin), Obro?ców Stalingradu 17 (Szczecin), D27 (Riga), UG Halle 14 (Leipzig) Yannick Harter participated in several curatorial and educational projects and volunteered as artist assistant e.g. at Kunstverein (Leipzig), Neustadprojekte (Mainz), Latvian Center for Contemporary Art and Survival Kit 10.0 (Riga)

ROUTE TO CAPE TOWN Au départ divertissant road-movie , le film se transforme en une vidéo musicale rythmée dont la force nous entraîne. C'est un poème cinématographique, une oeuvre visuelle et sonore. Une esquisse, un dessin en mouvement. Des rues qui mènent en ville. De courts moments dans le centre historique de Cape Town, des rues de traverse. Des gens, des piétons, de brefs regards. Tout est en mouvement, les gens, les voitures, la caméra. Qui connaît la ville et les environs peut reconnaître la topographie. Les prises de vue ont toutes été faites dans des rues différentes menant en ville, pourtant elles ne relèvent pas du documentaire - les temps ne correspondent pas, les mouvements de la caméra ne sont pas linéaires. Ce sont des fragments de temps. Le montage du film et de la musique permettent de mettre le début à la fin et vice-versa. Temps figé, temps parallèle. Arrêt et mouvement confondus. Le rythme est lent au début, devient de plus en plus rapide, interrompu par des plans panoramiques. Une son concret devient musique, une sonorité devient un paysage sonore. Un poème sonore sur un lieu et par-dessus tout une profonde mélancolie. De courts moments avec des gens, nous ne les rencontrons pas, nous ne faisons pas leur connaissance. C'est la brève rencontre des regards, que savons-nous de nos semblables, que veut seulement dire connaître quelqu'un,un endroit, une paysage? Un sentiment, une expérience, des souvenirs, mais finalement tout se résume à un court instant. Nos pensées les plus secrètes sont écrites comme à l'encre sur les vagues de la mer. ROUTE TO CAPE TOWN est un court poème en noir et blanc, fait de sons et d'images, il s'y trouve quelque chose de mystérieux, de sombre. Tout est tourné à partir d'une voiture en marche, pourtant le calme est dans le mouvement, le court moment, un fragment vécu. Les images sont floues, sales, quelquefois le pare-brise s'y reflète. Notre mémoire n'est pas linéaire. Une mosaïque de sonorités, d'images, d'impressions. Qu'est-ce qui se cache derrière les visages des gens qui nous regardent au moment où nous passons devant eux? Le film utilise des images et des sonorités concrètes pour un poème abstrait fait de forme et de rythme. Quelques courtes minutes de Cape Town en Afrique du Sud- une ville étrangère constituée de moments, qui nous semble à la fin étrangement familière

BIOGRAPHIE: WOLFGANG LEHMANN 1967 Fribourg en Brisgau, s'occupe principalement de films d'art et de musique nouvelle. Textes pour différentes publications. A travaillé pour des films comme auteur, réalisateur, cameraman et monteur. On peut voir ses films dans des festivals, dans les cinémas d'art et d'essai et dans les galeries en Europe comme en-dehors. Jusqu'à présent présentation d'oeuvres en Allemagne et en Italie. Depuis plus de dix ans organisation de festivals, de séries de films, de conférences et d'introductions de films, tout particulièrement l'avant-garde "classique". THOMAS GERWIN (*1955) est un compositeur de formation classique et musicologue. Il est venu très tôt à la musqiue électroacoustqiue, depuis 1990 il s'occupe en outre de façon intensive de "Soundscape Composition" et d'art radiophonique. Actuellement il compose pour la radio et des concerts dans son propre studio, et crée des installations sonores et vidéo. Il inclut en permanence les nouveaux médias, le théâtre, la danse, le cinéma et la sculpture comme moyens d'expression de ses travaux. Projections et expositions dans le monde entier, différents prix et bourses. Thomas Gerwin a fondé en 2001 la "Gesellschaft für multisensoriale Kunst" ("compagnie de l'art multisensoriel" ) et en 2002 le "Berliner Lautsprecher-Orchester", depuis 2003 il supervise la série de concerts "KlangWelten" au "Unsicht-Bar Berlin", où il interprète, dans une totale pénombre, de l'ars acustica avec une boîte musicale. www.thomasgerwin.de

¡¶What ¡· The "what", is my first Video works. Since 1986, I was a photographer and I`ve been travelling different small city in China 1993-1998, I shooting a lot of black and white photographs , During that period, I also use a Hi8 camera casually shooting something.The piece material of "what" all from that Hi8 camera. In fact, I did not think of the future to put them into a film editing. There is just some messy, about some of China`s cities and towns. The middle of 2012, I was opened these Hi8 tapes, I start editing the material, and I hope they become a movie. I don`t want some subjective intervention into the "what", I hope it is messy, I hope it is messy, fury, in a disorderly daily style, commemorate my trip. This movie only made of my own, have not other people involved, music also by me.

biographical Han Lei, 1967 Born in Kaifeng, Henan Province, China, 1989 Graduated from Central Academy of Craft and Design, Beijing, China. Currently works and lives in Beijing, China. in creative photography from 1986. since 1993-1997, Travel in the small cities of China and shoot a lot of black and white photographs. In 1998 series Win The ¡°1998 Mother Jones International Fund for Documentary Photography Awards¡±, (San Francisco, U.S.A) In 1996-1997 A solo Exhibition , show in Helsinki, Finland, Berlin, Germany and Beijing, China. Selected Other solo exhibitions include: 1995 , Brussels, Belgium. 2005 Gallery Polaris, Paris, France, Killing Legend, 798 Photo Gallery, Beijing, China. 2006 ¨C 2012: , Gallery LOFT, Paris, France. , Hanart TZ Gallery, Hong Kong, China. 2010 , Talkang Space, Beijing, China. 2012 M97 Gallery,Shanghai, china. Selected Group Exhibitions include: 1996 , Reithalle, Munich, Germany, 2000 , Frankfurt, Germany; New York, U.S.A. 2007 Rome, Italy. , Prague International Museum, Prague, Czech Republic. 2012 , Lianzhou, Guangdong, China

Photographs, snowy mountains, videotapes. Two stories of love and death. Episode 1: The Lost Photographs. Episode 2: The unfound movie videotapes.

Lei Lei is born in Nanchang, Jiangxi Province. In 2009 He got a master's degree in animation from Tsinghua University. In 2010, his film This is LOVE was shown at Ottawa International Animation Festival and awarded The 2010 Best Narrative Short. In 2013 his film Recycled was the Winner Grand Prix shorts - non-narrative at Holland International Animation Film Festival. In 2014 he was the winner of Asian cultural council grants. In 2017 he works at CalArts Experimental Animation program as full time Faculty. In 2018 he invited for New Academy Member for the Short Films and Feature Animation branch, and his installation Weekend was the winner of Jimei x Arles discovery award. In 2019 his first feature film Breathless Animals has been selected by Berlinale Forum.

"La photo a été prise à l'aide d'une planche peinte, dans le parc Kuling à Lushan..." Une femme se rappelle l'histoire qui se cache derrière une photographie: c'était une journée d'été radieuse dans les années 80. Sa famille s’était rendue à Lushan pour échapper à la chaleur. Au fil de ses souvenirs, nous découvrons peu à peu l'histoire oubliée et cette photographie altérée par des taches d’eau.

Lei Lei est artiste et réalisateur. Il est né à Nanchang, dans la province du Jiangxi, en 1985. Artiste d'animation expérimental, il touche également à la vidéo, à la peinture, à l'installation, à la musique et à la performance VJ. En 2009, il a obtenu un Master en animation de l'Université Tsinghua, Pékin (Chine). En 2010, son film "This is LOVE" a été présenté au Ottawa International Animation Festival, Ottawa (Canada), où il a reçu le prix Best Narrative Short Award. En 2013, son film "Recycled" a remporté le Grand Prix du film court non narratif au Holland International Animation Film Festival, Utrecht (Pays-Bas). En 2014, il a fait partie du jury du Animafest Zagreb (Croatie) et du Holland International Animation Film Festival, Utrecht (Pays-Bas). Il a également remporté la bourse 2014 du Asian Cultural Council. En 2017, il a travaillé dans le programme CalArts Experimental Animation, Los Angeles (USA), en tant que membre du corps enseignant. En 2018, il a été invité à joindre la branche des courts et longs métrages d'animation de l'Académie des Oscars. En 2019, son premier long métrage, "Breathless Animals" a été sélectionné dans la section Forum de la Berlinale, Berlin (Allemagne).

SCREENING (HD, 9 min, 2011, single screen) SCREENING is based on the association of screen-tests and auditioning, that is often attached as extra material on dvds. Five female characters of age 16-30, are filmed in a white studio. They are wearing ordinary clothes and at first sight it might look like they are filmed just as ?themselves? in front of the camera. After a while it becomes more obvious that they go in and out of, and are trying out different roles. The characters do not know that the camera is recording the whole time during the shooting, even when they are stopped in the middle of an act; this to create an interaction of acting, trying to act, or just being themselves. Feminine expressions are contrasted with masculine to generate friction and to enhance the collision of the characters? attempts to go into a role, failing and managing the role.

Kaja Leijon is born in Tromsø, 1980, and now lives and works in Oslo, Norway. She is educated at the National Academy of Fine Arts. During her education she participated in several exchange programs, among those at CalArts, US. Leijon works with film and photography. Leijon recently had a solo exhibition at Trøndelag senter for samtidskunst. Her films have been screened at international exhibitions and film festivals such as; National Taiwan Museum of Fine Arts, Kunsthalle in Mainz, Luis Adelantado Gallery, Videonale and Kasseler Dokumentar und videofest,

Wasteland ? synopsis: Wasteland is a film that consists of short episodes. The structure of the film gives impression of a loose narration, but the episodes have a common thread which becomes clearer throughout the film. The film investigates how our fantasy and imagination is affected by film, and how people in everyday life integrate images from fiction into their own lives. The film attempts to understand how preconceived conceptions influences the way we see and interpret our surroundings.

Kaja Leijon is born in Tromsø, 1980, and now lives and works in Oslo, Norway. She is educated at the National Academy of Fine Arts. During her education she participated in several exchange programs, among those at CalArts, US. Leijon works with film and photography. Leijon recently had a solo exhibition at Trøndelag senter for samtidskunst. Her films have been screened at international exhibitions and film festivals such as; National Taiwan Museum of Fine Arts, Kunsthalle in Mainz, Luis Adelantado Gallery, Videonale and Kasseler Dokumentar und videofest.

Agenzia Luce di Trieste is the meeting point of Valentina Giuriolo and Mauro Zerial: it is where analogue photography, professional excellence, photographic passion, rigorous approach and a certain vision of the world converge. It is the business they created together immediately after getting married. Valentina started from scratch, she knew nothing about photography, and Mauro taught her everything. Mauro started from scratch as well, after losing his sight in an accident along with the profession he had built. CRD is an experimental documentary in three acts that, starting from an absence, pursues an unexplored reading of reality. With a documentary approach Lele Marcojanni takes up the threads of a discussion born with Zerial and Giuriolo in 2018 in the comfort zone of their home-laboratory to go out into the streets of Trieste. Lele Marcojanni presents the first chapter, a study, which expands the experience of the first meeting with Zerial and Giuriolo and delves into the fear of losing images, into visual memory and the space around us that changes, the relationships between people that deteriorate over time like a jpeg re-exported too many times. Not seeing moves from the personal to the collective, opening up the search for the next chapter which, through a digital reworking, will investigate how to orient ourselves when there are no longer any references on the horizon.

Lele Marcojanni (Bologna, IT) focuses on filmmaking and visual arts. It started as a group dedicated to documentaries and then evolved into a path that intertwines writing, audiovisual, sound design, music and visual design in non ordinary exhibition supports tailored for its narratives. The stories collected and told by Lele prompt from everyday stories, far from mainstream media narratives. Lele Marcojanni investigates traditional forms of spectatorship by researching on screening formats, often working on the threshold of the ephemeral. Lele Marcojanni has directed documentaries, such as Carta and EVM 01, short films and mockumentaries. It was exhibited at festivals, museums and hybrid venues. It collaborated with several Italian and international performing arts festivals (Santarcangelo festival, Short Theatre, Live Arts Week, FUORI! among others) for the documentation of live works, experimenting with formats, practices and languages. Lele Marcojanni is the name of a collective visual narrative project founded in 2010 by Elena Mattioli and Flavio Perazzini.

Répondant à l`invitation du Théâtre Jean Lurçat, Scène Nationale d`Aubusson, nous avons réalisé cette série d`images alternant vues de la ville d`Aubusson et portraits de ses habitants. Quelque part entre la carte postale, le diorama et la stéréophotographie, ces images dressent un portrait sensible de la ville d`Aubusson. L`ensemble se présente comme un diptyque établissant un aller-retour permanent entre la ville et ses habitants.

Architecte diplômé en 2001, Nicolas Lelièvre s`est rapidement tourné vers les pratiques de l`image. La vidéo et la photographie sont pour lui des moyens privilégiés pour interroger les rapports qu`entretiennent le temps et l`espace. Le projet Centres Horizons mené entre 2003 et 2008 avec le marionnettiste Renaud Herbin a notamment été l`occasion d`explorer différents territoires urbains parmi lesquels Berlin (Villa Médicis Hors Les Murs 2004), Buenos Aires, Montréal ou encore Saint-Jacques-de-la-Lande et Lisbonne. Son questionnement sur les perceptions et les représentations des espaces urbains prend des formes variées, entre photographie, vidéo et spectacle vivant. Parallèlement, Nicolas Lelièvre participe régulièrement en tant que vidéaste à des créations de spectacles de théâtre (Cie LàOù, Théâtre de l`Arpenteur,...) et de danse (Cie EnCore, Cie Jean-Pierre,...).

Angela et Marius, deux jeunes étudiants, ont accompagné un jeune migrant lors de son arrivée en France. A travers leur récit, nous découvrons le périple de Bangoura, jeune guinéen ayant fui son pays lorsqu'il avait 17 ans. Sur une production musicale composée de samples (notamment extraits de musiques traditionnelles issues de différentes immigrations françaises), l'œuvre questionne la manière dont chacun de nous se réapproprie un fait, un événement ou un récit en en abolissant son contexte, son passé, sa connaissance et sa mémoire collective. Ainsi, la vidéo propose au spectateur de s’approprier l’histoire de Bangoura en reprenant son récit à la manière d’un karaoké. De cette manière, le récit relaté offre de multiples interprétations et peut aussi bien symboliser une génération de migrants cherchant à survivre, critiquer une société capitaliste ou les instituions, décrire le portrait d'une jeunesse française ou encore interroger la connaissance que nous avons de l’immigration française.

Artiste plasticien diplômé de l'ENSAM, Yoann Lelong trouve son inspiration dans la danse, la recherche scientifique et la problématique de l'exclusion. Il explore la vidéo comme moyen de retranscrire une réalité transcendée, mêlant la poésie réaliste de ses sujets à une réalité sociale fragmentée. Son passage par l'Ecole Normale Supérieure de Cachan le forme à la physique quantique, point de départ d'une démarche artistique qui irrigue l’ensemble de ses travaux, et donne à ses œuvres une lecture sous-jacente plus métaphysique. De sa collaboration avec Amos Poe, pionnier dumouvement new-yorkais No Wave, naît PERSON(A), installation vidéo où s'entrelacent vingt-trois portraits filmés au 16mm. Une œuvre poétique où les éléments se distinguent, se répondent, puis se fondent dans un flou indistinct. Cette 1ère œuvre illustre dès lors le rapport distancié qu’entretient Yoann Lelong au réel et qui le pousse, à chaque nouvelle création, à saisir l'instant sans filtre et sans interprétation pour retranscrire et sublimer les sujets à l'état brut. Les sujets deviennent matière, le tout rejoignant le tout. A l'issue d'une résidence artistique à bord du voilier Tara Méditerranée en 2014, il crée PerceptConcept, à l'image du mouvement ondulaire et répétitif de l'expédition maritime : les gestes de l'équipage épousent le va-et-vient de la mer, au rythme de sons mécaniques ou organiques. Par la suite, il s'interrogera sur l'essence d'une création et plus particulièrement sur ce qui en fait son unicité en collaborant avec la chorégraphe Anne Nguyen et le musicien Les Gordon (2015). Le mouvement gestuel et sonore apparaît ainsi dans le travail de l’artiste comme une composante clé de toutes ses créations. La recherche de l’unicité à partir de fragments épars constitue, pour l’artiste, un cheminement permanent, un questionnement métaphysique qui explore, chaque fois, un nouveau terrain de création, tantôt attaché à une réalité sociale, tantôt abstrait.

Derrière tout œuvre artistique, se cache un travail de recherche foisonnant, un parcours irrégulier fait d’avancées et de doutes. Mettant en perspective le travail de 2 artistes aux disciplines différentes, le film retrace ces moments d’improvisations, de répétition ou d’hésitations qui font partie intégrante d’une œuvre en devenir. Aux mouvements des danseurs hip-hop de la chorégraphe Anne Nguyen (artiste associé à Chaillot), se superpose une oeuvre musicale du musicien Les Gordon (du label Kitsuné), 2 univers qui, bien que différents, viennent se compléter pour créer une forme nouvelle et singulière. Qu’il s’agisse d’une pièce dansée ou d’une œuvre de musique, l’impression d’aisance et de maîtrise que suscite la découverte de l’oeuvre aboutie est toujours flagrante. Quel processus de création derrière cette sensation de fluidité, de perfection ? Comment, d’une matière brute et spontanée, naît l’oeuvre future ? C’est par cet angle que le film tente de capter et de retranscrire la genèse d’une création artistique, nourri par les séances de travail et de répétition des danseurs, autant que par la l’oeuvre musicale composée sur le mode de l’improvisation. Questionnement, tentatives, ajustements, répétitions... Autant d’étapes nécessaires que requiert la création d’un projet artistique, mouvement permanent oscillant entre la projection initiale de l’artiste et le projet en devenir, matière polymorphe et versatile. Miroir de cette genèse continue, le film finit par lui-même devenir objet de son propos.

Yoann Lelong, né en 1985. Après avoir étudié la physique quantique au cours de son cursus universitaire, Yoann Lelong s’est progressivement tourné vers la création artistique en se formant au California Institute of Arts et en collaborant avec le pionnier du mouvement No wave New Yorkais, Amos Poe. Le travail de Yoann Lelong émerge d’une vision du monde où tous les éléments sont reliés et interagissent entre eux. Chaque élément est, pour lui, une abstraction issue d’une totalité de mouvement fluide (telle la notion d’holomouvement). Il adopte ainsi une approche centrée sur l’individu pour ensuite en dégager une structure systémique en s’intéressant aux interactions qu’un individu peut avoir avec un lieu, une ambiance ou d’autres personnes. En 2013, encouragé par Alain Cavalier, Yoann Lelong réalise le film PERSON(A). Il s’agit de 23 portraits entrelacés (dont ceux de Benoit Forgeard, Amos Poe et Lola Bessis). En 2014, il rejoint l’expédition Tara Méditerranée, dans le cadre d’une résidence artistique qui donnera lieu à l’installation vidéo PerceptConcept. En 2015, Yoann Lelong a réalisé des projets sur le thème de la transidentité et de l’insertion des personnes réfugiées en collaboration avec l’association Singa. En 2017, il prépare une nouvelle œuvre en relation avec le centre de pédopsychiatrie de l’hôpital La Pitié Salpêtrière.

Angela et Marius, deux jeunes étudiants, ont accompagné un jeune migrant lors de son arrivée en France. A travers leur récit, nous découvrons le périple de Bangoura, jeune guinéen ayant fui son pays lorsqu'il avait 17 ans. Sur une production musicale composée de samples (notamment extraits de musiques traditionnelles issues de différentes immigrations françaises), l'œuvre questionne la manière dont chacun de nous se réapproprie un fait, un événement ou un récit en en abolissant son contexte, son passé, sa connaissance et sa mémoire collective. Ainsi, la vidéo propose au spectateur de s’approprier l’histoire de Bangoura en reprenant son récit à la manière d’un karaoké. De cette manière, le récit relaté offre de multiples interprétations et peut aussi bien symboliser une génération de migrants cherchant à survivre, critiquer une société capitaliste ou les instituions, décrire le portrait d'une jeunesse française ou encore interroger la connaissance que nous avons de l’immigration française.

Artiste plasticien diplômé de l'ENSAM, Yoann Lelong trouve son inspiration dans la danse, la recherche scientifique et la problématique de l'exclusion. Il explore la vidéo comme moyen de retranscrire une réalité transcendée, mêlant la poésie réaliste de ses sujets à une réalité sociale fragmentée. Son passage par l'Ecole Normale Supérieure de Cachan le forme à la physique quantique, point de départ d'une démarche artistique qui irrigue l’ensemble de ses travaux, et donne à ses œuvres une lecture sous-jacente plus métaphysique. De sa collaboration avec Amos Poe, pionnier dumouvement new-yorkais No Wave, naît PERSON(A), installation vidéo où s'entrelacent vingt-trois portraits filmés au 16mm. Une œuvre poétique où les éléments se distinguent, se répondent, puis se fondent dans un flou indistinct. Cette 1ère œuvre illustre dès lors le rapport distancié qu’entretient Yoann Lelong au réel et qui le pousse, à chaque nouvelle création, à saisir l'instant sans filtre et sans interprétation pour retranscrire et sublimer les sujets à l'état brut. Les sujets deviennent matière, le tout rejoignant le tout. A l'issue d'une résidence artistique à bord du voilier Tara Méditerranée en 2014, il crée PerceptConcept, à l'image du mouvement ondulaire et répétitif de l'expédition maritime : les gestes de l'équipage épousent le va-et-vient de la mer, au rythme de sons mécaniques ou organiques. Par la suite, il s'interrogera sur l'essence d'une création et plus particulièrement sur ce qui en fait son unicité en collaborant avec la chorégraphe Anne Nguyen et le musicien Les Gordon (2015). Le mouvement gestuel et sonore apparaît ainsi dans le travail de l’artiste comme une composante clé de toutes ses créations. La recherche de l’unicité à partir de fragments épars constitue, pour l’artiste, un cheminement permanent, un questionnement métaphysique qui explore, chaque fois, un nouveau terrain de création, tantôt attaché à une réalité sociale, tantôt abstrait.

Derrière tout œuvre artistique, se cache un travail de recherche foisonnant, un parcours irrégulier fait d’avancées et de doutes. Mettant en perspective le travail de 2 artistes aux disciplines différentes, le film retrace ces moments d’improvisations, de répétition ou d’hésitations qui font partie intégrante d’une œuvre en devenir. Aux mouvements des danseurs hip-hop de la chorégraphe Anne Nguyen (artiste associé à Chaillot), se superpose une oeuvre musicale du musicien Les Gordon (du label Kitsuné), 2 univers qui, bien que différents, viennent se compléter pour créer une forme nouvelle et singulière. Qu’il s’agisse d’une pièce dansée ou d’une œuvre de musique, l’impression d’aisance et de maîtrise que suscite la découverte de l’oeuvre aboutie est toujours flagrante. Quel processus de création derrière cette sensation de fluidité, de perfection ? Comment, d’une matière brute et spontanée, naît l’oeuvre future ? C’est par cet angle que le film tente de capter et de retranscrire la genèse d’une création artistique, nourri par les séances de travail et de répétition des danseurs, autant que par la l’oeuvre musicale composée sur le mode de l’improvisation. Questionnement, tentatives, ajustements, répétitions... Autant d’étapes nécessaires que requiert la création d’un projet artistique, mouvement permanent oscillant entre la projection initiale de l’artiste et le projet en devenir, matière polymorphe et versatile. Miroir de cette genèse continue, le film finit par lui-même devenir objet de son propos.

Yoann Lelong, né en 1985. Après avoir étudié la physique quantique au cours de son cursus universitaire, Yoann Lelong s’est progressivement tourné vers la création artistique en se formant au California Institute of Arts et en collaborant avec le pionnier du mouvement No wave New Yorkais, Amos Poe. Le travail de Yoann Lelong émerge d’une vision du monde où tous les éléments sont reliés et interagissent entre eux. Chaque élément est, pour lui, une abstraction issue d’une totalité de mouvement fluide (telle la notion d’holomouvement). Il adopte ainsi une approche centrée sur l’individu pour ensuite en dégager une structure systémique en s’intéressant aux interactions qu’un individu peut avoir avec un lieu, une ambiance ou d’autres personnes. En 2013, encouragé par Alain Cavalier, Yoann Lelong réalise le film PERSON(A). Il s’agit de 23 portraits entrelacés (dont ceux de Benoit Forgeard, Amos Poe et Lola Bessis). En 2014, il rejoint l’expédition Tara Méditerranée, dans le cadre d’une résidence artistique qui donnera lieu à l’installation vidéo PerceptConcept. En 2015, Yoann Lelong a réalisé des projets sur le thème de la transidentité et de l’insertion des personnes réfugiées en collaboration avec l’association Singa. En 2017, il prépare une nouvelle œuvre en relation avec le centre de pédopsychiatrie de l’hôpital La Pitié Salpêtrière.

Somehow Continue is a document of an unprecedented and fleeting moment in time set in a piece of urban wilderness located in the cultural heart of Montreal’s Mile End. A cinematic capsule shot on 16 mm that is an ode to instability and collective resiliency.

Karl Lemieux is a filmmaker, who's work is inspired by the dialogue that occurs between film, music and sound art. At the heart of his practice, also including narrative filmmaking, the importance of the cinematographic apparatus and the attachment to celluloid are essential. His films, installations, and performances have screened internationally in museums, galleries, music venues and film festivals including: the Montreal Contemporary Arts Museum, the MOMA - Museum of Modern Art in San Francisco, the Austrian Film Museum in Vienna and the Eye Filmmuseum in Amsterdam. He is known for his collaboration with Godspeed You! Black Emperor, a Montreal music collective for which he does live 16mm film projections since 2010. He is also the co-founder of Double Négatif, a Montreal-based collective, dedicated to the production and dissemination of experimental films. His first feature, Maudite Poutine (2016), premiered in the Orizzonti competition of the 73rd Venice International Film Festival presented by the Venice Biennale.