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Christian de Portzamparc est né à Casablanca (Maroc) en 1944. La ville est d`emblée le sujet majeur de son travail. Dès 1975-1979, il applique au quartier des Hautes-Formes, à Paris, son concept d`îlot ouvert sur la rue. Il interviendra avec la même démarche à Marseille, Nantes et Montpellier. Il est aussi l`auteur d`une série d`ouvrages consacrés à l`art : Conservatoire de musique Erik Satie (Paris, 1981-1983), Ecole de Danse de l`Opéra de Paris, à Nanterre (1983-1988), Cité de la Musique (1990-1995). La complexité de ce dernier programme le conduira d`ailleurs à organiser l`espace comme un fragment de ville. A partir des années 1990, sa carrière s`internationalise, avec la tour Bandaï à Tokyo en 1994 et la tour LVMH à New York en 1995. Dernièrement, l`architecte s`est vu confier la réalisation du Philharmonique du Luxembourg, et celle de l`ambassade de France à Berlin. Tandis que l`extension du cinéma Pathé Tushinski à Amsterdam (Pays-Bas) est en phase d`étude.

Decision Pending is an alienating observation of politicians stuck in the daily routines of decision making. During committee meetings and plenary sessions everyone seems under the spell of difficult decisions that have to be made. Decision Pending is a non-political film about politics, which unfolds itself as an audiovisual symphony.

Tomas Hendriks (°1985) studied Composition at the Royal Conservatory in The Hague (NL) and Film / Audiovisual Art at KASK School of Arts in Ghent (BE). His compositions have been performed and awarded throughout the Netherlands and Belgium. His films are characterized by a strong sense for composition and focus on the experience of image and sound. They can be best described as moods, shaped or stretched out over a course of time. Consequentially, the unspoken and unexplained are prominent. In 2009, his graduation film Strangers (15min) was screened and awarded at several film festivals. For Decision Pending, his first independent film, he also wrote the music, which is performed by Spectra Ensemble.

`Strangers` shows someone after a disturbing discovery. The shock of this moment disrupts his perception. The film takes you into his experience of a world losing its coherence

Since his early childhood, Tomas has been occupied with composing music. He studied composition with Roderik de Man from ?99 till ?03, at the Royal Conservatory The Hague. During this period, he was awarded in several national youth composition competitions (such as the ?Prinses Christina Concours, 2000?). His works have had professional performances, varying from solo pieces to orchestral scores, by ensembles such as the Nieuw Ensemble (Metempsychose 1999), the Netherlands Wind Ensemble (Acres Diver 1999, Petit Histoire 2001), the Radio Chamber Orchestra directed by Peter Eötvös (Qwerty 2003), and recently the young Belgian Ensemble Nadar (Monologue 2009). Tomas? interest in film rose over the years and after graduating high school, he decided to study film. He studied Film and Television at the University of Amsterdam for one year (2003-2004), worked on several film sets in Amsterdam for another year (2004-2005), and then moved to Belgium to study Film at the Royal Academy of Fine Arts in Ghent (2005-2009). Through the years, Tomas? musical background has always been a great influence on his work as a filmmaker. Strangers is Tomas? master graduation film for the Academy.

The video-installation The tape recorded surprise; Interview with I.J. starts from the intriguing life of South African poet Ingrid Jonker (1933/1965). Jonker became politically engaged in the fifties when she vehemently opposed a law imposing censorship on publications and entertainment. Her work was published in Drum, a clandestine ‘black’ magazine and rewarded South Africa’s most prestigious literature prize, but she was forgotten after her suicide in 1965. After the fall of the Apartheid-regime in 1990 Jonker became a figure of mythical proportions. Since then, Jonker’s texts and mediated identities are assumed, transformed into symbols then imbued with various meanings by interested parties. Actresses, biographers, admirers and politicians piece together Jonker’s story, growing it into something ghost- like – unfixed yet omnipresent. In the videowork two actresses are presented to us. Nicola Hanekom, recently played Jonker in a theatre-play. Grethe Fox, an older actress, knew Jonker when she was a child, and always wanted to play her. Paul Hendrikse worked with them and carried out various interviews. Subsequently he swapped the positions. Both actresses had to work together and try to close their respective gaps on both sides, each coaching the other on how to depict her falsified relationship to the iconic poet.

Paul Hendrikse est un artiste plasticien qui vit et travaille à Anvers et Berlin. Dans son travail, il explore les intersections entre l`histoire et la fiction. En quête d`une appréhension alternative d`événements historiques, il laisse de côté la grande Histoire pour s`intéresser aux micro-histoires individuelles, niant ainsi la possibilité de présenter l`Histoire d`une manière unique et autoritaire. Ses projets - souvent des performances ou des œuvres à caractère de performance -sont surtout le résultat de longs et sérieux travaux de recherche. Ils prennent forme dans divers médias, comme les publications, installations, œuvres audiovisuelles, et performances. Ces dernières années, son travail a été présenté entre autres au S.M.A.K. et au Kunsthalle Basel, à Onomatopee et à la Biennale Contour 2013. En 2011, il a remporté le Prix Langui de la Jeune Peinture Belge. paulhendrikse.net.

The film essay "From the West" opens with a child’s question of what ‘the West’ means beyond the cardinal direction, then goes on to retrace how ‘the West,’ as a model of society, inscribed itself in the Federal Republic of Germany’s postwar history and architecture. Long panning shots through unidentified West German cities alternate with interior footage of a house being cleared out. Long drives ‘ down highways, through suburbs and industrial zones ‘ traverse urban sprawl and car-friendly cities to the rhythm of abstract, mellow music inspired by evening news theme tunes. In the film’s searching movements, the narrator shifts among reflections on modern architecture and property relations, detailed scenes from childhood, and a passed-down memory of a ‘hemmed-in West Germany,’ recalling the years of her parents’ membership in a 1970s communist splinter group. Over and over, the rallying point is the single-family home ‘ which Konrad Adenauer and his contemporaries once touted as a bastion against the East and which Engels, much earlier, had decried as a tool for quashing rebellion. For all its deconstruction, West Germany also appears in the film as a site of childhood longing where everyone was ‘still tuned in to the same TV show.’

Juliane Henrich was born in 1983. She studied writing in Leipzig and media-art at the University of the Arts Berlin and the Bezalel Academy of Arts and Design in Jerusalem with Heinz Emigholz and Avi Mograbi. Her work has been shown at international film-festivals and exhibitions, among them: Forum Expanded/Berlin Film Festival (Berlinale) at Arsenal Cinema and Berlinische Galerie, HKW Berlin, International Short Film Festival Oberhausen, Duisburg Documentary Film Week, ZKM Karlsruhe, Visions du Reél/Nyon, The Images Festival/Toronto, DEAF-Biennale Rotterdam, Les Rencontres Internationales/Paris, Kav 16 Gallery/Tel Aviv, Hong-Gah Museum/Taipeh, and in different Goethe-Institutes. Her films are part of Arsenal disbribution (Institute for film and video-art).

A woman arrives in a Polish village. As the director’s alter ego, she embarks on a search. An ancestor, we learn, originally came from this region of Silesia. The film follows her journey through the summertime landscape. She meets people of both German and Polish descent, who, after the war’s end, were forced to leave their homes, or who remained in what became a new country. She encounters shadows of the past: monuments, dioramas, the ruins of Nazi architecture. In a dinosaur park, paleontologists dig for the bones of a prehistoric creature, the one they call the grandfather of dinosaurs. Again and again, there is the presence of water—in the floods that swept fossils from one place to another and in fear-inflected metaphors: waves of Slavs or refugees. Where do the monsters of the past lurk? Fact and fiction interweave into a fantastic tapestry, as the process of genealogical research begins to go off course. Layer by layer, traces of migration routes are uncovered, and the roots of racial ideology are shaken loose from the ground— because almost nothing originally comes from the place where it’s found.

Juliane Henrich studied writing, art and film in Leipzig, Berlin, and Jerusalem with Thomas Arslan, Heinz Emigholz, and Avi Mograbi among others. In 2012, she graduated with honors from the University of the Arts Berlin. Her work often deals with the ways in which the definitions of places change. Her films and video installations have been shown at international film festivals and art exhibitions, including the Berlinale, the International Short Film Festival Oberhausen, Duisburg Documentary Film Week, DOK Leipzig, ZKM Karlsruhe, Visions du Réel in Nyon, the Images Festival in Toronto, and at various Goethe Institutes. The Goethe Institute Buenos Aires and DocBuenosAires featured her work in a mono­graphic show. In 2018, she was an artist in residence at Villa Aurora, Los Angeles. Her films are distributed by Arsenal – Institute for Film and Video Art, Berlin.

A detailed study of the architecture in a small German village slowly reveals an uncanny sense of displacement, erasure and doubling. New houses line freshly paved streets that all have the suffix  '-neu' at the end. This journey ends on the outskirts of the village, opening onto the pit mine that will displace the old village.

Juliane Henrich, born 1983, studied at the University of the Arts Berlin with Heinz Emigholz and Thomas Arslan and at the Bezalel Academy of Arts and Design Jerusalem with Avi Mograbi and Efrat Shalem. All films are represented by Arsenal Disbribution (Arsenal – Institute for film and videoart e.V.) Her work has been shown at Berlinale/Forum Expanded, Berlinische Galerie, International Short Film Festival Oberhausen, The Images Festival and ZKM Karlsruhe among others.

Dans la vidéo SATELLITE, Nelson Henricks combine de la pellicule trouvée et des rythmes technos pour questionner la perpétuelle obsession de la société occidentale à l`égard de la science, de la technologie et du futur. En juxtaposant des images qui proviennent de vieux films éducatifs avec des aphorismes absurdes, Henricks offre un commentaire divertissant, drôle et provocateur de notre besoin de donner un sens à tout, à n`importe quel prix.

Nelson Henricks est né à Bow Island, Alberta et est diplômé du Alberta College of Art (1986). En 1991, il s`est installé à Montréal où il a obtenu un baccalauréat en cinéma de l`Université Concordia (1994). Henricks vit et travaille à Montréal, où il enseigne à l`Université Concordia (1995-2004) et à l`Université McGill (2001-2003). Musicien, écrivain, conservateur et artiste, Henricks est mieux connu pour ses vidéos, qui ont été présentés à travers le monde. Ses oeuvres ont été récemment présentées au MoMA, New York, dans la cadre de la série VIDEO VIEWPOINTS. Ses textes ont été publié dans les revues FUSE, PUBLIC et COIL, et dans les anthologies SO, TO SPEAK (Éditions Artexte, 1999) et LUX (YYZ Press, 2000). Henricks a coédité une anthologie de scénarios d`artistes intitulée BY THE SKIN OF THEIR TONGUES (YYZ Press, 1997) avec Steve Reinke. En 2002, Henricks a remporté le Prix Bell Canada d`art vidéographique (2002). Il vient de terminer une nouvelle bande : SATELLITE (2004).

Nuit. La lune est une pierre. Les oreilles sont bouchées. Une chaise équilibre sur le toit d’une maison. Une boîte argentée se compose d’elle-même : un instrument mystérieux. Une bille roule dans la tête de quelqu’un. Deux pierres tournent. Est-il possible d'arrêter l'esprit ?

Henricks est diplômé du Alberta College of Art and Design. En 1991, il s'est installé à Montréal où il a obtenu un baccalauréat en cinéma de l'Université Concordia. Henricks a récemment terminé un doctorat à l’Université du Québec à Montréal. Henricks a enseigné en histoire de l’art et en arts visuels à l'Université McGill, à l’UQAM et à l’Université de Montréal. Il est présentement chargé de cours à l'Université Concordia. Artiste et commissaire, Henricks est mieux connu pour ses vidéogrammes et ses installations vidéo, qui ont été présentés à travers le monde, notamment au MoMA (New York), dans le cadre de la série Video Viewpoints. Il a été récipiendaire du Prix Bell Canada d’art vidéographique en 2002, a reçu le Prix Giverny Capital en 2015, et le Prix Louis-Comtois en 2023. Une exposition de son travail a été présentée au Musée d’art contemporain de Montréal in 2023. Ses oeuvres sont dans la collection du Musée des beaux-arts du Canada, du MoMAr (New York), du Musée des beaux-art de Montréal, du Musée national des beaux-arts du Québec, le Musée d’art contemporain de Montreal, entre autres. Il est représenté par la galerie Paul Petro Contemporary Art.

Ni remake ni détournement, cette version de King Kong permet tout simplement de regarder en superposition trois versions du film hollywoodien (1933, 1976 et 2005). ?uvre mythique, King Kong est avant tout un film sur le cinéma et pour le cinéma. Le résultat de cette addition mathématique produit un film troublant à l?image noircie parfois illisible, dont l?opacité fait veritablement « écran », un écran sur lequel peuvent se progetter tous les fantasmes. De cette jungle d?images sombres ne se détachent plus que les deux figures principales du film : le gorille et le personnage féminin. King Kong émerge de cette obscurité et résiste au brouillage visuel. Ainsi le film pourrait donner raison à Théodore Adorno : la répétition d`une oeuvre en modifie sa constitution et finit par l`altérer. Pourtant King kong émerge de l`obscurité et résiste à l`anéantissement, il demeure une figure à laquelle le spectateur refuse de cesser de croire. Peut être est ce parce qu`a travers le destin de ce personnage monumentale c`est le basculement du rapport de l`homme à son environnement qui se rejoue tous les quinze ans depuis 1933 ? King Kong revient sans cesse, comme une peur souterraine : celle d`un état sauvage terrifiant mais surtout peur de ce que devient ce nouveau monde "civilisé " qui le remplace, celui du music hall et des avions mitrailleurs. Courtesy galerie kamel Mennour, oeuvre produite avec le soutien du groupe Première heure.

Le travail de Camille Henrot interroge la création et a pour champs d`action les arts qui, tel le cinéma, la musique ou l`architecture, existent à la fois comme industrie et artisanat. Camille Henrot explore dans ces domaines les possibilités de glissement et de fertilisation réciproques. Elle pratique un recyclage des produits culturels par addition, soustraction ou division afin d`en faire ressortir le caractère essentiel (King Kong Addition présenté au Palais de Tokyo, Karaoké Chorale lors de la nuit blanche 2007, ou The Minimum of Life au CIC Genève). Cette approche horizontale s`appuie aussi sur les rencontres, comme celle l`architecte de Yona Friedman, évoquée dans le projet Le Nouveau Monde ( jusqu`au 11 mai au Musée des Beaux arts de Bordeaux, exposition produite avec les collections saint cyprien/ galerie kamel mennour ).

sCOpe est un film serpent. La bande son y est un long sifflement. C?est un film un peu sadique qui désire en « enlever plein la vue » (en référence au slogan « Gimme more ! » vantant l?intérêt du format CinémaScope.) Le film original est un péplum essentiellement composé de plans larges avec de nombreux figurants. L?image sur la bande du film se comprime lentement sur les bords latéraux, elle est de plus en plus allongée, elle se rétrécit par les côtés jusqu?à n?être plus qu?un ruban. La particularité du format Scope est de permettre de donner de plus grandes images à voir au spectateur car l?image est inhabituellement élargie. Cette avancée technique va de pair avec l?installation du son Dolby : le spectateur est alors réellement au c?ur du film, enveloppé par l?image et le son. Dans mon film, cet enveloppement prendra la forme d?un enfermement. Les grandes images sollicitent davantage la vision A.O (pour Action Oriented), la plus primitive, vision dite « de surveillance du territoire » alors que la vision sémantique, vision P.O (Perception Oriented), est centrée. Le procédé CinémaScope, avec l?emphase un peu démodée de ses deux majuscules, m?intéresse parce qu?il affirme la suprématie du fait spectacle sur le contenu du spectacle lui-même.

Née en 1978. Vit et travaille à Paris. Formée a l?Ecole des Arts Decoratifs de Paris, Camille Henrot a été révélée par l?exposition «J?en rêve» à la fondation Cartier puis par sa première exposition personnelle, «Room Movies», à la galerie Dominique Fiat et par «l?Atelier du Jeu de Paume» qu? elle a inauguré en novembre 2005. Le travail de Camille Henrot procède par soustraction et par effacement, ainsi se crée une sorte de «nostalgie des possibles» : non pas une nostalgie de ce qui a été, mais une nostalgie de ce qui aurait pû être. C?est en tant que machine à faire revivre un passé hypothétique, fictif, que le cinéma est l?un des champs privilégié de son travail. Alors que le cinéma traditionnel tend à faire disparaître ses dispositifs pour absorber le spectateur, Camille Henrot fait réapparaître la matière même du film: la pellicule. Elle propose ainsi au spectateur un aller-retour permanent entre la fiction et le réel, ou plutôt entre le désir de fiction et la conscience des procédés cinématographiques qui la rendent possible. Considérant les films comme objets de mémoire, la série Room Movies met ainsi en scène une disparition de l?image, par compression, masquage ou grattage. En négatif, se révèle alors les contours d?une absence sous la forme d?une flamme vacillante, comme un fantôme qui viendrait hanter la psyché amnésique des images. La fiction originale devient un écran sur lequel l?artiste inscrit son propre univers émotionnel.

En 1926, à Oklaoma, un jeun garçon de seize ans saute dans un train pour la Californie, commençant alors une odyssée de dix ans ponctuée d'expériences qui vont changer sa vie. Ce n'est qu'à la veille de sa mort qu'il décide de révéler ses histoires de la Grande Dépression, en faisant un enregistrement pour la postérité. Soixante-quinze ans après ce premier voyage en train, son petit-fils ressort ces enregistrements, et, muni d'une caméra 16mm, part à la recherche d'échos dans le paysage moderne. "Last Thoughts" est un voyage impressionniste à travers l'Ouest américain, d'hier et d'aujourd'hui, guidé par la voix d'un vagabond en fin de vie.

Kevin Henry a grandi à Austin, au Texas, avant de s'installer dans les environs de San Fransisco. Malgré un diplôme en informatique et un emploi d'ingénieur informaticien, il a consacré beaucoup de son temps au voyage, à la musique et à l'art. Après avoir écouté les histoires enregistrées par son grand-père, il a décidé de se tourner vers la réalisation de films. "Last Thoughts" est son premier film.

"Sublime" est un texte écrit en 2018 par la plasticienne Margaux Henry-Thieullent. Elle a ensuite donné carte blanche à la musicienne Molpé en 2019 pour la création musicale. En 2020, "Sublime", devient un projet a vocation immersive et expérimentale. À partir d'un travail de sculpture digitale sur iPhone, Margaux Henry-Thieullent réalise une série intitulée "Encore des Morceaux" de quatre vidéos, toutes produites au début de la période de confinement en France. "Sublime", est la première vidéo de cette série. Elle questionne la construction de notre mémoire contemporaine laissant place à l’émergence de récits organiques. Dans le projet "Sublime", on assiste directement à l'éclatement de la caverne digitale. Notre société du spectacle navigue violemment au cœur de lieux oniriques, des théâtres virtuels où se désacralise le réel. D’autres perceptions du dehors se dessinent alors, certainement par nécessité, à la frontière d’un nouveau langage : celui qui nous rassemble encore.

Margaux Henry-Thieullent, est une artiste plasticienne française. Architecte, diplômée de Paris Malaquais en 2019, elle montre pour la première fois son travail de dessin la même année au salon DDessin à Paris (France) ainsi qu'au Festival Vrrraiment à Toulon (France). En octobre 2020, la Galerie 5un7 à Bordeaux (France) présente son travail. Dès la réouverture des lieux de culture, Margaux Henry-Thieullent participera à l'exposition collective, "Vaste Monde #2" organisée par la Villa Beatrix Enea, Centre d'Art Contemporain d'Anglet (France). Elle travaille actuellement sur son premier solo show pour 2021, qui sera présenté à la Cité des Arts de Bayonne (France).

Trouvaille. Une silhouette de fille dans des images d'archive de la Croix Rouge. Se tisse un voyage sensoriel vers elle, spéculation d'un désir d'échapper au vent, au monde désert, d’échapper au temps stagnant et de se découvrir femme.

Linn Nora Henz est née en 1997 à Zurich. Elle intègre l'Université de Zurich (Suisse) en lettres, puis l’ECAL - École cantonale d’art de Lausanne (Suisse) pour une année préparatoire. Elle poursuit ses études à la HEAD - Haute école d'art et de design de Genève (Suisse), au Département Cinéma avec une spécialisation en montage. En outre, elle collabore à des recherches curatoriales et multidisciplinaires.

A freighter crosses the ocean. The hypnotic rhythm of its pace reveals the continuous movement of the machinery devouring its workers: the old sailors’ gestures disappearing under the mechanical and impersonal pulse of the 21st century. Perhaps it is a boat adrift, or maybe just the last example of an endangered species with engines still running, unstoppable.

Born in Barcelona in 1976, Mauro Herce graduated in engineering and fine arts before enrolling in film school at the Escuela Internacional de Cine y TV in San Antonio de los Baños (Cuba) and the École nationale supérieure Louis-Lumière in Paris. He started his career as a director of photography and screenwriter on such films as Ocaso (2010), Arraianos (2012), A puerta fria (2012), El quinto evangelio de Gaspar Hauser (2013) and Slimane (2013). Dead Slow Ahead (2015) is his first feature film as a director.

la création des Cahiers du Cinéma espanols représente un événement de première importance dans le milieu de la critique et de la théorie cinématographiques en Espagne. Cette revue suit délibérément la trajectoire historique de son "grand frère" français (dont elle ne tire pas seulement son nom, mais également sa philosophie et sa ligne éditoriale actuelle), mais s'appuie également sur un héritage construit sur l'itinéraire de certaines des plus importantes revues de cinéma ayant existé en Espagne. Cet héritage nous oblige à nous remettre constamment en question, avec Serge Daney à "Comment arriver à une image", et il nous fait comprendre que l'exercice de la critique cinématographique doit être repensé, face à tous les défis que nous propose l'univers audio-visuel de nos jours. Face à l'uniformisation croissante du discours cinématographique qui prévaut de nos jours, face à la tentation de s'installer en marge de la réalité et d'accepter passivement cette réalité que l'on nous impose, les pages de ce magazine prennent vie dans le but de toujours rechercher une pensée critique et réfléchie, une échelle de valeurs qui puisse donner de la liberté et ouvrir des horizons.

Carlos F. Heredero, né à Madrid en 1953, est historien et critique de cinéma. Professeur d'histoire du cinéma espagnol à l'ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) ainsi qu'à l'ESCAC (Escuela de Cine de Barcelona). Il est également l'auteur de nombreux essais, études historiographiques et monographies sur divers auteurs (Wong Kar-wai, Aki Kaurismäki, John Huston, Sam Peckinpah, Joseph L. Mankiewicz, José Luis Borau, Manuel Gutiérrez Aragón, etc...). En 1995, il recoit le Prix Cinématographique Sant Jordi pour les livres "le langage la lumière" ("El lenguaje de la luz"), un recueil d'entrevues avec des directeurs de la photographie du cinéma espagnol et "les traces du temps. Cinéma espagnol 1951-1961 " ("Las huellas del tiempo. Cine español 1951-1961"). Il écrit une série de quatre documentaires produits par Canal Plus et réalisés par Carlos Rodrìguez : Traces d'un esprit (1998), Alfred Hitchcock : la fiction sans limite (1999), Orson Welles au pays de Don Quichotte (2000), et Huston et Joyce. Dialogues avec la mort (2001). Il a dirigé le catalogue national espagnol des publications cinématographiques spécialisées (la base de données REC) et a préparé, avec Antonio Santamarina, la bibliothèque du cinéma espagnol, un catalogue rassemblant les sources littéraires (espagnoles, latino-americaines et étrangères) du cinéma espagnol. Actuellement (2003/2007), il co-dirige, avec Eduardo Rodríguezet Ivan Giroud, le Dictionnaire du cinéma espagnol et latino-américain en sept volumes , préparé par la Fondation Auteur (SGAE) et dirige, depuis mai 2007, l'édition espagnole des Cahiers du cinéma.

Sophie est seule. Elle partage sa vie entre des petits boulots et son déménagement. Pour combler ce vide, Sophie sculpte son corps.

Aux abords du village de Cumanayagua à Cuba, Feguenson, un jeune cinéaste haïtien rencontre Armando Abril, un adepte du culte afro-cubain « Palo Monte ». Vivant seul, Armando offre son service comme “Transporteur” aux personnes qui souhaitent communiquer avec les morts, les esprits. Puis un jour, Feguenson sollicite l’aide d’Armando afin de communiquer avec son grandpère maternel Dolciné Jean, ancien prête vodou, décédé il y a 11 ans. Le film met en scène cette rencontre et la complicité entre un homme riche d’expérience, de connaissances supposées occultes et un jeune ingénu, à travers un voyage dans l’univers « Palo Monte », très proche du vodou haïtien, où la frontière entre le réel et l’imaginaire se fusionne.

Feguenson Hermogène a étudié la sociologie à l'Université d'État d'Haïti. Après plusieurs ateliers de réalisation et de production à la Fondation Connaissance et Liberté (Fokal) à Port-au-Prince, il réalise son premier documentaire "La déchirure" en 2016. Ce court métrage a été sélectionné dans des festivals en France, au Canada, et a remporté une mention honorable au Festival Internacional De Cortometrajes Libélula Dorada en République dominicaine. Il a travaillé comme assistant de production sur des longs métrages tels que "Zombi Child" du réalisateur Bertrand Bonello et "Kidnapping INC’’ de Bruno Mourral. Et en tant que réalisateur de reportages audiovisuels pour le journal Ayibopost. En 2022, Feguenson a réalisé le court métrage documentaire "Cuando llegue la noche" qui a remporté le prix du meilleur court métrage documentaire à la 31e édition du Festival Cine Plaza à Cuba, et le prix du meilleur court métrage étranger lors de la "Mostra de Audiovisual Universitário e Independente da América Latina (22e MAUAL)" au Brésil. En juillet 2024, Feguenson a été gradué en réalisation documentaire à l’EICTV (Escuela Internationale de Cine y Television de Cuba).

A Bauta, un groupe de danseurs.ses professionnels.les revisitent l’histoire de la communauté afro-cubaine à travers la figure mythique de Legba, le gardien des routes, l’esprit médiateur entre le monde des humains et celui des dieux. Originaire du royaume Dahomey, Legba qui a traversé L’Atlantique au même moment que les captifs africains réduits en esclavage dans les champs de cannes à sucre en Amérique, va guider ces corps-machines, ces corps racisés, déshumanisés, dépaysés vers l’émancipation tout en renversant le narratif chrétien.

Né en Haïti en novembre 1988, Feguenson Hermogène a étudié la sociologie à l'Université d'État d'Haïti. Après avoir participé à plusieurs ateliers de réalisation et de production de documentaires à la Fondation Connaissance et Liberté (FOCAL Haïti), il a réalisé son premier documentaire « La déchirure » en 2016. Ce film, sélectionné dans plusieurs festivals internationaux, a reçu une mention honorable au « Festival Internacional De Cortometrajes Libélula Dorada de La República Dominicana ». En 2022, il a réalisé le court métrage « Cuando llegue la noche », qui a remporté le prix du meilleur court métrage au festival « Cine Plaza de Cuba, 2023 » et celui du meilleur court métrage étranger au festival « Mostra de Audiovisual Universitário e Independente da América Latina (22ª MAUAL) », au Brésil, en 2023. En 2023, il a également réalisé les courts métrages « La sombra de la ceiba » et « En mil pedazos » (Fragmented). Feguenson a travaillé sur plusieurs longs métrages en tant qu'assistant de production, notamment « Zombie Child » du réalisateur français Bertrand Bonelo et « Kidnapping Inc » du réalisateur haïtien Bruno Mourral. Avant de rejoindre la section documentaire de l'EICVT (Escuela Internacional de Cinema y Television de Cuba) en 2021, il a travaillé pour le journal haïtien Ayibopost. Cette expérience lui a permis de produire plusieurs reportages audiovisuels.

After opening a shoebox, Diego begins to feel severe fatigue that prevents him from performing everyday activities and leaves him bedridden. At the same time, his friend Liz suffers from a mysterious insomnia while working on a stage production.

Tijuana, 1997. Gaduated from the Faculty of Humanities at UABC. His work blends documentary, experimental, and autofictional methodologies through the record of his daily life. In his films he humorously addresses themes such as modes of protest, working conditions, student identity, the construction of emotional ties and the collective memory; challenging the dominant narratives around violence in Tijuana. His films have been awarded at FICUNAM, FIDMarseille, Ji.hlava, MIDBO, ZINEBI and FICENS. They have also been featured at Mar del Plata, FICValdivia, Ji.hlava, Márgenes, Black Canvas, Cámara Lúcida, Bogoshorts, FICMonterrey, Corriente – Latin American Non Fiction Forum, and the International Forum of Mexican Cinematheque. His work has been the subject of retrospectives at the EUREKA University Film Festival (2022, Bogotá) and at Spectacle Theater (2025, New York). His film Un techo sin cielo (2025) won the Silver Puma Prize for Best Mexican Film and a Special Metion of the Fosforo Jury in FICUNAM 15. Prince Claus Fund - Seed Award 2025 recipient (Netherlands).

L’autodrome de Terramar, est un circuit abandonné de type ovale ouvert en 1923. Situé dans la ville de Sitges dans la province de Barcelone. Il reste inutilisé depuis les années 50. Le circuit a une longueur d’environ 2 km et sa piste est remarquable de par ses rampes à 90 degrés. Déambuler dans un monument de la modernité qui appartient au passé est en quelque sorte un paradoxe temporel. C’est une faille dans laquelle le projet Terramar se développe et trouve son étrangeté. Ce portrait du lieu est une tentative de représentation de l’espace et de son épuisement grâce à un relevé poétique, filmique, sonore et sculptural de son architecture.

Après deux ans en résidence, dans le cadre d’un programme de recherche, à la Villa Arson à Nice, Ibai Hernandorena vit et travaille à Paris aujourd’hui. En 2000, il a obtenu son DNSEP à l’école nationale d’arts de Paris-Cergy. Le déplacement est un mécanisme qui consiste à passer d’un point A à un point B, d’un état à un autre. Qu’il s’agisse de voyage, de rêverie ou de construction, le mouvement est en jeu. Il s’amorce dans un désir de changement provoquant une nouvelle situation. Convoquant différents médiums (vidéo, installation, photographie, sculpture), Ibai Hernandorena modifie sensiblement la nature des choses et des espaces, leur conférant un caractère illusoire. On ne sait plus s’il s’agit de réalités montrées comme des fictions, des fictions empruntes de réalités ou encore de situations totalement chimériques. Il crée de facto des espaces autres où cohabitent plusieurs temporalités parfois incompatibles dans le réel.