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Elke Marhöfer
Catalogue : 2015prendas - ngangas - enquisos - machines {each part welcomes the other without saying} | Doc. expérimental | 16mm | couleur | 25:50 | Allemagne, Cuba | 2014
Elke MarhÖfer
prendas - ngangas - enquisos - machines {each part welcomes the other without saying}
Doc. expérimental | 16mm | couleur | 25:50 | Allemagne, Cuba | 2014
A film shot in Cuba. Not an anthropological film, nor a narrative documentary or a film essay, but certainly a film concerned with foreignness and difference. Mostly shot in the hilly communes of Yateras, searching for long disappeared clandestine settlements, so-called palenque, where African slaves, Taínos and Chinese forced laborers, freed themselves from colonial violence, the film narrates a sense of place, which is real and imaginary at the same time. It questions, if it possible to communicate something of the soul of a place, steeped in histories of revolution and dissidence, without relying on didacticism or storytelling, without taking recourse on hierarchical distinctions between the ordinary and the extraordinary, the animate and the inanimate, the macro and the micro? Wondering what heritage (colonial) anthropology leaves behind, or rather, if it is possible to escape from the systems of signification that constitute foreignness, without getting detached from the palpable realities of the world? What if there was a way to approach the foreign by relying on the affects of the world that pass through us, giving way to perceptive cartographies, mapping out nameless intensities and collective sensitivities, leaving space for the non-human, including vegetables and animals that colonized the New Land? In this film, Cuba does not appear as an “outside” to a “Western” inside, but as a sensible texture without anchor or vanishing point, where humans are a part of the composition rather than the principal element.
Elke Marhöfer, born in the year of the goat in Baracoa/Cuba, studied Fine Art at the University of the Arts in Berlin, at the School of the Art Institute of Chicago and at the Whitney Independent Study Program in New York City. Via the potentialities of moving image and suppositious writing Marhöfer works with notions of self-admitted foreignness, radical othering, heterogeneous perceptions of time, the ahistorical and disorientations of narratives. She revises notions of animal, vegetal and object relations. Since 2010 she pursues a PhD at the University of Gothenburg. Projects have received fellowships, grants, and generous support from Courtisane Festival Ghent, Images Film Festival Toronto, IASPIS Residency, Whitney Independent Study Program, Cité des Art International Paris. Art exhibitions include the Manufactura`s Studio Wuhan, FCAC Shanghai, the Houston Museum of Fine Arts, Museum für Gegenwartskunst Siegen and The Showroom, London.
Radwan Mariam, Mariam RADWAN
Catalogue : 2017Untitled | Animation | hdv | couleur et n&b | 2:21 | France, Egypte | 2015
Radwan Mariam, Mariam RADWAN
Untitled
Animation | hdv | couleur et n&b | 2:21 | France, Egypte | 2015
Le changement est perpétuel. Si nous le souhaitons, nous pouvons danser au son du vacarme de métro, la vie est pleine de désagréments et de transformations.
Mariam born and lives in Cairo, 17 July 1989. Graduated from College of Art Education, Pre-masters degree, Sculpture Department. Active member of the Syndicate of Plastic Arts .and the Syndicate of teachers. Participated in the Competition Rencontres de l’Image - Edition 12 - Institut Français d’Egypte. The competition of Youth Salon The 25th and 22nd Sessions. Participated in Collective Exhibition like Log in Art Exhibition - Darb 1718 Contemporary Art and Culture Center.(2016) Exhibition of the 9th Experimental Art Workshop for Media Art, College of Art Education. Exhibition for stone sculpture titled "Abstract" 2015, "Power" 2014. Also Participated in International Symposiums like, Aswan International Sculpture Symposium - Round 20. Soundpainting workshop with the Musician François Jeanneau, Institut Français d’Egypte.(2016)
Cedric Maridet
Catalogue : 2007_habitus | Création sonore | 0 | | 30:0 | France, Hong Kong | 2006
Cedric Maridet
_habitus
Création sonore | 0 | | 30:0 | France, Hong Kong | 2006
_habitus est une oeuvre acousmatique basée sur un système d'improvisation créé pour une performance en temps réel à Honk-Kong. Deux micros furent installés de manière à enregistrer les sons provenant du patio de la galerie Habitus qui fait face à des autoroutes, tramways le port Victoria et qui est proche d'un héliport. Ces sons constituent l'unique source de cette oeuvre qui explore les variations dans un environnement improvisé. Dans l'ensemble de la création, la dimension temps réel de la performance est conservé, le son subissant des transformations sans interrompre le continuum sonore. Le montage créé pour la performance et sa source sonore particulière ont servi à composer une nouvelle oeuvre acousmatique qui ne se focalise plus sur la perception simultanée de son réel et distordue dans un espace physique. On passe de l'aspect réellement physique d'une expérimentation directe de la performance à mise en avant des sons pour eux-mêmes, ainsi que la création d'une image-son à partir des sons urbains, image-son dans laquelle on perçoit toutes les qualités de la performance. La structure globale de l'oeuvre est caractérisée par l'évolution lente de sons bruts vers des sons abstraits, pour ensuite finir avec des sons d'un environnement réel. Au sein de cette structure, on retrouve plusieurs mouvements qui explorent autant de possibilités de transformation de ces sons. Les divers événements sonores provenant du milieu original, comme par exemple des voitures, des trams et bus qui passent, perdent lentement leur modulation caractéristique par des transformations, pour devenir un matériau de création d'objets sonores divers qui évoluent au gré des modulations que le compositeur intègre. Le but de l'oeuvre est de de créer un voyage acousmatique pour les auditeurs, utilisant les changements possibles de leurdis mode d'écoute.
Né en France en 1973, il travaille et vit à Hong-Kong depuis 1999 et est actuellement doctorant en arts média à plein temps à la School of Creative Media, City University de Hong-Kong. Il fonda en juin 2004 le label de musique éléctronique monème, basé a Hong-Kong. Il a pris part à des performances et des expositions à Hong-Kong et New-York. Ses oeuvres individuelles et collectives [a.k.a symposium 4H] ont été publié dans une compilation, M001 (monème, 2004). Il a reçu le Prix d'Excellence à la Biennale d'Art 2005 de Hong-Kong pour sa vidéo Huangpu. Il a récemment sorti un nouveau CD audio, _habitus, qui est basé sur une performance en temps réel à Hong-Kong en novembre 2005. En tant qu'artiste résident du Centre d'Art Visuel de Hong-Kong, il travaille actuellement sur une installation sonore (I/O Flows) basée sur un système sonore en temps réel. Son travail se concentre sur les enregistrements sur les terrain, la construction d'espaces sonores modifiés, les intéractions entre son, vidéo et architecture.
Natalia Marin Sancho
Catalogue : 2017New Madrid | Vidéo | 4k | couleur et n&b | 9:0 | Espagne | 2016
Natalia Marin Sancho
New Madrid
Vidéo | 4k | couleur et n&b | 9:0 | Espagne | 2016
New Madrid is an essay about a failed utopia and a failed copy in the shape of a journey throughout the eight cities of Madrid in the United States. As I was putting together the project “Árboles” (about urban planning as a tool for colonisation and self-colonisation) alongside the Los Hijos collective, I found out about New Mexico's Madrid. Later I would also find seven other places named the same way located in the states of Alabama, Colorado, Iowa, Missouri, Nebraska, New York and Maine. Developed in the context of a crisis, the piece had to be limited to that American country – considering that cities named like this can be found in several regions of the globe –, given that this was the last territory which made utopia possible, and that was conceived to enable new communal experiments which led to all kinds of religious and sociological experiments.
Natalia Marín Sancho, born in Zaragoza in 1982, is a video artist and teacher. In 2008, she founded the experimental film collective Los Hijos, together with Javier Fernández Vázquez and Luis López Carrasco. “Los materiales”, her first full-length film was awarded the Jean Vigo Prize for Best Director at the Punto de Vista International Festival in 2010 and also received a Special Mention from the FIDMarseille jury. Her work has been screened at various international festivals and at exhibition spaces such as the MUSAC, Guggenheim Bilbao, Centre Pompidou, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, and Anthology Film Archive. She has also participated in group exhibitions at the Tabakalera International Centre for Contemporary Culture in San Sebastián, the PhotoEspaña and the La Casa Encendida, amongst others. As a teacher, she is currently working for the Escuela Internacional de San Antonio de Baños (Cuba), the Círculo de Bellas Artes and the ECAM (The Madrid Film School).
Marine Marine De Contes
Catalogue : 2022Silabario | Documentaire | 4k | couleur | 14:30 | France | 0
Marine Marine De Contes
Silabario
Documentaire | 4k | couleur | 14:30 | France | 0
Une île, un poème, un rêve. Disparition et réapparition d'une langue sifflée, le Silbo. Silabario raconte l'histoire et la transmission de ce patrimoine miraculé de l'île de la Gomera.
Réalisatrice et monteuse formée à l’ECAM (Ecole de Cinéma et d’Audiovisuel de Madrid), Marine de Contes travaille aussi bien en documentaire qu’en fiction et développe des projets de films et d’installations vidéo, abordant des thématiques écologiques et sociales. Membre de l’Académie des Beaux-Arts de France, résidente à la Casa de Velázquez en 2019-2020, elle y réalise le court-métrage « Silabario » en langue sifflée espagnole et y développe son projet de long-métrage. Son film précédent, « Les Proies », a été récompensé en 2018 du Prix Louis Marcorelles au Festival Cinéma du Réel Paris et d’une mention spéciale au festival Linea d’Ombra à Salerne. Il a également été diffusé dans de nombreuses salles de cinéma, centres d’arts ou festivals (Viennale, Sheffield, Lincoln Center...).
Ivan Marino
Catalogue : 2006Five pictures of a Seated Woman | Doc. expérimental | dv | couleur et n&b | 23:0 | Argentine, Espagne | 2005
Ivan Marino
Five pictures of a Seated Woman
Doc. expérimental | dv | couleur et n&b | 23:0 | Argentine, Espagne | 2005
"Ce documentaire poétique, réflection profonde sur le temps et la mort, retrace les 5 dernières années da la vie d'une femme. On peut la voir dans des situations, des scènes de tous les jours, tricotant, mangeant, dormant." Festival International de la Vidéo d'Art Electronique, Brésil. "Poderosa reflexão sobre o tempo e a morte, o documentário poético acompanha os cinco últimos anos de vida de uma mulher, com registros de situações corriqueiras, em que ela aparece tricotando, comendo, cochilando." Festival International de Arte electronica Videobrasil
Iván Marino, réalisateur vidéo et artiste multi-média, est né en Argentine en 1968. Durant son activité professionelle il a été professeur dans différentes universités: nationales et internationales. En 1977, il fut invité au Filminstitut (HDK- Hochschule der Künste, à Berlin) en tant que professeur- visiteur pour étudier la forme documentaire. De 1997 à 1998 il fut professeur en visite à l'Université de Californie à Los Angeles (Département Film et TV), où il se spécialisa dans l'Art Digital. En 1999 il reçut un prix du Centre d'Art et Design MECAMedia (Ecole Supérieure de Design, Université Ramón Llull) pour la recherche et la réalisation d'art du média. Depuis, il vit à Barcelone. Il s'occupe actuellement de plusieurs cours d'Art Electronique et de Design Digital (Université ESDI Ramón Llull). Il donne aussi des cours de Système de Design Interactif pour programme de maitrise internationale et collabore avec des professeurs de l'Université Pompeu Fabra, à Barcelone(IUA).Iván Marino a été aussi en charge de séminaires tout en assurant des cours d'éducation dans différentes universités en Argentine (Universidad Nacional 3 de Febrero, Universidad Blas Pascal),en Colombie (Universidad Nacional de Cali, Universidad de Caldas),tout comme d'autres centres académiques. Durant sa carrière professionelle, il a créée pour le cinéma, la vidéo et les moyens interactifs, tels que le Web ou l'internet en général. Son oeuvre a été présenté dans différentes manifestations internationales et a reçu des prix aux festivals d'Hannover (Festival du Film International, Allemagne,1997), BHZ Brésil (Belo Horizonte, Brésil, 1995), Videobrasil (San Pablo, Brésil, 1997), Festival du Film de Buenos Aires (Sueños Cortos, Argentine, 2003), pour n'en citer que certains. Il a reçu des financements de la part de la Fondation Rockefeller, MacArthur (Etats-Unis), Fondation Antorchas (Argentine), Goethe Institut (Berlin), et reçut un prix du ZKM (Centre pour l'Art et Média, Karlsruhe, Allemagne) ainsi que de l'Université de Californie, Los Angeles (UCLA). source: La Caixa
Franco Marinotti
Catalogue : 2007PLAY Gallery | 0 | 0 | | 0:0 | Suisse, Allemagne | 2007
Franco Marinotti
PLAY Gallery
0 | 0 | | 0:0 | Suisse, Allemagne | 2007
PLAY est une galerie et un showroom pour des projets artistiques, révélant à quel point le cinéma, la vidéo et l'art s'influencent réciproquement. Loin des distinctions classiques de genres, de nouveaux langages narratifs et visuels constituent une alternative au flot d'images et à la publicité à caractère subliminal diffusés dans les mass médias traditionnels. Le but et le principal intérêt de cette galerie résident principalement dans la transformation des modèles visuels du visiteur et du spectateur autant que des modes de perception, afin de l'inviter et de le fasciner de manière positive. Dans cette perspective, PLAY invite les artistes, les directeurs et les cameramen à présenter les idées de leur projet qui seront ensuite réalisées pour cet espace. Le savoir-faire technique, et les fondements théoriques du projet sont considérés comme aussi importants l'un que l'autre. C'est pourquoi, une emphase toute particulière est donnée à la coopération avec les universités et les académies afin d'élaborer ce type nouveau de conception durant des ateliers, avec la participation des élèves et des professeurs. Dans ce même contexte, les meilleurs "offs" provenant de festivals sont présentés sur des écrans et examinés par des spécialistes.
Franco Marionetti a fondé la société de production cinématographique et d'édition de livres d'artistes, "Fine Arts Unternehmen Ag" en 1999, à Zug, en Suisse. En 2000, il a ouvert "Artinprogress", un espace d'exposition à Berlin et en 2002 il a ouvert la "PLAY_gallery" consacrée aux images fixes et en mouvement à Berlin, pour se concentrer sur la vidéo et le cinéma. En 2003, il a lancé Fair Play, un festival annuel de vidéo et de cinéma à Berlin. En 2007, il a commencé le projet ?Mera Coincidencia?, à Lisbonne, en collaboration avec l'artiste Javier Penafiel.
Isabel María López
Catalogue : 2008The Face and The Face | Doc. expérimental | dv | couleur | 25:0 | Espagne, USA | 2005
Isabel MarÍa LÓpez
The Face and The Face
Doc. expérimental | dv | couleur | 25:0 | Espagne, USA | 2005
Glenn and Carmen, the protagonists of this documentary, are portrayals of two lives immersed in American culture. Of Hispanic origin, both of them believe they have "made it in Gringo-land". They are identities consolidated in archetypes and social superficiality: this is what each of their lives represents. The two faces of "The Face and The Face". Born in New York, Glenn Neil travels around during the day in a Hummer, a powerful vehicle used by the US Army that his company has lent to him to promote PEPCID, a stomach antacid marketed primarily to Neil's original community: the Hispanic population. In the other video, the camera follows Carmen, an Argentinean, on her habitual late-night tour of the places where she works in Manhattan. With her piano/synthesiser, she drives to restaurants and nightclubs, usually Latin, playing her repertoire of songs to make people's evenings more enjoyable.
Isabel María was born in Mérida,Spain in 1972. While finishing her degree in Fine Arts at the Universidad Complutense of Madrid, she also completed a residency in the artist Urs Lüthi's, HBK, Germany, from 2000 to 2002. The following year she received her doctorate in Image Art from the Fine Arts Department of the Universidad Complutense of Madrid, and she is currently completing her doctoral thesis on Framing methods: The camera like writing in video art. Isabel María has received the following awards and grants: First Honourable Mention in the III Photography Contest of the El Cultural supplement in the newspaper El Mundo, 2003; Finalist in Camel Arte 03, video art section, Barcelona, 2003; El Brocense Cultural Institution Prize artwork acquisition, Cáceres, 2004; First Honourable Mention in "5ª Biennialal from Vic" Barcelona, 2006-2007; artist grant from MediaLabMadrid/Conde Duque, Madrid, 2002; F.P.U. Research Grant, Ministry of Education, Culture and Sports, Madrid, 2003-2006; M.E.C., Madrid, grant for MoMA, New York, 2004; and in 2005 she received an M.E.C. grant for the Video Data Bank at the School of the Art Institute of Chicago. Recently, she was selected by Contemporary, the London art magazine, in the first Contemporary Annual 2006, as one of the 50 international emerging artists.
Esteve María Silvia
Boonstra Marjoleine
Jenny Marketou
Catalogue : 2008DE_LETE | Doc. expérimental | dv | couleur | 2:0 | Grèce, USA | 2006
Jenny Marketou
DE_LETE
Doc. expérimental | dv | couleur | 2:0 | Grèce, USA | 2006
La frontière est un lieu construit artificiellement qui se matérialise lorsque les gens le traversent. Nous sommes habitués à voir dans les médias des images violentes et agressivesde la frontière, utilisées pour manipuler l'opinion publique sur l'immigration illégale et la sécurité nationale. De Lete a été tourné sur la frontière entre Tijuana et San Diego, avec pour toile de fond le petit village de Las Playas au golf du Mexique. De Lete donne une vision alternative de la frontière. Le film est au carrefour de plusieurs genres, formel, documentaire et philosophique. La caméra capte l'activité humaine le long de la barrière en fil de fer de la frontière, anticipant le crime. A notre surprise, la frontière se matérialise seulement quand les gens de tous âges viennent des deux côtés pour s'adonner à une communication intime. Ainsi, la barrière se transforme en point de rencontre, et aucune tentative pour la traverser n'est faite. Tandis que cet acte de tous les jours se répète au ralenti, la frontière disparaît et devient soudain un lieu ambivalent à la croisée de deux cultures; un nouvel espace social aux relations discrètes. C'est un espace reculé, contrôlé par des forces invisibles.
Jenny Marketou est née à Athènes, en Grèce, et vit à Brooklyn, où elle réalise des installations vidéo, internet, des photographies et des dialogues publiques. Son travail est influencé par la musique, l'art et les nouveaux médias. Son inspiration première est liée à de nombreuses lectures, que l'on peut voir comme une culture du paysage. Son oeuvre a été montrée dans des musées et des galleries aux niveaux national et international et a reçu de nombreuses bourses et a fait de nombreuses résidences d'artistes à travers le monde. Elle possède un Master of Fine Arts du Pratt Insitute de Brooklyn et enseigne en tant que professeur adjoint la photographie et l'art interdisciplinaire à la Union School of Art and Science de New York. Elle est l'auteur d'un livre avec photographies et entretiens: "The Great Longing: The Greek Immigrants of Astoria ,Queens".
Jenny Marketou
Catalogue : 2015Flows | Vidéo | hdv | couleur | 13:17 | Grèce | 2014
Jenny Marketou
Flows
Vidéo | hdv | couleur | 13:17 | Grèce | 2014
FLOWS : Working very closely with the indigenous communities with the intention to explore the female voice as a political weapon and the dialectic that are embedded in the moving image and which can generate political action embarking from grass root groups as those of the AfroColombian Diaspora who settled in the mountains of Santa Maria near Cartagena .Their lyrics embodied in their songs are social and communal messages engage with various issues connected with identity, their struggles for preservation, drug wars, death, and in general echoing their personal encounters with their past . The protagonists by choice are all women and the narrative is ruptured by the intervention of a male cello player whose face is never revealed as well as by incorporating pixilated clips appropriated from the archival excess of you tube and video. Both interventions have a symbolic meaning showing the cracks in the representation system.
Jenny Marketou is Greek born and New York based interdisciplinary artist who has participated in a number of leading exhibitions of contemporary art, such as Manifesta, as well as international art biennials such as Prague in Chez Republic; Cartagena des Indias in Colombia, Athens in Greece; Seville in Spain ,Sao Paolo in Brazil , Venice and Istanbul .Her solo exhibitions have been hosted by art institutions, such as, Centre of Contemporary Art (CCA) Glasgow in Scotland; Museum de Arte Reina Sofia, Madrid ; the ARTIUM Museum of Contemporary Art in Vitoria, Bilbao, Spain; Kumu Art Museum, Tallinn Estonia; National Museum of Contemporary Art in Athens; ZKM, Karlsruhe, Germany; the Van Abbemuseum in Eindhoven; Cornerhouse, Manchester, UK; The New Museum in New York City; Queens Art Museum, Queens, New York among others. She earned her MFA at Pratt Institute in Brooklyn New York and she has also taught at Cooper Union School of Art . As of 2015 she will be teaching at the School of Art at CAL ARTS (California Institute of the Arts) in California. Marketou is the author of numerous texts on issues concerning moving image including the photography book The Great Longing , Kedros Publishers, Athens, Greece.
Filip Markiewicz
Catalogue : 2023RAFTSIDE | Performance | mov | couleur et n&b | 40:0 | Luxembourg, Allemagne | 2022
Filip Markiewicz
RAFTSIDE
Performance | mov | couleur et n&b | 40:0 | Luxembourg, Allemagne | 2022
RAFTSIDE is Filip Markiewicz’s electrovisual pop rock project that is always connected to his visual work. The performances are film and musical experiences, that analyze in a poetic and way our digital society of the spectacle. After a european tour with with his latest LP « Ultrasocial Pop » (Grzegorzki Records / Berlin) and presenting a visual performance in 2020 for the Rencontres Internationales Paris / Berlin, Haus am Lützowplatz Berlin, Mudam Luxembourg, Konschthal Esch, the RAFTSIDE performance was presented at this year’s NRW Forum in Düsseldorf for the opening of the AR Biennale and at Filip Markiewicz’s solo exhibition « Liquid Poem » at the Stadtgalerie Kiel (D). Over the last 15 years RAFTSIDE shared also the stage on different pop rock festivals with bands like Daft Punk, Metronomy, Flavien Berger… www.raftside.com www.filipmarkiewicz.com
Filip Markiewicz (born in 1980, Esch / Alzette, Luxembourg) is a visual artist who expresses himself through various media such as drawing, painting, music, video and installation. Filip Markiewicz represented Luxembourg at the 56th Venice Biennale 2015 with the Paradiso Lussemburgo project (Sternberg Press Verlag catalog). His long-term project Celebration Factory on contemporary Europe began in 2016 at the NN Contemporary Art Northampton and at the Theater Basel before it was continued in 2018 at the Casino Luxembourg - Forum d'Art Contemporain and in 2019 at the Center for Contemporary Art Derry-Londonderry and the Kunsthalle Osnabrück (catalog Hatje Cantz Verlag). In 2017 Markiewicz staged his performance Fake Fiction with diary texts by Oskar Schlemmer (publication Hyde Éditions) at Theater Basel for the official Art Basel program. Markiewicz received the Art Prize Bourse Bert-Theis in 2019 for his art music project Ultrasocial Pop. In 2020 his theater film project Fake Fiction was presented for the Rencontres Internationales Paris / Berlin festival at the Musée du Louvre in Paris and at the Haus der Kulturen der Welt in Berlin. In the same year Markiewicz shows his monographic exhibition Ultraplastik Rhapsody at the National Museum of Contemporary Art in Bucharest. For the Lausitz Festival 2020, Markiewicz directed, created the scenography and composed the music for the play ANTIGONE NEUROPA (Sophocles) in collaboration with the Staatstheater Cottbus. In february 2021 Filip Markiewicz presented the performance Ultrasocial Pop in the frame of the Rencontres Internationales Paris / Berlin. In August 2021 Markiewicz directed, created the scenography and composed the music for the installation and theater performance Euro Hamlet at the Lausitz Festival. From 2021-2023 Filip Markiewicz presented the Ultrasocial Pop solo exhibition through european Art Institutions like Konschthal Esch, Haus am Lützowplatz Berlin, Meno Parkas Kaunas 2022, Mudam Luxembourg. In 2023 he participated at the AR Biennale at NRW Forum Düsseldorf and most recently he presented the soloshow « Liquid Poem » at the Stadtgalerie Kiel. A catalogue presenting the body of work Ultrasocial Pop was released by Hatje Cantz. Filip Markiewicz has been composing music for film, theater and installation under the name RAFTSIDE since 1999, with which he has also appeared in several international festivals.
Catalogue : 2022Euro Hamlet | Fiction expérimentale | mov | couleur | 20:0 | Luxembourg, Allemagne | 2021
Filip Markiewicz
Euro Hamlet
Fiction expérimentale | mov | couleur | 20:0 | Luxembourg, Allemagne | 2021
Euro Hamlet is the latest project of theatrical creation directed by Filip Markiewicz in August 2021 in the immense Hall of the Telux site in Weisswasser in Germany, in collaboration with playwright Katrin Michaels, Working from the original text of Hamlet, Shakespeare's most popular and disturbing play, Filip Markiewicz creates a sort of concept with Euro Hamlet. He subverts the established rules of classic theatre and combines them with different artistic forms. The result proves to be a veritable performance, both in terms of the artists appropriating the original text and the visual and audio presentation of its content in space. In this contemporary tableau, Filip Markiewicz reflects certain references from the history of art and uses the concept of the «Play Within the Play» to engage with issues in the social and political realities of today's Europe, It raises the question: how to communicate the truths of everydav life in a context that is subject to codes of appearance? The preparation for the staging of Euro Hamlet included a shooting in July 2021 with the actors Leila Lallali, Marie Jung, Luc Feit and Joran Yonis in the region of East Germany and in Zgorzelec in Poland. A "mise en abyme" of Shakespeare's text in an organic setting that bears witness to European history, where the artist adresses the notion of territory beyond the experimental nature of this reading.
Filip Markiewicz (born in 1980, Esch / Alzette, Luxembourg) is a visual artist who expresses himself through various media such as drawing, painting, music, video and installation. Filip Markiewicz represented Luxembourg at the 56th Venice Biennale 2015 with the Paradiso Lussemburgo project. His long-term project Celebration Factory on contemporary Europe began in 2016 at the NN Contemporary Art Northampton and at the Theater Basel before it was continued in 2018 at the Casino Luxembourg - Forum d'Art Contemporain and in 2019 at the Center for Contemporary Art Derry-Londonderry and the Kunsthalle Osnabrück. In 2017 Markiewicz staged his performance Fake Fiction with diary texts by Oskar Schlemmer (publication Hyde Éditions) at Theater Basel for the official Art Basel program. Markiewicz received the Art Prize Bourse Bert-Theis in 2019 for his art music project Ultrasocial Pop. In 2020 Markiewicz shows his monographic exhibition Ultraplastik Rhapsody at the National Museum of Contemporary Art in Bucharest. For the Lausitz Festival 2020, Markiewicz directed, created the scenography and composed the music for the play ANTIGONE NEUROPA (Sophocles) in collaboration with the Staatstheater Cottbus. In february 2021 Filip Markiewicz presented the performance Ultrasocial Pop in the frame of the Rencontres Internationales Paris / Berlin. In August 2021 Markiewicz directed, created the scenography and composed the music for the installation and theater performance Euro Hamlet at the Lausitz Festival. Filip Markiewicz has been composing music for film, theater and installation under the name RAFTSIDE since 1999, with which he has also appeared in several international festivals.
Catalogue : 2021Ultrasocial Pop | Performance | mov | couleur | 30:0 | Luxembourg | 2020
Filip Markiewicz
Ultrasocial Pop
Performance | mov | couleur | 30:0 | Luxembourg | 2020
"Ultrasocial Pop" est le dernier projet audiovisuel expérimental de Filip Markiewicz. Il crée un dialogue performatif entre son travail visuel et filmique, et ses compositions musicales sous le nom Raftside. La performance en direct est toujours une expérience unique, qui inclut un commentaire sur des événements sociaux réels. L'idée est d’interroger le lien entre la culture pop et le populisme, et de monter un tableau vidéographique en mouvement. "Ultrasocial Pop", une œuvre encore en développement, aboutira sur la publication d'un livre visuel accompagné d’un disque vinyle LP (Label Grzegorzki Records) dans le cadre de son exposition solo à Haus am Lützowplatz, à Berlin (Allemagne), en mai 2021. "Ultrasocial Pop" est financé par la Bourse Bert-Theis.
Filip Markiewicz est né à Esch-sur-Alzette (Luxembourg) en 1980. Ses expositions personnelles ont été présentées par des institutions telles que le MNAC - Musée national d'art contemporain de Bucarest (Roumanie); le NN Contemporay Art, Northampton (Royaume-Uni); la Kunsthalle Osnabrück (Allemagne); le Centre for Contemporary Art Derry (Royaume-Uni); et le Casino Luxembourg - Forum d'Art Contemporain, Luxembourg (Luxembourg). Il a représenté le Luxembourg à la 56e Biennale de Venise (Italie). Filip Markiewicz suit une voie de performance théâtrale et musicale, qui l'a conduit à créer des représentations au Staatstheater Cottbus, Cottbus (Allemagne), dans le cadre du Lausitz Festival, Görlitz (Allemagne); au Theater Basel, Bâle (Suisse); et à l'Expo Shanghai (Chine); ainsi qu’à développer son travail dans le domaine des arts visuels. Il vit et travaille à Hambourg (Allemagne) et à Luxembourg (Luxembourg).
Catalogue : 2020Fake Fiction | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 26:7 | Luxembourg, Suisse | 2018
Filip Markiewicz
Fake Fiction
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 26:7 | Luxembourg, Suisse | 2018
Fake Fiction is initially a theater play that became a film produced in 2017 by the Theater Basel. Filip Markiewicz wrote the dialogues in reference to the events that happened during the period of time, the terror attacks, the European mirgant crisis and the rise of populist movements and fake news...
Luxembourgeois d’origine polonaise, Filip Markiewicz (né en 1980) est un artiste multidisciplinaire qui s’ex- prime à travers différents médiums, dont le dessin, la vidéo et l’installation. Toujours en quête d’explications à nos vies quotidiennes, il explore l’omnipré- sence des images et met en perspective le message qu’elles véhiculent. Il soumet l’actualité à une approche critique et politique et, partant, souligne la vacuité de notre monde en surproduction visuelle où l’information devient la réalité plutôt que l’inverse. En 2015, Markiewicz a représenté le Grand-Duché de Luxembourg à la 56e Biennale de Venise avec Paradiso Lussemburgo.
Catalogue : 2018Celebration Club | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 23:10 | Luxembourg, Royaume-Uni | 2017
Filip Markiewicz
Celebration Club
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 23:10 | Luxembourg, Royaume-Uni | 2017
Celebration Club (2017) is a film made over the course of one week in Northampton following the Brexit referendum.The film captures musicians of different generations and origins talking about the changing society and making music, including punk scholar Roy Wallace, rapper Phundo Art, avant-garde black metal band Denigrata and the Northampton Male Voice Choir performing Robbie William’s Angels in a local church.
Luxembourger of Polish origin, Filip Markiewicz (born in 1980) is a multidisciplinary artist expressing himself through drawing, video, music, theatre and installations thereby creating a visual body of work using diversified media. His work is not intending to be a kind of political activism, but rather to develop an almost surreal language consolidating different expressions. In 2015 Filip Markiewicz represented the Grand Duchy of Luxembourg at the 56th Venice Biennale with his project "Paradiso Lussemburgo". In 2017 he produced his first theater play "Fake Fiction" at the Theater Basel. In 2018, he will present his monographic exhibition "Celebration Factory" at the Casino Luxembourg - Forum d`Art Contemporain.
Alexander Markov
Catalogue : 2023Red Africa | Doc. expérimental | 35mm | couleur | 60:0 | Russie | 2022
Alexander Markov
Red Africa
Doc. expérimental | 35mm | couleur | 60:0 | Russie | 2022
After gaining independence in the early 1960s, the young African nations are greeted by an unexpected and enigmatic friend from a far-off continent. Independent Africa receives a seemingly endless stream of Soviet parliamentarians, who arrive on the continent to pay respect to the newly independent states.. These ambassadors of the nation with a ‘bright future’ radiate friendliness and offer assistance in technical, social and cultural development under the banner of a new ideology of equality and fraternity. But is everything as rosy as the Soviet propaganda claims? Are there any strings attached to the Soviet Union’s goodwill? What were the real objectives of the Red Empire?
Alexander Markov is a documentary filmmaker, cinema historian and artist. Born in Leningrad, Russia at January 28, 1973. He directs films in Saint Petersburg and abroad, teaches documentary directing at Saint Petersburg State Institute of Film and Television, and works as an independent curator. His video installations were shown at Sharjah Biennial, Calvert 22, Iwalewahaus, Africa.Cont, CEU etc. Markov's films were participated and awarded prizes at various international film festivals like Berlinale Talents, Visions Du Reel, DocPoint, Sheffield Doc, Film Africa, Message To Man, NYAFF, Artdocfest, Cinefest, Directors Lounge, Stalker, Temps De Images and others.
Ivan Markovic
Catalogue : 2019Centar | Doc. expérimental | 4k | couleur | 48:26 | Serbia | 2018
Ivan Markovic
Centar
Doc. expérimental | 4k | couleur | 48:26 | Serbia | 2018
A vast complex of corridors, atriums and halls: a congress center made to host thousands now stands almost abandoned. The architecture reflects a former idea of the future, while surfaces and materials testify to its end. Through their relentless effort, the maintenance workers shoulder the duty of restoring the space to what it was imagined to be. Their movements are unison, ritual but also their own. Sava Centar is a congress space completed in 1978. in Belgrade, Yugoslavia. It hosted hundreds of international meetings, including World Bank summits and a conference of the Non Aligned Movement. After the breakup of Yugoslavia, its capacities gradually became obsolete. It is now awaiting a privatisation and commercial reconstruction.
Ivan Markovi is a cinematographer and director born in Belgrade, Yugoslavia. He graduated from the Faculty of Drama arts in Belgrade, cinematography studies, in 2012. For his film and photography work, won “Erste Bank foundation” Award for best visual artist in 2014. Recently worked as a cinematographer on several feature films including “All the cities of the north” (director: Dane Komljen, premiered on Locarno Film festival 2016), “You have the night” (director: Ivan Salati, premiered on Venice Critics week 2018) and “Ich war zuhause, aber..” by director Angela Schanelec, which premiered in Berlinale Competition 2019. The short film “White Bird”, which he worked on as a cinematographer and co-director with Linfeng Wu, had its premiere on Berlinale Shorts 2016. In 2018 his experimental documentary film “Centar” had its premiere on Doclisboa Film festival. Lives and works between Belgrade and Berlin.
Jelena Markovic
Catalogue : 2017Durch | Fiction | hdv | couleur | 13:7 | Serbia | 0
Jelena Markovic
Durch
Fiction | hdv | couleur | 13:7 | Serbia | 0
I was overwhelmed by a sense of the wrongness of what was happening, or if not by the wrongness, then by the sheer pace of events. I felt that you would have been disappointed at how quickly I had accepted the news of your death, and how readily we had set in motion the machinery of memorialization. One minute i was looking forward to meet you in our old flat, headed home from a long time away; the next minute I came in and I was burying you.
Jelena Markovic holds a Bachelor`s Degree from Academy of Arts, University of Belgrade, and a Master`s Degree from Hochschule for bildende Kunste Hamburg, mentored by Angela Schanelec. Born 1987. in Belgrade, Serbia. Lives and works in Berlin, Germany.
Randa Maroufi
Catalogue : 2022Bab Sebta | Doc. expérimental | digital | couleur | 20:0 | Maroc, France | 2019
Randa Maroufi
Bab Sebta
Doc. expérimental | digital | couleur | 20:0 | Maroc, France | 2019
Bab Sebta est une suite de reconstitutions de situations observées à Ceuta, enclave espagnole sur le sol marocain. Ce lieu est le théâtre d’un trafic de biens manufacturés et vendus au rabais. Des milliers de personnes y travaillent chaque jour.
Ne?e en 1987 a? Casablanca. Diplo?me?e de l’Institut National des Beaux-Arts de Te?touan, de l’E?cole Supe?rieure des Beaux- Arts d’Angers (France) ainsi que du Fresnoy (France). Randa Maroufi s’inte?resse a? la mise en sce?ne des corps dans l’espace public ou intime. Une de?marche souvent politique, qui revendique l’ambigui?te? pour questionner le statut des images et les limites de la repre?sentation. Son travail qui se traduit essentiellement a? travers la photographie, la vide?o, l’installation, la performance et le son, a e?te? pre?sente? lors d’e?ve?nements d’art contemporain et de cine?ma majeurs tels que La Biennale de Marrakech en 2014, Les Rencontres de Bamako en 2015, le Festival international du film de Rotterdam en 2016, La Videonale Bonn en 2017, la Biennale de Sharjah au Liban en 2017, la Biennale de Dakar en 2018, la Biennale do Mercosul? au Bre?sil en 2018, etc. Son film Le Park a rec?u une vingtaine de prix et fait partie de la Collection National du CNAP (Centre National des Arts Plastiques). En 2017 – 2018, Randa Maroufi a e?te? membre artiste a? la Casa de Vela?zquez – l’Acade?mie de France a? Madrid.
Randa Maroufi
Catalogue : 2018Stand-by Office | Doc. expérimental | hdv | couleur | 13:0 | Maroc, Pays-Bas | 2017
Randa Maroufi
Stand-by Office
Doc. expérimental | hdv | couleur | 13:0 | Maroc, Pays-Bas | 2017
Un groupe de personnes dans un environnement de bureau. Des gestes quotidiens de travail sont observés dans tout le bâtiment. Rien ne semble être déplacé. La caméra circule continuellement et change progressivement notre perception de cet espace. On se pose la question : qu’est ce que signifie ce bureau pour ce groupe de personnes ? "We Are Here" est un groupe de réfugiés à Amsterdam qui ne reçoit aucun logement fourni par le gouvernement, mais ne peut pas non plus travailler. Le groupe a décidé de rendre visible la situation inhumaine qu’ils doivent vivre, en ne se cachant plus, mais en montrant la situation des réfugiés qui sont "en dehors de la loi" aux Pays-Bas.
Diplômée de l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan, de l’École Supérieure des Beaux-Arts d’Angers (France) ainsi que du Fresnoy (France). Randa Maroufi est de cette génération advenue avec le règne des images. Elle les collectionne avec autant d’avidité que de méfiance, se pose sans cesse la question de leur véracité. Sa recherche se situe entre le reportage, le cinéma et l’étude sociologique qu’elle poursuit en réalisant des fictions ambiguës qu’elle met au service du réel, et le champ de ses expérimentations s’étend de l’occupation de l’espace public à la question du genre, dont elle relève les mécanismes de construction. Son travail qui se traduit essentiellement à travers la photographie, la vidéo, l’installation, la performance et le son, a été présenté lors d’événements d’art contemporain et de cinéma majeurs tels que La Biennale de Marrakech (2014), Les Rencontres photographiques de Bamako (2015), Le Museum of Modern Art à New York (2016), Le Dubai Photo Exhibition (2016), Le Festival International du court-métrage de Clermont-Ferrand (2016), le VIS Vienna Independent Shorts (2016), le FID Marseille (2016) etc. Son film Le Park a reçu plus d’une vingtaine de prix tels que le prix ADAGP Art numérique – Art vidéo (2015), Videonale Award of the fluentum Collection (2017), le prix du jury au Festival International du film de Rotterdam (2016), le prix du meilleur court métrage au festival IBAFF etc.
Randa Maroufi
Catalogue : 2017La Grande Safae | Fiction expérimentale | 4k | couleur | 15:56 | Maroc | 2014
Randa Maroufi
La Grande Safae
Fiction expérimentale | 4k | couleur | 15:56 | Maroc | 2014
Le film s’inspire librement d’un personnage connu sous le nom de La Grande Safae. Travesti, il a passé une période de sa vie en tant qu’employé de maison dans ma famille, qui ignorait son identité sexuelle "réelle".
Née en 1987 à Casablanca (Maroc). Diplômée de l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan (Maroc), de l’École Supérieure des Beaux- Arts d’Angers (France) ainsi que du Fresnoy (France). Randa Maroufi s’intéresse à la mise en scène des corps dans l’espace public ou intime. Une démarche souvent politique, qui revendique l’ambigüité pour questionner le statut des images. Son travail qui se traduit essentiellement à travers la photographie, la vidéo, l’installation, la performance et le son, a été présenté lors d’événements d’art contemporain et de cinéma majeurs tels que le Salon de Montrouge en 2015, la Biennale de Marrakech en 2014, les Rencontres photographiques de Bamako en 2015, Les Rencontres Internationales de Photographie de Fés en 2015, le Festival International du film de Rotterdam en 2016, le Museum of Modern Art à New York en 2016, le Dubai Photo Exhibition en 2016, le Brandts Museum à Odense en 2016... Elle vit et travaille entre le Maroc et la France.?
Siyanda Marrengane
Catalogue : 2023Go Slow, You'll See Better | Vidéo expérimentale | mp4 | couleur | 3:8 | Swaziland, Afrique du sud | 2022
Siyanda Marrengane
Go Slow, You'll See Better
Vidéo expérimentale | mp4 | couleur | 3:8 | Swaziland, Afrique du sud | 2022
go slow, you’ll see better is a journey of contemplation and transitioning between opposing states (of being). Revealing a landscape interspersed with vibrant colours of magenta and pink, this represents a bridge between excitement and calmness, chaos, and order. The shift in saturation mirrors the ever-changing nature of emotions, experiences, and personal narratives. Driving by and shooting out the window, the landscape becomes blurred and unblurred, evoking the sense of in-betweenness, which can prompt the feelings of familiarity and unfamiliarity, clarity, and vagueness. go slow, you’ll see better is everywhere and nowhere, collapsing both the temporal and the spatial.
Siyanda Marrengane is a Eswatini-born visual artist based in Johannesburg, South Africa. Kuba semkhatsini is a SiSwati phrase that can be translated as being caught in the middle of conflicting states of being, situations, conditions and more. Siyanda is interested in the notion of the in-between (kuba semkhatsini), a central component in her practice that encompasses personal and collective narratives and experiences. These are subsequently explored as ways of questioning, challenging and falsifying existing hegemonies. Unpacking and translating these through video, sound and installation, to create ambiguous spaces that are both imagined and real.
Lynne Marsh
Catalogue : 2018Tragedy | Vidéo | mov | couleur | 116:53 | Canada, Royaume-Uni | 2015
Lynne Marsh
Tragedy
Vidéo | mov | couleur | 116:53 | Canada, Royaume-Uni | 2015
“ Tragedy ” brings forth an altered experience of the infamous opera La traviata. Producing a new mise-en-scene composed of the routine labour around the stage, the film is an enquiry into the nature of performance, re-framing the culture of the work place and the “ grand narratives ” of the opera. Mimicking the framing device of a play within a play, the film exposes a production of production while tracking the processes at work behind the scenes during live performances at The Grand Theatre and Opera House, in Leeds, UK. The film captures the movement, work and conversations of stage managers, backstage crew and offstage performers, bringing an operatic tradition into context with present-day realities and pronouncing the mechanics that create an experience. These individuals develop as characters in a new alternative performative event over the three acts of the live performance. Direct parallels are drawn between the urgency and tension of the live performance onstage and the choreography played out offstage, where discrete conversations between characters behind the scenes marry up with the dialogue taking place in the libretto. Keeping true to the “ real-time ” of the live performance and in reference to the live screen-based broadcasts of theatrical productions in cinemas, “ Tragedy ” provides a counterpoint, directing our attention to the theatre that exists aside the stage.
Lynne Marsh is a Canadian artist, currently living and working in Los Angeles. Her practice is concerned with questioning the status of the image through mediation, technology and production. Ideas central to Lynne Marsh’s practice include offstage space; production-in-production; affective and cultural labour; music as a framing device; and the Brechtian revealing of the mechanics of cultural and theatrical production. Her works capture the behind-the-scenes workings and turn the camera onto subjects whose labour and gestures support and mediate events. In doing so, her works address the political dimension of its scenography. Marsh’s formal and conceptual strategies emphasize the camera’s performance as a means to reconfigure social space, presenting the mechanics that create an experience as a type of theatre or performance in its own right. Solo exhibitions of her work have been presented at Berlinische Galerie (2017); Opera North, Leeds (2016); fig2@Institute for Contemporary Art, London (2015); Scrap Metal, Toronto International Film Festival (2014); and Musée d’art contemporain de Montréal (2008). Her work has been featured in biennials and at institutions including La Biennale de Montréal (2014); The National Gallery of Canada, Ottawa (2012); 53 Art Museum, Guangzhou (2011); The Québec City Biennial (2010) and the 10th International Istanbul Biennial (2007).