Programme Paris 2026

Spell Stone réimagine la libération africaine à travers un récit à plusieurs strates, nourri par la recherche, qui mêle mémoire, résistance et réappropriation de voix longtemps réduites au silence par les récits historiques officiels. L’œuvre présente des témoignages documentaires de combattants de la liberté ayant participé à la lutte armée pour l’indépendance de l’Angola face à la domination coloniale portugaise, puis à la guerre civile qui s’en est suivie. À travers des entretiens intimes, elle restitue l’esprit collectif de la lutte pour la libération, tout en mettant au premier plan les expériences profondément personnelles de celles et ceux dont l’engagement a façonné le cours de l’histoire nationale.

Mónica de Miranda est une artiste plasticienne, cinéaste et chercheuse dont la pratique interdisciplinaire, fondée sur la recherche, porte un regard critique sur les points de convergence entre politique, genre, mémoire, espace et histoire. Son travail englobe le dessin, l’installation, la photographie, le cinéma et le son, aux frontières du documentaire et de la fiction. Elle explore les stratégies de résistance, les géographies de l’affect, les pratiques narratives et les écologies du soin. Mónica de Miranda a assuré le commissariat conjoint du projet Greenhouse pour le pavillon portugais de la Biennale de Venise en 2024, dans lequel son travail était également présenté. Ses œuvres ont été présentées lors de grandes manifestations internationales, notamment la 6e Biennale de Kochi-Muziris, la 9e Triennale de Hambourg, la 16e Biennale de Sharjah, la 6e Biennale de Lubumbashi, la 12e Biennale de Berlin, la 12e Biennale de Dakar, la 5e Biennale internationale d’art contemporain de Casablanca, les Rencontres de Bamako – 13e Biennale africaine de la photographie, la 14e Biennale d’architecture de Venise, BIENALSUR (2021), FotoFest à Houston (2022) et la 18e édition de Fotografia Europea à Reggio Emilia.

Hanté par les questions de la disparition, de la perte et de la lutte révolutionnaire, "An Impossible Address" poursuit l’exploration par Sanzgiri de la vie de Sita Valles et des liens de solidarité qui se sont tissés entre l’Inde et l’Afrique dans la lutte contre l’empire colonial portugais. Associant pellicule 16 mm, animation numérique, développement manuel et numérisation 3D, le film est un essai personnel et expérimental, kaléidoscopique et d’une grande richesse sonore, tourné en Angola, à Goa et au Portugal.

Suneil Sanzgiri est un artiste, cinéaste et chercheur. Son travail, récompensé à plusieurs reprises, a été largement présenté dans des festivals et des lieux d’art à travers le monde, notamment au Museum of Modern Art, au Festival international du film de Rotterdam, au New York Film Festival, au BFI London Film Festival, au Festival international du film de Toronto, à Doclisboa, à la Viennale, à la 18e Biennale d’Istanbul, à Lo Schermo dell’Arte, à de Appel, au Jameel Arts Centre, à la Whitechapel Gallery, au MASS MoCA, à e-flux, au Hessel Museum et au sein de la Criterion Collection. Sa première exposition personnelle dans une institution, Here the Earth Grows Gold, a ouvert à l’automne 2023 au Brooklyn Museum. Parmi ses autres expositions personnelles figure An Impossible Address, présentée à Mercer Union, à Toronto, au Canada (2025), ainsi qu’à l’EMPAC (Electronic Media and Performing Arts Center), à Troy, dans l’État de New York (2025). Son travail a fait l’objet d’articles dans de nombreuses revues et publications, notamment BOMB Magazine, Mousse, e-flux, Art in America, Filmmaker Magazine, Film Comment, Hyperallergic, The Brooklyn Rail, C Magazine, Film Quarterly, SEEN Journal, Dissent et November Magazine.

En 2020, un journaliste du New York Times a émis l’hypothèse que Mehdi Ben Barka, figure majeure de la vie politique marocaine et cofondateur de la Tricontinentale, disparu à Paris en 1965, aurait été enterré sous la Fondation Louis Vuitton, musée d’art contemporain situé aux portes de Paris. Halloubi s’intéresse à l’idée qu’un révolutionnaire du Sud global puisse être enterré sous un édifice postmoderne emblématique de la gloire du capitalisme tardif. Il a entrepris de réaliser une installation vidéo dans laquelle le corps de Ben Barka, reconstitué en 3D, erre dans le musée tel un fantôme, hantant une époque marquée par l’hégémonie néolibérale, en un temps de génocide à Gaza. Cette œuvre fait référence à Spectres de Marx de Derrida, dans lequel le philosophe soutient que le marxisme ne doit pas être considéré comme un dogme obsolète, mais plutôt comme un « spectre » qui continue de hanter notre présent et d’appeler à une justice encore à venir. Dans cette œuvre, Ben Barka interroge sans relâche son identité spectrale, générée par la technologie. Même privé de mémoire, il reste animé par un élan moral et révolutionnaire, continuant de hanter le présent.

Hamza Halloubi est un artiste, cinéaste et écrivain né à Tanger, au Maroc, et installé à Bruxelles. Il travaille avec le cinéma, la vidéo et la peinture. Il développe une œuvre qui interroge les récits artistiques dominants et les tensions entre visibilité et silence. Sa démarche s’inscrit dans une volonté de décentrer les récits occidentaux de la modernité et de la contemporanéité. Hamza Halloubi explore les « lieux mineurs de la culture » et prend la parole depuis ces lieux, convoquant des figures intellectuelles et artistiques telles qu’Edward Said, Mehdi Ben Barka, Jean Genet, Jane Bowles et Cherifa, afin de remettre en question les hiérarchies culturelles. Rejetant le spectaculaire, il privilégie les gestes subtils. Il envisage l’acte de filmer comme un geste ambigu, à la fois puissant et vulnérable, souvent empreint de honte ou de doute, et refuse toute forme d’essentialisation identitaire. Parmi ses expositions personnelles figurent celles au De Pont Museum, Tilburg (2025, 2020, 2015) ; à Argos – Centre for Audiovisual Arts, Bruxelles (2021, 2022) ; à tegenboschvanvreden, Amsterdam (2022, 2020) ; à L’appartement 22, Rabat (2019) ; au Museo Hermann Nitsch, Naples (2017) ; à A Tale of A Tub, Rotterdam (2016) ; à KIOSK, Gand (2014) ; et au Palais des Beaux-Arts, Bruxelles (2013).

"Go Ye Afar" suit le parcours d’un chauffeur de taxi irlando-nigérian dans un voyage miraculeux à travers les rues de Dublin et de Calabar. Alors qu’il commence son service de nuit dans la zone d’attente des taxis de l’aéroport de Dublin, le chauffeur prend en charge une succession de passagers, chacun pris dans les relations historiques et contemporaines entre l’Irlande et le Nigeria. Le taxi semble doté de pouvoirs surnaturels, faisant surgir des images oniriques dans l’esprit de ses passagers et empruntant des lieux symboliques de rencontre et de départ comme autant de portails lui permettant de circuler librement entre des lieux éloignés. Au cœur du film se trouve une réflexion sur les enjeux politiques de la mobilité et sur la manière dont la liberté ou la nécessité de voyager sont souvent déterminées par la nationalité, la classe sociale ou les conditions économiques. Explorant les différentes formes que le voyage a prises dans les pratiques religieuses, "Go Ye Afar" en évoque plusieurs manifestations au sein du christianisme, de la prière des automobilistes et des médailles de saint Christophe à l’évangélisation et aux missions.

Frank Sweeney (réalisateur et scénariste) est un artiste dont la pratique, fondée sur la recherche, s’appuie sur des matériaux trouvés pour aborder les questions de mémoire collective, d’expérience et d’identité à travers le cinéma et le son. Parmi ses œuvres récentes figurent Few Can See (lauréat de la Tiger Shorts Competition au Festival international du film de Rotterdam, deuxième prix Diamant à Alcine 53, mention spéciale à Filmadrid, commande d’EVA International – la biennale d’Irlande), People Enjoy My Company (prix du meilleur documentaire au LUFF en Suisse, présenté à l’IMMA en 2021-2022, à la Transmediale de Berlin et au BFI Southbank dans le cadre du London Short Film Festival en 2022) et Made Ground (en collaboration avec Eva Richardson McCrea, présenté à la Temple Bar Gallery en 2021 et acquis la même année par l’Arts Council pour sa collection).

En 2014, à Lourdes, il demande à la Vierge Marie un miracle : faire son deuil, partir à la ville, devenir cinéaste et rencontrer l’Amour. Quelques années plus tard, il retourne à Elle, hanté par les addictions, les fantômes et le doute. Entre prière et confession, Que soy era Immaculada Councepciou explore sous diverses formes cinématographiques et plastiques les territoires troubles d’une existence tiraillée entre le désir et la disparition, la foi et la solitude. Dans l’espace clos de son appartement, les souvenirs remontent, les morts s’invitent et les images confrontent la réalité.

Originaire d’Écrosnes en région Centre, Mathieu Morel développe depuis plusieurs années une œuvre cinématographique prolifique et protéiforme, à la croisée du mélodrame fantaisiste, de l’érotisme, de la parodie et du cinéma expérimental. Avec ses sœurs, il fonde le collectif Rabbit Hole, avant de participer avec Léolo à la création de Horschamp, association consacrée à la transmission de la parole et des pratiques artistique. Diplômé de La Fémis, où son travail reçoit les félicitations du jury, il construit un vaste corpus de courts et moyens métrages, parmi lesquels Aussi fort que tu peux, Anapidae (appelle-moi), La Belle et la Bête, Yaoi Dumb Bitch, The Deep Queer Massacre et Cum in My Heart (ou le fabuleux lâcher-prise de Thomas Timbère). Son travail a fait l’objet d’une monographie à la Cinémathèque française et d’une rétrospective au festival Wallpurgis. Il a notamment reçu le prix Jean Cocteau à Los Angeles et le prix du meilleur film au Berlin Porn Film Festival, ainsi que plusieurs autres distinctions. Ses films ont été sélectionnés dans de nombreux festivals en France et à l’étranger. À travers le collage, la profusion plastique, les masques, les détournements de genres et les formes de l’installation, Mathieu Morel explore les liens entre sexualité, fantasme, violence, poésie et construction de soi. Son parcours a également été soutenu à trois reprises par le CNC.

Dans une ville muette où les écrans s’embrasent, une communauté de déserteur·ses se voue à un étrange sommeil. Las de lutter, un jeune travailleur de nuit se résout à les rejoindre. Depuis cet autre pan de réalité, il récolte des antidotes à l’impuissance au fil de rencontres qui ressuscitent le langage. À son réveil, rien n’a changé mais tout est différent. Swarm est une ode aux collisions magiques et à l’imaginaire comme moyen de transformer le réel.

Camille Orso Caël (anciennement Camille Picquot) est cinéaste, photographe et écrivain. Sa pratique artistique interroge la normativité et explore, au cœur de la modernité, des espaces de lumière et des possibilités d’émancipation — qu’elles soient modestes ou radicales, concrètes ou poétiques. Son travail s’articule autour des questions de marginalité, de vie urbaine, de résistance et d’enchantement. À travers ses films et ses images, il puise dans les rêves et les visions des antidotes à l’oppression. Son travail a été publié dans des médias tels que Libération, C41 Magazine, De Morgen, Le Monde, l’Art-même et The Atlantic. Il a également été exposé et projeté à l’international dans des centres d’art, galeries et institutions, parmi lesquelles le WIELS, le FoMu – Museum of Photography, De Brakke Grond, l’International Film Festival Rotterdam, Marres – House for Contemporary Culture, Paris Photo et le Fotomuseum Winterthur.

S’inspirant du burlesque, Henricks explore la frontière ténue entre humour et violence. Citant les films de Charlie Chaplin, de Fassbinder et de Derek Jarman, la vidéo met en scène deux danseurs qui réinterprètent une série de courtes scènes. L’œuvre interroge les modèles traditionnels de masculinité et les structures de pouvoir qui excluent ou portent atteinte aux personnes marginalisées.

Nelson Henricks est né à Bow Island, Alberta et est diplômé du Alberta College of Art and Design. En 1991, il s'est installé à Montréal où il a obtenu un baccalauréat en cinéma de l'Université Concordia. Henricks a récemment terminé un doctorat à l’Université du Québec à Montréal. Henricks a enseigné en histoire de l’art et en arts visuels à l'Université McGill, à l’UQAM et à l’Université de Montréal. Il est présentement chargé de cours à l'Université Concordia. Artiste et commissaire, Henricks est mieux connu pour ses vidéogrammes et ses installations vidéo, qui ont été présentés à travers le monde, notamment au MoMA (New York), dans le cadre de la série Video Viewpoints. Ses textes ont été publiés dans des catalogues d’exposition, des revues et dans de nombreuses anthologies. Il a été récipiendaire du Prix Bell Canada d’art vidéographique en 2002, a reçu le Prix Giverny Capital en 2015, et le Prix Louis-Comtois en 2023. Une exposition de son travail a été présentée au Musée d’art contemporain de Montréal in 2023. Ses oeuvres sont dans la collection du Musée des beaux-arts du Canada, du Museum of Modern Art (New York), du Musée des beaux-art de Montréal, du Musée national des beaux-arts du Québec, le Musée d’art contemporain de Montreal, entre autres. Il est représenté par la galerie Paul Petro Contemporary Art. Pour plus d’information sur Henricks, visitez www.nelsonhenricks.com.

Un manifeste fictif d’hommes issus de la classe ouvrière en Turquie, qui souhaitent faire davantage l’objet d’une fétichisation sexuelle. Subvertissant le nationalisme à l’aide des codes de la pornographie gay, ce film-essai tourne en dérision la prudence contemporaine en matière de sexualité et la vision romantique des classes populaires véhiculée par le monde de l’art. Des scènes de démolition de bâtiments se mêlent à la vision poétique d’un port sous la neige, faisant écho au contraste entre la violence du travail physique et la vulnérabilité émotionnelle des hommes qui l’accomplissent.

Nadir Sönmez (né en 1989) est un artiste, acteur, auteur et réalisateur installé à Istanbul. Son travail aborde les enjeux politiques de la sexualité, les études sur la pornographie, le tourisme gay et le militantisme queer en Turquie et au-delà. Il a étudié le théâtre à l’Université Sorbonne Nouvelle à Paris et est titulaire d’un master de l’Université Kadir Has. Il a bénéficié de résidences à la Cité internationale des arts à Paris et à la Kulturakademie Tarabya, et a participé à l’International Forum du Theatertreffen de Berlin. Ses écrits ont été publiés par la Biennale de Sharjah et dans la revue Theater, éditée par Duke University Press. Son premier long métrage, Ama, a été diffusé sur MUBI. Sa vidéo Cruising a été présentée à Iniva à Londres, au Festival international du film de Rotterdam et à Doc Fortnight au MoMA à New York.

Jeanet Film Adulte (2025) est un film coproduit par steirischer herbst et NW, Open House for Contemporary Art and Film, et réalisé en collaboration avec des habitants d’Alost. Tournée au cours de deux éditions du carnaval de la ville, l’œuvre suit la figure de la Voil Jeanet : des hommes travestis qui incarnent des caricatures de la travailleuse du sexe, de la mère pauvre et de la folle. Le film s’ouvre à rebours — de nuit, après la fête —, un geste cinématographique qui fait écho à la logique fondamentale d’inversion du carnaval. Partant des abords de l’usine au centre d’Alost, la caméra ancre l’œuvre dans l’histoire industrielle et ouvrière de la ville, reliant le spectacle à ses soubassements matériels et sociaux, alors même que ces conditions ont évolué. À une atmosphère initiale de malaise diffus succèdent les paillettes, les prothèses de chair, les seins et les organes génitaux en plastique, les têtes de nourrissons entre les cuisses et les visions sanglantes en plein jour. Les costumes apparaissent à la fois comme des déguisements et des armes, dévoilant la violence des stéréotypes tout en jouant de leur démesure grotesque.

Pauline Curnier Jardin est née en 1980 à Marseille. Artiste plasticienne, cinéaste et performeuse, elle est diplômée de plusieurs établissements européens (l’ENSAPC et l’ENSAD en région parisienne, le Goldrausch Künstlerinnenprojekt à Berlin et l’Université de Linköping en Suède). Elle enseigne dans le cadre du master en beaux-arts de la Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) à Zurich et accompagne les artistes du programme de résidence De Ateliers à Amsterdam. En 2007, elle a cofondé le cabaret exclusivement féminin The Vraoums et, en 2020, à Rome, durant la pandémie de Covid-19, le Feel Good Cooperative, un collectif de femmes actives dans les domaines de l’art et du travail du sexe. Elle est représentée par les galeries Ellen de Bruijne Projects (Amsterdam) et ChertLüdde (Berlin).

Une travesti cherche l'amour dans le dernier cinéma porno encore en activité en France. Mais où est tout le monde?

Diego Semerene is a Brazilian filmmaker and scholar based in the Netherlands, where they teach at the University of Amsterdam.

« Photocopies » porte un regard sur les jeunes à une époque marquée par une incertitude croissante et des crises, à travers une série de scènes au rythme ralenti et non narratives. Entièrement réalisée en plans-séquences uniques, cette œuvre se tourne vers l’intime – le silence, la solitude, ces moments où l’on se sent à l’abri des regards – afin d’exprimer un sentiment générationnel partagé. Chaque scène dépeint des jeunes dans des moments intimes et personnels du quotidien : un danseur répétant seul la nuit dans son studio ; une jeune fille rentrant de l’école à pied, absorbée par un jeu auquel elle joue toute seule ; un groupe d’adolescents endormis à l’aube, qui se sont endormis, épuisés après une after-party ; une réceptionniste d’hôtel, assis en silence. Le temps semble s’être arrêté – chaque instant est préservé indéfiniment et dépouillé de son caractère éphémère inhérent. En même temps, un malaise subtil et discret persiste dans chaque scène : une incertitude mélancolique, comme si les personnages de l’installation attendaient en silence une catastrophe qui pourrait éclater à tout moment.

Casper von Bülow (* 2003) vit entre Berlin et Munich. Après une brève carrière d'acteur à la fin de son adolescence, il s'est tourné vers la réalisation de ses propres œuvres en tant que cinéaste. Il étudie actuellement sous la direction du cinéaste et vidéaste Julian Rosefeldt à l’Académie des Beaux-Arts de Munich. « Photocopies » est la première œuvre qu’il a publiée depuis le début de ses études. Parallèlement à ses études, il a travaillé par le passé pour des artistes et des cinéastes telles qu’Anne Imhof et Maren Ade.

Tôt le matin. Des trains passent. Un homme et une femme sont allongés dans un lit. Elle se réveille, s’habille et commence à parler. Il l’écoute en silence.

Elit ??can (née à Istanbul) est une actrice et cinéaste installée à Hambourg. Depuis ses débuts en 2006, elle a développé une importante carrière d’actrice, dont l’expérience nourrit aujourd’hui son travail de scénariste et de réalisatrice. Diplômée en médias et arts visuels de l’Université Koç, elle a poursuivi sa formation en obtenant un master en cinéma à la Hochschule für bildende Künste (HFBK) de Hambourg. Sa filmographie en tant qu’actrice comprend plusieurs films salués par la critique, notamment My Only Sunshine (Berlinale, 2009), Mustang, nommé aux Oscars (Cannes, 2015), Sibel (Locarno, 2018) et Pillar of Salt (Berlinale, 2019). Parmi ses rôles récents figurent ceux dans Hamlet de Kaan Müjdeci, Afloat d’Asl?han Ünald? et Gelbe Briefe d’?lker Çatak. Elle a également participé aux programmes Berlinale Talents et Sarajevo Talents.

Dans une société où les traditions priment sur la volonté des individus, Awa, une jeune veuve, est contrainte d’épouser le frère cadet de son défunt mari. Refusant cette union imposée, elle se retrouve confrontée à une violence familiale qui la pousse à un acte désespéré.

Sara Gadiaga est un réalisateur et photographe sénégalais. Titulaire d’une licence en informatique et gestion obtenue en 2023 à l’ENSUP de Dakar, il s’est intéressé très tôt au cinéma. En 2020, il rejoint le collectif Ciné Banlieue pour poursuivre sa formation cinématographique. Il a travaillé en tant que chargé de programmation au Centre Yennenga et a réalisé son film de fin d’études intitulé XAM-XAM, un documentaire retraçant son parcours universitaire. En 2022, il a été chargé de programmation à Ciné Banlieue, puis en 2025, il a occupé le poste de chargé de programmation à la Fédération des Ciné-Clubs du Sénégal.

Ce documentaire entremêle deux récits de disparition : celui d’Atzin Molina, mon ami du lycée disparu en 2019, et celui d’Atzin, divinité totonaque de la pluie, que l’on croit disparue ou morte au milieu des ravages causés par l’exploitation pétrolière dans la région de Veracruz, au Mexique. À travers ces deux figures qui partagent un même nom - l’une humaine, l’autre divine -, le film dessine un paysage de l’absence, où le deuil, la violence écologique et l’érosion spirituelle deviennent indissociables.

Manuel Bayo Gisbert is a Mexican filmmaker, photographer and journalist. His work examines systemic violence in relation to territory, memory and history. After surviving kidnapping and torture in 2020, he began a long-term, multimedia audiovisual exploration of serious human rights violations in Mexico through collaborative and intimate processes; this project, A Solid Home, explores the history of violence in Mexico through still and moving images. His projects have been adapted into articles at The New York Times and have been exhibited internationally, including a solo show at the Rayburn House Office Building of the United States Capitol Complex in Washington, D.C., organized by Amnesty International and the National Security Archive. ECOS, his first exhibition in Mexico, presented his work alongside pieces by fellow artists Graciela Iturbide and Musuk Nolte. He is currently editing his feature-length fiction debut (The Territory) and developing a second fiction film.

Paroisse de Saint Mary, Jamaïque, avril 1760. Dans une grotte située près de ce que l’on appelle aujourd’hui les chutes de Tacky, la révolte de Tacky est en cours, la plus importante insurrection du XVIIIe siècle dans les Caraïbes, trois décennies avant la Révolution haïtienne. "An Unimaginable Leap" (2026) traverse des événements et des lieux aux liens ténus : des images en 16 mm de la vie quotidienne dans la Jamaïque contemporaine, des grottes envisagées comme des portails, et une célébration de la fête de l’indépendance jamaïcaine dans un club de cricket à Manchester. Des moments de répit et de célébration se conjuguent avec la menace de la dégradation écologique et de l’exploitation minière de la bauxite, pour interroger les relations entre temporalité révolutionnaire, urgence climatique et forme cinématographique.

Hope Pearl Strickland est une artiste et cinéaste originaire de Manchester, au Royaume-Uni, dont la pratique s’inscrit dans des approches expérimentales et documentaires. Son travail interroge les choix que nous opérons lorsque nous donnons à voir la violence racialisée, cherchant à comprendre comment nous pourrions habiter le monde et prendre soin les uns des autres, au sein même des systèmes de pouvoir et de contrôle et à leur encontre. Ses films explorent différentes pratiques, associant travail sur les archives, pellicule 16 mm et numérique. Ses œuvres ont été présentées dans plusieurs festivals internationaux de cinéma, notamment au 59e New York Film Festival, au BFI London Film Festival (2022), au Festival international du film de Rotterdam (2025) et au Berwick Film & Media Arts Festival (New Cinema Awards, 2025).