Programme Paris 2026

Winter of Machines met en regard le paysage postindustriel de Charleroi et l’héritage du futurisme. S’inspirant de la peinture murale de Fernand Steven, Évocation de la chimie (1936–1938), réalisée au lycée Léonie de Waha à Liège, qui célèbre la science, l’industrie et le progrès, Jan Locus explore le contraste entre cette vision utopique et les difficultés que connaît aujourd’hui Charleroi. En alternant les images des vestiges industriels de la ville et celles de la peinture murale porteuse d’une promesse de progrès, le film semble suspendre le temps. La bande-son de l’artiste sonore Els Viaene accentue son atmosphère spectrale. L’avant-garde et l’ère industrielle ont-elles failli à leur promesse de progrès ?

À travers le cinéma expérimental, la photographie et le son, son travail s’articule souvent autour du paysage comme outil de construction des identités nationales et sociales, et des paysages transformés par les activités extractives et l’industrialisation. Ses films ont été présentés notamment à l’IFFR, Rotterdam (Pays-Bas), aux Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne), aux Rencontres Internationales Paris/Berlin (France/Allemagne), au FIFA, Montréal (Canada), à CROSSROADS, San Francisco (États-Unis), à l’Asolo Art Film Festival (Italie), à ONION CITY, Chicago (États-Unis), au BISFF, Pékin (Chine), et à DIGERATI, Denver (États-Unis).

À la tombée de la nuit, Stevy commence sa ronde en tant que gardien de nuit dans une mine de cryptomonnaie. Tourné spontanément dans la région de la Beauce au Québec, le film propose un portrait fantomatique et sensoriel. Il juxtapose l'étrangeté technologique du monde de demain (la mine de crypto) à l'univers rural déclinant et à la disparition progressive de ses figures masculines locales.

Né à Paris, Paul Chotel est diplômé de la Mel Hoppenheim School of Cinema en 2015. Il a depuis collaboré à une multitude de projets comme scénariste, monteur, réalisateur et producteur, ayant notamment co-écrit et co-produit Écume (2020), présenté en première mondiale à la 70e Berlinale et nommé dans le Canada’s Top Ten au TIFF. Son premier long métrage en tant que co-scénariste-réalisateur, Desvío de noche (2022), est présenté en première mondiale au FID Marseille.

Chaque jour, des milliers de travailleurs traversent le fleuve depuis la rive sud pour rejoindre Lisbonne. Ils viennent travailler dans la ville. Ils effectuent ce trajet tout au long de leur vie, comme dans un flux incessant de passages.

Gonçalo Pina est diplômé en cinéma de l’École supérieure de théâtre et de cinéma de Lisbonne. Il poursuit actuellement un master en sciences de la communication, avec une spécialisation en cinéma et télévision, à l’université NOVA de Lisbonne.

L’installation d’une exposition, le ménage fait dans les salles avant l’ouverture des portes, l’accueil au guichet qui succède à la fouille de sécurité à l’entrée de l’établissement... Scènes de genre contemporaines au sein d’un musée historique.

Après une formation scientifique en école d’ingénieur, Hugo Orts intègre le Master Cinéma de l’École Nationale Supérieure Louis-Lumière en 2016. Diplômé en 2019, il est aujourd’hui monteur et développe depuis peu ses premiers projets en tant que réalisateur.

Les terres agricoles valenciennes sont devenues une terre de fantômes. Les agriculteurs ont disparu ; les cabanes et les fermes se sont transformées en remises poussiéreuses, tandis que les objets laissés derrière eux sont les traces d’un monde disparu. Qui habite ce paysage dystopique ? Au milieu des échos d’un instant figé, les ruines, l’eau et l’environnement apparaissent comme des acteurs fantomatiques, s’efforçant de raconter leur histoire — non seulement pour rappeler ce qui a été perdu, mais aussi pour interroger les raisons de la disparition de ce mode de vie et la possibilité de le préserver encore.

María Añón (Valence, 1997) a étudié la direction de la photographie à l’ECAM et la programmation cinématographique à l’EQZE. Elle a fait ses débuts en tant que réalisatrice avec le court métrage documentaire expérimental Un perro ladra detrás del depósito (A Dog Barks Behind the Tank), qui figure dans le catalogue CURTS 1 2026 de l’IVC. Présenté en première au D’A Film Festival de Barcelone, le film a été sélectionné à Alcances, Olhares do Mediterrâneo et MRGente, section du festival Márgenes de Madrid. Elle achève actuellement la postproduction de son deuxième film, El astro se ve en el zenit, tout en développant son troisième court métrage, Todo lo sólido desaparece en el mar, sélectionné dans le cadre du programme de développement After ECAM, ainsi qu’à Abycine Lanza et Animadeba.

Un artiste né à Jérusalem est invité à créer une œuvre sur un artiste né à Wuppertal, célèbre sculpteur national-socialiste des années 1940. Tout en acceptant de relever le défi, il refuse de nommer, dans l’œuvre même qu’il réalise, l’artiste sur le travail duquel il a été invité à réfléchir : Arno Breker, qui fut pour Hitler dans le domaine de la sculpture ce que Leni Riefenstahl fut dans celui du cinéma. Comment créer en 2025 une œuvre d’art sur ce sombre passé ? Quel sens peut émerger de ce processus ? Quel langage peut le porter dans un présent où la violence est à nouveau justifiée et normalisée ? Dans un nouvel essai cinématographique, Assaf Gruber s'immerge une fois encore dans les profondeurs de l’histoire de l’art, respirant à travers son récit personnel, en quête d’une boussole morale pour sa pratique artistique : Commissioned Confession, un film muet à l’heure où l’on réduit au silence.

Assaf Gruber (né à Jérusalem en 1980) est sculpteur et cinéaste. Il vit et travaille à Berlin. Au cœur de sa pratique se trouve la relation dynamique entre les individus et les institutions. Il explore la manière dont l’orientation politique d’institutions historiquement établies influe sur les vies individuelles, ainsi que la façon dont ces organisations représentent et communiquent les faits et les objets qui leur sont associés. Les biographies souvent absurdes de ses protagonistes révèlent autant qu’elles dissimulent les motivations qui conduisent les individus à se soumettre ou à se rebeller face à leur monde intérieur ou à la société dans laquelle ils vivent. Ses photographies, sculptures et installations mettent en relation la matérialité des objets et leurs dimensions narratives, créant des espaces fictionnels où le mouvement et l’immobilité font office de médium. Sa pratique a progressivement évolué vers des formes cinématographiques de narration et vers l’image en mouvement. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions, notamment à la Biennale de Kyiv (2025), à steirischer herbst ’24 et à BOZAR, Bruxelles (2025). Parmi ses expositions personnelles figurent celles à la Berlinische Galerie (2018) et au Muzeum Sztuki de ?ód? (2015). Ses films ont été présentés à la Berlinale (2016, 2025), au Festival international du film de Rotterdam (2023) et au FIDMarseille (2019, 2022, 2025). En 2025, il a reçu le Prix d’art de Berlin, décerné par la Fondation du jubilé 1848-1948, dans la catégorie arts visuels, et en 2018, le prix Follow Fluxus – Fluxus Art Prize. Il a étudié à la Cooper Union à New York et est diplômé de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et du Higher Institute of Fine Arts (HISK) de Gand. Il a bénéficié du programme berlinois de bourses de recherche artistique en 2022-2023 et a été résident de la Fondation Camargo en 2019.

La vidéo Ljuba explore deux événements historiques de 1989 à travers le regard singulier d’un cameraman de la télévision de Belgrade. À l’été 1989, Ljubomir Sekuli? (dit Ljuba) filme le rassemblement de masse de Gazimestan, au Kosovo, qui à la fois consolide l’ascension de Miloševi? au pouvoir et marque le prélude à l’éclatement sanglant de la Yougoslavie. Six mois plus tard, Ljuba filme la révolution roumaine et la chute du dictateur Ceau?escu, au pouvoir depuis de longues années. Recourant à un dispositif d’écran partagé, le film suit également Ljuba lors de son retour à Bucarest, où il remet en scène les images qui avaient alors fait le tour du monde, confrontant ce qui a perduré à ce qui s’est effacé des mémoires. Bien que distincts sur le plan historique, ces deux événements ont été présentés comme des soulèvements populaires. Pourtant, l’importance de l’année 1989 en Yougoslavie reste largement méconnue en Europe occidentale.

Bojan Fajfric est né à Belgrade, en Yougoslavie, et vit aux Pays-Bas depuis 1996. Diplômé de l’Académie royale des beaux-arts de La Haye, il a été résident à la Rijksakademie d’Amsterdam. Son travail propose un regard singulier sur l’histoire, mêlant souvenirs personnels, conscience historique collective et cours inéluctable des événements. Il travaille principalement avec l’image en mouvement et la photographie. Ses projets ont été présentés notamment au Palais de Tokyo à Paris, au Baltic Centre for Contemporary Art à Gateshead, au musée San Telmo à Saint-Sébastien, à De Appel à Amsterdam, au Salon d’octobre de Belgrade, à la nGbK à Berlin, au centre culturel Tobacco 001 à Ljubljana et à Dazibao à Montréal. Ses films ont été présentés à l’international, notamment dans le cadre d’Artists’ Film International à la Whitechapel Gallery de Londres, de Sharjah Film Platform, du Festival international du film de Rotterdam, du Festival international du court métrage d’Oberhausen, de la Viennale à Vienne, de DOK Leipzig, du Tempo Documentary Festival à Stockholm, des Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid et du festival Impakt à Utrecht.

Un film épistolaire constitué de cassettes VHS envoyées de Srebrenica entre 1993 et 1994 par le père du cinéaste, dépeignant la mise en scène d'une « vie normale » au cœur de la guerre.

Ibro Hasanovic (né en 1981 à Ljubovija, ex-Yougoslavie) est un artiste basé à Paris, travaillant entre cinéma, vidéo, photographie et installation. Il a étudié le design produit à l'Académie des Beaux-Arts de Sarajevo avant de poursuivre en art contemporain et cinéma au Fresnoy – Studio national des arts contemporains, en France. Sa pratique explore la relation entre le politique et le poétique, en dialogue avec les histoires orales et individuelles, la mémoire collective et les archives personnelles. Son travail a été exposé dans des institutions telles que le MAXXI (Rome), KADIST (Paris), le Kunstverein de Hambourg, le Garage Museum (Moscou), la Kunsthalle Wien, le MACRO (Rome), le Carré d'Art (Nîmes), le Pera Museum (Istanbul), le Casino Luxembourg, la Moderna Galerija MG+MSUM (Ljubljana), le Künstlerhaus (Graz), le Münchner Stadtmuseum (Munich), la Villa Romana (Florence), le Washington Project for the Arts (Washington, D.C.), l'Austrian Cultural Forum (New York), le Guangdong Museum of Art (Guangzhou) et le Busan Metropolitan Art Museum, entre autres lieux. Ses films et vidéos ont été projetés dans des festivals tels que le Festival international du film de Gand, Encounters (Bristol), les États Généraux du Film Documentaire de Lussas, DokuFest (Prizren), le Tempo Documentary Festival (Stockholm), le festival Impakt (Utrecht) et le Festival du film de Sarajevo, ainsi que lors de présentations institutionnelles au Centre Pompidou et au Musée d'art contemporain de Zagreb.

Les corps, l’architecture et les idées vieillissent différemment tout en traversant ensemble le temps. Sonja Vukicevic, 73 ans, danseuse et chorégraphe de Belgrade, est connue pour son engagement contre Miloševic et pour son solo monumental lors de la dernière célébration de la Journée de la jeunesse en Yougoslavie, en 1988, peu avant la chute du mur de Berlin et le début des guerres de Yougoslavie. Dans un gymnase de Novi Beograd (Nouveau Belgrade), quartier emblématique de l’architecture utopique du modernisme socialiste, Sonja entraîne son corps vieillissant et résilient – un corps comme archive. Trente-cinq ans après cette célébration, nous voyons le corps de Sonja en mouvement, ravivant les rythmes et les voix du passé au milieu des échos de la vie contemporaine. Sa présence physique est mise en regard des archives sonores du journal intime d’une adolescente, enregistré dans cet ensemble résidentiel en 1988. Ce journal livre un récit intime du passage à l’âge adulte au gré des bouleversements idéologiques d’un État socialiste finissant. SLET 1988 revient sur la dernière grande représentation de masse (« slet ») de la Yougoslavie. Au milieu d’un déferlement de transformations majeures et retentissantes, un autre changement s’opérait, silencieux mais fondamental : le passage du collectivisme à l’individualisme. Le film saisit le « glitch », le dérèglement d’un monde pris entre espoir et incertitude, entre un collectivisme socialiste qui s’efface et la promesse de l’individualisme libéral, tandis qu’un nouveau corps collectif national s’installe insidieusement et façonnera bientôt l’avenir du pays.

Marta Popivoda est cinéaste, artiste et chercheuse. Son travail s’articule principalement autour des tensions entre mémoire, histoire et idéologie, ainsi que des relations entre corps collectifs et individuels, qu’elle aborde dans une perspective féministe et queer. Ses œuvres ont été présentées à travers le monde, dans les domaines du cinéma et des arts visuels, notamment à la Berlinale, à Locarno, à l’IFFR, à Visions du Réel, au MoMA à New York, à la Tate Modern à Londres, au MAXXI à Rome, à Manifesta et à la Biennale de Berlin. Son travail a également fait l’objet de publications dans The Guardian, Sight & Sound, Screen, Artforum et e-flux. Elle a reçu de nombreuses distinctions pour ses films et ses œuvres artistiques, dont le prestigieux Prix d’art de Berlin dans la catégorie des arts visuels, décerné par l’Akademie der Künste de Berlin. Elle enseigne le cinéma à l’Université des arts d’Amsterdam et est membre de l’Académie européenne du cinéma. Elle est également lauréate du Berlin Artistic Research Programme pour la période 2024-2025.

À bord d’un navire de croisière entre la Suède et l’Estonie, une ombre traverse un monde imaginaire fait de verre. Dans un murmure marchand, nous nous retrouvons en pèlerinage à travers la mer Baltique, parcourant l’histoire de l’Estonie - dans une quête qui se déroule dans la pénombre de la nuit.

Karolina Bergman Engman (née en 1991 en Suède) est une artiste et cinéaste suédo-estonienne, diplômée d’un master en beaux-arts de l’Académie des beaux-arts de Malmö en 2024. Dans sa pratique, elle s’intéresse aux environnements dans leur relation à la mémoire collective et à l’histoire, y projetant un monde intérieur. À travers la caméra, elle interroge sa propre perception tout en retraçant le passé de ce qu’elle cadre, jusqu’à ce que les mondes intérieur et extérieur se confondent. Ses œuvres et ses films ont récemment été présentés à l’IFEMA+ Film Festival (Suède), au Museum of Artistic Process and Public Art (Suède), à Den Frie (Danemark) et au Cinema Visionario (Italie).

Notes from Silences rassemble des fragments de mémoire de Vieques et de Bali, deux îles situées aux antipodes l’une de l’autre, qui semblent incarner à première vue un « fantasme de paradis », mais dissimulent une histoire commune enfouie. Des images filmées sans préméditation, des photographies et des bribes d’enregistrements de voix s’entremêlent aux sons d’êtres non humains qui ont été témoins de ce que les humains choisissent d’oublier. Sous ce qui semble relever des banalités du quotidien résonne l’écho le plus assourdissant de la violence : les silences que l’on continue de garder.

Alexandra Kumala raconte des histoires de l’intraduisible et de l’indicible. Expérimentant avec le cinéma et l’image en mouvement, le son et les formes d’écoute profonde, ainsi qu’avec les pratiques littéraires et textuelles, elle explore et joue avec des formes non conventionnelles pour imaginer de nouvelles manières de voir, d’écouter et de tisser des liens avec des récits habituellement délaissés ou ignorés. Ses films ont été présentés au Museum of the Moving Image, à la Casa de la Cultura Diego Rivera, au musée de Guellala, au Museo de Arte Moderno de Medellín, au Lichtblick-Kino, à la Film Coop NYC, ainsi que dans des galeries, des musées et des festivals de cinéma à travers le monde. Explorant la mémoire, la mythologie et la nature changeante de l’esprit humain, son travail a bénéficié du soutien de la New York Foundation for the Arts, du NYSCA, d’Artist Trust, de The Field, du Queens Council on the Arts et du Northwest Film Forum, entre autres. Nourrie par une éducation multiculturelle et une vie nomade à travers les continents, sa pratique narrative invite le public à approfondir son écoute et son regard sur la multiplicité des cultures, la complexité de leurs enchevêtrements à l’échelle mondiale et les déplacements constants des frontières, du langage et du pouvoir.

Là où des formations rocheuses millénaires et des écosystèmes préservés rencontrent les technologies modernes et les aspirations touristiques, émergent des zones de transition singulières. L’aspiration romantique à une nature intacte se heurte aux pratiques de loisirs et à la conscience environnementale. Le film saisit cette tension centrale de notre époque à travers des images fascinantes, parfois surréalistes.

Thomas Isler (né en 1967) est cinéaste, artiste et enseignant, basé à Zurich, en Suisse. Ses films documentaires ont été présentés dans des festivals internationaux, distribués en salles et diffusés à la télévision. Max Philipp Schmid (né en 1962) est artiste, cinéaste et enseignant. Il vit et travaille à Bâle, en Suisse. Ses courts métrages ont été présentés dans de nombreux festivals internationaux et ont reçu plusieurs distinctions. Ses installations vidéo sont présentées dans le cadre d’expositions collectives et personnelles en Suisse et à l’étranger.

L’avenir du fragile héritage de l’humanité est débattu sous l’angle des questions de localisation, lors d’une interminable conférence en ligne réunissant 122 participants issus de la société civile. Tous les experts s’accordent : « La géologie est plus stable, plus fiable et plus prévisible que les systèmes politiques et les sociétés. » Un bateau à vapeur pour la paix sillonne les vignobles de la Moselle, passant devant une base d’armes nucléaires de l’OTAN. Dans un an et demi, les objectifs climatiques ne seront pas atteints. La dernière et l’avant-dernière génération ne se rencontreront pas. Une mante religieuse transformée en pré-cyborg stéréoscopique scrute un passé déplacé. Dans la région du Bas-Rhin allemand, un réacteur nucléaire désaffecté devient un parc d’attractions tout compris. Il n’existe toujours pas de site de stockage définitif des déchets hautement radioactifs en Allemagne, mais « comment avertir du danger ceux qui viendront après nous ? N’existe-t-il pas aussi un droit à l’oubli ? » Un film en partie tridimensionnel sur les signes d’avertissement, les boucles de rétroaction et les problèmes de communication, au milieu de détecteurs vivants, de chants contestataires, de dessins rupestres et de l’espace entre le signe et l’objet.

Juliane Jaschnow est artiste et cinéaste. À travers le film, la vidéo, l’installation, l’objet et les formes imprimées, elle interroge les politiques contemporaines et historiques de l’image, ainsi que les récits collectifs, les processus mémoriels et leur rôle dans la construction des identités. Son travail a été présenté dans des festivals et des expositions à l’international, notamment à transmediale à Berlin, aux Deichtorhallen de Hambourg, à la Galerie nationale de Prague, à DOK Leipzig et à steirischer herbst à Graz. Elle fait partie de la Filmische Initiative Leipzig (FILZ). Stefanie Schroeder travaille avec la photographie et le cinéma. Elle s’intéresse aux usages sociaux de la photographie, aux représentations du travail, aux transformations des paysages (mentaux), à l’Allemagne de l’Est et aux photographies fantômes. Elle a étudié à la HGB de Leipzig, participé au programme PMMC de Werkleitz ainsi qu’au programme pilote de la MDM. Elle est membre de FILZ Leipzig et d’artspace.mpeg. Elle a reçu le Prix d’art vidéo de Brême et le Prix Aenne Biermann.

En 2012, un bug informatique fait exploser en quelques secondes le feu d’artifice appelé le Big Bay Boom à San Diego. À partir d’images d’archives, le film transforme cet incident spectaculaire en métaphore, opposant l’émerveillement du public à la violence des interventions américaines dans le monde, et interrogent la frontière entre beauté et chaos.

Né à Paris et d’origine argentine, je développe une pratique artistique nourrie par un héritage culturel multiple. Diplômé des Beaux-Arts de Paris en 2025, je m’inscris dans une double appartenance, entre Europe et Amérique latine, qui traverse mon travail de manière souterraine. Celle-ci se manifeste tant dans les questionnements liés à la mémoire et à la migration que dans l’attention portée aux espaces de transition, aux fragments et aux récits personnels.

Construit comme une succession de tableaux vivants, Sans soleil (2024) est un film expe?rimental qui met en sce?ne un pyro paysage ou? l’humanite? contemple son propre effondrement. Cette vision, he?rite?e de l’e?puisement des ressources naturelles et des dérives industrielles de notre socie?te?, dessine les contours d’un avenir en proie au de?sastre. S’inspirant de « la trage?die du paysage » de Caspar David Friedrich et des « Cli-fi » sur l’habitabilite? de notre plane?te, Sans soleil imagine la mise a? mort du soleil dans un huis clos. Les matie?res fondent et se transforment en une sorte de lave dans une semi-obscurite? rougeoyante, mais ou? la combustion, loin de n’e?tre qu’une force de ravage, participe aussi paradoxalement a? l’e?mergence de nouvelles dynamiques du vivant. Sans soleil explore ainsi la tension entre disparition et renaissance, destruction et recomposition, et ouvre la voie a? une possible reconstruction.

Le Collectif Grapain est composé des frère et sœur Arnaud Grapain (né en 1989) et Maëva Grapain (née en 1992). Ils vivent et travaillent à Bobigny au sein du collectif Le Wonder, et ont étudié à l'École Nationale Supérieure d’Art – Villa Arson à Nice. Depuis 2026, ils participent au programme post-diplôme du Fresnoy – Studio national des arts contemporains à Tourcoing.  Ils sont lauréats du Prix MAIF pour la sculpture (2018), le Gustav-Weidanz Art Prize (2023), le Prix Art Éco-Conception d’Art of Change 21 et du Palais de Tokyo (2025), et la bourse Émergence de l'ADIAF (2026). Leur travail a fait l'objet d'expositions au Kunstverein Braunschweig (2020), à la Grande Halle de la Villette (2021), au Kestner Gesellschaft (2022), au Kunstverein Hannover (2023), au CAC Brétigny (2024), à la Triennale Greenlight en Norvège (2024), au Salon de Montrouge (2026), et bientôt au Yangpeyong Museum of Art.

En étudiant les relations conflictuelles entre révolution socialiste et féminisme, Dora García a découvert des journaux intimes, des notes et des lettres de figures féminines majeures, parmi lesquelles Hannah Arendt, Leslie Feinberg, Alexandra Kollontaï, Audre Lorde, Rosa Luxemburg, María Dolores González Katarain (Yoyes) et Clara Zetkin. Un sentiment de profonde et amère déception traverse ces documents. Ces moments charnières marquent le passage d’une période initiale d’action et d’enthousiasme à une phase d’amertume et de tristesse, qui laisse à son tour place à une dernière étape de résistance active et solidaire. Dans Letters of Disappointment (lecture), Dora García propose un exercice collectif qui débute par une lecture en groupe de ces « Lettres de déception ». À l’issue de la lecture, les participants sont invités à commenter les lettres et à échanger autour de leurs expériences personnelles et de déceptions particulières, dans le but de répondre à la question : « Révolution, quand tiendras-tu ta promesse ? »

Dora García vit et travaille actuellement à Oslo, en Norvège, et à Barcelone, en Espagne. Elle a développé des œuvres consacrées à la police politique de la RDA (le film Rooms, Conversations, 24 min, 2006, présenté pour la première fois à la GfZK, à Leipzig, en Allemagne), à l’humoriste Lenny Bruce (Just because everything is different... Lenny Bruce in Sydney, performance unique, Biennale de Sydney, 2008), ou encore aux associations rhizomatiques de l’antipsychiatrie (la série de livres Mad Marginal, depuis 2010, et le film The Deviant Majority, 34 min, 2010, qui s’inscrit dans son projet performatif The Inadequate, présenté pour la première fois au pavillon espagnol de la 54e Biennale de Venise). Elle a eu recours aux formats classiques de la télévision pour explorer l’histoire récente de l’Allemagne (Die Klau Mich Show, documenta 13, 2012), fréquenté des groupes de lecture de Finnegans Wake (The Joycean Society, 53 min, 2013), créé des espaces de rencontre pour les personnes qui entendent des voix (The Hearing Voices Café, depuis 2014) et exploré les croisements entre performance et psychanalyse (The Sinthome Score, 2013, et Segunda Vez, 2018). De 2018 à 2024, elle a développé le projet cinématographique Amor Rojo, consacré à la féministe marxiste Alexandra Kollontaï et à l’influence de son héritage sur les transféminismes intersectionnels du tiers-monde.

Ce plan-séquence (2'54'') est tourné dans la vallée de la rivière Úpa, connue dans la littérature tchèque par l'autrice Božena N?mcová, dans les années 1850, qui dépeint des vies autour d'une rivière bucolique et vive. Plusieurs siècles plus tard, l'histoire n'est pas la même. Elle s'écrit sur une couverture de survie pour refléter ce que l’œil nu ne voit pas : les espèces menacées, la pollution, la température qui monte - une réalité désormais commune des réseaux fluviaux européens. Le cours de l'eau traverse les frontières et le temps. L'écran d'or porte les figures tracées par l'artiste retenues dans le flot par les mains des générations qui se suivent. La vidéo a été réalisée dans le cadre de la résidence de création à ?eská Skalice en République Tchèque, sur l'invitation de la Galerie Luxfer.

Catherine Radosa est artiste plasticienne, performeuse et réalisatrice franco-tchèque. Elle travaille à la croisée des lieux et des images, des mots et des situations, qu’elle les rencontre ou qu’elle les provoque, souvent dans l’espace public. Prenant corps dans la rencontre et l’immersion au sein de lieux porteurs d’histoires, de sites marqués par leurs fonctions sociales et écologiques, son travail relève du processus et de l’expérimentation collective; il vise à créer de nouveaux espaces de réflexion et de représentation. Ses projets prennent la forme de films, de projections vidéo à l’échelle de l’architecture et de paysage, d’images, d’installations multimédias, d’œuvres sonores, de performances et d’interventions in situ. Son travail est présenté à l’échelle internationale depuis une quinzaine d’années, au sein d’expositions personnelles, collectives, dans le cadre de festivals et au cinéma et dans l’espace public : par ex. Maison POP (Montreuil, 2023), Nuit Blanche Paris (2026, 2023, 2013, 2011), Centre Pompidou (Paris, 2022), Académie du Climat (Paris, 2023), Cinéma Écran (Saint-Denis, 2023), Pragovka Gallery (Prague, 2026, 2021, 2019), Proyector (Madrid, 2021, 2019), Videoformes (Clermond-Ferrand, 2017), Centre de la Photographie (Genève, 2019, 2016), DOX (Prague, 2014), Galerie Gabrielle Maubrie (Paris, 2013), Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid (2012), Côté court (2009, Pantin)…

Un monde post-apocalyptique, décrit en voix off, hante les dieux et les déesses du musée gallo-romain de Lyon, filmés en très gros plan. À travers un poème, le film dresse le portrait d’une époque condamnée, révolue, étrange, qui n’a pas tenu ses promesses, mais demeure abstraite. Une faille temporelle et sonore : le son est un personnage à part entière - un personnage plutôt inquiétant, menaçant, telle une entité indéfinie qui entre en collision avec un passé lui-même inaccessible.

Inès Heddar (née en 1995) est une artiste et chercheuse d’origine algérienne, née et installée en France. À la croisée de la vidéo, du son, du dessin, de l’édition et de la performance, son travail explore les notions de mémoire, de territoire et de récit, principalement sur les rives de la Méditerranée. Elle cherche à développer des dispositifs sensoriels qui interrogent les relations entre espace, histoire et perception, dans une démarche poétique ancrée dans un imaginaire onirique. Ses installations invitent le spectateur à pénétrer dans les territoires qu’elle arpente et à y tracer son propre chemin d’interprétation. Le travail d’Inès Heddar procède d’un agencement du réel par l’image, qu’elle soit en mouvement, dans un fanzine ou sur une feuille de papier. Il est à la fois politique et sensible.

The Murmuring Deep place au cœur de sa réflexion la rupture des savoirs traditionnels comme lieu du sublime, où se laissent entrevoir des sources de connaissance et des modes d’existence qui dépassent l’humain.

The Murmuring Deep est une expérimentation autour d’un processus de création non linéaire, fondé sur la recherche. Il s’agissait de tenter de saisir et de réconcilier une perception fugace du monde, éprouvée lorsque j’étais chercheuse en zoologie. Je souhaitais évoquer l’expérience émotionnelle et sensorielle d’une recherche biologique approfondie, atteindre le seuil de l’inconnu et effleurer un sublime dionysiaque. Je suis partie à la recherche, dans le monde, d’images et de sons qui entraient en résonance avec cette vision de l’existence en train de se dissoudre, tentant de retrouver l’absurdité et la beauté communes qui sous-tendent toute chose.

Dione est un film réalisé sur le site archéologique de Dodone, en Grèce, où se trouvait le plus ancien oracle du monde grec. La pratique divinatoire y reposait sur l’écoute des manifestations du vivant : le bruissement des feuilles du chêne sacré, les chants des oiseaux ou les résonances des chaudrons d’airain. À partir de cette histoire, le film propose une réinterprétation contemporaine de l’oracle, faisant de l’écoute son principe de construction. Les éléments du paysage — pierres, eau, arbres, insectes, vent et animaux — deviennent les protagonistes d’une expérience sensorielle où les frontières entre réel et imaginaire se brouillent. Développée en collaboration avec le compositeur et chercheur Florent Caron Darras, la recherche sonore explore, grâce à différents dispositifs de captation, des phénomènes habituellement imperceptibles. Sons naturalistes et transformations électroniques composent un paysage acoustique où se révèlent d’autres présences et temporalités. Avec Dione, Mélissa Epaminondi poursuit une recherche sur notre relation aux territoires et aux formes de vie qui les habitent. Le film invite à déplacer notre perception du paysage, à l’écoute de ses présences et de ses temporalités multiples.

Née en 1977 à Bastia, Mélissa Epaminondi vit et travaille entre Paris et la Corse. Artiste et architecte, elle est diplômée de l’École nationale supérieure d’architecture de Marseille-Luminy. Sa pratique interroge les relations que nous entretenons avec les paysages, les architectures et les milieux que nous habitons. À travers des films et des installations, elle explore les dimensions sensibles et perceptives de notre rapport aux lieux, ainsi que les liens entre phénomènes naturels, mémoire et imaginaire. Son travail propose des expériences où se mêlent observation, écoute et fiction. Ses œuvres ont notamment été présentées au FRAC Corsica, à Es Baluard Museum of Modern and Contemporary Art (Palma de Majorque), aux Rencontres Internationales Paris/Berlin, au Centre d’art contemporain de Meymac et à la Casa Conti – Ange Leccia. En 2010, elle cofonde le collectif L140, consacré aux relations entre art et architecture. De 2016 à 2022, elle enseigne l’art vidéo à l’Université de Corse Pasquale Paoli.

Bajo el cielo cayendo (Under the Falling Sky) construit, au sein d’une maquette, un monde miniature où des catastrophes mises en scène - accidents d’origine humaine et effondrement écologique - coexistent avec de fragiles scènes d’émergence de la vie. Dans un unique plan-séquence, la caméra parcourt ce microcosme selon une chorégraphie minutieuse, décrivant une spirale à 360 degrés qui fait écho aux mouvements cycliques du vivant et des systèmes cosmiques. Cette rotation abolit les frontières entre catastrophe et renouveau, explorant la manière dont les images médiatisées peuvent à la fois occulter et révéler les multiples strates des récits de crise. Des images brutes, sans filtre, se mêlent à l’artifice théâtral : les paysages oscillent entre décomposition et renaissance.

Sebastián Díaz Morales est né en 1975 à Comodoro Rivadavia, en Argentine. Il vit et travaille à Amsterdam, aux Pays-Bas. Il a étudié à l’Universidad del Cine de Manuel Antín en Argentine (1993-1999), à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten à Amsterdam (2000-2001) et au Fresnoy – Studio national des arts contemporains, à Roubaix (2003-2004). Son travail a été largement exposé à l’international, notamment à la Tate Modern (Londres), au Centre Pompidou (Paris), au Stedelijk Museum et à De Appel (Amsterdam), au Fresnoy (Roubaix), au Centre d’art contemporain de Vilnius (CAC), à Art in General (New York), au Ludwig Museum (Budapest), à la Biennale de São Paulo, à la Biennale de Sydney, à la Fondation Joan Miró (Barcelone), au Mudam (Luxembourg), à la Fondation Calouste Gulbenkian (Lisbonne), ainsi qu’à la Biennale de Venise et à la documenta fifteen. Ses œuvres figurent notamment dans les collections du Centre Pompidou, de la Tate Modern, de la Fundación Jumex (Mexique), de la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turin), de la collection Lemaître, de la collection Costantini (Buenos Aires), de la Pinault Collection (Paris), de la Sammlung Goetz (Munich) et du Museu Coleção Berardo (Lisbonne). En 2009, il a reçu une bourse Guggenheim.

D’un côté, des particules ou des grains intergalactiques rencontrent les feux d’artifice d’une communauté - la lumière des explosions, des lueurs éphémères sur le ciel nocturne. De l’autre, des fragments de la vie de Gramsci en prison, les souvenirs d’un penseur révolutionnaire à l’approche de la mort, côtoient les mécanismes internes de la planète, des scènes de bouillonnement et des terres volcaniques. Si le rythme du film est lent, ses récits embrassent des millions d’années, des mythes, des images stellaires, des machines de haute technologie, mais aussi les réalités de la vie, notamment en Sicile. Le dernier segment de Myth and Mercury, qui offre une vision des futurs de la science, surgit soudainement. Un neutrino d’ultra-haute énergie a été détecté en Méditerranée, annonce-t-on. Des records ont été battus. Pulvérisés, même.

Née à Agrigente, en Italie, et installée à Berlin, en Allemagne, Rosa Barba explore les notions de permanence, d’impermanence, de réalité et de fiction à travers des films, des sculptures, des installations, des publications et des performances. Son travail interroge la manière dont l’espace est façonné par des constructions temporelles et linguistiques, remettant en question les formes narratives et les systèmes de signes traditionnels. Rosa Barba déconstruit les éléments constitutifs du cinéma, associant des matériaux physiques à des concepts abstraits tels que le temps et le son. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections internationales. Parmi ses expositions personnelles récentes et à venir figurent celles au Nevada Museum of Art (2027), au Gropius Bau, Berlin (2027), au Barbican, Londres (2027), au Centre Pompidou, Paris (2026), au Museum Haus Konstruktiv, dans le cadre du Zurich Art Prize (2026), au musée Albertina, Vienne (2026), au musée Calouste Gulbenkian, Lisbonne (2026), au MAXXI, Rome (2025), au MoMA, New York (2024, 2025), au Centre Pompidou, Paris (2023), à la Tate Modern, Londres (2023), et à la Neue Nationalgalerie, Berlin (2021-2022). Elle a également participé à plusieurs biennales, notamment aux 53e et 56e Biennales de Venise, à la Biennale de São Paulo (2016), à la Biennale de Sydney (2014) et à Performa (2013). Rosa Barba a reçu le Zurich Art Prize (2026), le Smithsonian Artist Research Fellowship (2025), le prix Calder en 2020 et le Prix international d’art contemporain de la Fondation Prince Pierre de Monaco en 2015.