Programme Paris 2026

Winter of Machines met en regard le paysage postindustriel de Charleroi et l’héritage du futurisme. S’inspirant de la peinture murale de Fernand Steven, Évocation de la chimie (1936–1938), réalisée au lycée Léonie de Waha à Liège, qui célèbre la science, l’industrie et le progrès, Jan Locus explore le contraste entre cette vision utopique et les difficultés que connaît aujourd’hui Charleroi. En alternant les images des vestiges industriels de la ville et celles de la peinture murale porteuse d’une promesse de progrès, le film semble suspendre le temps. La bande-son de l’artiste sonore Els Viaene accentue son atmosphère spectrale. L’avant-garde et l’ère industrielle ont-elles failli à leur promesse de progrès ?

À travers le cinéma expérimental, la photographie et le son, son travail s’articule souvent autour du paysage comme outil de construction des identités nationales et sociales, et des paysages transformés par les activités extractives et l’industrialisation. Ses films ont été présentés notamment à l’IFFR, Rotterdam (Pays-Bas), aux Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne), aux Rencontres Internationales Paris/Berlin (France/Allemagne), au FIFA, Montréal (Canada), à CROSSROADS, San Francisco (États-Unis), à l’Asolo Art Film Festival (Italie), à ONION CITY, Chicago (États-Unis), au BISFF, Pékin (Chine), et à DIGERATI, Denver (États-Unis).

À la tombée de la nuit, Stevy commence sa ronde en tant que gardien de nuit dans une mine de cryptomonnaie. Tourné spontanément dans la région de la Beauce au Québec, le film propose un portrait fantomatique et sensoriel. Il juxtapose l'étrangeté technologique du monde de demain (la mine de crypto) à l'univers rural déclinant et à la disparition progressive de ses figures masculines locales.

Né à Paris, Paul Chotel est diplômé de la Mel Hoppenheim School of Cinema en 2015. Il a depuis collaboré à une multitude de projets comme scénariste, monteur, réalisateur et producteur, ayant notamment co-écrit et co-produit Écume (2020), présenté en première mondiale à la 70e Berlinale et nommé dans le Canada’s Top Ten au TIFF. Son premier long métrage en tant que co-scénariste-réalisateur, Desvío de noche (2022), est présenté en première mondiale au FID Marseille.

Chaque jour, des milliers de travailleurs traversent le fleuve depuis la rive sud pour rejoindre Lisbonne. Ils viennent travailler dans la ville. Ils effectuent ce trajet tout au long de leur vie, comme dans un flux incessant de passages.

Gonçalo Pina est diplômé en cinéma de l’École supérieure de théâtre et de cinéma de Lisbonne. Il poursuit actuellement un master en sciences de la communication, avec une spécialisation en cinéma et télévision, à l’université NOVA de Lisbonne.

L’installation d’une exposition, le ménage fait dans les salles avant l’ouverture des portes, l’accueil au guichet qui succède à la fouille de sécurité à l’entrée de l’établissement... Scènes de genre contemporaines au sein d’un musée historique.

Après une formation scientifique en école d’ingénieur, Hugo Orts intègre le Master Cinéma de l’École Nationale Supérieure Louis-Lumière en 2016. Diplômé en 2019, il est aujourd’hui monteur et développe depuis peu ses premiers projets en tant que réalisateur.

Les terres agricoles valenciennes sont devenues une terre de fantômes. Les agriculteurs ont disparu ; les cabanes et les fermes se sont transformées en remises poussiéreuses, tandis que les objets laissés derrière eux sont les traces d’un monde disparu. Qui habite ce paysage dystopique ? Au milieu des échos d’un instant figé, les ruines, l’eau et l’environnement apparaissent comme des acteurs fantomatiques, s’efforçant de raconter leur histoire — non seulement pour rappeler ce qui a été perdu, mais aussi pour interroger les raisons de la disparition de ce mode de vie et la possibilité de le préserver encore.

María Añón (Valence, 1997) a étudié la direction de la photographie à l’ECAM et la programmation cinématographique à l’EQZE. Elle a fait ses débuts en tant que réalisatrice avec le court métrage documentaire expérimental Un perro ladra detrás del depósito (A Dog Barks Behind the Tank), qui figure dans le catalogue CURTS 1 2026 de l’IVC. Présenté en première au D’A Film Festival de Barcelone, le film a été sélectionné à Alcances, Olhares do Mediterrâneo et MRGente, section du festival Márgenes de Madrid. Elle achève actuellement la postproduction de son deuxième film, El astro se ve en el zenit, tout en développant son troisième court métrage, Todo lo sólido desaparece en el mar, sélectionné dans le cadre du programme de développement After ECAM, ainsi qu’à Abycine Lanza et Animadeba.

Un artiste né à Jérusalem est invité à créer une œuvre sur un artiste né à Wuppertal, célèbre sculpteur national-socialiste des années 1940. Tout en acceptant de relever le défi, il refuse de nommer, dans l’œuvre même qu’il réalise, l’artiste sur le travail duquel il a été invité à réfléchir : Arno Breker, qui fut pour Hitler dans le domaine de la sculpture ce que Leni Riefenstahl fut dans celui du cinéma. Comment créer en 2025 une œuvre d’art sur ce sombre passé ? Quel sens peut émerger de ce processus ? Quel langage peut le porter dans un présent où la violence est à nouveau justifiée et normalisée ? Dans un nouvel essai cinématographique, Assaf Gruber s'immerge une fois encore dans les profondeurs de l’histoire de l’art, respirant à travers son récit personnel, en quête d’une boussole morale pour sa pratique artistique : Commissioned Confession, un film muet à l’heure où l’on réduit au silence.

Assaf Gruber (né à Jérusalem en 1980) est sculpteur et cinéaste. Il vit et travaille à Berlin. Au cœur de sa pratique se trouve la relation dynamique entre les individus et les institutions. Il explore la manière dont l’orientation politique d’institutions historiquement établies influe sur les vies individuelles, ainsi que la façon dont ces organisations représentent et communiquent les faits et les objets qui leur sont associés. Les biographies souvent absurdes de ses protagonistes révèlent autant qu’elles dissimulent les motivations qui conduisent les individus à se soumettre ou à se rebeller face à leur monde intérieur ou à la société dans laquelle ils vivent. Ses photographies, sculptures et installations mettent en relation la matérialité des objets et leurs dimensions narratives, créant des espaces fictionnels où le mouvement et l’immobilité font office de médium. Sa pratique a progressivement évolué vers des formes cinématographiques de narration et vers l’image en mouvement. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions, notamment à la Biennale de Kyiv (2025), à steirischer herbst ’24 et à BOZAR, Bruxelles (2025). Parmi ses expositions personnelles figurent celles à la Berlinische Galerie (2018) et au Muzeum Sztuki de ?ód? (2015). Ses films ont été présentés à la Berlinale (2016, 2025), au Festival international du film de Rotterdam (2023) et au FIDMarseille (2019, 2022, 2025). En 2025, il a reçu le Prix d’art de Berlin, décerné par la Fondation du jubilé 1848-1948, dans la catégorie arts visuels, et en 2018, le prix Follow Fluxus – Fluxus Art Prize. Il a étudié à la Cooper Union à New York et est diplômé de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et du Higher Institute of Fine Arts (HISK) de Gand. Il a bénéficié du programme berlinois de bourses de recherche artistique en 2022-2023 et a été résident de la Fondation Camargo en 2019.

La vidéo Ljuba explore deux événements historiques de 1989 à travers le regard singulier d’un cameraman de la télévision de Belgrade. À l’été 1989, Ljubomir Sekuli? (dit Ljuba) filme le rassemblement de masse de Gazimestan, au Kosovo, qui à la fois consolide l’ascension de Miloševi? au pouvoir et marque le prélude à l’éclatement sanglant de la Yougoslavie. Six mois plus tard, Ljuba filme la révolution roumaine et la chute du dictateur Ceau?escu, au pouvoir depuis de longues années. Recourant à un dispositif d’écran partagé, le film suit également Ljuba lors de son retour à Bucarest, où il remet en scène les images qui avaient alors fait le tour du monde, confrontant ce qui a perduré à ce qui s’est effacé des mémoires. Bien que distincts sur le plan historique, ces deux événements ont été présentés comme des soulèvements populaires. Pourtant, l’importance de l’année 1989 en Yougoslavie reste largement méconnue en Europe occidentale.

Bojan Fajfric est né à Belgrade, en Yougoslavie, et vit aux Pays-Bas depuis 1996. Diplômé de l’Académie royale des beaux-arts de La Haye, il a été résident à la Rijksakademie d’Amsterdam. Son travail propose un regard singulier sur l’histoire, mêlant souvenirs personnels, conscience historique collective et cours inéluctable des événements. Il travaille principalement avec l’image en mouvement et la photographie. Ses projets ont été présentés notamment au Palais de Tokyo à Paris, au Baltic Centre for Contemporary Art à Gateshead, au musée San Telmo à Saint-Sébastien, à De Appel à Amsterdam, au Salon d’octobre de Belgrade, à la nGbK à Berlin, au centre culturel Tobacco 001 à Ljubljana et à Dazibao à Montréal. Ses films ont été présentés à l’international, notamment dans le cadre d’Artists’ Film International à la Whitechapel Gallery de Londres, de Sharjah Film Platform, du Festival international du film de Rotterdam, du Festival international du court métrage d’Oberhausen, de la Viennale à Vienne, de DOK Leipzig, du Tempo Documentary Festival à Stockholm, des Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid et du festival Impakt à Utrecht.

Un film épistolaire constitué de cassettes VHS envoyées de Srebrenica entre 1993 et 1994 par le père du cinéaste, dépeignant la mise en scène d'une « vie normale » au cœur de la guerre.

Ibro Hasanovic (né en 1981 à Ljubovija, ex-Yougoslavie) est un artiste basé à Paris, travaillant entre cinéma, vidéo, photographie et installation. Il a étudié le design produit à l'Académie des Beaux-Arts de Sarajevo avant de poursuivre en art contemporain et cinéma au Fresnoy – Studio national des arts contemporains, en France. Sa pratique explore la relation entre le politique et le poétique, en dialogue avec les histoires orales et individuelles, la mémoire collective et les archives personnelles. Son travail a été exposé dans des institutions telles que le MAXXI (Rome), KADIST (Paris), le Kunstverein de Hambourg, le Garage Museum (Moscou), la Kunsthalle Wien, le MACRO (Rome), le Carré d'Art (Nîmes), le Pera Museum (Istanbul), le Casino Luxembourg, la Moderna Galerija MG+MSUM (Ljubljana), le Künstlerhaus (Graz), le Münchner Stadtmuseum (Munich), la Villa Romana (Florence), le Washington Project for the Arts (Washington, D.C.), l'Austrian Cultural Forum (New York), le Guangdong Museum of Art (Guangzhou) et le Busan Metropolitan Art Museum, entre autres lieux. Ses films et vidéos ont été projetés dans des festivals tels que le Festival international du film de Gand, Encounters (Bristol), les États Généraux du Film Documentaire de Lussas, DokuFest (Prizren), le Tempo Documentary Festival (Stockholm), le festival Impakt (Utrecht) et le Festival du film de Sarajevo, ainsi que lors de présentations institutionnelles au Centre Pompidou et au Musée d'art contemporain de Zagreb.

Les corps, l’architecture et les idées vieillissent différemment tout en traversant ensemble le temps. Sonja Vukicevic, 73 ans, danseuse et chorégraphe de Belgrade, est connue pour son engagement contre Miloševic et pour son solo monumental lors de la dernière célébration de la Journée de la jeunesse en Yougoslavie, en 1988, peu avant la chute du mur de Berlin et le début des guerres de Yougoslavie. Dans un gymnase de Novi Beograd (Nouveau Belgrade), quartier emblématique de l’architecture utopique du modernisme socialiste, Sonja entraîne son corps vieillissant et résilient – un corps comme archive. Trente-cinq ans après cette célébration, nous voyons le corps de Sonja en mouvement, ravivant les rythmes et les voix du passé au milieu des échos de la vie contemporaine. Sa présence physique est mise en regard des archives sonores du journal intime d’une adolescente, enregistré dans cet ensemble résidentiel en 1988. Ce journal livre un récit intime du passage à l’âge adulte au gré des bouleversements idéologiques d’un État socialiste finissant. SLET 1988 revient sur la dernière grande représentation de masse (« slet ») de la Yougoslavie. Au milieu d’un déferlement de transformations majeures et retentissantes, un autre changement s’opérait, silencieux mais fondamental : le passage du collectivisme à l’individualisme. Le film saisit le « glitch », le dérèglement d’un monde pris entre espoir et incertitude, entre un collectivisme socialiste qui s’efface et la promesse de l’individualisme libéral, tandis qu’un nouveau corps collectif national s’installe insidieusement et façonnera bientôt l’avenir du pays.

Marta Popivoda est cinéaste, artiste et chercheuse. Son travail s’articule principalement autour des tensions entre mémoire, histoire et idéologie, ainsi que des relations entre corps collectifs et individuels, qu’elle aborde dans une perspective féministe et queer. Ses œuvres ont été présentées à travers le monde, dans les domaines du cinéma et des arts visuels, notamment à la Berlinale, à Locarno, à l’IFFR, à Visions du Réel, au MoMA à New York, à la Tate Modern à Londres, au MAXXI à Rome, à Manifesta et à la Biennale de Berlin. Son travail a également fait l’objet de publications dans The Guardian, Sight & Sound, Screen, Artforum et e-flux. Elle a reçu de nombreuses distinctions pour ses films et ses œuvres artistiques, dont le prestigieux Prix d’art de Berlin dans la catégorie des arts visuels, décerné par l’Akademie der Künste de Berlin. Elle enseigne le cinéma à l’Université des arts d’Amsterdam et est membre de l’Académie européenne du cinéma. Elle est également lauréate du Berlin Artistic Research Programme pour la période 2024-2025.

À bord d’un navire de croisière entre la Suède et l’Estonie, une ombre traverse un monde imaginaire fait de verre. Dans un murmure marchand, nous nous retrouvons en pèlerinage à travers la mer Baltique, parcourant l’histoire de l’Estonie - en quête dans la pénombre de la nuit.

Karolina Bergman Engman (née en 1991 en Suède) est une artiste et cinéaste suédo-estonienne, diplômée d’un master en beaux-arts de l’Académie des beaux-arts de Malmö en 2024. Dans sa pratique, elle s’intéresse aux environnements dans leur relation à la mémoire collective et à l’histoire, y projetant un monde intérieur. À travers la caméra, elle interroge sa propre perception tout en retraçant le passé de ce qu’elle cadre, jusqu’à ce que les mondes intérieur et extérieur se confondent. Ses œuvres et ses films ont récemment été présentés à l’IFEMA+ Film Festival (Suède), au Museum of Artistic Process and Public Art (Suède), à Den Frie (Danemark) et au Cinema Visionario (Italie).

Notes from Silences gathers fractured memories from Vieques and Bali, two islands on opposite ends of the world that seem like "paradise fantasy" on the surface, but conceal a common buried history. Unplanned footage, photographs, and snippets of voice recordings intertwine with the sounds of nonhuman kin that bore witness when humans choose to forget. Beneath what seems to be banalities of everyday life, lies the loudest echo of violence: the silences people continue to keep.

Alexandra Kumala tells stories of the untranslatable and the inexpressible. Experimenting across film & moving image, sound & forms of deep listening, as well as literary & text-based practices, she works and plays with nontraditional forms that reimagine new ways of seeing, listening, and connecting to stories that are normally abandoned or overlooked. Her films have screened at the Museum of Moving Image, Casa de la Cultura Diego Rivera, Musée de Guellala, Museo de Arte Moderno de Medellín, Lichtblick-Kino, Film Coop NYC, and at galleries, museums, and film festivals globally. Exploring memory, mythology, and the mutable human mind, her work has received support from the New York Foundation for the Arts, NYSCA, Artist Trust, The Field, Queens Council on the Arts, and the Northwest Film Forum, among others. With a multicultural upbringing and nomadic life across continents, her storytelling invites audiences to listen & look more deeply into cultural multiplicities, intricate global entanglements, and the constant shifting of borders, language, and power.

Where ancient rock formations and untouched ecosystems intersect with modern technology and the desire for tourism, unique transitional zones emerge. A romantic yearning for pristine nature clashes with recreational activities and environmental awareness. The film captures this central tension of our time in fascinating, sometimes surreal images.

Thomas Isler (b. 1967) is a filmmaker, artist, and lecturer based in Zurich, Switzerland. His documentary films have been shown at international festivals and have been released in cinemas and on television. Max Philipp Schmid (b. 1962) is an artist, filmmaker, and lecturer living and working in Basel, Switzerland. His short films have been screened at numerous international festivals and have received multiple awards. His video installations are presented in group and solo exhibitions in Switzerland and abroad.

The future of humanity's precarious legacy is discussed along the lines of location issues in an endless online conference with 122 participants from civil society. All the experts agree: “Geology is more stable, reliable and predictable than political systems and societies”. A peace steamer cruises through the Moselle vineyards, past the NATO nuclear weapons base. In 1.5 years, the climate targets will be missed. The last and the penultimate generation will not meet. A praying mantis transformed into a stereoscopic pre-cyborg looks into a displaced past. On the Lower Rhine, a decommissioned nuclear reactor becomes an all-inclusive amusement park. There is still no final repository for highly radioactive waste in Germany, but “how are those who come after us to be warned of the danger? Isn't there also a right to forget?” A partially three-dimensional film about warning signs, feedback loops and communication problems, surrounded by living detectors, protest songs, cave drawings and the area between sign and object.

Juliane Jaschnow is an artist and filmmaker. Working with film, video, installation, object and print she discusses contemporary and historical image politics as well as collective narratives, memory processes, and their identity-creating dimension. Her work has been shown at international festivals and exhibitions such as transmediale Berlin, Deichtorhallen Hamburg, National Gallery Prague, DOK Leipzig and steirischer herbst Graz. She is part of the Filmic Initiative Leipzig (FILZ). Stefanie Schroeder works in photography and film and is interested in social usages of photo, images of work/labour, (mental) landscape transformations, east germany and ghostphotographs. She studied at HGB Leipzig, participated in werkleitz PMMC and in MDM pilot program and is a member of FILZ Leipzig and of artspace.mpeg. She won the Bremen Video Art Award and the Aenne Biermann Prize.

En 2012, un bug informatique fait exploser en quelques secondes le feu d’artifice appelé le Big Bay Boom à San Diego. À partir d’images d’archives, le film transforme cet incident spectaculaire en métaphore, opposant l’émerveillement du public à la violence des interventions américaines dans le monde, et interrogeant la frontière entre beauté et chaos.

Né à Paris et d’origine argentine, je développe une pratique artistique nourrie par un héritage culturel multiple. Diplômé des Beaux-Arts de Paris en 2025, je m’inscris dans une double appartenance, entre Europe et Amérique latine, qui traverse mon travail de manière souterraine. Celle-ci se manifeste tant dans les questionnements liés à la mémoire et à la migration que dans l’attention portée aux espaces de transition, aux fragments et aux récits personnels.

Construit comme une succession de tableaux vivants, Sans soleil (2024) est un film expe?rimental qui met en sce?ne un pyro paysage ou? l’humanite? contemple son propre effondrement. Cette vision, he?rite?e de l’e?puisement des ressources naturelles et des dérives industrielles de notre socie?te?, dessine les contours d’un avenir en proie au de?sastre. S’inspirant de « la trage?die du paysage » de Caspar David Friedrich et des « Cli-fi » sur l’habitabilite? de notre plane?te, Sans soleil imagine la mise a? mort du soleil dans un huis clos. Les matie?res fondent et se transforment en une sorte de lave dans une semi-obscurite? rougeoyante, mais ou? la combustion, loin de n’e?tre qu’une force de ravage, participe aussi paradoxalement a? l’e?mergence de nouvelles dynamiques du vivant. Sans soleil explore ainsi la tension entre disparition et renaissance, destruction et recomposition, et ouvre la voie a? une possible reconstruction.

Le Collectif Grapain est composé des frère et sœur Arnaud Grapain (né en 1989) et Maëva Grapain (née en 1992). Ils vivent et travaillent à Bobigny au sein du collectif Le Wonder, et ont étudié à l'École Nationale Supérieure d’Art – Villa Arson à Nice. Depuis 2026, ils participent au programme post-diplôme du Fresnoy – Studio national des arts contemporains à Tourcoing.  Ils sont lauréats du Prix MAIF pour la sculpture (2018), le Gustav-Weidanz Art Prize (2023), le Prix Art Éco-Conception d’Art of Change 21 et du Palais de Tokyo (2025), et la bourse Émergence de l'ADIAF (2026). Leur travail a fait l'objet d'expositions au Kunstverein Braunschweig (2020), à la Grande Halle de la Villette (2021), au Kestner Gesellschaft (2022), au Kunstverein Hannover (2023), au CAC Brétigny (2024), à la Triennale Greenlight en Norvège (2024), au Salon de Montrouge (2026), et bientôt au Yangpeyong Museum of Art.

En étudiant les relations conflictuelles entre révolution socialiste et féminisme, Dora García a découvert des journaux intimes, des notes et des lettres de figures féminines majeures, parmi lesquelles Hannah Arendt, Leslie Feinberg, Alexandra Kollontaï, Audre Lorde, Rosa Luxemburg, María Dolores González Katarain (Yoyes) et Clara Zetkin. Un sentiment de profonde et amère déception traverse ces documents. Ces moments charnières marquent le passage d’une période initiale d’action et d’enthousiasme à une phase d’amertume et de tristesse, qui laisse à son tour place à une dernière étape de résistance active et solidaire. Dans Letters of Disappointment (lecture), Dora García propose un exercice collectif qui débute par une lecture en groupe de ces « Lettres de déception ». À l’issue de la lecture, les participants sont invités à commenter les lettres et à échanger autour de leurs expériences personnelles et de déceptions particulières, dans le but de répondre à la question : « Révolution, quand tiendras-tu ta promesse ? »

Dora García vit et travaille actuellement à Oslo, en Norvège, et à Barcelone, en Espagne. Elle a développé des œuvres consacrées à la police politique de la RDA (le film Rooms, Conversations, 24 min, 2006, présenté pour la première fois à la GfZK, à Leipzig, en Allemagne), à l’humoriste Lenny Bruce (Just because everything is different... Lenny Bruce in Sydney, performance unique, Biennale de Sydney, 2008), ou encore aux associations rhizomatiques de l’antipsychiatrie (la série de livres Mad Marginal, depuis 2010, et le film The Deviant Majority, 34 min, 2010, qui s’inscrit dans son projet performatif The Inadequate, présenté pour la première fois au pavillon espagnol de la 54e Biennale de Venise). Elle a eu recours aux formats classiques de la télévision pour explorer l’histoire récente de l’Allemagne (Die Klau Mich Show, documenta 13, 2012), fréquenté des groupes de lecture de Finnegans Wake (The Joycean Society, 53 min, 2013), créé des espaces de rencontre pour les personnes qui entendent des voix (The Hearing Voices Café, depuis 2014) et exploré les croisements entre performance et psychanalyse (The Sinthome Score, 2013, et Segunda Vez, 2018). De 2018 à 2024, elle a développé le projet cinématographique Amor Rojo, consacré à la féministe marxiste Alexandra Kollontaï et à l’influence de son héritage sur les transféminismes intersectionnels du tiers-monde.

Ce plan-séquence (2'54'') est tourné dans la vallée de la rivière Úpa, connue dans la littérature tchèque par l'autrice Božena N?mcová, dans les années 1850, qui dépeint des vies autour d'une rivière bucolique et vive. Plusieurs siècles plus tard, l'histoire n'est pas la même. Elle s'écrit sur une couverture de survie pour refléter ce que l’œil nu ne voit pas : les espèces menacées, la pollution, la température qui monte - une réalité désormais commune des réseaux fluviaux européens. Le cours de l'eau traverse les frontières et le temps. L'écran d'or porte les figures tracées par l'artiste retenues dans le flot par les mains des générations qui se suivent. La vidéo a été réalisée dans le cadre de la résidence de création à ?eská Skalice en République Tchèque, sur l'invitation de la Galerie Luxfer.

Catherine Radosa est artiste plasticienne, performeuse et réalisatrice franco-tchèque. Elle travaille à la croisée des lieux et des images, des mots et des situations, qu’elle les rencontre ou qu’elle les provoque, souvent dans l’espace public. Prenant corps dans la rencontre et l’immersion au sein de lieux porteurs d’histoires, de sites marqués par leurs fonctions sociales et écologiques, son travail relève du processus et de l’expérimentation collective; il vise à créer de nouveaux espaces de réflexion et de représentation. Ses projets prennent la forme de films, de projections vidéo à l’échelle de l’architecture et de paysage, d’images, d’installations multimédias, d’œuvres sonores, de performances et d’interventions in situ. Son travail est présenté à l’échelle internationale depuis une quinzaine d’années, au sein d’expositions personnelles, collectives, dans le cadre de festivals et au cinéma et dans l’espace public : par ex. Maison POP (Montreuil, 2023), Nuit Blanche Paris (2026, 2023, 2013, 2011), Centre Pompidou (Paris, 2022), Académie du Climat (Paris, 2023), Cinéma Écran (Saint-Denis, 2023), Pragovka Gallery (Prague, 2026, 2021, 2019), Proyector (Madrid, 2021, 2019), Videoformes (Clermond-Ferrand, 2017), Centre de la Photographie (Genève, 2019, 2016), DOX (Prague, 2014), Galerie Gabrielle Maubrie (Paris, 2013), Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid (2012), Côté court (2009, Pantin)…

A post-apocalyptic world—which is described through a voice-over haunts the gods and goddesses of the Gallo-Roman Museum in Lyon, filmed from very close up. Through a poem, the film paints a portrait of a doomed, lost, strange era that failed to keep its promises, yet remains abstract. A temporal and sonic rift: the sound is a character in its own right—a rather unsettling, threatening character, like an undefined entity colliding with a past that is itself inaccessible.

Inès Heddar (b. 1995) is an artist and researcher born and based in France, of Algerian origin. At the intersection of video, sound, drawing, publishing and performance, her work explores the notions of memory, territory and narrative, most importantly along the shores of the Mediterranean. She seeks to develop sensory devices that question the relationship between space, history and perception, with a poetic approach rooted in dreamlike imagery. Her installations invite the viewer to step into the territory where she wanders and find their own interpretative path through it. Inès Heddar’s work is an arrangement of reality through the image, whether it be in movement, in a fanzine, or on a sheet of paper. It is political and sensitive.

'The Murmuring Deep’ centers the rupture of traditional knowledge as the site of the sublime, where we can catch a glimpse of more-than-human sources of knowing and being.

Sarema Shorr is a British filmmaker based in Los Angeles. She is a BAFTA Scholar and holds an MFA from CalArts. Through embodied research, her films are in conversation with the external world, where boundaries of meaning are continually redefined through interaction. She uses film as a tool of investigation, play, and reciprocal transformation. Her work has been presented internationally at festivals and venues including Milwaukee Underground Film Festival, Antimatter [Media Art], Labocine, Lausanne Underground Film Festival, Rae–Nang Thailand, Whammy! Analog Media, REDCAT and the REEF LA.

Dione est un film réalisé sur le site archéologique de Dodone, en Grèce, où se trouvait le plus ancien oracle du monde grec. La pratique divinatoire y reposait sur l’écoute des manifestations du vivant : le bruissement des feuilles du chêne sacré, les chants des oiseaux ou les résonances des chaudrons d’airain. À partir de cette histoire, le film propose une réinterprétation contemporaine de l’oracle, faisant de l’écoute son principe de construction. Les éléments du paysage — pierres, eau, arbres, insectes, vent et animaux — deviennent les protagonistes d’une expérience sensorielle où les frontières entre réel et imaginaire se brouillent. Développée en collaboration avec le compositeur et chercheur Florent Caron Darras, la recherche sonore explore, grâce à différents dispositifs de captation, des phénomènes habituellement imperceptibles. Sons naturalistes et transformations électroniques composent un paysage acoustique où se révèlent d’autres présences et temporalités. Avec Dione, Mélissa Epaminondi poursuit une recherche sur notre relation aux territoires et aux formes de vie qui les habitent. Le film invite à déplacer notre perception du paysage, à l’écoute de ses présences et de ses temporalités multiples.

Née en 1977 à Bastia, Mélissa Epaminondi vit et travaille entre Paris et la Corse. Artiste et architecte, elle est diplômée de l’École nationale supérieure d’architecture de Marseille-Luminy. Sa pratique interroge les relations que nous entretenons avec les paysages, les architectures et les milieux que nous habitons. À travers des films et des installations, elle explore les dimensions sensibles et perceptives de notre rapport aux lieux, ainsi que les liens entre phénomènes naturels, mémoire et imaginaire. Son travail propose des expériences où se mêlent observation, écoute et fiction. Ses œuvres ont notamment été présentées au FRAC Corsica, à Es Baluard Museum of Modern and Contemporary Art (Palma de Majorque), aux Rencontres Internationales Paris/Berlin, au Centre d’art contemporain de Meymac et à la Casa Conti – Ange Leccia. En 2010, elle cofonde le collectif L140, consacré aux relations entre art et architecture. De 2016 à 2022, elle enseigne l’art vidéo à l’Université de Corse Pasquale Paoli.

Bajo el cielo cayendo (Under the Falling Sky) constructs a miniature world within a maquette, where staged disasters—human-made accidents and ecological collapse—coexist with fragile scenes of emergent life. Filmed in a single continuous take, the camera glides through this microcosm in a meticulously choreographed sequence, spiraling in a 360-degree orbit that mirrors the cyclical motion of life and cosmic systems. This rotation dissolves the boundaries between catastrophe and renewal, embracing how mediated images can both obscure and reveal the layered narratives of crisis. Raw, unfiltered visuals merge with theatrical artifice: landscapes oscillate between decay and rebirth.

Sebastián Díaz Morales was born in Comodoro Rivadavia, Argentina, in 1975 and lives and works in Amsterdam, in The Netherlands. He attended the Universidad del Cine de Antin in Argentina from 1993-1999, the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam from 2000-2001, and Le Fresnoy, Roubaix, France from 2003-2004. His work has been exhibited widely at venues—such as the Tate Modern, London; Centre Pompidou; Stedelijk Museum and De Appel, Amsterdam; Le Fresnoy, Roubaix; CAC, Vilnius; Art in General, New York City; Ludwig Museum, Budapest; Biennale Sao Pablo; Biennale of Sydney; Miro Foundation, Barcelona; MUDAM, Luxemburg; Calouste Gulbenkian Foundation, Lisbon; the Biennale di Venezia and Documenta Fifteen. His works can be found at the collections of the Centre Pompidou; Tate Modern; Fundación Jumex, Mexico; Sandretto Foundation, Torino; Lemaître's collection; Constantini collection, Buenos Aires; Pinault Foundation, Paris; Sammlung-Goetz, Munich; and the Fundacion de Arte Moderna, Museo Berardo, Lisbon between others. In 2009 he was awarded a Guggenheim Fellowship.

On one hand, intergalactic particles or grains meeting a community’s fireworks—the explosions’ lights–momentary glows against the night sky. On the other hand, extracts from Gramsci’s life in prison, memories of a revolutionary thinker as he approaches death, alongside the inner workings of the planet, bubbling scenes, and volcanic land. While the film’s pace is slow, its stories carry millions of years, myths, stellar imagery, high-tech machinery, and also realities of life, especially in Sicily. Myth and Mercury’s ending segment offering a vision of scientific futures comes all of a sudden. Ultra-high energy neutrino detected in the Mediterranean, it has been declared. Records have been broken. Pulverised, even.

Rosa Barba, born in Agrigento, Italy, and based in Berlin, Germany, explores themes of permanence, impermanence, reality, and fiction through films, sculptures, installations, publications, and performances. Her work examines how space is influenced by temporal and linguistic constructs, challenging traditional narratives and semiotics. Barba deconstructs cinematic elements, merging physical materials with abstract concepts like time and sound. Her work is part of numerous international collections and her forthcoming and recent solo exhibitions include: Nevada Museum of Art (2027), Gropius Bau, Berlin (2027), Barbican, London (2027)Centre Pompidou, Paris (2026), Museum Haus Konstruktiv, Zurich Art Prize (2026), Albertina Museum, Vienna (2026), Calouste Gulbenkian Museum, Lisbon (2026), MAXXI, Rome (2025), MoMA, New York (2024, 2025), Centre Pompidou, Paris (2023), Tate Modern, London (2023), Neue Nationalgalerie, Berlin (2021-2022), and at Biennials such as the 53rd and 56th Venice Biennale, Sao Paolo (2016), Sydney (2014) and Performa (2013). Barba was awarded the Zürich Art Prize (2026), Smithsonian Artist Research Fellowship (2025), the Calder Prize in 2020 and the Fondation Prince Pierre de Monaco's International Prize for Contemporary Art in 2015.