Programme Paris 2026

Backfeed est un feedback cinématographique inversé, puisque son destinataire est un maître fou absent. Le feedback est une méthode introduite par Jean Rouch invitant les cinéastes à projeter leur film aux personnes filmées et ainsi leur permettre de critiquer la représentation qui a été faite d’elles. C'est une façon pour le cinéma ethnographique d'aller au-delà des textes écrits sur les cultures représentées. Le film circule d’une archive analogique personnelle à l'utilisation de l'IA pour générer une rencontre imaginaire entre moi et le défunt Rouch, permettant l’avènement d’une session feedback spéculative.

Laurent Van Lancker a étudié le cinéma et l’anthropologie et est titulaire d’un doctorat en arts audiovisuels. Il a enseigné dans des écoles de cinéma (INSAS à Bruxelles, Film Academy à Amsterdam) et des universités (WWU Münster, AMU Marseille). Il est professeur d’anthropologie audiovisuelle à Aix-Marseille Université. Son dernier ouvrage, Cinematic Ethnography: Experiencing Cultures through some audiovisual practices, est paru en 2025 chez MUP. Il a cofondé les laboratoires de création SIC – SoundImageCulture et BAAB.space. Il a réalisé quinze films (expérimentaux, documentaires et de fiction) et remporté neuf prix. Ses premiers travaux documentaires exploraient des thématiques sociales et religieuses, suivis d’une série de courts métrages intitulée Experimental Ethnographies. Son premier long métrage hybride, Surya, a bénéficié d’une large diffusion. Plus récemment, il a réalisé trois longs métrages autour des questions migratoires : Brak (fiction), Kalès (documentaire) et We Others (hybride). Son dernier film, Yurugu, a été présenté en première à la Berlinale cette année. Ses œuvres s’inscrivent dans différentes pratiques cinématographiques : cinéma collaboratif, hybride et sensoriel. Elles proposent un dialogue entre éthique et esthétique, poétique et politique.

Wreckage is about war, its memory, and its afterlife. Underwater footage shows the ravenous sea superimposed with a US propaganda film. Filmed in Jeju in October 1945, it depicts soldiers loading massive piles of weapons and artillery left by the defeated Japanese Army onto a large ship and dumping them into the sea. A few years later, the Jeju 4.3 Massacre unraveled under the authority of the United States Army Military Government in Korea. During the massacre, unknown numbers of civilians were killed and thrown into the sea, while others tried to flee the island by boat. Such a fate is recalled in a lament by late shaman Koh Sunahn, a survivor of the massacre whose shamanic practice Kaisen documented for a decade until her passing. The lament takes the form of a chant where Koh Sunahn interchangeably assumes the voice of a mother and her deceased son, whose body was never recovered from the sea. Wreckage evokes several archival, temporal, and sensorial registers. The imperial archive shows war’s devastation to human life and the natural environment whereas the shamanic lament foregrounds enduring loss in the absence of a proper burial. Meanwhile, the sea is approached as an archive of traumatic memories. As the film unfolds an underwater offering is performed and the regenerative force of the sea is portrayed.

Jane Jin Kaisen (b. 1980 in Jeju Island, Korea, lives in Copenhagen, Denmark) is a visual artist and filmmaker known for her visually striking, multilayered, performative, poetic, and multi-voiced works through which past and present are brought into relation. Engaging topics such as memory, migration, borders, and translation, she activates the field where lived experience and embodied knowledge intersect with larger political histories. Another recurring focus revolves around nature and island spaces, cosmologies, re-framings of myths, and ritual and spiritual practices. She represented Korea at the 58th Venice Biennale with the film installation Community of Parting (2019). Her exhibition Community of Parting at Kunsthal Charlottenborg was awarded “Exhibition of the Year 2020” by AICA - International Association of Art Critics, Denmark. She is the recipient of the Ole Haslund’s Artist Grant (2025), the Beckett-Prize (2023), the New Carlsberg Foundation Artist Grant (2023), a 3-year work grant from the Danish Arts Foundation (2022) and the Montana ENTERPRIZE (2011) Recently she has participated in the 2026 Medina Triennial, 13th Seoul MediaCity Biennale 2025, the 13th Berlin Biennale for Contemporary Art 2025, the 36th Ljubljana Biennale of Graphic Arts 2025, and the Hawaii Triennial 2025. Other exhibtions and screenings include Korea Artist Prize 2024 at National Museum of Modern and Contemporary Art Korea, Dislocation Blues: Jane Jin Kaisen at Tate Modern in 2023. Her films have shown at Berlinale, CPH: DOX, Yamagata Intl. Documentary Film Festival, DMZ Intl. Documentary Film Festival, etc. Kaisen was professor of the School of Media Arts, The Royal Danish Academy of Fine Arts from 2020-26. She has served as a jury at CPH:DOX (2026), the DMZ International Documentary Film Festival (2021), and served as a member of the Danish Arts Foundation Project Granting Committee (2018-2021). She holds a PhD in Artistic Research from University of Copenhagen, an MA from the Royal Danish Academy of Fine Arts, and an MFA from University of California Los Angeles. She participated in the Whitney Independent Study Program 2007-08.

Presque chaque jour, un bouquiniste de rue de Tirana utilise la grille de la Villa 31, ancienne résidence d’Enver Hoxha, comme étagère pour ses livres. Toutes sortes de livres anciens y sont exposés : littérature, sciences, éducation, politique. Certains de ces ouvrages sont des publications liées au passé communiste. Nous avons acheté quatre livres au bouquiniste et les avons déposés dans l’ancienne bibliothèque d’Enver Hoxha. En échange, nous avons prélevé un livre de la bibliothèque : La Préhistoire d’André Leroi-Gourhan. Les ouvrages que nous avons ajoutés à la bibliothèque sont les suivants : Les Drapeaux sur les tours, A. Makarenko ; Speeches Conversations Articles 1965-1966, Enver Hoxha ; Veprat 5, J. Staline ; Œuvres choisies, auteurs progressistes français modernes. Cette action fait écho à la pratique du don dans les sociétés anciennes. Pour nous, l’ouvrage d’André Leroi-Gourhan, La Préhistoire, fait le lien avec une autre époque, une époque où l’humanité expérimentait d’autres formes d’organisation, de mise en commun et d’égalitarisme.

Mona V?t?manu est née en 1968 à Constan?a, en Roumanie. Elle vit et travaille aujourd’hui à Bucarest et collabore avec Florin Tudor depuis 2000. Leur pratique artistique diversifiée englobe l’art vidéo, le cinéma conceptuel, les installations textiles et l’utilisation de matériaux symboliques tels que la poussière, la rouille et la terre. Son travail a été largement exposé à l’international, notamment lors d’expositions personnelles à la Secession (Vienne) et à BAK (Utrecht), ainsi que d’expositions collectives au Centre Pompidou (Paris), à la Biennale de Shanghai et à l’Irish Museum of Modern Art (Dublin).

Sous l’horizon de la baie de Marseille, MARE SAPIENS révèle un monde submergé où présences humaines et vies marines s'enchevêtrent et se heurtent. Entièrement tourné sous l’eau, en lumière naturelle et en son direct, MARE SAPIENS propose une traversée sous-marine de la baie de Marseille où formes de vie, infrastructures et machines coexistent. Le film déploie un champ sensoriel sans commentaire ni hiérarchie, présentant la mer non comme un décor ou une ressource, mais comme un milieu qui absorbe, résiste et persiste. Ni documentaire scientifique ni plaidoyer environnemental, MARE SAPIENS est au croisement de la recherche et du cinéma, là où la mer peut émerger à sa manière.

Jeff Daniel Silva est artiste, cinéaste et anthropologue dont l'œuvre fait le pont entre pratique créative et recherche académique. Docteur en anthropologie sociale de l'EHESS, il est chercheur postdoctoral sur le projet A*Midex ANFAA (Formes narratives alternatives en anthropologie audiovisuelle) à Aix-Marseille Université/IDEAS, et membre de La Fabrique des Écritures Ethnographiques (MMSH/CNRS). Ses travaux croisent ethnographie, cinéma et son pour explorer les impacts humains et écologiques des conflits, du changement climatique et de l'industrialisation. Ses films incluent Balkan Rhapsodies: 78 Measures of War (2008), Ivan & Ivana (2011), Linefork (2016), Là où la terre (2018) et The Order of Things (2022), présentés internationalement au MoMA, Visions du Réel et à la Viennale. Ses recherches actuelles s'étendent à l'ethnographie sonore et aux projets collaboratifs explorant les relations changeantes entre humains et environnements. Aurélie Darbouret est autrice et doctorante en anthropologie au Laboratoire d'anthropologie sociale (LAS) et à l'Institut méditerranéen d'océanologie (MIO) où elle mène une thèse sur les perceptions, représentations, matérialités et imaginaires du monde marin. À travers ses travaux, elle expérimente des formes alternatives d'écriture en sciences sociales, développant des objets hybrides mêlant récits textuels, visuels et sonores, ainsi que des expositions multimodales et ateliers publics. Auparavant, elle a contribué à des œuvres littéraires, installations muséales et créations sonores. MARE SAPIENS est son premier film.

TRACE est un film hybride où le documentaire se mêle à des éléments fictionnels, dans un paysage empreint de perte et de mémoire. L’espace qui s’y déploie semble figé, le personnage inconnu revient de nulle part, tandis que la voix émerge comme un messager du passé, renforçant le lien avec les « puissances supérieures ».

Alexandra Pavlovskaya-Lokchine est une artiste plasticienne et cinéaste émergente, basée entre les Pays-Bas et Paris. Elle a étudié à l’Institut national de la cinématographie Guerassimov (VGIK), à l’Académie royale des beaux-arts de La Haye (KABK) ainsi qu’aux Beaux-Arts de Paris. Alexandra développe une pratique à la croisée de la sculpture, de l’image et du cinéma, où les formes portent le poids de la mémoire et une charge du présent. Son travail s’articule souvent autour de fragments de paysages passés — réminiscences mythologiques ou traces d’histoires vécues — qu’elle réinvente sous la forme de figures suspendues entre révélation et disparition.

"The Wood Thrush and the Bobwhite Quail" est un film dans lequel des observateurs d’oiseaux à Washington D.C. et dans le Tennessee sont convoqués par Glenn Goins et George Clinton.

Kevin Jerome Everson est né à Mansfield, dans l’Ohio, et vit et travaille à Charlottesville, en Virginie. Il est titulaire de la chaire Commonwealth and Ruffin Foundation Distinguished Professor of Studio Art et directeur du département des pratiques artistiques à l’Université de Virginie. Lauréat d’une bourse Guggenheim, du Heinz Award dans la catégorie Arts et Humanités, du Berlin Prize, de l’Alpert Award dans la catégorie Film/Vidéo et du Rome Prize, Everson développe une pratique artistique qui englobe la photographie, la gravure, la sculpture et le cinéma. Il a réalisé treize longs métrages primés et plus de trois cents œuvres de format court, individuelles ou collaboratives, dont quatorze films coréalisés avec sa collègue de l’Université de Virginie, Claudrena N. Harold. Ses films sont régulièrement présentés dans des festivals internationaux de cinéma, des salles de cinéma, des galeries, des musées et des biennales d’art. Il travaille actuellement à la postproduction de son premier long métrage de fiction, Lowndes County, dont l’action se déroule en 1959 dans le Mississippi rural, cinq ans après l’arrêt Brown v. Board of Education et cinq ans avant l’adoption du Civil Rights Act. Le travail d’Everson a fait l’objet de rétrospectives et d’expositions personnelles au Whitney Museum of American Art, à la Tate Modern (section cinéma, Londres), à High Line (New York), à Cinéma du réel/Centre Pompidou (Paris), à Art Windsor-Essex (Windsor, Canada, en collaboration avec le Media City Film Festival), à l’Andrew Kreps Gallery (New York), à la Halle für Kunst Steiermark (Graz, Autriche), au Musée national d’art moderne et contemporain de Séoul, à Glasgow Shorts, à la CINEMATEK de Bruxelles, au Cork International Film Festival, à Visions du Réel (Nyon) et à la Harvard Film Archive. Ses films ont été présentés à la Biennale du Whitney (2008, 2012, 2017), à la Biennale de Sharjah en 2013, au Carnegie International en 2018, à la Biennale Contour de Malines (Belgique) en 2023, ainsi que dans la section « Cinema for All » de la Biennale de Thaïlande en 2023. En 2027, des expositions personnelles lui seront consacrées au silent green (Berlin), au Kunstverein Braunschweig et au Wexner Center (Columbus, Ohio). Les films primés d’Everson sont régulièrement présentés dans des festivals internationaux de cinéma, notamment BlackStar, Sundance, l’IFFR, la Berlinale, Cinéma du réel, l’EMAF, Courtisane, Locarno, Venise, Toronto, le New York Film Festival, le BFI London Film Festival, Doclisboa, True/False, Crossroads, Media City, l’AFI Fest, le Chicago International Film Festival, le BAFICI, Jeonju et DMZ Docs. Ils sont également diffusés dans des salles de cinéma, des galeries, des musées et des institutions artistiques publiques et privées, notamment la Whitechapel Gallery (Londres), le Wexner Center for the Arts (Columbus, Ohio), le Museum of Modern Art (New York), le Museo Reina Sofía (Madrid), la Fondation LUMA (Suisse), le National Museum of African American History and Culture (Washington D.C.), le MOCA (Los Angeles), le Walker Art Center (Minneapolis) et REDCAT (Los Angeles). Un coffret de trois DVD, Broad Daylight and Other Times, a été édité en 2011 par Video Data Bank (États-Unis), suivi en 2017 d’un DVD consacré aux films explorant les rituels et les gestes du travail, I Really Hear That: Quality Control and Other Works, également édité par VDB. Le coffret de deux Blu-ray How You Live Your Story: Selected Works of Kevin Jerome Everson est paru à l’automne 2020 chez l’éditeur indépendant britannique Second Run DVD. En février 2025, Second Run a publié une édition spéciale Blu-ray de Park Lanes, film de huit heures tourné dans une usine, accompagnée d’un livret comprenant des essais et des entretiens auxquels ont contribué Michael B. Gillespie, Matthew Barrington et Elena Gorfinkel. Everson a bénéficié de bourses de la Fondation Guggenheim, du National Endowment for the Arts (NEA), du National Endowment for the Humanities (NEH), de l’Ohio Arts Council et du Virginia Museum. Il a reçu des aides et des commandes de JustFilms/Ford Foundation, de la Knight Arts Foundation, du Wexner Center for the Arts, de Creative Capital et du Sundance Institute. Il a également bénéficié de résidences à Mobile Frames/Media City (Windsor/Detroit), au Hallwalls Contemporary Arts Center, à Yaddo et à la MacDowell Colony, ainsi que de nombreuses bourses universitaires.

Birds Airlines prend forme à travers une confrontation entre des images contemplatives et une exploration microscopique du visible, et envisage le déplacement non comme un choix politique, mais comme une condition physiologique essentielle, où mouvement cellulaire et déplacement géographique se confondent. En m’intéressant aux oiseaux migrateurs, une espèce « dépourvue d’expression orale » dont les trajectoires du nord vers le sud inversent les schémas de survie humains, je cherche à sonder ce qui conditionne l’exil sur le plan émotionnel : le besoin de retour comme point d’ancrage entre passé et avenir. Ma démarche conjugue la rigueur de l’ornithologue et la sensibilité de l’anthropologie visuelle, établissant un parallèle troublant entre les bouleversements climatiques qui sédentarisent les oiseaux et les tensions politiques qui contraignent les êtres humains à l’errance. L’artiste rassemble et retravaille de nombreuses sources, images, sons et données, qu’il confronte ici dans une temporalité cinématographique épurée, afin de proposer une réflexion sur la migration et le mouvement, tant d’un point de vue philosophique que scientifique.

Ziad Naitaddi (né en 1995 à Rabat) est un artiste visuel dont la pratique associe photographie, image en mouvement, son et recherche. Il réunit photographie contemporaine, documents d’archives, matériaux sonores et filmiques pour explorer les frontières poreuses entre documentaire et fiction, interrogeant les représentations dominantes de l’exil, de la migration et de l’identité. Ses projets récents, Birds Airlines et The Interdependence of Things, abordent des récits écologiques, scientifiques et historiques. En établissant des liens entre les routes migratoires des oiseaux et la circulation transatlantique des poussières sahariennes qui fertilisent la forêt amazonienne, son travail invite à repenser la migration au-delà des perspectives anthropocentriques et examine les interdépendances entre paysages, espèces et histoires politiques. Son travail a été présenté à l’international dans des institutions et manifestations majeures, notamment à la Biennale de Sharjah, au MAXXI – Musée national des arts du XXIe siècle, à la Biennale de Dakar et à La Condition Publique. Il a également été présélectionné pour le Prix de la photographie 2025 du musée du quai Branly – Jacques Chirac. Ses recherches et ses projets de commande ont bénéficié du soutien de grandes fondations et organisations, parmi lesquelles la Sharjah Art Foundation, Pro Helvetia, le Goethe-Institut, l’Institut français et la Fondation Gerda Henkel, en collaboration avec l’Université Humboldt de Berlin.

Un homme devient le dernier occupant d’une maison familiale. Dans ses pièces endormies, il lit les mémoires de son père et invoque son esprit.

world premiere at Giornate Degli Autori in 2026. Ahmad Al-Zu’bi est un cinéaste jordanien qui vit et travaille entre Toronto et Amman. Son premier court métrage, Your Harvest May Be Delayed, a été présenté en première mondiale aux Journées cinématographiques de Carthage. Il a également été directeur de la photographie du long métrage de Riccardo Giacconi, Memories of Lightning, présenté en première mondiale aux Giornate degli Autori en 2026.

"Language in Exile" ouvre un espace sans frontières où des personnages et des fantômes issus de différentes géographies et cosmologies peuvent se rencontrer et dialoguer par-delà le temps et l’espace. Le film se compose de photogrammes sous-titrés, tissés ensemble en un texte polyphonique qui évoque les parcours migratoires, les esprits, la résistance, la colonialité, les rêves et la mélancolie souvent sans voix de l’exil.

Silvia Maglioni et Graeme Thomson sont cinéastes et artistes. Leur travail explore les frontières poreuses entre fiction et documentaire, visible et invisible, audible et ce qui a été réduit au silence, pensée critique et forces de réenchantement. Axée sur la réactivation d’archives, de récits et d’histoires perdus, oubliés ou réduits au silence, leur pratique privilégie les processus de création et comprend des films (notamment Facs of Life, In Search of UIQ, Common Birds, Late Gestures et Language in Exile), des installations, des œuvres sonores, des émissions radiophoniques, des technologies vernaculaires et des livres. Leurs films ont été présentés dans des manifestations cinématographiques internationales, notamment à l’IFF Rotterdam, au FIDMarseille, au Festival international du film de Thessalonique, au BAFICI, à la Semaine de la critique de Berlin, à Ji.hlava, à Hors Pistes, à Doc’s Kingdom, aux Rencontres Internationales Paris/Berlin et au Bucharest International Experimental Film Festival.

Dans un studio paisible de Tokyo, un cinéaste emblématique pose pour une photo de passeport qui ne le mènera peut-être nulle part, tandis que la veuve qui tient le studio prépare méticuleusement la prise de vue, esquissant la fragile persistance de la mémoire et du temps.

Kamal Aljafari est un cinéaste et artiste palestinien reconnu pour son approche singulière du cinéma. Une rétrospective intégrale de son œuvre lui a récemment été consacrée au Museo Nazionale del Cinema de Turin. Il a également été mis à l’honneur au Batalha Centro de Cinema à Porto et au festival de cinéma documentaire Ambulante à Mexico. Son long métrage A Fidai Film (2024) a été présenté dans plus d’une centaine de festivals et a remporté une dizaine de prix internationaux. Son œuvre la plus récente, With Hasan in Gaza (2025), a été présentée en première mondiale dans la compétition internationale du Festival du film de Locarno et a été présélectionnée par l’Académie européenne du cinéma.

À Lubbock, au Texas, se trouvent quatre statues de quatre célébrités locales : un astronaute, un chef de barbecue, un chanteur de rock 'n' roll et un promoteur immobilier. Un court-métrage sur une toute dernière visite dans ma ville natale pour leur rendre hommage et mettre de l'ordre dans mes affaires.

Bill Brown est un cinéaste qui s'intéresse aux géographies de la mémoire et de l'histoire. Il est le cofondateur du Cosmic Rays Film Festival. Il vit à Marseille.

Une femme du sud de la Floride traverse une nuit étrange sous les lueurs d’un casino.

Brittany Reeber est une scénariste et réalisatrice originaire du sud de la Floride, aujourd’hui installée à New York. Depuis une dizaine d’années, elle travaille dans les domaines du cinéma indépendant, de la comédie et de la production publicitaire. Sa pratique repose sur la collaboration avec les interprètes, une mise en scène chorégraphiée de leurs déplacements et une attention particulière aux lieux. Son premier long métrage, A Sight to Behold, sera tourné à New York au printemps 2027.

Une présence rôde dans une ville de banlieue parisienne, elle traque les habitants. Les disparitions se multiplient. Nassim, un jeune garçon, est mis à la porte de chez lui un soir, il passe la nuit dehors, se sent suivi.

Je suis un vidéaste français né à Paris le 4 mai 1994. J’ai étudié à l’ENSAV La Cambre entre 2016 et 2022 dans les sections peinture et sculpture. Ma pratique s’articule entre la réalisation de films, de sculptures et d’installations. Mon travail se construit en Seine-Saint-Denis dans le quartier où j’ai grandi. J’y expérimente des dispositifs de captations et d’écritures plurielles. Dans mes films l’écriture passe de mains en mains, la caméra d’un œil à l’autre. La participation des habitants est fondamentale, elle me permet d’envisager une réponse collective au spectre médiatique pesant sur ce lieu.

Marseille, un été caniculaire. Une bande de skateurs, la vingtaine, skate à corps perdus dans des lieux à la lisière du monde. Acharnés de glisse, ils poursuivent un rêve de liberté absolue, bravant les limites de leur propre corps.

Née en 1991 à Paris, Anna Ostasenko Bogdanoff est diplômée de la Fémis, section décor. Elle a réalisé plusieurs métrages, sélectionnés entre autres à Hot Docs et DOC NYC. En 2022, elle clôture une résidence au Musée des Arts Décoratifs, où elle réalise des films sur les artistes exposés. Elle prépare actuellement un court métrage de fiction soutenu par le CNC et écrit son premier long métrage. Ces projets, inspirés par son histoire personnelle, explorent le deuil et le corps. Tessa est diplômée en Histoire des Arts, Lettres modernes et Etudes Théâtrales. Après une Hypokhâgne-Khâgne, elle a étudié la mise en scène, la direction d'acteurs et l’écriture de scripts, et a travaillé comme assistante sur des films en France, aux USA et en Italie. Depuis son retour en France en 2021 elle se consacre à l’écriture et à l'enseignement des Lettres dans le second degré. "Puisque tout brûle" est son premier court-métrage documentaire produit en co-écriture et co-réalisation.

Une traversée méditative des rues de Los Angeles et une réflexion sur le fonctionnement des images en mouvement dans un climat de paranoïa et de violence d’État. Empruntant son titre à un signal sonore de test peu connu, utilisé dans l’industrie cinématographique dans les années 1990, cette œuvre visuelle s’articule autour de procédés et de techniques de fabrication de l’image. Au cœur du film se trouve une série de diapositives 35 mm retrouvées, prises en 1976 dans l’ouest de Los Angeles. Ces images documentent le collage d’affiches publicitaires de films à différents carrefours. À y regarder de plus près, on découvre qu’il s’agit d’affiches pour Underground (« Le film que le FBI ne voulait pas que vous voyiez »), le documentaire subversif réalisé en 1976 par Emile de Antonio, Mary Lampson et Haskell Wexler, qui montre les membres du Weather Underground réfugiés dans une planque du comté de Los Angeles, au lendemain de la chute de Saïgon. Ces affiches côtoient celles des Hommes du président (All the President’s Men) et de L’Âge de cristal (Logan’s Run). Avec le temps, les couleurs des diapositives se sont altérées et estompées, laissant place à une palette de roses, de magentas et de rouges. Ces couleurs se prolongent jusque sur les murs de la galerie. Ces images de 1976 sont juxtaposées à mes propres images contemporaines de passants, filmés depuis la fenêtre de mon atelier à East Hollywood. Filmés en gros plan, les gestes de ces personnes dans la rue se donnent à voir dans leurs moindres détails : taper des messages sur des écrans tactiles, faire tomber la cendre d’une cigarette, serrer un gobelet de café, tendre de l’argent pour payer son trajet en bus. Ces images en couleur alternent avec des animations en noir et blanc fortement contrastées, générées à l’aide d’un logiciel libre de synthèse vidéo, puis refilmées image par image sur une pellicule 16 mm destinée à l’enregistrement du son optique. Évoquant les premières animations par ordinateur, ces formes abstraites en mouvement rapide suggèrent des systèmes et des mouvements en constante transformation. La bande-son du film se compose des trente fréquences sonores qui constituaient le signal de test pinktone, de boucles de rétroaction produites par un écho à bande magnétique et du bruit de fond du silence enregistré sur une piste sonore optique 16 mm.

Mike Stoltz est un artiste installé à Los Angeles. Il réalise des films, des installations et des objets qui interrogent la manière dont les êtres humains se déplacent et évoluent au sein du paysage construit. Au-delà de leur diversité, ses œuvres témoignent d’un intérêt central pour les qualités spatiales de l’image en mouvement. L’expérience cinématographique est envisagée comme un moyen d’interroger et de réimaginer la manière dont les espaces influencent la vie humaine, en intégrant des dimensions somatiques, kinétiques et viscérales. Ses films associent des images documentaires fondées sur l’observation à des techniques privilégiant les processus de fabrication, qui mettent en évidence les qualités matérielles de la prise de vue et de la projection argentiques. Le travail sonore intègre des éléments texturaux tels que les effets de Larsen, le souffle des bandes magnétiques et les bourdonnements électriques. Les œuvres qui en résultent présentent des qualités à la fois environnementales et graphiques. Chacune, par sa conception et sa logique propres, conduit progressivement le spectateur vers un état de fascination, mêlant le méditatif et le fantasmagorique. Au cœur de ces œuvres se trouvent les enjeux politiques de la régulation des déplacements des corps dans l’espace, ainsi que la frontière ténue entre architecture banale et architecture hostile. Les films 16 mm et les vidéos de Stoltz ont été présentés à l’international, notamment au Festival international du film de Toronto, au New York Film Festival, au Hammer Museum, au Media City Film Festival, au Festival international du film de Hong Kong, à Courtisane, au Festival international du cinéma indépendant de Buenos Aires (BAFICI), à Light Field, au Festival international du film de Rotterdam, à REDCAT et à l’Ann Arbor Film Festival. Il a également assuré la programmation de séances de cinéma pour Magic Lantern Cinema, l’Echo Park Film Center, VISIONS, l’Arroyo Seco Cine Club et Now Instant Image Hall.

"A Circle as the Center of the Whole" aborde la ville de Delhi comme un site excavé par l’histoire, l’idéologie et l’acte même de se remémorer. Des fragments d’archives d’État, de récits mythiques et de souvenirs personnels composent une archive spéculative qui déjoue toute tentative de figer l’identité de la ville en un monolithe. La figure d’une mosquée démolie plane sur un chantier de fouilles contemporain, tandis qu’une expérience de la perte vécue dans l’enfance prend la forme d’un trou dans le sol. L’archéologie opère à la fois comme méthode et comme métaphore, à travers lesquelles le film examine les cycles de découverte et d’effacement inhérents aux revendications personnelles et politiques sur la ville, réimaginant son territoire par des chemins de traverse. Il en émerge une historiographie alternative, marquée par des ruptures qui interrogent la manière dont l’absence en vient à structurer la mémoire et l’espace.

Utkarsh est artiste et cinéaste originaire de Delhi, en Inde. Sa pratique interroge la manière dont le monde visible est représenté et inscrit dans la mémoire, explorant les processus optiques, archivistiques et algorithmiques qui façonnent la mémoire et l’identité. Ses films ont été présentés notamment à la Berlinale, au FICUNAM, aux Rencontres Internationales Paris/Berlin, à EXiS, à Experimenta et à l’EMAF, ainsi que dans d’autres festivals et expositions. Ses textes sur la photographie et le cinéma ont été publiés dans des revues et sur des plateformes telles que The Caravan Magazine et STIRworld. Il a bénéficié d’une bourse du Flaherty Film Seminar. Titulaire d’un Master of Fine Arts (MFA) en cinéma et vidéo du California Institute of the Arts, il poursuit actuellement un doctorat en culture moderne et médias (Modern Culture and Media) à la Brown University.

Un film en deux volets qui met en scène, dans l’intimité, deux éléments documentaires distincts : un journal de fin de vie et un jeu d’enfant consistant à faire semblant d’être malade. Assis dans un salon devant un petit auditoire composé de jeunes gens, un acteur (Toby Jones) donne une longue lecture d’un journal tenu pendant un cancer (écrit par Philip Atkins, père du réalisateur Ed Atkins). Ce texte, d’une intimité presque insoutenable, témoigne du déclin rapide du corps, des sentiments de manque et d’apitoiement sur soi, de la perte d’autonomie, de la vie sociale à l’hôpital, de la gestion administrative de la maladie en phase terminale et de la prise de conscience d’avoir aimé et d’avoir été aimé. Il est à la fois déchirant, tendre, fastidieux, et porté par un irrépressible humour noir. Au cours de la lecture, la caméra tourne autour de l’acteur et de l’auditoire, laissant tour à tour affleurer et se dérober les émotions sur leurs visages. Une fois la lecture du journal terminée, Jones s’allonge sur le sol et rejoue un jeu d’enfant consistant à simuler la maladie, réclamant toutes sortes de traitements imaginaires à sa partenaire (Saskia Reeves), qui joue le rôle d’une ambulancière. Tandis que le patient reste allongé, face contre terre, sans réaction, l’ambulancière le soigne, par exemple en lui faisant ingurgiter des potions magiques, en lui collant des Post-it sur le visage et en le recouvrant de mouchoirs en papier. Nurses Come and Go, but None for Me présente des matériaux intimes que le film s’approprie, en instaurant une légère distance émotionnelle, dans le but paradoxal d’intensifier cette intimité ou de la rendre accessible sur un mode voyeuriste. Le journal comme le jeu constituent des tentatives de répéter l’inimaginable et de transformer la confrontation avec la mort en plaisir.

Ed Atkins has had solo exhibitions at New Museum, PS1, the Stedelijk Museum, Serpentine Gallery, and Martin-Gropius-Bau and, in 2025, Tate Britain. Steven Zultanski is the author of ten books of poetry. With Atkins, he co-wrote and co-directed "Sorcerer" — a play, a film, and a book.