Catalogue 2025

« Nii tuli lõpp / And Then Came The End » s’appuie sur l’expérience du prêtre catholique allemand Magnus Frey dans les camps de prisonniers de guerre de Narva, en Estonie, entre 1945 et 1946. Dans ce film, Siib montre les lieux de cette histoire à Narva tels qu’ils sont aujourd’hui, vidés de toute présence humaine — bâtiments délabrés et paysages hivernaux. La bande sonore intègre des fragments du quotidien décrits dans les mémoires de Frey : comment les prisonniers n’ont jamais reçu les quelques roubles promis, comment leurs couvertures chaudes leur ont été retirées avant l’hiver ; comment les prisonniers croyants parvenaient à confectionner du pain de communion malgré les conditions extrêmes ; et comment, affamés, ils se divertissaient en évoquant leurs plats préférés ou en recopiant leurs recettes favorites. Les extraits du journal de Frey sont disposés à l’écran, accompagnés d’images et d’une bande sonore musicale, composant un poème en prose à partir de matériaux documentaires. La valeur d’une telle micro-histoire, qu’elle soit textuelle ou cinématographique, ne réside pas dans la révélation de grands événements ni dans l’interprétation des tournants historiques. Elle tient plutôt au fait que des anecdotes et fragments individuels peuvent servir de preuves vivantes, rendant l’histoire sensible et nous invitant à prendre au sérieux la souffrance et l’existence d’autrui — hier comme aujourd’hui. Par Teemu Mäki

Liina Siib est artiste visuelle, cinéaste et enseignante. Elle vit et travaille à Tallinn, en Estonie. Ses œuvres abordent des thèmes allant de la féminité et de l’espace social aux multiples formes que prennent les pratiques quotidiennes. Elle combine observations de terrain, archives, récits historiques, narrations circulant dans la société, approches psychanalytiques ainsi que théories contemporaines de l’art et du cinéma. Les personnages, espaces et situations qu’elle met en scène sont souvent ceux qui passent inaperçus en raison de leur banalité, ou qui ont été tus, marginalisés, oubliés. Dans son approche pluridisciplinaire, elle mobilise film, vidéo, photographie, installation, performance, ready-made, médias imprimés et livres d’artiste. Ses vidéos documentaires expérimentales et ses courts métrages mis en scène ont été présentés aussi bien dans des festivals de films d’artistes que dans des expositions en galerie, souvent sous des formes d’expanded cinema. En 2011, son projet A Woman Takes Little Space a représenté l’Estonie à la 54? Biennale d’art de Venise. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections publiques et privées, notamment au Musée d’art d’Estonie (Tallinn), au Neues Museum (Nuremberg) et au Moderna Museet (Stockholm).

Les espaces abandonnés d’un parc à thème western, d’un love hotel et du manoir d’un milliardaire reprennent vie sous l’envahissement des plantes, la présence des animaux, la pluie de fin d’été et les traces hantées d’anciennes habitations humaines.

Adam James Smith est un cinéaste britannico-américain basé à New York. Sa pratique cinématographique s’étend aux environnements ruraux et urbains de Chine, du Japon et des États-Unis. Adam a étudié le cinéma à Stanford et l’anthropologie à Cambridge, université avec laquelle il est actuellement affilié, au sein du Visual Anthropology Lab.

En 1998, deux écolières ont envoyé une lettre au premier journal féminin d’Iran. Dans l’attente d’être publiées, elles ont imaginé un film impossible. À travers citations et interventions sur l’image, Razeh-del traverse des histoires parallèles de guerres menées contre les images des femmes.

Maryam Tafakory, née et élevée en Iran, travaille entre le film et la performance. Des projections monographiques de ses œuvres ont été présentées notamment au MoMA, au BOZAR, à la National Gallery of Art à Washington D.C., et à l’Academy Museum, entre autres. Parmi les expositions collectives sélectionnées figurent le Tate Modern, la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes, le New York Film Festival, le Festival de Locarno et le Festival international du film de Toronto. Elle a reçu le Gold Hugo au 58e Festival international du film de Chicago, le Tiger Short Award au 51e IFFR, ainsi que le Prix du Meilleur Film Expérimental aux 70e et 71e MIFF. Elle a été la lauréate 2024 du Film London Jarman Award.

Un vieil homme se réveille dans une plantation de caoutchouc déboisée et se retrouve plongé dans le passé colonial. Une vieille chanson folklorique lointaine résonne alors qu'il tombe dans la boucle éternelle de la récolte du caoutchouc.

Wey Yinn Teo est une cinéaste basée à Kuala Lumpur. Son travail s’éloigne souvent des sphères du réel et de la vérité, explorant le deuil, l’aliénation et le spectre de l’expérience humaine. En parallèle de sa pratique du son et de la musique, son premier court métrage, Enflightenment (2023), a remporté le Prix du Public au Short Waves Festival en Pologne, et a poursuivi sa circulation dans des festivals tels que Leiden Shorts, EXPOSED Queer Film Festival Berlin, et d’autres encore. Latex Labyrinth a récemment connu sa première internationale au Ji.hlava IDFF et a remporté le prix du Best Dance Video à Eye Catcher Global 2025, Hong Kong.

« Je viens tout juste d’arriver du futur, et là-bas les gens vont encore au cinéma. En y repensant, il vaudrait peut-être mieux commencer ainsi : Je viens tout juste d’arriver du futur, et là-bas les gens vont encore au cinéma. »

Nicolas THOMÉ ZETUNE (1993, Brésil) est un réalisateur basé à São Paulo. En 2012, il fonde la société de production FILMES DE AMOR. Ses courts métrages ont été présentés dans certains des plus grands festivals internationaux, dont l’International Film Festival Rotterdam. Son premier long métrage, O Pequeno Mal, a été présenté au FID Marseille en 2018. Son deuxième film, O Tubérculo, a fait sa première mondiale au 27? Festival de Tiradentes. En 2025, Nicolas est sélectionné pour Berlinale Talents Buenos Aires, un forum international de discussion et de développement de projets organisé en partenariat avec la Berlinale et le BAFICI – Buenos Aires International Independent Film Festival. Il prépare actuellement son troisième long métrage, Invisible Tunnel, un projet sélectionné au FIDLab (Marseille, France). Le tournage est prévu pour novembre 2026. Felipe ANDRÉ SILVA (1991, Recife) est cinéaste et poète. Il a signé notamment les longs métrages Santa Mônica (2015) et Passado (2020), ainsi que le court Cinema Contemporâneo (2019). Il travaille régulièrement comme programmateur pour le festival Janela Internacional de Cinema do Recife. En littérature, il a publié les recueils o escritor Xerxenesky et o autocad de Britney Spears, et dirige actuellement &legal edições, une micro-maison d’édition numérique dédiée à la poésie contemporaine.

From the Campidoglio to the Zoo est une œuvre filmique et sonore qui examine la persistance de la colonialité dans l’Italie d’après-guerre, en s’appuyant sur le Ponte Flaminio, un pont conçu pour célébrer les aspirations fascistes et offrir une entrée cérémonielle dans la ville, construit après la Seconde Guerre mondiale à partir de la proposition initiale d’Armando Brasini. Le titre de l’œuvre est emprunté à un essai inédit de l’écrivain William Demby, rédigé comme une critique du Deuxième Congrès des Artistes et Écrivains Noirs de 1959 auquel il avait assisté. Ce congrès, dédié au développement d’une vision et d’une solidarité entre producteurs culturels afro-diasporiques, existait en contraste direct avec son organisation par l’Istituto Italiano per l’Africa. Le film est activé par une performance sonore en direct, enregistrée au Museo delle Civiltà à Rome, par Dudu Kouate et Justin Randolph Thompson, puisant dans l’essence de la négritude avancée en relation avec le congrès et dans la nature fragmentaire de l’unité noire globale. Le son a été produit à partir d’une série d’instruments appartenant à la collection ethnographique du Musée Pigorini à Rome, conservée au Museo delle Civiltà. C’était la première fois que ces instruments étaient joués depuis leur intégration dans la collection, dans certains cas, depuis plus de cent ans. L’œuvre a été réalisée avec le soutien de la British School at Rome et du Museo delle Civiltà.

Justin Randolph Thompson est un artiste, facilitateur culturel et enseignant, né à Peekskill, dans l’État de New York, en 1979. Il partage sa vie entre l’Italie et les États-Unis depuis 1999. Thompson est lauréat d’un MAP Fund Award 2024, d’un Creative Capital Award 2022, d’une Italian Council Research Fellowship 2020, d’un Louis Comfort Tiffany Award, d’un Franklin Furnace Fund Award, d’une Visual Artist Grant de la Fundación Marcelino Botín, ainsi que d’une Emerging Artist Fellowship de Socrates Sculpture Park, entre autres distinctions. Ses œuvres et performances ont été largement présentées dans des institutions telles que le Whitney Museum of American Art, le Centro de Arte Reina Sofía, et The American Academy in Rome, et figurent dans de nombreuses collections, dont le Studio Museum in Harlem et le Museo MADRE. Sa vie et son travail cherchent à approfondir les discussions autour de la stratification socioculturelle et de l’« arrogance de la permanence », en mobilisant des communautés temporaires et fugitives comme formes monumentales, et en développant des projets reliant discours académique, activisme social et stratégies DIY de mise en réseau, au sein de rassemblements annuels ou biennaux, de partages et de gestes de collectivité.

En revisitant les images d’un détournement survenu lors du journal télévisé national néerlandais, en 2015, Aidan Timmer, qui a désormais le même âge que l’auteur des faits, réfléchit à cet événement. En regardant le jeune homme peiner à réciter une lettre en direct à la télévision, Aidan se rapproche émotionnellement du garçon qui avait pris son père en otage.

Aidan Timmer (né à Amsterdam, Pays-Bas) développe un travail principalement ancré dans le champ audiovisuel. Il s’est plongé de plus en plus profondément dans le documentaire, l’essai filmique et les formes hybrides. La plupart de ses films ou de ses œuvres naissent d’une fascination obsessionnelle pour tout ce qui tente de transmettre une vérité ou une forme de véracité. Il envisage ses films comme des explorations essayistiques de l’objectivité et de l’illusion d’impartialité. Tarik en Ik met en scène la relation émotionnelle et obsessionnelle avec une peur issue du passé.

Project Strings est une performance audiovisuelle en direct et un essai vidéo du duo artistique TraumaZone. Le projet s’appuie sur le livre Staying with the Trouble de Donna Haraway, où l’autrice réfléchit à la manière dont idées, êtres et mondes s’entrelacent comme les fils du jeu de la ficelle (Cat’s cradle). Partant de ces jeux de ficelles comme principe central, Strings aborde les notions de coexistence entre humains et non-humains au sein d’un même système social. Au fil du récit, la grille solide des connexions se dissout progressivement, laissant émerger la fluidité comme principe fondamental de coopération. La performance conjugue des visuels réactifs — en direct et préenregistrés — et un dispositif sonore live incluant une boucle de 20 secondes issue des radiations électromagnétiques émises par un panneau solaire, combinée à des fragments d’émissions AM enregistrées lors d’une résidence artistique en milieu rural bavarois. L’essai vidéo propose une version condensée du matériau, avec un rythme narratif plus énergique. Project Strings invite le public dans un paysage méditatif où sons et images œuvrent de concert à défaire les structures rigides et à embrasser des modes d’existence plus fluides et interdépendants.

TraumaZone est un duo de live-coding basé à Berlin, composé de Ksenia Sova, artiste vidéo, et de Fyodor Stepanov, designer sonore. Leur démarche vise avant tout à politiser la communauté artistique en mettant en lumière des questions essentielles et en créant un espace sûr pour la discussion. Ksenia Sova (they/them) est une artiste média basée en Allemagne. Iel a étudié l’art médiatique à l’Académie des beaux-arts de Leipzig. Son travail s’intéresse particulièrement aux expériences d’aliénation, d’isolement et d’anxiété vécues par un corps queer au sein d’environnements numériques. Iel recourt à une approche du cinéma élargi pour créer des œuvres temporelles présentées lors d’expositions individuelles ou collectives. Fyodor Stepanov (he/they) est un artiste sonore et compositeur basé à Berlin. Il se spécialise dans les œuvres électroacoustiques destinées aux installations interactives, aux performances audiovisuelles et à la vidéo. Sa pratique est portée par les notions de transience, de non-linéarité et d’ambiguïté inhérentes au sonore. L’approche qu’il a développée au cours de la dernière décennie combine algorithmes génératifs, fragments de radiodiffusion, enregistrements de terrain et écoute électromagnétique pour produire des paysages acousmatiques étranges, évoluant lentement sur de longues durées.

J’ai rêvé que je devenais un animal. Je pouvais franchir la frontière librement, à travers la forêt. J’entrais sur cette terre sans être vu — cette terre qui me manque et me fait peur à la fois. J’y ai rencontré ma grand-mère, que je n’ai pas vue depuis plusieurs années. Elle ne m’a pas reconnu, mais nous nous tenions très proches l’un de l’autre, en silence. In the Animal’s Skin explore la frontière entre la Biélorussie et la Pologne, qui traverse la forêt ancestrale de Bia?owie?a — un sanctuaire protégé devenu un lieu de murs, de détentions et de peur. Le mur n’arrête pas seulement les réfugiés : il divise les habitats animaux et perturbe des routes migratoires millénaires. À Bohoniki, un village tatar proche de la frontière, la communauté tatar locale enterre avec une dignité silencieuse les réfugiés retrouvés dans la forêt — un contraste saisissant avec l’abandon politique. Le film réfléchit aux frontières, à la violence, et aux liens fragiles entre humains, animaux et forêt — cette forêt qui demeure témoin muet.

Yuliya Tsviatkova (née en 1993, Biélorussie) est une artiste visuelle et cinéaste basée en Allemagne. Forte d’une double formation en microbiologie et en arts plastiques, elle aborde l’image en mouvement comme un espace où l’observation scientifique rencontre la poétique. Son travail explore l’écologie, la mémoire et les traumatismes politiques à travers des récits non linéaires, souvent centrés sur l’exil, la violence environnementale et l’enchevêtrement des vies humaines et non humaines.

Comment échapper de nos corps, depuis l’isolement de nos foyers, aux modes costumbristes canoniques qui conçoivent la maison comme un lieu de paix, de refuge et de sécurité ? Cette œuvre vidéo immersive, réalisée dans le contexte de l’enfermement planétaire dû à la pandémie de COVID-19, nous plonge dans un memento mori, un espace inventé, amniotique, traversé de recoins vulnérables et mutants, interrogeant les limites du vivant, de l’humain, l’horreur du quotidien et l’amplitude de l’habiter. À travers des essais performatifs menés en isolement, l’artiste numérise divers objets, capture son foyer grâce à une photogrammétrie artisanale, et crée un laboratoire post-biologique en incubation qui étend et désenferme les limites du corps, offrant des possibilités inimaginables à des créatures hybrides en communion avec le non-humain. S’inspirant des cosmologies amazoniennes, elles imaginent des manières de s’évader, de s’émanciper et de résister aux systèmes de contrôle et de domination.

Artiste visuelle, des nouveaux médias et performeuse. Diplômée de l’Université Nationale Autonome des Beaux-Arts du Pérou (UNABAP) en 2016 avec une spécialisation en sculpture et arts intégrés. Sa formation inclut des ateliers, des résidences artistiques et un apprentissage autodirigé en continu. Sa pratique construit des systèmes alternatifs de réalité qui fonctionnent comme des outils critiques et poétiques visant à subvertir les politiques de contrôle qui s’exercent sur les corps. À travers le corps, les installations et des médiums hybrides, elle travaille à l’intersection de l’expérience personnelle et des dimensions sociopolitiques, en explorant des thématiques liées à la migration, au déplacement, aux technologies de contrôle, aux frontières épistémiques entre humain et non-humain, ainsi qu’à la dissidence de genre et sexuelle. Elle réinterprète des savoirs ancestraux du Pérou et d’Amérique latine à la lumière des conflits contemporains. Ses œuvres ont été exposées au Pérou, dans plusieurs pays d’Amérique latine, ainsi qu’en Europe.

Sculpture Park de Xavier Veilhan est une œuvre en réalité virtuelle qui redéfinit les modes traditionnels de contemplation artistique. Cette expérience immersive associe sculpture, architecture, vidéo et lumière, révélant l’approche résolument plurielle de Veilhan. Les visiteurs parcourent des espaces interconnectés — The Island of Dogs, Island of Tom, La Cité Radieuse, The Light Machine et The Forest — chacun explorant des thèmes liés au réel, à la perception et à l’influence de l’architecture. Grâce à la technologie VR, l’interaction avec les œuvres devient intime : les points de vue se multiplient et les pièces réagissent de manière dynamique à la présence du spectateur. Soutenue par un paysage sonore composé par I:Cube, l’exposition intensifie l’engagement sensoriel, faisant de Sculpture Park une proposition pionnière dans l’exploration artistique du numérique.

Xavier Veilhan (né en 1963, vit et travaille à Paris) développe depuis la fin des années 1980 un ensemble d’œuvres remarquées — sculpture, peinture, installation, performance, vidéo, photographie — à la croisée du classicisme, de la modernité et des hautes technologies. Ses expositions interrogent notre perception et génèrent souvent un espace ambulatoire en constante évolution, au sein duquel le public devient acteur, comme dans Veilhan Versailles (2009), la série Architectones (2012-2014), ou encore Studio Venezia (2017), sa proposition pour le Pavillon français à la Biennale de Venise. Les projets de Veilhan impliquent fréquemment des collaborations avec des artistes d’autres disciplines, telles que l’architecture, la musique ou la mode. Il a notamment conçu les univers visuels de trois défilés Haute Couture pour Chanel (2022-2023). Son travail a été présenté dans de nombreuses institutions de renom à travers le monde, notamment le Centre Georges Pompidou (Paris), le Mamco (Genève), la Phillips Collection (Washington), le Mori Art Museum (Tokyo) et le MAAT (Lisbonne).

En 2017, l’Angola a lancé son premier satellite dans l’espace… qui a été déclaré perdu peu après. As Aventuras do Angosat est le rêve né de cette entreprise avortée, sous la forme d’un film musical écrit et interprété par Isis Hembe, l’une des figures majeures de la musique urbaine angolaise, ici métamorphosée en Man Ré. Le film est tourné en un seul plan séquence dans le quartier de Cazenga, à Luanda, avec de jeunes talents émergents.

Resem Verkron (1999) est membre de deux mouvements culturels majeurs à Luanda : le collectif d’art urbain Verkron Collective et Geração 80. Son premier court métrage, Lola & Mami (2021), explorait la masculinité toxique. Marc Serena (1983) a coréalisé le documentaire primé Tchindas (2015), diffusé par PBS aux États-Unis. Son long métrage El escritor de un país sin librerías a été présenté en première à l’Alternativa et a remporté un DIG Award récompensant un journalisme d’investigation européen d’exception.

Chasing The Dot (2021–en cours) est une montagne russe immersive de lumière et de couleur, une plongée sensorielle dans les limites mêmes de la perception. Au sein d’un vaste espace Ganzfeld sans horizon, le public dérive à travers des champs de couleur semblables à des tempêtes, irradiés par une lumière indirecte d’un million de lumens, laissant surgir des images rémanentes éclatantes. Au centre de leur regard, un point unique flottant, le point fovéal, s’embrase et demeure fixe, où que l’œil se tourne. Présentée en première au Rijksmuseum Twenthe, cette installation explore les seuils stroboscopiques et la synesthésie. Inspirée par la technique du cut-up de Brion Gysin, la partition lumineuse, minutieusement conçue, fragmente et réassemble la vision, provoquant des hallucinations à yeux ouverts. Les spectateurs vivent une fusion sensorielle, voyant avec leurs oreilles et écoutant avec leurs yeux. Chaque modulation de teinte, de fréquence, et de déclin révèle l’architecture cachée de la conscience, en dévoilant ses charnières et ses coutures. Le paysage sonore émerge directement du bourdonnement, des pulsations et du crépitement des puissantes sources lumineuses, s’entremêlant de manière organique aux hallucinations visuelles. Il résonne comme une tempête électrique rythmique, dense, texturée, et hypnotiquement synchronisée avec les vagues de couleur. Ici, la lumière devient une matière tangible. La perception se transforme en une danse chorégraphiée, faisant de chaque spectateur un co-auteur. L’œuvre ne s’accomplit pleinement que lorsque les visiteurs ferment les yeux, créant des cinémas intimes derrière leurs paupières closes. Chasing The Dot démontre à quel point notre perception du réel est malléable, et révèle combien notre cerveau est extraordinairement fin dans l’élaboration de la conscience.

Philip Vermeulen est un artiste néerlandais qui explore les fondements de la perception humaine. Ses installations se vivent avec tout le corps, tout en mettant à l’épreuve la physicalité de la lumière et du son, du mouvement et des vibrations. Vermeulen expérimente une grande variété d’éléments incluant mouvement, lumière, compositions sonores, physique, nature, technologies numériques pour créer des hypersculptures qui sollicitent et déjouent les sens du spectateur. Ces œuvres cinétiques agissent comme des catalyseurs, dissolvant les frontières entre esprit et matière, ouvrant de nouveaux espaces d’imagination et bousculant les perspectives établies. Ses installations ont été présentées dans des musées tels que le Stedelijk Museum Amsterdam (NL), le Stedelijk Museum Schiedam (NL), le Rijksmuseum Twenthe (NL), le Museum Voorlinden (Wassenaar, NL), le Museum for International Light Art (Unna, DE), iMAL (Bruxelles, BE), le Light Art Museum (Budapest, HU), l’Industrial Art Biennial (Labin, HR) et Art Rotterdam (NL). Ses œuvres ont également été montrées dans des festivals de création numérique, notamment Sonic Acts (Amsterdam, NL), Ars Electronica (Linz, AT), le Festival Interstice (Caen, FR), Mapping Festival (Genève, CH), Novas Frequências (Rio de Janeiro, BR) et CTM à la Halle am Berghain (Berlin, DE). En 2024, Vermeulen présentera sa première grande exposition monographique, Chasing The Dot, au Rijksmuseum Twenthe.

Lizzy est le fruit des jours passés à la suite de la mort d’une voisine, disparue dans la maison où elle avait vécu toute sa vie, au bord de la rivière Hillsborough à Tampa, en Floride, et qui a laissé derrière elle un orgue électrique adressé à la cinéaste, sans aucune note. Le recevoir fut comme une énigme sauvage. Comment une histoire peut-elle se poursuivre entre les mains d’une autre ? Quelles forces organisent le récit ? En tissant l’intérieur avec l’extérieur, la poussière avec le marécage, la célébration avec la critique, le film traverse des notions binaires telles que soi–monde, vérité–fiction, témoigner–imaginer, et nature–expérience, entre autres.

Susanna Wallin est une artiste et cinéaste engagée dans des questions liées à ce que nous faisons de notre temps, de nos corps et des outils dont nous disposons pour vivre une vie. Elle explore ses sujets à travers des contextes, des modalités et des temporalités diverses, s’immergeant souvent longuement dans un lieu particulier. Attentive à ce qui émerge dans l’hésitation, dans le « faire ensemble », par l’expérimentation et l’ouverture, elle prête une oreille à l’indicible, avec la fiction comme pratique. Née et élevée en Suède, elle a étudié le cinéma et la pratique/la théorie artistiques à Goldsmiths College et à l’University of the Arts London, au Royaume-Uni. Elle a reçu de nombreux prix, notamment The Flamin London Artist Film and Video Award, New Approaches (Film London, UK), Pure Fiction (Suède), ainsi que des commandes du UK Film Council, de Channel 4, de la BBC, de l’Arts Council England, d’Arte France/Allemagne, de SVT (Suède) et du BFI au Royaume-Uni. Ses films primés circulent entre salles de cinéma et espaces d’exposition, et ont été montrés notamment au MOCA LA, à The American Cinematheque, au Barbican, à la Whitechapel Gallery, dans le métro londonien, à l’ICA et au British Film Institute. Ces dernières années, Wallin développe plusieurs projets de longs métrages, dont l’un, tourné en Floride, est actuellement en postproduction. Elle fait partie de la Research School de l’University of the Arts London, où elle prépare un doctorat par la pratique, et elle est professeure assistante en cinéma et vidéo à l’University of South Florida, aux États-Unis. Elle vit et travaille entre Tampa et Londres.

Ces images apparaissent dans ce monde uniquement grâce à un garçon gitan de dix-huit ans, Pisti. Une rencontre fortuite, une faille existante dans notre chaîne de cause et d’effet. Comme ouvrir une porte et réaliser qu’elle n’a pas de fin, et qu’elle ne pourra désormais plus jamais être refermée. “Je” est un lieu où les événements ont lieu, une exploration existentielle.

WANG Chun (né en 1988, Taïwan) est technicien en production vidéo et producteur de films. Sa pratique s’appuie sur les transformations entre différents langages créatifs (ceux de l’image, du texte, du son et du corps), à la recherche des limites du langage et tentant de mesurer la distance contenue dans l’acte de regarder.

La vidéo Berlin-Lichtenberg utilise des images provenant d’un film familial tourné en 1943. L’intention apparente du filmeur — saisir des moments paisibles de la vie familiale, comme une promenade avec sa femme et son enfant, ou un moment de détente au restaurant au bord du lac dans le quartier berlinois de Lichtenberg — est troublée par l’irruption d’éléments visuels non intentionnels. À l’arrière-plan, la vie quotidienne du système de travail forcé devient visible : un groupe de travailleuses forcées en route vers leur lieu de travail, ainsi que les baraquements d’un camp de travail forcé derrière le lieu de promenade. Ces éléments n’ont pas été choisis consciemment : ils constituent au contraire une documentation fortuite de l’omniprésence du travail forcé dans l’Allemagne nazie. Pour la vidéo, ces images amateurs ont été remontées et accompagnées de cartons qui contextualisent les images muettes et y ajoutent un niveau fictionnel.

Dans son travail artistique, Franz Wanner (*1975 à Bad Tölz, Allemagne ; vit à Zurich) aborde des thèmes tels que la politique migratoire de l’Union européenne, les services secrets allemands et l’industrie de l’armement, ainsi que leur histoire, leurs structures actuelles et les effets du nazisme sur l’impératif allemand de prospérité. « Dans une pratique conceptuelle dont la rigueur de recherche et la cohérence formelle, dans la lignée de Hans Haacke, continuent — par l’enquête et le transmedia — de poser des questions là où personne ne l’a encore fait » (Nora Sternfeld, HFBK Hambourg), « il produit des images d’une dissonance cognitive collective et une poésie analytique autour de la pathologie du non-regard dans l’Allemagne d’aujourd’hui et ses idiomes » (Stephanie Weber, Lenbachhaus Munich). En tant qu’artiste en résidence au Harun Farocki Institute, il a développé l’exposition Mind the Memory Gap pour le KINDL – Centre for Contemporary Art à Berlin. Sous le titre Eingestellte Gegenwarten, il a réalisé sa première exposition personnelle en Italie, à Merano Arte, qui sera présentée en version modifiée au Lenbachhaus de Munich en 2026.

La femme d’un paysan s’égare dans la forêt et tombe sur la tanière d’un ours. L’ours la garde auprès de lui, et avec le temps naît un être mi-ours, mi-enfant. Tous deux aspirent à s’enfuir. Sur ce fond, nous avançons dans les couloirs et les rues d’une ville militaire allemande désertée, autrefois siège central de l’occupation de l’Europe de l’Est par l’armée soviétique. Fermé au public pendant des décennies, cet ensemble énigmatique est devenu pour les étrangers « la Ville Interdite ». Un conte russe primitif sert de guide pour traverser ce site labyrinthique, qui semble évoquer à la fois l’héritage de ce passé disputé et les résonances troublantes de notre présent. Un conte russe primitif sert à parcourir ce site labyrinthique, qui semble évoquer à la fois l'héritage de ce passé controversé et les résonances troublantes de notre présent.

Feargal Ward et Jonathan Sammon sont deux cinéastes irlandais. Une grande partie de leur travail explore les frontières et les potentialités de la forme documentaire hybride, où les codes et dispositifs du cinéma narratif sont souvent appropriés ou détournés afin d’interroger des vérités établies. Parmi leurs précédentes collaborations figure Tin City, présenté en avant-première à la Berlinale cette année (Forum Expanded), puis sélectionné dans plusieurs festivals, dont Karlovy Vary, Cinéma du Réel et le Festival dei Popoli, où il a reçu le Prix International Discoveries. Leurs autres collaborations, impliquant Adrian Duncan, incluent Lowland (Cork International Film Festival), Memory Room (IDFA, EVA International, Dokufest Kosovo) et Tension Structures (IDFA, Hot Docs, RIDM). Le long métrage documentaire de Ward, The Lonely Battle of Thomas Reid, a été présenté en première mondiale en compétition principale à l’IDFA, puis montré dans de nombreux festivals avant d’être diffusé à la télévision allemande, irlandaise et finlandaise. Son premier long métrage documentaire, Yximalloo (co-réalisé avec Tadhg O’Sullivan), a été présenté en première à FID Marseille, où il a remporté le Prix Premier

Pour les travailleurs migrants philippins employés dans des usines à la périphérie de Séoul, la maison est à la fois un lieu quitté et un espace paradoxal de désir et de crainte — un lieu emporté par les inondations mais qui continue de hanter la mémoire. Sans cesse déplacés, relogés, remis en mouvement, leur idée du foyer devient indissociable du mouvement même de leurs corps. Les sons des machines d’usine, des fragments de films d’horreur et des images de téléphones portables s’entrelacent pour composer un récit qui se déploie à l’intérieur du corps du travailleur migrant lui-même. J’ai commencé à imaginer une maison pour celles et ceux qui dérivent toujours.

Woong Yong Kim a étudié la réalisation cinématographique et l’art contemporain à la Haute école d’art et de design de Genève (HEAD – Genève), en Suisse, et développe une pratique à la croisée de l’installation vidéo et du cinéma. Il a participé à plusieurs programmes de résidence, notamment au Digital Arts Studios de Belfast, au CEEAC de Strasbourg, à la résidence MMCA Goyang, au SeMA Nanji Studio, à l’ACC, ainsi qu’en tant qu’artiste invité à la Rijksakademie. Il a également achevé les cours doctoraux en théorie du film et des médias à la Graduate School of Advanced Imaging Science de l’université Chung-Ang. Par ailleurs, il a traduit et publié en coréen Exhibiting the Moving Image (JRP|Ringier).

Dans les marais du sud de l’Irak, Ibrahim et sa famille vivent isolés du reste du monde, étroitement liés au fleuve, aux roseaux et aux animaux dont ils prennent soin. Le calme et réservé Ibrahim ne trouve de réconfort que auprès de son buffle, son seul véritable compagnon. Alors que le monde d’Ibrahim s’effondre, il doit affronter des forces qui le dépassent et qui menacent non seulement son mode de vie, mais aussi l’unique être vivant qu’il comprend vraiment.

Ali Yahya est un cinéaste iraquien, né en 1994 à Bagdad, où il a vécu et travaillé toute sa vie. Son parcours a débuté après des études de psychologie au niveau licence. Il s’est ensuite tourné vers les arts visuels, d’abord comme graphiste, puis comme directeur artistique chez Becorp, l’une des principales agences créatives d’Irak, où il continue de diriger des projets de narration visuelle et des projets culturels. Il poursuit actuellement un master en cinéma. Il utilise le film pour explorer l’expérience humaine, capturant la beauté et les complexités du quotidien. À travers son travail, il porte les histoires de son pays vers le reste du monde. Son premier court métrage, Beneath Which Rivers Flow (2025), tourné dans les marais du sud de l’Irak, mêle observation poétique et réalité vécue, explorant la relation fragile entre une communauté et son paysage en train de disparaître. Le film a été présenté en première au 75e Festival international du film de Berlin, où il a reçu une Mention spéciale du jury.

Le film traverse les espaces de stockage cachés du Musée des beaux-arts de Montréal, révélant des œuvres dont les dossiers de provenance demeurent incomplets. Certaines portent les traces de déplacements en temps de guerre et d’omissions délibérées ; d’autres ont changé d’attribution, modifiant les récits qui leur sont attachés. Le film suit la manière dont les structures institutionnelles déterminent ce qui devient visible et ce qui reste irrésolu. À mesure que la caméra chemine à travers les réserves, Coming Home observe le musée comme un système d’organisation actif, où les œuvres sont continuellement recontextualisées. Le spectateur découvre la collection comme une archive invisible et est invité à s’orienter dans un lieu où la certitude demeure partielle et l’orientation toujours instable.

Jinjoo Yang est une artiste et architecte basée à Montréal, dont les films naissent d’un engagement direct avec des lieux spécifiques. Elle travaille dans des intérieurs institutionnels, utilisant des mouvements de caméra contrôlés pour suivre la manière dont les espaces contiennent et médiatisent leurs histoires. Sa pratique oscille entre observation et construction, transformant des environnements réglementés en paysages temporels où visibilité, autorat et mémoire se déplacent subtilement. Parmi ses œuvres récentes figurent Coming Home, tourné dans les réserves du Musée des beaux-arts de Montréal, et Occupied, un film à venir construit autour d’infrastructures héritées de la guerre froide. Ses projets ont été présentés à l’international dans des institutions telles que le Musée des beaux-arts de Montréal, le Center for Architecture à New York et la Royal Danish Academy of Fine Arts à Copenhague.

Opus III explore le paysage des montagnes de l’Atlas à la fois comme un territoire physique et comme un topos symbolique. Tournée entre la Tunisie et le Maroc, l’œuvre prolonge les recherches initiées dans Opus I et II, en confrontant le paysage visible à ses résonances mythologiques. La pièce envisage l’Atlas non seulement comme un massif géographique, mais comme une figure archétypale façonnée par des récits récurrents, des croyances et des mémoires collectives. À travers un langage visuel lent et contemplatif, Opus III devient un passage entre la présence matérielle des montagnes et les strates immatérielles de sens qui les habitent. L’œuvre invite le·la spectateur·rice à déplacer son point de vue et à entrer dans un espace où paysage, mythe et perception s’entrelacent.

Haythem Zakaria (né en 1983 en Tunisie, basé en France) est un artiste transdisciplinaire et performeur sonore. Travaillant entre la vidéo, l’installation, la photographie, le dessin et le son, il explore la manière dont les paysages, les mythes et les formes de mémoire façonnent la perception, et comment le visible peut s’ouvrir à des dimensions plus fugitives de l’expérience. Sa pratique s’ancre dans la recherche de terrain, les temporalités lentes et une attention affinée à la résonance des lieux. Depuis 2010, son travail a été présenté à l’international dans de grandes expositions, biennales et espaces d’art indépendants à travers l’Europe, l’Afrique du Nord, le Moyen-Orient, l’Asie et l’Amérique du Nord, notamment à documenta 15, la Biennale de Venise, le Japan Media Arts Festival, Cairotronica, Dream City, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Casa Árabe, ainsi que dans de nombreuses institutions à Paris, Londres, Berlin, Pékin, Rabat, Tokyo et San Francisco. Lauréat du Grand Prix du Japan Media Arts Festival pour Interstices, Zakaria continue de développer des projets fondés sur la recherche, où l’image, le son et la matière se croisent, ouvrant un espace d’enquête sur les archétypes, la mémoire et les seuils entre le visible et l’invisible.