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"The Lie in Wait" comprend une composition digitale et un documentaire vidéo personnel formant et examinant des histoires familiales dont les épisodes sont liés. L´oeuvre contient des scénarios animés et des interviews avec les parents de l´artiste qui, combinés, presentent souvent des convergences entre mythologies issues des traditions vernaculaires d´histoires familiales et mythes transmis par des moyens cinématiques mieux reconnus. Beaucoup des anecdotes utilisées dans la narration de ces histoires utilisent la métaphore pour créer du sens et partager une histoire. Ces histoires sont là pour être racontées et répétées, observées et regardées à nouveau. Au cours du processus, la narration de ces contes prend un sens métaphorique. Entre chaque épisode de la vidéo, des métaphores visuelles et linguistiques se répètent et se révèlent être les symptômes des répressions des conteurs. Caché derrière ces symptômes, il y a souvent un traumatisme latent. Quand ces métaphores deviennent non identifiables dans "The Lie in Wait", grâce à l´effet conjugué de ces incursions dans la mémoires des conteurs et de l´étrangeté de l´animation, le traumatisme remonte à la surface et réapparaît.

Jean-Paul Kelly (né en 1977, Londres, Ontario, Canada) est un artiste basé à Toronto, Ontario, Canada. Il se concentre essentiellement sur des installations basées sur la vidéo, mais son travail comprend aussi du dessin, de la photographie et des moyens d´impression. Ses vidéos les plus récentes, "Give Up the Ghost" (2004) et "the Lie in Wait" (2005), intègrent un langage hybride de compositions digitales, animation, performance vidéo et documents vidéo personnels qui se penchent sur l´anticipation, l´anxiété et la disparitions des contes oraux. son oeuvre a déjà été exposée dans des festivals et galleries d´Amérique du Nord, d´Europe et du Japon.

In this film about a falsified InterRail ticket, a chain of events and links arise which leads the filmmaker on a journey. Where fiction in a performative manner seems to materialize itself and create a piece of reality that seems to imitate fiction. The protagonist in the film is never to be seen, instead we follow her voice through staging and documents while the story is being mediated.

Eva Rocco Kenell (b. 1982 Växjö, Sweden) holds a BFA from Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam and a MFA from Konstfack University of Arts and Craft, Stockholm where she graduated with the honorable Principal scholarship. Kenell’s artistic practice is based on a documentary ground, even though the intentions are rather to break down classical narratives and normative storytelling. Not only concepts surrounding fiction and reality are central, but also questions around which one of the two is creating the other. Kenell`s methodology consists of a research based practice with a focus on micro-histories, where she explores single events and where details in a story can become the new center and the place which the focus is transferred to. Kenell`s practice brings up notions concerning the role of the documentary, storytelling, concept of truth and imitation. And at the same time it opens up for questions around freedom of movement and counter-strategies.

Texts from the 1969 American Indian Occupation of Alcatraz and letters from supporters propel an exploration of political yearning, emancipatory architecture and failed utopias. What does it mean to claim land that has more value as a symbol than as a potential home? And how does that symbol function beyond the boundaries of its geographic limits?

Chris Kennedy is an independent filmmaker, programmer and writer currently living in Toronto. He programmed for the Images Festival from 2003-06, Pleasure Dome from 2000-06 and co-founded the ongoing screening series Early Monthly Segments in 2009. His short experimental films have screened at over one hundred film festivals worldwide and he has presented film programs in Egypt, Belgium, Germany, the US and Canada. He holds an MFA from the San Francisco Art Institute.

Looking down at the Brisbane River–a play of masking and superimpositions. Sound by Samuel La France. Made in residency at Container, Brisbane and nanolab, Daylesford.

Chris Kennedy (b. 1977 Easton, Maryland, raised Cambridge, Maryland) is an independent filmmaker, film programmer and writer based in Toronto. He is the Executive Director of the Liaison of Independent Filmmakers of Toronto. His short experimental films have screened at over one hundred film festivals worldwide.

La Quinta da Regaleira, à Sintra, au Portugal, est un immense domaine qui comprend deux puits creusés dans le sol destinés aux cérémonies d'initiation. Ce film nous emmène à l’intérieur de l'un d'eux.

Chris Kennedy (né en 1977 à Easton, Maryland, et élevé à Cambridge, Maryland) est cinéaste indépendant, programmateur de film et écrivain. Il habite à Toronto. Il est le directeur exécutif du LIFT - Liaison of Independent Filmmakers of Toronto (Canada). Il a été programmateur pour le Images Festival, Toronto (Canada) de 2003 à 2006, pour Pleasure Dome, Toronto (Canada) de 2000 à 2006 et pour The Free Screen/Wavelengths de la Cinémathèque du TIFF - Festival international du film de Toronto de 2012 à 2019. Cofondateur des Early Monthly Segments, il en a été co-programmateur de 2009 à 2018. Ses films courts expérimentaux ont été projetés dans plus d'une centaine de festivals de cinéma à travers le monde, et ont fait l'objet d'expositions personnelles, notamment à l'Institut canadien du film (Canada); au Los Angeles Film Forum (USA); au Nam June Paik Art Center, Séoul (Corée du Sud); à la Semana del Film Experimental de La Plata (Argentine) et à la Pacific Film Archive, Berkeley (USA). Son film "Watching the Detectives" a remporté le prix Ken Burns du meilleur film au Ann Arbor Film Festival (USA) en 2018. Il a présenté le travail d'autres artistes en Belgique, en Égypte, en Allemagne, aux États-Unis et au Canada. Il est titulaire d'un Master en arts visuels du San Francisco Art Institute (USA), où il a été cofondateur et animateur d'un forum de projection hebdomadaire. Son travail en tant qu'artiste et programmateur est toujours en dialogue avec l'histoire du film en tant qu'art, explorant la matérialité du médium dans un contexte contemporain.

Hippopotamus synopsis A figure in a laboratory observers preserved specimens in jars Do they come to life? He begins to attend to the specimens The disks of a main frame computer begins to run He is now inside a container were many animals were housed many seem to be dead One animal a hippopotamus is still alive The figure plays and interacts with the hippopotamus in a pool among many dead fish The figure returns to the laboratory and his duty of attending the computers memory disks.

an irish artist graduated from uic with an MFA in studio art in 2012 resident at rijksakademie amsterdam 2001 2002

Dans une usine de l?archipel des ruines modernes. Deux silhouettes. Masculine et féminine. Dure et soyeuse. Suspendues à leurs ombres. Contemplent le temps qui passe, et sacrifient leurs corps au travail. Fragments d?une journée à leurs côtés

Djamel Kerkar est né à Alger, en Algerie. Il a passé une partie de son enfance a Tunis, et a travaillé a Alger comme animateur et programmateur de cinéclub (Cinéclub chrysalide). Il est diplômé en tant que réalisateur de l?école des arts visuels de Marrakech au Maroc. Il réalise son premier travail en 2012, le court métrage documentaire « Archipel » suivi de « Earth Is Full Of Ghosts » une Fiction librement inspiré du malentendu d?Albert Camus. Il développe plusieurs projets en Algérie

Une nuit, un homme étrange apparaît. Arrivé non loin des côtes, il croise le chemin d’un fantôme, qu’il se décide à suivre.

Nicolas Keroulas est né en 1997.

The Same Room investigates the dual nature of water, both as a destructive and life-giving force. In collaboration with the Deltares Institute, Minne Kersten recorded a self-made filmset of a bedroom in an industrial wave-tank, where it was deliberately flooded with water over three successive days. By inverting the use of the institute’s controlled environment originally intended to prevent flooding, she questions the human desire to control the course of nature. Furthermore, Kersten is interested in the state of paralysis and tranquility that can occur upon a catastrophe, opening up a space for thinking about the end as a transitional state rather than something final. By combining the personal space of a bedroom with the horrors of a flood, the work creates a powerful and emotional image that wavers between clarity and chaos.

Minne Kersten (b. 1993, Utrecht, NL) lives and works between Amsterdam and Paris. She works on installation, video and paintings in which ephemeral occurrences and the construction of reality is explored. Through her architectural environments, she speculates on how buildings can be receptive to stories and traumas by staging situations subjected to chaos, decay and deconstruction. She explores the traces of events left behind and questions them as witnesses to private stories retained by the walls that surround human life. Working across diverse media, she interweaves personal themes such as mourning, loss and memory with the collective domain of fiction, fables and symbols. Her work has been presented in numerous institutions including the CAPC Bordeaux 2024, Glasgow International 2024, Bonnefanten Museum 2023, 16th Lyon Biennale 2022, Stedelijk Museum Schiedam 2022, the Living Art Museum 2022, De Ateliers 2022, Hotel Maria Kapel 2021, among others. In 2022, she won the Volkskrant Visual Arts Audience Award and was nominated for the Royal Award of Modern Painting. She has been selected for residencies at De Ateliers 2018-2020, Triangle Astérides 2023 and Cité Internationale Des Arts 2024. She is represented by Annet Gelink Gallery in Amsterdam.

Where I'm calling from était une exposition de nouvelles œuvres de l’artiste Minne Kersten, basée aux Pays-Bas. Travaillant avec l’architecture de la David Dale Gallery, Minne a construit un environnement détaillé et évocateur qui explore la capacité narrative des objets inanimés et leur rôle dans l’activation de la mémoire de manière transportante. Minne adopte une approche littéraire dans son travail, mêlant installation, vidéo, sculpture et dessin pour façonner le décor d’un monde fictionnel. À travers ses installations immersives, elle révèle des bâtiments attentifs aux histoires et aux traumatismes, mettant en scène des situations soumises au chaos, à la décomposition et à la déconstruction. Minne explore les traces d’événements laissées derrière elles et les expose comme les témoins d’histoires privées conservées par les murs qui nous entourent. Son travail interroge la relation entre le réel et l’imaginé, l’ordinaire et l’étrange, et pose des questions sur la mémoire et ses reconstructions. Travaillant à travers une variété de médias, elle entremêle des thèmes personnels tels que le deuil, la perte et la mémoire avec le domaine collectif de la fiction, des fables et des symboles.

Minne Kersten (1993, NL) est une artiste basée à Paris et Amsterdam, travaillant la vidéo, l’installation et la peinture. Sous ces médiums se déploie une approche littéraire dans laquelle elle combine plusieurs techniques pour construire un monde où objets et scènes portent les traces du factuel comme de la fiction. Elle spécule sur les manières dont nous pouvons nous souvenir d’événements, de souvenirs et d’histoires, en suivant ce qui se perd dans ce qui demeure. Son travail interroge la relation entre le réel et l’imaginé, l’ordinaire et l’éphémère, et pose des questions sur la mémoire et sa reconstruction. En attirant l’attention sur l’acte même de construire — autant dans notre monde partagé que dans nos imaginaires — son travail tisse un lien entre des thèmes intimes tels que le deuil, la perte et le désir, et le domaine collectif de la fiction, des fables et de la fabrication des symboles. La peinture et le dessin sont continuellement produits au cours d’un processus d’introspection et de recherche. Ils servent de prise de notes visuelle, élaborée en parallèle de ses approches spatiales. Ces dernières années, elle a développé une méthode consistant à fabriquer un environnement architectural qui se révèle être une scénographie, un décor de film, puis une sculpture. Souvent nourries par des rencontres personnelles avec des lieux, ces sculptures offrent un terrain tangible pour explorer comment un espace peut témoigner ou déformer des récits et des événements. En mettant en scène des situations qui intègrent des éléments symboliques, tels que l’apparition d’animaux ou de présences fantomatiques, elle évoque les façons dont le passé peut laisser son empreinte sur le présent. En soumettant ses scènes au chaos, à la décomposition et à la perturbation, elle suggère différentes issues à cette expérience familière d’instabilité, de perte de contrôle et de passage vers un état de transition.

La tribune Zeppelin, située sur l’ancien terrain des congrès du parti nazi à Nuremberg, est l’un des vestiges architecturaux les plus emblématiques de l’ère nazie. Là où les foules se rassemblaient autrefois pour acclamer Hitler, se déroulent aujourd’hui des courses automobiles et diverses activités de loisirs. Le film explore la tension entre mémoire et abandon, usage et responsabilité — et pose la question suivante : à une époque où l’extrémisme de droite progresse, comment appréhender un lieu conçu pour une idéologie criminelle qui demeure pourtant enchâssé dans le tissu de la vie quotidienne ?

Saskia Kessler a étudié les études européennes à l’Université de Maastricht puis la sociologie à l’Université Friedrich-Alexander d’Erlangen-Nuremberg, avant de découvrir sa passion pour le cinéma. Depuis octobre 2022, elle étudie la réalisation de films documentaires à la Hochschule für Fernsehen und Film de Munich.

The work approaches the feeling of searching in a particular sense: searching for something that is already there – and does not need to be found. The point of departure is the well-known Rosenhan experiment, in which eight sane individuals, ‘pseudo-patients’, feigned symptoms to be admitted to psychiatric institutions. As recently shown, the experiment itself was dogged by inconsistencies and anomalies – the pseudo-patients likely never existed in the first place. Through repetition and superimposition, the work explores the liminal space between thinking and perceiving, re-activating the gaps and contradictions that return to haunt a scientific material.

Dag Kewenter is a visual artist, working primarily with installation and film. In 2022, he graduated from the Masters program at Malmö Art Academy with the exhibition Post Sunrise / Post Oracle, for which he received the Edstrandska Grant.

This is the story of those who live forever in the shadows. A former prisoner-of-war camp, built by their own hands after World War II, has now become a psychiatric hospital. To this day, in these long, narrow, white barracks, people live isolated and confined—those who have lost their grip on reason, clarity, and the sense of time. Seasons change, years pass, and human faces age, yet here, time seems frozen. It’s impossible to tell if they are free or still trapped in the same state, like the German prisoners of war many years ago.

I was born in Yerevan, Republic of Armenia. I graduated from University of Cinematography of Moscow. Many years I have worked at "Hayk" and "Armenfilm" film studios. I am now an independent director and producer. During this period I took part in creating 45 films. My films have been presented in many international festivals, and have been awarded. I am lecture at the Yerevan Institute of Theater and Cinema. Professor of Theater and Cinema.

Initié en 2008, The Mapping Journey Project est une série de vidéos en cours qui visent à « cartographier » des voyages clandestins. 3 vidéos ont déjà été tournées à Marseille et Ramallah. Filmées en plan-séquence, ces vidéos s?attachent à la confrontation entre un trajet singulier et la normativité de la cartographie. Mapping Journey # 1 suit le trajet d?un jeune Algérien parti illégalement d?Annaba pour Marseille, en passant par la Sardaigne, Naples, Milan, Nice, et Paris. A Marseille, n?ayant d?autre choix pour survivre que de vendre des cigarettes de contrebande, il songe à s?engager dans la Légion Etrangère dans l?espoir de régulariser sa situation, ou de reprendre la route, mais cette fois-ci pour la Suède.

Bouchra Khalili est une artiste Franco-Marocaine, née à Casablanca au Maroc, en 1975. Elle vit et travaille à Paris. Elle a étudié le cinéma à la Sorbonne Nouvelle, et est diplômée de l?Ecole Nationale Supérieure d?Arts de Paris-Cergy. Son travail, essentiellement en vidéo - monobandes et installations - explore les trajets migratoires contemporains et les zones frontalières. En se confrontant à la géographie physique et à la normativité du tracé des frontières, le travail de Bouchra Khalili tente de perturber la cartographie traditionnelle en révélant la complexité des trajets migratoires contemporains, les représentations que ces trajets produisent, et les récits qui les accompagnent. Depuis 2002, son travail a été exposé dans de nombreuses institutions en France et à l?étranger, notamment au Centre Georges Pompidou (Paris), à La Fondation Caixa Forum et au CCCB (Barcelone), au Studio Museum (New York), au Musée National Reina Sofia (Madrid), parmi d?autres. Elle a également participé à plusieurs biennales et triennales, dont La Force de l?Art 01, triennale de l?art contemporain français (Galerie Nationale du Grand Palais), La Triennale de Guangzhou (Chine), La 2nde Biennale de Thessalonique (Grèce), et la Biennale de l?Image en Mouvement (Genève).

Straight Stories est un projet vidéo en cours sur l?errance dans des zones frontalières, où géographie physique et imaginaire sont rendues indiscernables. Ce deuxième volet épouse une double trajectoire. D?un côté, un travelling labyrinthique de douze minutes qui sillonne ce Détroit de la rive Asiatique vers la rive Européenne d?Istanbul. De l?autre, le récit d?une jeune réfugiée Irakienne, qui témoigne de son expérience faite d?attente, et de nécessaires espoirs.

Bouchra Khalili Bouchra Khalili est une artiste Franco-Marocaine. Elle est née en 1975 à Casablanca. Ses vidéos explorent l`espace méditerranéen, qu`elle envisage comme un territoire dédié au nomadisme. Dans ses travaux, elle installe des fictions minimales induites par des déambulations, des errances invariables, des trajets labyrinthiques. Placé sous le signe du déplacement géographique et mental, son travail tente de perturber les limites entre cinéma et arts plastiques, fiction et documentaire, essai et expérimentation. Ses vidéos ont été montrées dans de nombreux festivals, expositions, et biennales : New York Video Festival (Lincoln Center); New Arab Video (Caixa Forum of Art ,Barcelona) ; The Film-Laboratorio (Museum of Contemporary Art of Rome et Villa Médicis), La Biennale de l?Image en Mouvement (Genève, Switzerland), La Force de l?Art (Galerie Nationale du Grand Palais, Paris), VideoBrasil (Sao Paulo, Brazil), Documentaire d`Avant-Garde (La Cinémathèque Française, Paris). En 2005, elle est lauréate du programme Bourse Louis Lumière ? Villa Médicis Hors Les Murs. En 2006, plusieurs programmations monographiques lui sont consacrées, notamment au Brésil : Palacio das Artes (Belo Horizonte) et à l?Instituto de Artes do Para, Bélem (Brésil). Parallèlement à son travail d?artiste, elle collabore à des publications de cinéma, et est la co-programmatrice de La Cinémathèque de Tanger. Elle a étudié le cinéma à la Sorbonne Nouvelle et les arts plastiques à l?Ecole Nationale Supérieure d?Arts de Paris-Cergy. Les vidéos de Bouchra Khalili sont distribuées par Heure Exquise! Distribution, et sont disponibles chez Ovni Archives-Centre de Culture Contemporaine (Barcelone).

Cette vidéo est la première partie d`un triptyque sur des expériences d`errance dans des zones frontalière , où géographies physiques et imaginaires sont rendues indiscernables.

Bouchra Khalili est une artiste franco-marocaine. Elle est née à Casablanca en 1975. Ses vidéos explorent l`espace méditerranéen, qu`elle envisage comme un territoire dédié au nomadisme et à une errance labyrinthique. Dans ses vidéos, elle explore les relations plastiques et conceptuelles qu?entretiennent géographies physiques, imaginaires, et mentales. Placé sous le signe du déplacement, son travail tente de perturber les limites entre cinéma et arts plastiques, fiction et documentaire, essai et expérimentation. Ses vidéos ont été montrées dans de nombreux festivals, expositions, et biennales. Bouchra Khalili a étudié le cinema à la Sorbonne Nouvelle et est diplômée de l?Ecole Nationale Supérieure d`Arts de Paris-Cergy.

Une déambulation aérienne au-dessus d`une grande ville indéterminée. On y voit un écran de télévision qui diffuse des images publicitaires dans l?espace public, une architecture fortement urbanisée, et un littoral occupé. Parallèlement, des voix échappés d?un film, évoquent des rendez-vous à prendre ou manqués, parlent du cinéma comme utopie, et discutent du « monde comme volonté et représentation ».

De nationalité Française et Marocaine, Bouchra Khalili est née à Casablanca en 1975, et a grandi à Paris, où elle vit et travaille. Ses vidéos ont été montrées dans de nombreux festivals, expositions, et biennales : New York Video Festival (Lincoln Center); New Arab Video (Caixa Forum of Art ,Barcelona) ; The Film-Laboratorio (Museum of Contemporary Art of Rome and Villa Médicis), The Biennale of The Moving Image (Genève, Switzerland), VideoBrasil (Sao Paulo, Brazil), Cinéma d`Avant-Garde (La Cinémathèque Française, Paris). En 2005, elle est lauréate du programme Bourse Louis Lumière ? Villa Médicis Hors Les Murs (Ministère des Affaires Etrangères). En 2006, plusieurs programmations spéciales lui sont consacrées : Fondation Caixa Forum of Art, Instituto Itau Cultural (Belo Horizonte, Brazil), and Palacio das Artes (Belem, Brazil. Parallèlement à son travail d?artiste, elle collabore à des publications de cinéma, et est co-programmatrice de La Cinémathèque de Tanger.

Vue Panoramique décrit un trajet circulaire entre deux rives de la Méditerranée. On y voit un aller-retour en bateau, le passage lancinant des embarcations, le va-et-vient des passants, et l?attente à proximité du port. On y voit surtout la présence obsédante et diffuse de "l?autre côté", où que l?on soit.

Née en 1975 à Casablanca, au Maroc, Bouchra Khalili vit et travaille à Paris, France. Elle est diplômée en cinéma de la "Sorbonne Nouvelle" et en art de l'Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy. Depuis 2000, elle produit des bandes vidéo et des installations. Son travail a fait l`objet de nombreuses présentations en France et à l'étranger lors d'expositions et de festivals.

Twenty continuous shots linger over the slums of Dhaka, contrasting a young man`s search for moments of stillness and clarity with the megacity`s constant onslaught of sound and movement. The young man seeks peace on a series of bridges crossing an open sewer while the noises of modern urban life - from radio advertising to religious sermons - babble on without pause.

Abid is one of the most promising independent filmmaker from Bangladesh interested in making experimental films.

Watch with the Weary Ones est un court documentaire qui observe le paysage urbain américain tandis que la cinéaste se laisse doucement glisser vers des souvenirs d’Iran. Il met en regard les surfaces des villes des États-Unis et les sensations de quelqu’un vivant loin de chez soi, suspendu entre deux lieux. Le film réfléchit à la peine que portent celles et ceux qui ont quitté l’Iran en quête d’une autre vie, et ceux qui sont restés et continuent de se battre pour la leur. Il s’agit de tenir deux mondes à la fois, celui qui est devant toi et celui qui ne te quitte jamais, et de tenter de donner un sens à ce poids

Sina Khani (alias Sina Ahmadkhani) est un cinéaste, scénariste et monteur né à Téhéran et basé à Los Angeles. Son premier long métrage a remporté le prix du Meilleur long métrage expérimental international au Portoviejo Film Festival et a reçu distinctions, nominations et sélections au Regina IFF, au Toronto International Nollywood FF, au New York City Indie FF, ainsi que dans de nombreux autres festivals internationaux. Il a récemment obtenu son MFA à la Virginia Commonwealth University et continue à créer des histoires audacieuses, centrées sur les personnages.

In a modern city, a boy is locked up in his room for some time. He insulates himself more and more in his universe ? even speaks with him, hears voices. He creates his own imaginary world. He defies the imperceptible.

Day Fly is based on the hikikomori phenomenon What is Hikikomori ? Hikikomori, which literally means "pulling away, being confined" (i.e., "acute social withdrawal") is a Japanese term to refer to the phenomenon of reclusive adolescents and young adults who have chosen to withdraw from social life, often seeking extreme degrees of isolation and confinement due to various personal and social factors in their lives. The term "hikikomori" refers to both the sociological phenomenon in general and to individuals belonging to this societal group. In the film, the main actor wears a mask, which becomes a character in itself as he moves and plays with different perception. The mask is the means for a transference to occur between model and watcher. The speechless face, staring without emotion, becomes the face of a dweller of another world being watched in our own. such an eerie juxtaposition draws viewers in close to Khazem`s and Park `s silent innocents.

The deliberate shooting of protesters in the eye during the 2022-23 protests in Iran points to particularly perfidious systematic repression. A duo of Iranian filmmakers in exile in Berlin take this as a ground line and ask the question: “What happens when security forces aim at vision itself?” Based on this, they reconstruct narratives of images taken from social media during the protests. The film presents the search in the montage process, in which the filmmakers combine their distanced, subjective narrative with the images of the protest in order to examine the power of the images of the protest as a political construct.

Atefeh Kheirabadi and Mehrad Sepahnia are filmmakers whose work explores the relationship between politics, narration, images and sound. They are interested in how cinema can create spaces for resistance, rethinking, and collective reflection. They adopt a hybrid approach to creating films that defy conventional viewpoints and invite viewers to engage with content and Form by perceiving and feeling it. 2025: Blind, into the Eye (Director/Screenplay) | Prod.: Realillusion Doco-Experimental | 19' 38 “Funded by Medienboard Berlin Brandenburg and Hessen Film and Media 2023: Blick (Director/Screenplay) | Prod.: Realillusion | Doco-Experimental | 14' 27 “Funded by: Stipendium Bildende Kunst, BBK, Modul D, Neustart Kultur 2022: 7+1 Fragmente (Director/Screenplay) | Prod.: Realillusion |Experimental | 30' 00 “Supported by: Recherche Stipendium Bildende Kunst Berliner Senat für Kultur und Europa 2020: Come and Go (Director) | Prod.: Realillusion |Experimental |08' 28" 2017: Soma / Haoma (Director/Screenplay) | Prod.: Realillusion | Doco-Experimental | 26' 09'' 2013: Erlöser (Director/Screenplay) | Prod.: Realillusion | Doco-Experimental | 06' 08'' 2012: Flesh (Producer) | Prod.: Realillusion | Experimental | 10' 00''

Dans "German Shepherds Need Heroes Too", Roman Selim Khereddine réfléchit à la popularité des bergers allemands et des bergers belges au Maroc. "Hérite-t-on de l'histoire violente de son chien?" demande-t-il, en tenant compte du fait que ces chiens ont été employés pour le travail militaire et policier dès la standardisation de ces races au début du XXe siècle. Cet essai vidéo retrace l'histoire de ces chiens en tant que moyen dans les relations hiérarchiques entre différents groupes humains, c'est-à-dire dans les camps de concentration, les colonies et les manifestations pour les droits civiques. La relation entre l’être humain et l'animal est dépeinte ici comme une relation façonnée principalement par la violence et la domination, tandis que le potentiel de responsabilité du propriétaire et du chien est remis en question. Dans ce cas, "de quelle part de votre histoire violente votre chien hérite-t-il?" Des images trouvées - vidéos téléchargées sur Youtube par des amateurs de chiens marocains, et extraits d'actualité - sont associées à un texte de réflexion, qui apparaît sous la forme de sous-titres. Dans son texte, Khereddine s'inspire de l'histoire coloniale, de la tradition islamique, de la culture populaire et médiatique, ainsi que de ses propres expériences, souvenirs et opinions.

Roman Selim Khereddine (né en 1989) est titulaire d'un Master en Histoire et en arts plastiques. Il vit et travaille à Zurich (Suisse).