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Maj Hasager
Catalogue : 2017We Will Meet in the Blind Spot | Doc. expérimental | hdv | couleur et n&b | 36:0 | Danemark, Italie | 2015
Maj Hasager
We Will Meet in the Blind Spot
Doc. expérimental | hdv | couleur et n&b | 36:0 | Danemark, Italie | 2015
We will meet in the blind spot, 2015 Maj Hasager The film ”We will meet in the blind spot” takes its point of departure from the architecture in and around the Esposizione Universale di Roma (EUR) area in Rome. The EUR was built during the fascist rule and was meant to be the site of the World Exposition in 1942, in addition to being a celebration of the 20-year jubilee for fascism in Italy. The World Exposition in 1942 never took place due to WWII, and the area intended as Mussolini’s “Third Rome” wasn`t completed until the 1960`s - though not in the shape the utopian project was given from the onset. Since then Italian filmmakers have made extensive use of EUR as an exterior location. We will meet in the blind spot is intended as a document of stories and voices that are often lacking in the discussion on migration, both in an Italian context as well as within a broader European perspective. Through encounters with a local Filipino community that is centred around a church in EUR, stories and voices were revealed and the film departs from their personal accounts. In the film, which is situated between documentary and fiction, the focus is on leisure time, interests described by individuals in the group and referencing scenes from Italian film of the 60’s.
Maj Hasager is a Danish artist and filmmaker based in Copenhagen, Denmark. She studied photography and fine art in Denmark, Sweden and the UK, earning an MFA from Malmö Art Academy, Sweden. Her work deals with power structures, identity, memory, the construction of history, and architecture, looking at how these interlinked phenomena are interpreted and represented culturally and spatially. Her artistic approach is research-based and interdisciplinary, and she works predominantly with text, sound, video and photography. She has exhibited her work internationally in events and institutions such as; Society Acts, Moderna Museet Malmö (2014), A voice of ones own, Malmö Konstmuseum (2014), Past Upon Past, Red Barn Photo Gallery, Belfast, Ireland (2013), Decembers, LAZNIA Centre for Contemporary Art, Gdańsk, Poland (2012), Liverpool Biennial, UK (2010). She has been awarded grants in support of her work from the Danish ArtsCouncil, The Danish Arts Foundation, Arab Fund for Arts and Culture (Beirut, Lebanon), ArtSchool Palestine, Danish Centre for Culture and Development and the Danish Arts Agency. She is the programme director of Critical and Pedagogical studies at Malmö Art Academy, and is a guest lecturer at the International Academy of Art – Palestine, Dar al-Kalima College, Bethlehem and University of Ulster, Belfast.
Catalogue : 2015Two within close range | Film expérimental | super8 | couleur | 15:0 | Danemark, Palestine | 2011
Maj Hasager
Two within close range
Film expérimental | super8 | couleur | 15:0 | Danemark, Palestine | 2011
The project Two within close range is an investigation of urban spaces that remain private or inaccessible despite their public significance. The urban structures and familiar places - a park and a construction site with a disputed past - are used to reflect the socio-political issues in the area outside the walled city of Jerusalem. Instead of remaining invisible and unnoticeable in the everyday environment, aspects of contemporary experience of place are revealed through observations of the usage patterns of the selected sites, the Rockefeller Garden and the Nusseibeh building. In this way, they become the centre of attention. In the work, the two sites are represented through still images, video and 8 mm film corresponding with written narratives weaved together in an attempt to re-write and expand what already exists as the oral history of these places. The written narratives deal with the recent past of the area, as well as historical and political narratives, through a more descriptive and spatial approach. By using official information, personal stories collected from the area and fictional elements, a mix of voices and positions appear in order to reproduce and examine recent, at times unnoticed, history.
Maj Hasager is a Danish artist and filmmaker based in Copenhagen, Denmark. She studied photography and fine art in Denmark, Sweden and the UK, earning an MFA from Malmö Art Academy, Sweden. Her work deals with power structures, identity, memory, the construction of history, and architecture, looking at how these interlinked phenomena are interpreted and represented culturally and spatially. Her artistic approach is research-based and interdisciplinary, and she works predominantly with text, sound, video and photography. She has exhibited her work internationally in events and institutions such as; Society Acts, Moderna Museet Malmö (2014), A voice of ones own, Malmö Konstmuseum (2014), Past Upon Past, Red Barn Photo Gallery, Belfast, Ireland (2013), Decembers, LAZNIA Centre for Contemporary Art, Gdańsk, Poland (2012), Liverpool Biennial, UK (2010). She has been awarded grants in support of her work from the Danish ArtsCouncil, The Danish Arts Foundation, Arab Fund for Arts and Culture (Beirut, Lebanon), ArtSchool Palestine, Danish Centre for Culture and Development and the Danish Arts Agency. She is the programme director of Critical and Pedagogical studies at Malmö Art Academy, and is a guest lecturer at the International Academy of Art – Palestine, Dar al-Kalima College, Bethlehem and University of Ulster, Belfast.
Bjørn Erik Haugen
Catalogue : 2019The Pen is Mightier Than the Word | Vidéo | hdv | couleur | 5:6 | Norvège | 2017
Bjørn Erik Haugen
The Pen is Mightier Than the Word
Vidéo | hdv | couleur | 5:6 | Norvège | 2017
In my video I problematize how how scientific research is published now and the changes and demands it is stands forward on regard to the Open Access-declaration and Sci-hub. I have concentrated my work on the idea of authorship, and in the near future when cognitive or artificial intelligence will curate, compile and find correlations over many research disciplines. This will be possible when research will gain open access. I think that we will see knowledge organized in new ways and in cross-disciplines. AI I have made a paraphrase on the old saying which is "The Pen is mightier than the Sword", that is central to my works proposed for this exhibition. The pen is here a metaphor for the Computer with AI / cognitive computing that can read and compile research material. It is not the person/author that is central, it is the knowledge that other can read/build upon that is important. The video is a mixture between documentary and a power-point presentation. In my works I often make archives, and work with several medias to make installations. Knowledge production, science-sociology and bio-politics are central in my artistic work. And I want with my works to make the viewer reflect on what they see/experience. I look upon art as knowledge-production. The ideological foundation for Open access to research I will focus on is the UN declaration of human rights article 27: "Every has the right freely to participate in the cultural life of the community, to enjoy the arts and to share in scientific advancement and its benefits." We know see that access to research is expensive and more difficult to access, and the privileged Universities has access while African/Asian and South-American Universities and their researchers and student must resort to criminal activities, copying articles from more privileged colleagues or from Sci-hub. This structure correlate to the same structure of wealth in the world. The video was screened at the Research Pavilion during the Venice Biennial in May 2017.
My name is Bjørn Erik Haugen, and I have an MA from the National Academy in Oslo 2007. Currently I am working on a phd at the Academy of Music in Oslo. I work mainly with sculpture, sound- and video installation. I work from a conceptual platform where the idea to the work comes before the material, media or way of expression. My works has been shown on the annual national autumn exhibition in Norway, and have been screened in Wienna, Barcelona, Sweden, Germany, England and in USA. I exhibited at Transmediale, 2012 I received«Honorary Mention» at Prix Ars Electronica 2012 in the section Digital Musics & Sound Art. One of my videos was screened at Rencontres Internacionales 2012 and at WRO International Media Art Biennale 2013. In 2014 I exhibited at Bucharest Biennial, ISCM 2014 and at Bristol Biennial. Last year I exhibited at Land-Shape, Arhus, Spring- exhibition, Fotogalleriet, Oslo, ISEA 2015, Vancouver and at 28. Festival Les Instants Vidéo, Marseille. In 2017 I had a solo- exhibition at Haugar Art Museum and presented a video-work at the Second Research Pavilion for the 2017 Venice Biennale. Last year I performed at Only Connect Festival, Klang Festival, Copenhagen and Blurred Edges, Hamburg, and participated on a group exhibition at Haugar Art Museum. This year I have a concert at Ultima 2019, and a solo exhibition at Khåk.
Catalogue : 2017Forensic | Vidéo | hdv | couleur | 190:0 | Norvège | 2015
Bjørn Erik Haugen
Forensic
Vidéo | hdv | couleur | 190:0 | Norvège | 2015
Forensic Forensics is a collection and a research in how forensic images is aesthetisized in the American TV-series CSI. I have used all 15 seasons and collected all the forensic / technical images and presented them in a single-video work. e videos are categorized in four video- streams: Optical, photographic, video and interface. Forensic is inspired by the work of Vilem Flusser.
My name is Bjørn Erik Haugen, and I have an MA from the National Academy in Oslo 2007. I work mainly with sculpture, sound- and video installation. I work from a conceptual platform where the idea to the work comes before the material, media or way of expression. My works has been shown on the annual national autumn exhibition in Norway, and have been screened in Wienna, Barcelona, Sweden, Germany, England and in USA. I exhibited at Transmediale 2012, Berlin. I received«Honorary Mention» at Prix Ars Electronica 2012 in the section Digital Musics & Sound Art. One of my videos was screened at Palais de Tokyo, during Rencontres Internacionales, December 2012 and at WRO International Media Art Biennale in May. In 2014 I exhibited at Bucharest Biennial, ISCM 2014 and at Bristol Biennial. Last year I exhibited at Land-Shape, Århus, Spring- exhibition, Fotogalleriet, Oslo, ISEA 2015, Vancouver and at 28. Festival Les Instants Vidéo, Marseille. I started my artistic research position this autumn.This year I will have a solo-exhibition at Haugar Art Museum and I will exhibit at the Research Pavilion in Venice and at Wroclaw Media art Biennial 2017.
Catalogue : 2013What does it matter how many lovers you have if none of them gives you the universe | Vidéo | dv | noir et blanc | 11:33 | Norvège | 2012
Bjørn Erik Haugen
What does it matter how many lovers you have if none of them gives you the universe
Vidéo | dv | noir et blanc | 11:33 | Norvège | 2012
What does it matter how many lovers you have if none of them gives you the universe This project is a transcription for mechanical piano of a lecture by the French psychoanalyst Jaques Lacan. The audience`s response in the lecture is played by a guitar amplifier. The video of the lecture will be screened with a video projector. Lecture The Lecture where he talks about the language as a foundation for our understanding of our surroundings. He is abruptly disrupted by a student that ruins his lecture notes with flour and water, that is the part II of the piece, as a protest against society. He is a situationist, inspired by Debord they start discussing before he ruins Lacan`s cravat/tie and is thrown out of the lecture hall. Lacan then starts lecturing about the protesters views about people and society, about revolution and love. Thoughts about the project In art discourse both Lacan and Debord are central, this is a meeting of their views upon society. This lecture hel place in 1971. The happening is highly coloured by the context, the student protests in France in the late sixties, and revolution as an frequent used word in discussion. The choice of the piano is intended to both be a critique and a hommage to Lacan and postmodern thinkers like him as they first started with theories that revolutionized and transformed how we experience our world, and ended up as virtuous theoretical performers. The audience knew exactly what they were getting when they entered their lectures. The title is a famous quote by Lacan. Here it refers to the two «ideologies» in the piece, the situationist and the psychoanalytic. What does it matter how many lovers you have if none of them gives you the universe received Honorary Mention at Prix Ars Electronica 2012 in the section Digital Musics & Sound Art.
My name is Bjørn Erik Haugen, and I have an MA from the National Academy in Oslo 2007. I work mainly with compositions, sound- and video installation. I work from a conceptual platform where the idea to the work comes before the material, media or way of expression. Art Practice My works has been shown on the annual national autumn exhibition in Norway, and have been screened in Wienna, Barcelona, Sweden, Germany, England and in USA. I exibited at Transmediale, Berlin, February this year.
Anthony Haughey
Catalogue : 2016UNresolved | Doc. expérimental | hdv | couleur | 17:22 | Irlande, Bosnie-Herzégovine | 2015
Anthony Haughey
UNresolved
Doc. expérimental | hdv | couleur | 17:22 | Irlande, Bosnie-Herzégovine | 2015
UNresolved reflects on the twentieth anniversary of genocide in Srebrenica, where in 1995 more than 8000 men and boys were systematically murdered by the Bosnian Serb army of Republika Srpska (VRS). The title relates to the UN Security Resolution 819, passed on the 16th April 1993 declaring Srebrenica as a ‘safe’ area for refugees – the prelude to what was the largest act of genocide in Europe since the holocaust. Following Haughey’s earlier work in Bosnia, between 1998-2002, he gained exclusive access to buildings and atrocity sites in Serb controlled territory, areas that have hitherto been off limits. Since completing the film in early 2015 the building where the Dutch UN was based has been renovated. As a result Unresolved is also an important historical document which captures the building in its original state. The film includes eyewitness accounts of massacre victims collated from archives such as Human Rights Watch and also directly from people encountered on research visits to Bosnia, with accounts of resistance and survival, testimonies from young Dutch soldiers who were serving in Srebrenica and conflicting accounts from UN personnel and Serb military commanders. The film explores ideological and political narratives informing this emerging and contested history.
Anthony Haughey is an artist and a lecturer in the Dublin Institute of Technology. He was Senior Research Fellow (2005-8) in Belfast School of Art, where he completed a PhD in 2009. His work has been widely exhibited and collected nationally and internationally, most recently Uncovering History, Kuunsthaus Graz, Excavation, Limerick City Gallery where he premiered his new film, Unresolved, Making History, Colombo Art Biennale Art of the Troubles, Ulster Museum, Belfast, Settlement, Belfast Exposed, Northern Ireland: 30 years of photography, the MAC and Belfast Exposed, New Irish Landscapes, Three Shadows Gallery, Beijing and Homelands, a major British Council exhibition touring South Asia. His work has been published in more than seventy publications, monographs include The Edge of Europe (1996), Disputed Territory (2006) and an artist’s book State (2011). His work is represented in many international public and private collections and he is an editorial advisor for the Routledge journal, Photographies. He was recipient of the Create Arts and Cultural Diversity Award 2014 and is currently working on a new film supported by a Projects Award from The Arts Council/An Chomhairle Ealaíon which will premiere in NYC in April 2016.
Anna Hawkins
Catalogue : 2020Fall Fell Felt | Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 10:31 | Canada | 2018
Anna Hawkins
Fall Fell Felt
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 10:31 | Canada | 2018
Fall Fell Felt repose sur l’examen de vidéos d’actes manqués, les « fails », un genre populaire où des gaffes sont captées par la caméra et diffusées en ligne. S’attardant à un sous-genre extrêmement répandu, les « girl fails », ce projet évalue la capacité des images à susciter l’empathie, tout en considérant les manières dont le corps des femmes a été utilisé, tout au long de l’histoire de l’image en mouvement, pour provoquer des réactions physiques et viscérales chez les spectateurs.
Anna Hawkins est une artiste américaine installée au Canada. Son travail porte sur la manière dont les images, les gestes et les informations sont transmis, transformés et vécus en ligne. Elle a exposé des projets individuels à Artspace de Peterborough, au Centre Clark de Montréal, à Eastern Edge Gallery de St. John’s, Untitled Art Society de Calgary ainsi qu’au Musée d?art contemporain des Laurentides. Ses œuvres ont été présentées et projetées à l’échelle internationale, à la Biennale New Wight de l'UCLA de Los Angeles, à la Biennale d?art médiatique WRO, à la Galerie Sturm de Nürnberg et au LUX à Londres.
Alys Hawkins
Catalogue : 2007You Never Listen | Animation | betaSP | noir et blanc | 3:0 | Royaume-Uni | 2005
Alys Hawkins
You Never Listen
Animation | betaSP | noir et blanc | 3:0 | Royaume-Uni | 2005
You never listen est un film de trois minutes sur une fillette âgée de huit ans et prénommée Shirley qui échappe à sa vie une après-midi. Ressentant de la frustration à la fois à cause de malentendus dans sa famille et à cause de l?hostilité ambiante dans la rue, Shirley voit une chance de s?enfuir et s?en empare avec fougue. Elle fuit ainsi la vie qu?elle connaît sans regarder derrière elle.
Alys Hawkins est née pendant la canicule de 1976 et a grandi à Southampton, au Royaume-Uni. Elle a fait des études de cinéma à la Northumbria University à Newcastle upon Tyne et a obtenu un Master en Techniques de l?animation au Royal College of Art de Londres en 2002. Ses films ont reçu de nombreux prix et ont été couronnés de succès lors de festivals à travers le monde. Son dernier projet a été une commande faite par la chaîne de télévision Channel 4. Elle travaille actuellement sur une arche de chemins de fer à Southampton pour le développement d?un court-métrage expérimental à caractère érotique, et également sur un film de danse qui doit être tourné à Berlin.
Eleanor Hawkridge
Catalogue : 2008I have a number of small cats | Art vidéo | dv | couleur | 1:22 | Royaume-Uni | 2007
Eleanor Hawkridge
I have a number of small cats
Art vidéo | dv | couleur | 1:22 | Royaume-Uni | 2007
C'est le soir. Tandis que le ciel s'assombrit, une fille est assise, seule, dans une tour. Elle porte des oreilles de chat et tricote de façon répétitive. En allusion à "The Lady of Shalott" d'Alfred Lord Tennyson, elle songe fiévreusement aux rêves secrets et aux désirs contradictoires des femmes dans la société contemporaine, qui ont trouvé pour s'exprimer le phénomène des "blogs", et les portraits médiculeusement chorégraphiés de vies entremêlées qu'ils permettent. L'artiste utilise un style hybride, mélange d'animation fixe et d'image en mouvement, ce qui accentue la texture intime et la fragilité du récit, tout en soulignant la non fiabilité et le caractère nécessairement lacunaire de tout récit personnel.
Eleanor Hawkridge vit et travaille à Liverpool, en Angleterre. Née en 1981, elle a étudié au University of Whales Institute, à Cardiff. Son oeuvre a été montrée en Europe et à travers le monde. Par le biais de la réprésentation, de la vidéo et de l'installation documentaire, elle construit des tragédies mondaines avec des fragments d'espoir du quotidien. En mélangeant récit et métaphore, que vient perturber une logique défectueuse, elle exprime la tendresse et la fragilité de l'expérience humaine, avec émotion et nostalgie. Eleanor est aussi co-fondatrice de The Royal Standard, un espace à la fois social et artistique, qui soutient les artistes débutants et les mouvements d'art contemporain.
Thomas Hawranke
Catalogue : 2019Grand Ape Town | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 13:30 | Allemagne, 0 | 2016
Thomas Hawranke
Grand Ape Town
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 13:30 | Allemagne, 0 | 2016
Grand Ape town is a realtime animation movie based on a conducted research about human-animal relations in videogames. Within the movie half of the population of the videogame Grand Theft Auto V is swapped with the 3d-model of a chimpanzee. Through this modification the city of Los Santos is transformed into a hybrid playground of human and animal agency. It invites the viewer to perform Donna Haraways response-ability as a test-action in digital worlds.
Thomas Hawranke is artist and researcher. He received a diploma in audiovisual media from the Academy of Media Arts Cologne and a Ph.D. in media art from the Bauhaus-University in Weimar. In 2005 he joined the artist group susigames, was an artist in residence at the Center for Art and Media (ZKM) Karlsruhe and held a scholarship for artistic research in video games. In 2009 he co-founded Paidia Institute, an interdisciplinary research group operating between art, technology, and science.
Thomas Hawranke, Lasse Scherffig
Catalogue : 2023COLOSSAL CAVE ADVENTURE – THE MOVIE | Animation | mp4 | couleur | 55:33 | Allemagne | 2022
Thomas Hawranke, Lasse Scherffig
COLOSSAL CAVE ADVENTURE – THE MOVIE
Animation | mp4 | couleur | 55:33 | Allemagne | 2022
The project deals with one of the first text-based adventure games in computer game history. Colossal Cave Adventure was developed by Will Crowther in 1976 and is based on the spatial presence of Mammoth Cave in Kentucky. Crowther’s game completely avoids a visual representation of the cave – instead, text input and text response shape the cave in the player’s individual perception. The AI-based animated film is approximately 55 minutes long. The camera constantly moves downwards, digging through geological layers and exposing new cave spaces again and again. Every eight seconds, the AI system receives a new textual description. These descriptions are taken from Crowther’s source code from Colossal Cave Adventure in 1976, which contains a total of 379 inputs ranging from narrative descriptions of nature, to jargon from the vocabulary of speleologists, to single words meaning an object, a compass direction, or an exclamation.
Thomas Hawranke and Lasse Scherffig are two interdisciplinary artists collaborating at the fringes of art, technology, and science. Rooted in media archeology, animation, and computational art, their most recent work employs generative AI systems to question their aesthetic and epistemic foundations. They have previously collaborated within the artist group Paidia Institute and have exhibited and published internationally.
Isabelle Hayeur
Catalogue : 2015La saison sombre | Vidéo | hdv | couleur | 8:45 | Canada | 2014
Isabelle Hayeur
La saison sombre
Vidéo | hdv | couleur | 8:45 | Canada | 2014
La saison sombre se veut une sorte de présage. La vidéo nous montre des lieux dévastés et des paysages aux climats extrêmes. Elle évoque des bouleversements que nos sociétés actuelles connaissent, à une époque où notre dépendance aux énergies fossiles est de plus en plus importante.
Née en 1969, Isabelle Hayeur vit et travaille à Rawdon (Québec). Artiste de l'image, elle est connue pour ses montages numériques grands formats, ses vidéos et ses installations in situ. Son travail se situe dans la perspective d'une critique écologique, urbanistique et sociale. Elle s'intéresse particulièrement aux sentiments d`aliénation, de déracinement et de dislocation. Ses œuvres ont été présentées dans le cadre de nombreuses expositions et festivals.
Catalogue : 2012Private Views | Vidéo expérimentale | 0 | couleur | 8:15 | Canada | 2010
Isabelle Hayeur
Private Views
Vidéo expérimentale | 0 | couleur | 8:15 | Canada | 2010
"Private Views" met en parallèle deux mondes bien différents : la misère des déshérités et le style de vie ostentatoire des nouveaux riches. La vidéo explore les thèmes des inégalités sociales, de la spéculation immobilière et de la dépossession. Elle documente le déclin de certaines villes nord-américaines et jette un regard critique sur l?émergence de nouvelles banlieues cossues. Ces enclaves résidentielles privées sont souvent clôturées et surveillées. Leurs habitations luxueuses, d?un style architectural douteux, sont à l?image d?un monde dominé par les apparences, la consommation et le conformisme social.
Isabel Hayeur is a visual artist, born in Montreal in 1969. She gets a fine arts master degree from the University of Quebec in Montreal in 2002. Her work consists in large photographic montages, videos and in situ installations. She?s the cofounder of the collective ?Perte de Signal?, which exhibited young media artists in international festivals. Her researches focus on the changes in the city planning, showing natural-looking landscapes which are actually totally artificial. Her work is internationally shown in festivals, museums and exhibitions, as the Museum of Fine Arts of Québec (2006), ?Les Rencontres Internationales de la Photographie? in Arles (2006), the Museum of Fine Arts of Canada, the ?Fonds National d?Art Contemporain? of Paris, the Contemporary Art Museum of Montréal, and the Museum of Contemporary Photography of Chicago (MoCP).
Catalogue : 2011HINDSIGHT | Art vidéo | | couleur | 8:30 | Canada | 2009
Isabelle Hayeur
HINDSIGHT
Art vidéo | | couleur | 8:30 | Canada | 2009
"Hindsight" a été filmée sur Governors Island National Monument au cours de l`été 2009. L?occupation de cette île par des militaires, remontant à la colonisation hollandaise, culmina avec la construction à leur intention de Brick Village, complexe d?habitation à l?image de tant d?autres produits en série au lendemain de la Seconde Guerre mondiale pour remplir les promesses de liberté et de bonheur par la propriété individuelle au nom desquelles se battit maint soldat. Sauf que cette banlieue insulaire est aujourd?hui à l?abandon; ses maisons vides évoquent celles de tous ces Américains dont la spéculation financière a abusé des rêves d?accès à la propriété. Il y résonne l?écho des confidences d?un de ces soldats pour qui s?enrôler semblait la dernière chance d?échapper à la précarité en mettant sa vie en jeu pour les USA comme « land of opportunity ». Cette vision d?un pays de cocagne dont les conquêtes profiteraient à chacun grâce à l?entreprise privée s?estompe finalement comme tous les mirages, sous la peinture écaillée d?un mur lépreux, avec l?image de la statue de la Liberté dans les vitres aveugles d?un logement déserté?
Née en 1969, Isabelle Hayeur vit et travaille à Montréal. Artiste de l`image, elle est connue pour ses montages numériques grands formats, ses vidéos et ses installations in situ. Son travail se situe dans la perspective d`une critique écologique, urbanistique et sociale. Elle s`intéresse particulièrement aux sentiments d`aliénation, de déracinement et de dislocation.Ses oeuvres ont été présentées dans le cadre de nombreuses expositions et festivals.
Catalogue : 2010Losing Ground | Vidéo | dv | couleur | 12:40 | Canada | 2009
Isabelle Hayeur
Losing Ground
Vidéo | dv | couleur | 12:40 | Canada | 2009
"Losing Ground" est une critique de l?urbanisation horizontale qui ronge les paysages et les uniformisent un peu partout dans le monde. Négation de la ville historique, des particularités géographiques et donc de la mémoire culturelle, cet urbanisme standardisé impose aux hommes son amnésie, son mode de vie individualiste et son improbable présence à la nature. Filmée dans le Quartier DIX30 de Brossard, le plus grand "lifestyle center" au Canada, la vidéo sonde des territoires fraîchement façonnés par l?homme pour y déchiffrer les rapports qu?il entretient avec son environnement. Elle nous confronte à la perte des repères locaux au profit de stéréotypes culturels devenus, avec la globalisation, universels.
Isabelle Hayeur née à Montréal en 1969. Elle a fait ses études à l`Université du Québec à Montréal. Artiste de l`image, elle est connue principalement pour ses montages numériques grands formats et mes vidéos. Elle a aussi réalisé plusieurs installations in situ, des oeuvres d`art public et quelques oeuvres d`art internet. Son travail se situe dans la perspective d`une critique écologique et urbanistique. Il a été largement diffusé à travers le Canada, en Europe et aux États-unis. Il a notamment été présenté au Musée d`art contemporain de Montréal, au Massachusetts Museum of Contemporary Art (MassMoca), au Museum of Contemporary Photography (Chicago), au Casino Luxembourg forum d`art contemporain (Luxembourg), au Neuer Berliner Kuntsverein (Berlin) et aux Rencontres de la photographie à Arles (France). Ses vidéos ont été présentées lors de nombreux festivals tels que LOOP Videoart, Barcelona (2009), Le festival des nouveaux médias et de la vidéo de Montréal (2007, 2003, 1999), Vidéoformes, (2001, 2000, 1999, 1998), Videoart Locarno (2001), Les rencontres internationales Paris/Berlin (2000, 1999) et L.A. Freewaves (1998).
Stefan Hayn, Anja-Christin REMMERT
Catalogue : 2006Malerei Heute | Documentaire | 35mm | couleur et n&b | 61:0 | Allemagne | 2005
Stefan Hayn, Anja-Christin REMMERT
Malerei Heute
Documentaire | 35mm | couleur et n&b | 61:0 | Allemagne | 2005
?Malerei heute? présente une série de 156 aquarelles d'affiches publicitaires et d'affiches électorales du paysage urbain berlinois. La démonstration filmique et picturale traitant d' une période étendue (1998-2005) débute au moment où les changements de conditions de travail et de vie en Allemagne réunifiée prennent une importance évidente et - à travers le changement de gouvernement en 98- une signification politique. Non seulement les affiches électorales, mais aussi la publicité pour les cigarettes, la lessive et le cinéma se rapportent plus ou moins à des thèmes tels que la fiscalité, l'assurance vieillesse, la précarité croissante de l'emploi, les crises dans le domaine de la politique intérieure et extérieure. La peinture joue dans le film le rôle d'outil d'analyse, comme travail et comme un effort pour permettre un regard neuf sur les transformations sociales -et leurs répercussions sur la vie privée- au-delà de ce que l'on en connaît déjà . Par le biais de la reproduction filmo-temporelle des aquarelles et de leur confrontation avec des textes narratifs/explicatifs, des séquences filmiques et une musique composée et enregistrée pour le film, l'"oeil du peintre" est rendu accessible aux spectateurs. Au-delà du double "détour" de la reproduction, d'abord picturale, ensuite filmique, d' affiches publicitaires et électorales, le film vise également l'analyse par l'image de ce qu'on appelle les nouveaux médias et de leurs promesses de bonheur dans le domaine social et privé.
Bio- et filmographie Stefan Hayn né en 1965 à Rothenburg ob der Tauber 1986-93 études de peinture et de cinéma à l'école supérieure des arts de Berlin 1993 élève du cours Rebecca Horn 1995-98 étude de projet réalisation de films documentaires à l'académie de cinéma du Bade-Württemberg depuis 1989 Films, dont la majeure partie sont au sein de sa propre société de production, publication de textes Films SCHWULENFILM (1989, Super8 Blow up sur 16mm, couleur, muet, 2 min) TUNTENFILM (1990, Super8 Blow up sur 16mm, couleur, muet, 3 min) PISSEN (1990, Super8 Blow up sur 16mm, couleur et N&B, son optique, 12 min) FONTVELLA?S BOX (1991/92, 16mm, couleur, son optique ,18 min, avec le soutien de la Berliner Filmförderung) KLASSENKAMPF IN AMERIKA (1993, 16mm, couleur, son optique, 18 min) WHAT TO PUT ON TOP OF JACK SMITH?S MEMORIAL CHRISTMAS TREE? (1994, 16mm, couleur et N&B, son optique,7 min) AM ISRAEL CHAI / DAS VOLK ISRAEL LEBT ? BERICHT VON DR. URSULA BOHN (1995, Hi 8/Betacam SP, 46 min) DAS FESTSPIEL (1996, 16mm, couleur, son optique, 21 min) EIN FILM ÜBER DEN ARBEITER (1997/98, 16mm, N & B et couleur, son optique, 18 min) DREIZEHN REGELN ODER DIE SCHWIERIGKEIT SICH AUSZUDRÜCKEN THIRTEEN RULES OR THE DIFFICULTY OF SEXPRESSING ONESELF (d'après Ad Reinhardt et Copi, 1998, 16mm, N&B et couleur, son optique,50 min, Aide au scénario de la Berliner Filmförderung) Les journées internationales du court-métrage d'Oberhausen ont présenté, en Mai 2005, en programmation spéciale, une rétrospective des courts- et moyen-métrages de Stefan Hayn. Films en collaboration avec Anja-Christin Remmert SCHULDNERBERICHTE - PRIVATVERSCHULDUNG IN BERLIN (2001 / 02, 16mm, couelur et N&B, 88 min, produit par EIKON Südwest dans la série ?Junger Dokumentarfilm?, avec le soutien de MFG-Filmförderung du Bade-Württemberg,) GESPRÄCHE MIT SCHÜLERN UND LEHRERN (2000 / 02, DV, couleur, 45 min) DAS HEIßE EISEN (nach Hans Sachs, 2005, 16mm Blow up auf 35mm, Couleur,15min, avec le soutien du bureau fédéral de la culture et des médias MALEREI HEUTE (1998-2005, 35mm, couleur et N&B, 61 min, avec le soutien du Medienboard Berlin-Brandebourg, 3sat und SWR) Anja-Christin Remmert née en 1970 à Königs Wusterhausen 1992-97 études de réalisation de documentaires à l'académie de cinéma du Bade-Württemberg cours Thomas Schadt, Helga Reidemeister Films ZWISCHENZEIT (1995, 16mm, N & B et couleur, 25 min) GESTA (1997/99, 16mm, N&B, 20 min) IM LEBEN BLEIBEN (1998, avec Helga Reidemeister, vidéo, couleur, 50 min)
Ali Hazara
Catalogue : 2013Dusty Night | Documentaire | dv | couleur | 20:0 | Afghanistan, France | 2011
Ali Hazara
Dusty Night
Documentaire | dv | couleur | 20:0 | Afghanistan, France | 2011
Ombres parmi les ombres, les balayeurs de nuit de Kaboul déplacent une lourde poussière le long d`une avenue. Images arrachées à la poussière et à la nuit, dans les phares des voitures, à la lueur d`une boutique, ou d`une pompe à essence.
I was born in a very remote village in 1977. Ghvas it is called, in Behsood, inWardak Province in Afghanistan. Soon my family immigrated in 1979, due to the dangers that would threaten my father. My family emigrated to Iran and passed all my childhood in that country. I returned to Afghanistan in 2004. I started the cinema, with Atelier Varan in 2007, in Afghanistan. I want to change the situation in Afghanistan, writing the song, movie making, andmaking fun of television programs. But after so many years remained a dark figurein my mind of my land, and it is dusty night.
Lauren Healey, Taryn Edmonds
Catalogue : 2013Linear Shift | 0 | 0 | couleur | 17:30 | Royaume-Uni, 0 | 2012
Lauren Healey, Taryn Edmonds
Linear Shift
0 | 0 | couleur | 17:30 | Royaume-Uni, 0 | 2012
Combining the language of documentary and artists film genres, Linear Shift draws on the historical and geographical locale of the North East of England to evoke the wider, national story of traditionally industrial locations during this time of economic instability. Whilst the visuals serve to document the current landscape in a photographic and almost painterly fashion, the audio highlights the feeling of the site, bringing in residues from the past - the boom of previous activity against the current stillness, as redundant spaces await redevelopment. Giving a different context to the visuals, the soundscape introduces disjointed and alternative narratives to the viewer, alternating between almost imperceptible sounds within the silence, alongside the reality of remaining life on the river.
Taryn Edmonds works across documentary film, new media and installation to explore socio-political issues inherent to the city, such as regeneration, community identity and representation. She has exhibited nationally and produced short films for broadcast. She recently worked as artist and project manager on ?Archive for Change? [http://archiveforchange.org/] a participatory film project exploring the architectural and emotional landscape of a neighbourhood in Newcastle undergoing wide-spread regeneration, which culminated in a large-scale public event. Lauren Healey works with photography, installation, sculpture and audio, making works around the subjectivity of documentation, in relation to domestic and urban environments. She has exhibited and worked on projects nationally, recently working with VARC on Response: A Rural / Urban Conversation, PVA MediaLab on a SALT sound residency and the Universities of Manchester and Chester on the research project Seeing the City Anew, in which asylum seekers use photography as a way of describing their relationship to their adopted home.
Leif Heanzo
Isabell Heimerdinger
Catalogue : 2021Soon It Will Be Dark | Film expérimental | 4k | | 22:49 | Allemagne | 2020
Isabell Heimerdinger
Soon It Will Be Dark
Film expérimental | 4k | | 22:49 | Allemagne | 2020
La vie sur l'île suit le rythme changeant du jour et de la nuit. Là où l'unique route s'enfonce dans la forêt, l'air devient plus chaud, plus humide. Ici, à l'ombre des grands arbres, un homme travaille avec son outil. Les sons qu'il produit se mêlent à ceux de la nature qui englobe tout. Son quotidien est rythmé par l'ombre et la lumière jusqu'au coucher du soleil. La nuit, à l'autre bout du chemin, sa solitude est adoucie par les voix des autres, près du feu qui réchauffe, jusqu'aux premières lueurs du jour.
Isabell Heimerdinger est née à Stuttgart, en Allemagne. Elle a étudié la sculpture à la Kunstakademie Düsseldorf (Allemagne) et a obtenu un Master en photographie au California Institute of Arts de Los Angeles (USA). Pendant ses années à Hollywood, elle a gagné sa vie en travaillant dans l'animation d’effets spéciaux. Sans surprise, son travail artistique tourne autour des conditions de réalisation des films. En 2008, elle a tourné en France son premier film court narratif, "Detour", puis une série de films expérimentaux à Pékin ("Good Friends", "Blind Date", "Mr. Xu") et en Italie ("Giorgio"). Si les décors de ses films sont toujours réels, les histoires et les personnages qui les habitent ne le sont pas. Elle vit et travaille à Berlin. Ses films ont été présentés entre autres à la Berlinische Galerie, Berlin (Allemagne); au Kino Arsenal, Berlin (Allemagne); au Centre George Pompidou, Paris (France); à Art Film at Art Basel, Bâle (Suisse); au Kunstmuseum St. Gallen, Saint-Gall (Suisse) et dans divers festivals internationaux de cinéma.
Finn-ole Heinrich
Catalogue : 2007Nicht an einem Tisch | Documentaire | dv | noir et blanc | 16:0 | Allemagne | 2006
Finn-ole Heinrich
Nicht an einem Tisch
Documentaire | dv | noir et blanc | 16:0 | Allemagne | 2006
Comment mes parents se sont rencontrés, se sont mis ensemble avant de repartir chacun de leur côté. - un film sur un amour politique d'époque.
Finn-Ole Heinrich. Etudie le cinéma à Hannovre, écrit des histoires (paru dernièrement: "die taschen voll wasser", aux éditions mairisch Verlag, Hambourg)et a beaucoup d'autres projets encore.
Samuel Heinrichs
Catalogue : 2018Rote Malam (Rote Nights) | Doc. expérimental | hdv | couleur | 24:30 | Royaume-Uni, Indonésie | 2017
Samuel Heinrichs
Rote Malam (Rote Nights)
Doc. expérimental | hdv | couleur | 24:30 | Royaume-Uni, Indonésie | 2017
Ba’a, Rote Island, East Nusa Tenggara. Midnight until sunrise. Motorbikes pass and people begin to gather along a dark boulevard to the hum of a generator. Torch-lit activity and distant lights observed in expectation. Filmed over several nights the film follows the men an women waiting for the fishing boats to return from sea.
Samuel Heinrichs studied History and Politics in Sheffield before beginning his studies at the HFBK in the Film Department in 2012. There he has produced several short films which, though very different, share an interest in exploring filmic forms for investigating specific and localised places.
Paul Heintz
Catalogue : 2017Non contractuel | Documentaire | 4k | couleur | 16:20 | France | 2015
Paul Heintz
Non contractuel
Documentaire | 4k | couleur | 16:20 | France | 2015
Autodis est une entreprise de vente de voitures et d’accessoires automobiles. Tous les secteurs travaillent en synergie pour faire croître le chiffre d’affaires et vendre toujours plus. Le film prend pour point de départ cette entreprise réputée modèle pour nous raconter son fonctionnement particulier.
Né en 1989 à Saint-Avold, Diplômé des Beaux-Arts de Nancy et des Arts Décoratifs de Paris. Le terrain d’action de Paul Heintz est un étrange ensemble de cas où le réel est largement imprégné de fiction, et où la normativité sociale pèse en même temps de tout son poids. Il y a une toxicité propre à l’imagination et à la fiction lorsqu’elles allient leur agrément à la norme sociale, comme c’est le cas par exemple avec le *storytelling*. De là, Paul Heintz entre dans la logique de la fiction, la poursuit plus loin, et fait entrer par cette prolongation un courant d’air salvateur. Son travail qui se traduit à travers l’objet, le son, la vidéo et l’installation a été présenté lors d’événements d’art contemporain tels que le Salon de Montrouge, Paris Nuit Blanche, le festival de la jeune photographie européenne *Circulation(s*). Actuellement, il vit et travaille entre Paris et Lille où il est en post-diplôme au Fresnoy - Studio national des arts contemporains.
Paul Heintz
Catalogue : 2022Character | Vidéo | super8 | couleur | 18:52 | France, Royaume-Uni | 2021
Paul Heintz
Character
Vidéo | super8 | couleur | 18:52 | France, Royaume-Uni | 2021
CHARACTER est un projet artistique multi-media à travers lequel Paul Heintz est allé à la rencontre d’homonymes anglais de Winston Smith, héros de 1984 de George Orwell. Existe-il entre eux et le héros de Orwell un lien indicible ? Pendant presque deux ans, le cinéaste Paul Heintz est parti à la recherche de Winston Smith, dans une enquête inscrite dans le cadre d’un projet multimédia. Lorsqu'il publie une petite annonce dans le quotidien anglais The Sun pour trouver des homonymes du héros du roman 1984, il va provoquer une collision de particules de fiction et de réel. Entre déconstruction et détournement, le réalisateur part à la rencontre des gens, dans un exercice de casting dystopique au milieu des paysages urbains déshumanisés. La texture de l’image d’archive nous transporte dans l’esprit de cet ouvrage culte paru en 1949 alors que les différents films-portraits qui surgissent révèlent surtout la dimension sociale du processus filmique. Dans le regard inquiet de son auteur, la dystopie imaginée par George Orwell finit par rejoindre les conflits sociaux et politiques du XXIe siècle. Si le quotidien individuel de ces illustres inconnus devient dystopique, phagocyté par notre imaginaire, leur rencontre finale questionne intelligemment le rôle de chacun·e dans une société individualiste bouleversée par la pandémie.
Né en 1989 à Saint-Avold, diplômé des Beaux-Arts de Nancy, des Arts Décoratifs de Paris et du Fresnoy, studio national des arts contemporains. Il vit et travaille entre Paris et la Lorraine. Son travail qui se traduit à travers l’objet, le son, le film et l’installation a été présenté lors d’événements d’art contemporain et festivals de films tels que FID Marseille, IFFR Rotterdam, Paris Nuit Blanche, Circulation(s). Il est le lauréat du prix Révélation Emerige 2019 et Révélation Livre d’Artiste 2021. Le terrain d’action de Paul Heintz est un étrange ensemble de cas où le réel est largement imprégné de fiction, et où la normativité sociale pèse en même temps de tout son poids. Il y a une toxicité propre à l’imagination et à la fiction lorsqu’elles allient leur agrément à la norme sociale, comme c’est le cas par exemple avec le storytelling. De là, Paul Heintz entre dans la logique de la fiction, la poursuit plus loin, et fait entrer par cette prolongation un courant d’air salvateur.
Paul Heintz
Catalogue : 2019Foyers | Doc. expérimental | hdv | couleur | 18:0 | France | 2018
Paul Heintz
Foyers
Doc. expérimental | hdv | couleur | 18:0 | France | 2018
Au rythme d’une dérive solitaire, un pyromane se livre. Entre vécu, rêve et imaginaire sa parole libère son rapport inconscient au feu.
Né en 1989 à Saint-Avold, diplômé des Beaux-Arts de Nancy, des Arts Décoratifs de Paris et du Fresnoy, studio national des arts contemporains. Son travail qui se traduit à travers l’objet, le son, la vidéo et l’installation a été présenté lors d’événements d’art contemporain tels que Paris Nuit Blanche et le Salon de Montrouge et des festivals de films comme le FID Marseille, Dok Leipzig, le Festival International du film de Rotterdam. EN : Paul was born in 1989 in Saint-Avold (France). He is a Fine Arts graduate from Beaux-Arts de Nancy, Arts Décoratifs de Paris and Le Fresnoy, studio national des arts contemporains. His work goes through object, sound, video and installation. His first film "Non Contractual" was screened among others festival at RIDM, Indie Lisboa and FID. His last film "Hearths" premiered in 2018 at FIDMarseille and Dok Leipzig and was selected at Rotterdam 2019.
Thomas Heise, ---
Catalogue : 2009Kinder. Wie die Zeit vergeht. | Documentaire | | noir et blanc | 86:0 | Allemagne | 2007
Thomas Heise, ---
Kinder. Wie die Zeit vergeht.
Documentaire | | noir et blanc | 86:0 | Allemagne | 2007
Qu?est devenu le chauffeur de bus du rêve de Jeanette ? Comment vont ses enfants, Tommy et Paul ? La vie est-elle maintenant sous contrôle ? Qu'est-ce que Tino, le petit frère de Jeanette, entend par « mélanger tout » ? Le bonhomme de neige n'a pas de bouche. La vie comme elle coule. En s?agitant.
Thomas Heise, écrivain et réalisateur indépendant, travaille dans les domaines du théâtre, du drame audio et du documentaire. Il est né à Berlin en 1955. Il a étudié à l'Académie de Cinéma et de Télévision de Potsdam-Babelsberg. En 1990, Heise a obtenu sa maîtrise à l'Académie des Beaux-Arts de Berlin. Jusqu'à la chute de la RDA, tous ses documentaires ont été systématiquement bloqués, confisqués ou détruits. Heise a trouvé un foyer artistique dans le théâtre, où il a coopéré étroitement avec l'auteur et metteur en scène Heiner Müller. Les premiers films de Thomas Heise parlent de phénomènes sociaux en RDA, ainsi que de l?appareil bureaucratique du pays. À partir de la fin des années 1980, son intérêt s?est déplacé vers les évolutions que les individus, les familles et les communautés régionales ont dû subir à la suite de la réunification allemande. Depuis le début des années 1990, ses documentaires ont attiré l?attention à une échelle nationale et internationale.
Thomas Heise
Catalogue : 2011Sonnensystem | Documentaire | | couleur | 100:0 | Allemagne, Argentine | 2010
Thomas Heise
Sonnensystem
Documentaire | | couleur | 100:0 | Allemagne, Argentine | 2010
?Solar System? is a film about disappearance. It is a portrait of daily life in the indigenous community of the Kollas in Tinkunaku in the mountains of northern Argentina. It tells the story of Ramona and Viviano in the valley of Blanquito and at high altitude in Santa Cruz, of the deaf Fortunato and of Louis? family, of Soto the shepherd, and of Cecilia and Bernardo whose tractor turned over, of Guido the child who carves men out of clay, of God, of the carnival which everybody celebrates, and of the flowing of the waters. The film shows a meeting without knowing the language of the other, a story of getting to know and seeing each other without words. Non-verbally, exclusively through images the film approaches the people of a small indigenous Kolla community. We accompany the seasonal tramp of Viviano and Ramona from the valley up to the village of Santa Cruz, 3000 meters above sea level, where they spend the summertime until the autumn rain makes them go back to Rio Blanquito. Living with the Kollas, inbetween the old rites and the irruptive modernity, in the grandiose landscape of Yunga and Quechua, the film narrates the day-to-day disappearence of an indigenous people. Dies irae.
Thomas Heise was born in Berlin, capital of the German Democratic Republic, in 1955. After school he trained as a printer ? ?in the GDR printer was the profession of choice of social failures?. (Heise in a talk with Erika Richter). After his military service in the East German armed forces he began to work as an assistant director at the DEFA ? Studio for Feature Films in Potsdam Babelsberg in 1975. Parallel to his work at the studio he resumed his studies and completed his secondary education. Between 1978 and 1983 Heise studied at the Academy of Film & Television in Potsdam-Babelsberg (HFF/B). His first film, the documentary ?Wozu denn über diese Leute einen Film? (?Why a Film About These People?) ? produced entirely with materials bought on the black market ? was banned from public screening. Heise broke off his studies. Since 1983 he has worked as a free-lance writer and director in the areas of theatre, audio drama and documentary. Until the end of the GDR all his documentary efforts were however either blocked by what was ? in official jargon ? called ?operative means? or destroyed or confiscated. He started conducting preliminary research for his later films, such as Eisenzeit (?Iron Age?) or Vaterland (?Fatherland?) around the same time. Heise found an artistic home at the theatre, where he cooperated closely with author and director Heiner Müller. Between 1987 and 1990 Heise acquired his MA at the Berlin Academy of Fine Art. He was a member of the Berlin Ensemble until 1997, where acted as contributing director for a number of productions. Since the beginning of the 1990s Heise?s documentaries have attracted national and international attention. Since 2007 he is teaching as a Professor for Film and Media Art at Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. Thomas Heise?s earlier films dealt with social phenomena in the GDR and the country?s bureaucratic apparatus. From the late 80s his focus has moved to the changes individuals, families and regional communities have had to undergo in the aftermath of the German reunification. The works of the filmmaker encompass a wide range of contemporary socially relevant topics such as privatisation, the re-organisation of the formerly industrial sphere, unemployment and rightwing radicalism to name but a few. Heise?s documentary works are characterised by his precise and insistent way of looking at things. Rather than exploiting or misrepresenting his characters, he takes the time necessary to build up a relationship with them, but stops short of over-identification. ?Wozu denn über diese Leute einen Film? (?Why a Film About These People?) the title of his first completed short documentary has also become a guiding principle of his work. Heise?s films show people that have been marginalized by society, yet their lives are the site where historical developments converge ? the East German neo-Nazis out of the Stau (Jammed) films, the spy out of Barluschke, the rebellious East German teenagers out of Eisenzeit or the little village, marked by traces of German history in Vaterland. Heise brings the multiple social, political and historical undercurrents of life in today?s Germany to light.