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The Kids & The Axe is part of a series of videos in which the author works with a poetic similar to that of the Chilean literary tradition of the 20th century known as "poesía lárica", where the relationship of man with the landscape is emphasized through the contemplation of quotidian events which can be ?right there? in front of us, however allowing us to see ?something more? as well. Such poetic language ?actualized within the audiovisual code- is particularly present in this video through the portrayal of the children?s game, a situation that, in spite of occurring immersed within the landscape, is happening somewhere else: in the place of fantasy, in an internal world impossible to be captured by the images produced by the camera, but a world that the video allows us to enter through a personal experience.

Gianfranco Foschino was born in 1983 in Santiago de Chile. He graduated in cinema studies from UNIACC University of Santiago de Chile. In 2009, took a residency in Rio do Janeiro guided by filmmaker & visual artist Paula Gaitán, has since become known for his silent video installations. Foschino is acknowledged as one of the key artists of the new generation in Chile. In 2010 participated in a two-person exhibition entitled ALMOST ROMANTIC curated by Christopher Eamon at I-20 Gallery, New York. In 2011, his work was fea- tured at the Latin American Pavilion of 54th Biennale di Venezia. He currently lives and works in Santiago de Chile.

DREAMING IN ASPECT RATIO (2021) is a highly personal hand-made Queer diary film poem and experiment in disrupted stereoscopy; an adopted "found" home movie and film-poem fabricating a lost queer childhood regained. A playful and lyrical self-portrait in found queer memories and a film that subverts traditional norms and expectations. A cinépoem from Surrealist détournement of found footage, DREAMING IN ASPECT RATIO borrows and appropriates queer childhood memories and film diaries in a brazen and alchemical manner that disrupts cis-gendered and straight models of self-portraiture and auto-ethnography. The film asks the question, "Can memories be replaced, queered, and appropriated into an auto-ethnographic work?" The playful manipulation of different aspect ratios nods to a life spent enthralled by the poetry of cinema and film art. Bright colors collaged with black and white imagery of the joy of queer female friendships evoke dreaming and reverie; creating a lost queer childhood regained.

Gwendolyn Audrey Foster is an award-winning filmmaker and author who works in Super 8, 16mm and archival images. Her films have premiered at the Museum of Modern Art (MoMA, in New York) as well as many other museums, art galleries and international film festivals. Foster is Professor Emerita of Film Studies, Queer LGBT+ Studies, Women's/Gender Studies, and the author of “Experimental Cinema: The Film Reader” and numerous volumes in cinema and cultural studies. Foster's experimental and documentary films are archived at the UCLA Film Archive in LA, and the Museum of Modern Art (MoMA) in NY, as well as many other film archives around the world.

Un portrait visuel du réalisateur avant-gardiste Stephen Dwoskin, qui était handicapé, tel qu'il est représenté par son environnement. Le film est un mouvement très personnel à travers le passé et le futur de Steve, comme nous permettent de le percevoir la maison dans laquelle il a vécu ces trente dernières années ainsi que les objets qui s'y trouvent ; ces objets qui à la fois l'entourent et le représentent en tant qu'individu ayant un handicap mais aussi en tant qu'artiste-réalisateur qui a connu une longue carrière pleine de succès.

Claire Fowler est une réalisatrice britannique qui travaille sur des histoires documentaires et expérimentales. Diplômée du Royal College of Art et de l'université d'Oxford, elle partage son temps entre l'Europe, où elle vient de finir une résidence de trois mois à Paris, et les Etats Unis, où elle effectue en ce moment un documentaire d'une demi-heure qui explore les difficultés qu'ont les enfants palestiniens pour obtenir des soins médicaux essentiels en Cisjordanie (en association avec le fond de soutient pour les enfants de Palestine).

Cette farce est une farce ancienne, vivace dans les compilations de l'humour juif. Bien que les détails différent selon les versions, la scène est la même : un prêtre défie un rabbin dans un débat sur la condition du peuple juif.

Nick Fox-Gieg est un animateur et scénographe de théâtre de La Haye. Ces films courts ont été diffusés lors des Festivals de films de Ottawa et Rotterdam, au centre Georges Pompidou et sur Canada's CBC Television.

About Happy Hippos and Sad Peacocks is a decolonial fable of the 21st century, in which two animals are juxtaposed, sharing a similar fate but couldn't be more different. Places and times merge, identities are excluded; a non-anthropocentric perspective reflects upon the force-migrated lives of the protagonists and the recurring patterns of colonialism. The story begins with "a great exploration journey," which poetically illustrates how the resulting, mostly one-sided trade relations continue to shape all our lives till today. History continues to manifest itself and is embodied in this film through living animals. The peacocks and hippos, both mascots of former rulers, represent our complex (and at times absurd) relationship with the past and present and our inability to come to terms with it. Happy Hippos and Sad Peacocks explores the connections between humans, nature, and history. It is a cinematic journey of discovery, in search of a new narrative.

Elkin Calderón Guevara is a Colombian filmmaker, artist and father. After completing his studies in art, he is pursuing a master's degree in Creative Documentary at the UAB, Spain. In his work he is interested in delving into historical gaps and generating polyhedric forms of narration. From the intense reserch and observation of selected phenomena, he seeks to create films that invite audiences into unexpected encounters with a blend of historical, fictional, political, and poetic elements. Together with Diego Piñeros García, Calderón Guevara forms the collective Calderón & Piñeros, with whom they have taken part in film festivals such as the IFFR, DOK Leipzig, Festival Biarritz Amérique Latine, Rencontres Internationales Paris / Berlin (2018), 20º Festival de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil, São Paulo (2017).

Un groupe de personnes erre dans un paysage désertique, autour de balançoires comme unique point de repère. À mesure qu'elles avancent, leurs mouvements cartographient, explorent, réorganisent le territoire. À mesure qu'elles se déplacent, les changements dans les paysages sonores leur font traverser virtuellement différents espaces géographiques. Dans le ciel, un point lumineux les suit comme un présage: la lune, autrefois symbole du temps cyclique et d'éternels recommencements, est désormais un territoire à conquérir et à coloniser. Imaginaire et réalité s'entremêlent dans une recherche existentielle. Peut-on imaginer un nouveau départ? En bas, comme en haut.

Sarah a grandi et étudié à Beyrouth (Liban). En 2005, son court-métrage de fin d'études, "Interférences", a remporté la compétition des films étudiants au Festival du Cinéma européen, Beyrouth (Liban). Le thème de la ville de Beyrouth était déjà présent dans ce tout premier projet. Elle a participé à plusieurs workshops internationaux. Depuis 2006, elle travaille en tant que réalisatrice indépendante pour plusieurs sociétés de production. Son premier long métrage et documentaire, "Birds of September" (2013), qu'elle a réalisé et produit, a été présenté en avant-première dans la compétition officielle du CPH:DOX, Copenhague (Danemark), puis projeté dans plus de 30 festivals et musées internationaux, notamment à Art of the real au Lincoln Center, New York (USA); au Stedelijk Museum, Amsterdam (Pays-Bas) et à DOXA, Vancouver (Canada). Il a également remporté plusieurs prix. "As Above so below" est son deuxième long métrage, et a été présenté en première dans la section Forum de la Berlinale, Berlin (Allemagne) [2020]. Elle développe actuellement son premier projet narratif.

« Tlada Tajuk » (« Sans titre », en malais) est une vidéo réalisée au cours d?une résidence artistique à Kuala Lumpur (Malaisie). La vidéo consiste en de gros titres de journaux anglais malais découpés, et en une sorte de karaoké marmonné. Un groupe d'artistes a été invité par l?École des Beaux-Arts de Paris et le Ministère de la Culture malais à passer quelques semaines à Kuala Lumpur afin de créer une ?uvre qui reflète leur expérience en Malaisie. Dans un pays complexe, où au moins trois ethnies, avec leurs langues, leurs cultures, leurs nourritures, leurs religions respectives interagissent ensemble, la langue anglaise a été choisie pour présenter la Malaisie au monde occidental. Elle sert à la fois comme moyen de communication et comme filtre. Tous les jours, l?auteur a lu et conservé les titres des journaux anglais de Kuala Lumpur (les seuls qu?elle pouvait comprendre), manière de prendre le pouls de la ville et de la comprendre. Tenter de se faire une idée de Kuala Lumpur en si peu de temps, comme toujours dans ce type d?expérience, s?est démontré impossible. Le résultat, bien sûr, est plus proche d'un journal intime qui, à travers les gros titres de Kuala Lumpur, en dit plus sur l'artiste que sur la ville elle-même.

L?artiste Daniela Franco est née au Mexique et vit actuellement à Paris. Elle emploie une variété de médiums pour présenter des projets généralement collectifs et interdisciplinaires. Elle archive les collections d?autres personnes, conserve précieusement des lettres adressées à des étrangers et des photographies de personnes qu?elle n?a jamais rencontrées. Elle fait la critique de concerts auxquels elle n?a jamais participé et d?expositions d?art qu?elle n?a jamais vues. Elle a reçu les bourses Fulbright et Rockefeller. Son travail a fait l?objet d?expositions collectives et individuelles dans le monde entier. Actuellement, elle travaille sur « Sandys at Waikiki », un livre de photographie réalisé en collaboration avec certains membres du groupe français Oulipo et d?autres écrivains, qui sera publié en 2009.

Le travail vidéo de Michel François est le plus souvent basé sur l'isolement des intervalles, événements minuscules et mouvements, la gravure de micro sculptures en temps réel. Il dessine un inventaire du monde autour de nous utilisant des antithèses : des oppositions non pas simplement formelles mais aussi philosophiques, économiques et politiques. Cette vidéo a été enregistrée en une seule nuit dans les studios de l'American TV-network FOX. La camera erre entre caméras abandonnées et écrans de télévision lumineux. A l'arrière- plan les dialogues résonnent de la bande son du programme diffusé à cette heure-ci, un épisode d'une série sur un avocat à la cour. La durée du film correspond aux dernières minutes du programme. L'apogée acoustique fait écho à travers le studio vide et déshumanisé.

Né en 1956, Michel François vit et travaille à Bruxelles, en Belgique. Fasciné par les gestes de la vie courante et par les tensions qu`ils révèlent, Michel François se démarque, depuis les années 80, par une pratique singulière où règnent désordre et ambiguïté. Parallèlement à la photographie, éditée sous forme d`affiche puis de livre, l`artiste a créé une approche particulière de la sculpture et de l`installation, où ses travaux et ses images sont souvent rassemblés, accumulés et réactualisés. Son travail a fait l`objet de multiples expositions tant en Europe qu`à l`étranger. Récemment, la Galleria d`Arte Moderna à Bologne, Italie, le Westfälischen Kunstverein à Münster et la Fondation Ursula-Blickle-Stiftung à Kraichtal, Allemagne, lui ont consacré une importante exposition. Ses travaux ont été présentés notamment dans le cadre du Mois de la Photo à Montréal 2001, à la Fondation Miró de Barcelone (2001), au Printemps de Cahors (2000), à la Kunsthalle de Berne (2000), à la 48e Biennale de Venise (1999) où il représentait la Belgique, à la Biennale internationale d?Istanbul (1997) et au Witte de With, Center for Contemporary Art de Rotterdam (1997). Ses ?uvres se retrouvent dans de nombreuses collections privées et publiques européennes.

Durant l`été 2010, François Daireaux quitte la France pour découvrir et faire l`expérience de la ville de Daireaux en Argentine. Pendant de longues journées, il marche dans Daireaux pour filmer la ville qui porte son nom. Pendant ses nuits à l`hôtel Daireaux, il fait de nombreux rêves.

Né en 1966 à Boulogne-sur-Mer

The video work of Michel François is often based on the isolation of interludes, tiny events and movements, the engraving of tiny sculptures in real time. He draws up an inventory of the world around us making use of antitheses: not merely formal, but also philosophical; social or political-economical oppositions. This video was recorded during a single night in the studios of the American TV-network FOX. The camera wanders around between abandoned cameras and illuminated TV-screens. In the background the dialogues resound, and the soundtrack of the program which was broadcast at that time-an episode from a lawyer series. The duration of the film corresponds with the last minutes of the programme. The acoustic climax echoes through the empty, dehumanized studio.

Né en 1956, Michel François vit et travaille à Bruxelles, en Belgique. Fasciné par les gestes de la vie courante et par les tensions qu`ils révèlent, Michel François se démarque, depuis les années 80, par une pratique singulière où règnent désordre et ambiguïté. Parallèlement à la photographie, éditée sous forme d`affiche puis de livre, l`artiste a créé une approche particulière de la sculpture et de l`installation, où ses travaux et ses images sont souvent rassemblés, accumulés et réactualisés. Son travail a fait l`objet de multiples expositions tant en Europe qu`à l`étranger. Récemment, la Galleria d`Arte Moderna à Bologne, Italie, le Westfälischen Kunstverein à Münster et la Fondation Ursula-Blickle-Stiftung à Kraichtal, Allemagne, lui ont consacré une importante exposition. Ses travaux ont été présentés notamment dans le cadre du Mois de la Photo à Montréal 2001, à la Fondation Miró de Barcelone (2001), au Printemps de Cahors (2000), à la Kunsthalle de Berne (2000), à la 48e Biennale de Venise (1999) où il représentait la Belgique, à la Biennale internationale d?Istanbul (1997) et au Witte de With, Center for Contemporary Art de Rotterdam (1997). Ses ?uvres se retrouvent dans de nombreuses collections privées et publiques européennes.

Les portes de la perception, de type électrique. Le Chronomops de Tina Frank ouvre les portes sur des dimensions véritablement différentes : différentes des études en arts réductionnistes de nos jours, différentes des images exposées et minimalistes et différentes des filtres et des couches expérimentales omniprésentes. Chronomops occupe un espace chatoyant coloré, mais qui est en même temps un excès de couleur, une frénésie de la perception et un carrousel pop. Une architecture abstraite de barres de couleurs verticales est lancée dans une rotation sans fin, par laquelle des modules et des barres de bâtiments volent les uns autour des autres ? le système dans son ensemble tourne de cette manière. La force, mouvement en parti saccadé forme un maelström numérique dont l?aspiration tire le spectateur dans ses tréfonds. Un système faisant surface à travers un vide, plongeant fermement à travers sa propre dynamique vers un nouvel excès de mobilité, alors que des axes espérant aventureusement, ses dissolvants temporairement en des lignes en deux dimensions, ensuite, bouclant encore en un staccato de couleurs et de lumières, tendant vers un angle à 90°, latéral - laissant un sentiment extrêmement étourdissant au réveil. Chronomops, accompagné d?une musique de General Magic, musique qui est aussi composée comme un flux divisé, montre ainsi que la pop psychédélique a toujours su être vrai : que ?l?autre? côté à l?air juste passé le coin du groove parfait, un labyrinthe de couleurs et de formes mises en place en mouvements irréguliers qui n?ont qu?à peine à être élevées de leur invisibilité et libérées de leur état incompréhensible. La vie intérieure de la musique électronique a semblé apparaître tellement colorée et captivante.(Christian Höller)

Tian Frank a commencé à travailler comme designer en 1995. Son design-manche pour Mego - un label de musique électronique de Vienne - est bientôt reconnu comme futur "classique" et imprimé dans plusieurs livres de design et des magazines. En même temps, elle développe des concepts visuels et des lignes esthétiques pour les entreprises, organisations, conférences tout en travaillant pour U.R.L. Entre 1996 et 2000, Mathias Gmachl ( du manuel des fermiers) et Tina Frank ont travaillé ensemble sous le nom de Skot et ont expérimenté de nouvelles formes de vidéos en temps réel. En 2002, le label japonais Gas sort le premier DVD de Tina Frank ??Fuzzy Motion ? Picture without legs 1995-2002??. Tina Franl a collaboré avec de nombreux musiciens et designers comme Chicks on Speed, Oren Ambarchi & Martin Ng, General Magic, Florian Hecker, etc. Elle a aussi participé à de nombreuses performances dans des festivals, des institutions artistiques comme le centre Georgres Pompidou à Paris ou l'ICC à Tokyo et à plusieurs revues de musique et de design qui mettent en évidence son dynamisme pour les activités de design et vidéo.

"The Clearance" est un film 35mm tourné dans un musée médical à Londres. C'est un document sur la destruction, la dispersion et la numérisation de la collection de spécimens humains du musée. Le film se compose d'une série de plans liés par une esthétique minimaliste, sans ordre véritable, juste montrés "l'un après l'autre". Ce qui se passe à l'écran, la signification des choses et des actions représentées, imprègne la surface de l'image et flotte à travers le film. "The Clearance" est une sorte de document mais non un documentaire. Réalisé en réponse aux débats autour des lois régissant la collection de tissu humain, le film mélange les méthodes du documentaire d'observation avec une mise en scène théâtrale du sujet pour produire une méditation obsédante sur la notion de "chose", et sur les cadres légaux, sociaux et culturels qui influencent son statut.

Megan Fraser vit et travaille à Londres, Paris et New York. Elle est diplômée du Bard College de New York depuis 2007. Son travail a été montré dans divers lieux à travers le monde: Koelnischer Kunstverein, Koln, Oberhausen Film Festival, Allemagne, Rotterdam International Film Festival, Pays -Bas, The Walker Art Centre, Minneapolis et The Tramway, Glasgow.

Marquant la fin de la "Peur Rouge" dans la mythologie américaine, les audiences McCarthy/Armée de 1954 occupent une place emblématique dans l'histoire, définissant la brillante et autosatisfaite coïncidence de deux pouvoirs: le libéralisme et la télévision. "Time-Based Correction" est une étude des gestes effectués dans la chorégraphie inconsciente de l'espace social pendant ces célèbres audiences télévisées.

Peter Freund est un artiste média, un universitaire et un éducateur basé dans les environs de la baie de San Francisco. Il travaille essentiellement sur la rhétorique et l'entrecroisement des médias. Il enseigne l'art des médias au Saint Mary's College de Moraga, en Californie.

Comment rétablir l’avenir de nos relations avec les autres espèces? Un voyage dans la forêt près de Taipei, une destination incertaine. Une spéculation nomade sur les relations et les processus qui se produisent entre les espèces, et sur des dimensions qui dépassent l'être humain.

Mauricio Freyre est né à Lima (Pérou) en 1976. Chercheur, artiste audiovisuel et réalisateur, il a une formation en architecture. Ses projets tournent autour des structures et des systèmes de pensée en marge du construit et du projeté, concentrant l'attention sur les angles morts, les zones d'ombre, les accidents, les distorsions et les formes de conscience exclues. Il travaille actuellement sur le projet audiovisuel "Estados Generales", axé sur le rôle de la botanique et de son pouvoir au sein des sciences coloniales, explorant la dimension politique et subversive du monde végétal par rapport à une épistémologie occidentale. Il a obtenu le prix national du film expérimental, décerné par le ministère de la culture du Pérou, ainsi que la Matadero Production Grant, Madrid (Espagne). Ses films et installations ont été présentés dans divers programmes et expositions, notamment au Festival Internacional de Cine Valdivia (Chili); au Strangloscope, Florianópolis (Brésil); aux Rencontres Internationales Paris/Berlin (France/Allemagne); à L’Alternativa, Barcelone (Espagne); à la Haus der Kulturen der Welt, Berlin (Allemagne); au TENT, Rotterdam (Pays-Bas); au Nederlands Film Festival, Utrecht (Pays-Bas); et à la Fundación Telefonica Lima (Argentine).

The history of an experimental housing project in Lima, conceived as an international competition, is the starting point of an exploration on the nature of transformation and hybridization in the context of the project of modernity in Perú. The unfinished housing complex designed in the late sixties gathered the architectural avant-garde of that time, incorporating notions of self-construction, metabolism and progressive growth to its architecture. Juxtaposing the briefing of the project, together with archival material of three sources, the film explores different sequences of formal procedures. Transfers, cuts and superpositions, in a sequence of permanent transformation, operate as transcriptions that explore various relations and configurations of the material, to displace a fixed point of view.

Mauricio Freyre (1976, Lima) is an artist and filmmaker, his projects revolve around structures and systems of ideas between the constructed and the projected, focusing on blind spots, dark areas, accidents and distortions, in the search of invisible narratives, metaphors, dimensions and forms of consciousness that were excluded and silenced. He is currently working on a project that studies the role of botanics, its agency within the colonial sciences, along with its role within the modern project in Peru; exploring the political and subversive dimension of the plant world in relation to a western epistemology. His films and installations have been part of different programs and exhibitions including FIC Valdivia, Haus der Kulturen der Welt, TENT Rotterdam, Unforseen Festival, Nederlands Film Festival, Film Museum Amsterdam, Fundación Telefonica.

When does the fiction of a film start? Where do characters go when the movie is over? A story made of fragments and discarded footage from a film shooting. The camera examines the landscape of the mise-en-scène, looking for meaning in the elements that make up the picture.

Mauricio Freyre is an artist and filmmaker, graduated from Architecture and Fine Arts, based in Madrid. He uses the film medium to explore structures and systems of thought behind the constructed and projected. His projects and films have been exhibited at Haus der Kulturen der Welt (Berlin), Fundación Telefonica (Lima), TENT Museum (Rotterdam), W139 (Amsterdam), Nederlands Film Festival (Utrecht), FIC (Valdivia), Sunset Cinema (Luxemburg), Filmmuseum (Amsterdam), etc. He is currently a visiting teacher at The Berlage (Delft), KABK Royal Academie of Art (The Hague) and ETSAM Universidad Politècnica (Madrid).

In FLEXIBLE BODIES a high-rise building protrudes out of its surroundings as a strange object. It's the (already dated) materialized utopia of an ideal workspace, dreams of career opportunities and self-optimization echoing through the hallways. In and around the building bodies converge: working, exercising, growing. While we follow a woman through the building, the question arises which bodies here are real or if what we are seeing is part of an elaborate plan or just part of someone's phantasy.

Louis Fried was born in Munich, Germany. 2004-2010 studied Visual Communication/Film at the University of fine arts (HfbK) Hamburg. He is a co-founder of VETO Film a platform for experimental film and video art. He lives and works in Hamburg.

The final film in Friedland’s “Movement Exercises” trilogy, Trust Exercises is a hybrid experimental dance film which explores the tension between the poetics of group movement and its instrumentalization for capitalist management. Amending the choreography of team-building and the visual grammars of corporate video, Trust Exercises braids together movement from three work spaces: a fictional start-up retreat, a body work session as interview, and a dance rehearsal. Movements transmit between performers across scenes, complicating the discrete goals of their choreographies and examining their portability across spheres. Dislocating the movement of the retreat to the space of rehearsal, professional dancers transform stock exercises into intimate social dances. A body work session reconfigures the office environment. Lingering after hours, movement facilitators transmute team-building games into a playful duet. Trust Exercises examines the premise and promise of the exercise: that by moving together, repeatedly, we both create and recreate the social body.

Sarah Friedland is a filmmaker and choreographer working at the intersection of moving images and moving bodies. Through hybrid, narrative, and experimental filmmaking, multi-channel video installation, and site-specific live dance performance, she stages and scripts bodies and cameras in concert with one another to elucidate and distill the undetected, embodied patterns of social life and the body politic. Facilitating a research process integrating found movements, gestures, and postures from cinema and archival footage, embodied memories, and contemporary dance languages, she choreographs through practices of interviewing, pre- and re-enactment, adaptation, and improvisational play, shaping dances with diverse communities of performers and movers—from professional dancers to cohorts of seniors and teenagers. Her work has screened and been presented in numerous festivals and film spaces including New York Film Festival, New Directors/New Films, Ann Arbor Film Festival, New Orleans Film Festival, Oberhausen Film Festival, BAMcinématek, Mubi, and Anthology Film Archives, in art spaces such as Performa19 Biennial, La MaMa Galleria, MoMA, Sharjah Art Foundation, MAM Rio, Nasher Museum, Wassaic Project, and Manifattura delle Arti (Bologna), and in dance spaces including the American Dance Festival and Dixon Place, among others. Her work has been supported by the Foundation for Contemporary Arts, Film at Lincoln Center, Dance Films Association, Art Factory International, NYSCA/Wave Farm, Rhode Island State Council of the Arts/NEA, Berlinale Talents, where she was one of 10 selected screenwriter/directors for the 2017 Script Station/Project Lab, and most recently by the Bronx Museum, where she was an AIM Emerging Artist Fellow in 2020. Sarah graduated from Brown University's department of Modern Culture and Media and started her career assisting filmmakers including Steve McQueen, Mike S. Ryan, and Kelly Reichardt. Sarah has worked on collaborative research and writing projects with media theorists Wendy Chun on slut-shaming and new media leaks, with Erin Brannigan on the dancing body on film, and has an ongoing collaboration with writer, scholar, and programmer Tess Takahashi on masses and embodiment. She has taught workshops on dance film and been a guest artist at Brown, Yale, Skidmore, Reed, and University of Utah, among others, in addition to teaching filmmaking to older adults in senior centers through Brooklyn Arts Council’s Su Casa program. In 2021, Sarah was a Pina Bausch Fellow for Dance and Choreography, collaborating with artists Wen Hui and Eiko Otake, a NYSCA/NYFA Fellow in Video/Film, and was awarded the Jerome Foundation’s 2021 New York City Film, Video, and Digital Production grant for her feature film in development, Familiar Touch.

"Drills" est un film sur la chorégraphie de la préparation pour l'avenir. Hybride entre documentaire et film de danse expérimentale, réimaginant la forme des films d’éducation sociale produits par le gouvernement américain à l'époque de la guerre froide, "Drills" interroge les avenirs auxquels nous nous préparons par le biais d'exercices incarnant les anxiétés actuelles. Entrelaçant de multiples formes de chorégraphie et de documents, "Drills" remet en scène des exercices de confinement et de tireur actif, présente la méditation dans les bureaux de grandes entreprises et de start-up technologiques, et réinterprète des exercices scouts tirés du manuel 1917 des Boy Scout.

Sarah Friedland est cinéaste et chorégraphe. Elle travaille à l'intersection des images et des corps en mouvement. Son travail a été projeté et présenté dans de nombreux festivals et lieux de cinéma, notamment le New York Film Festival (USA); le festival New Directors/New Films, New York (USA); le Ann Arbor Film Festival (USA); le New Orleans Film Festival, La Nouvelle-Orléans (USA); la BAMcinématek, New York (USA) et les Anthology Film Archives, New York (USA); dans des lieux d’expositions telles que la biennale Performa19, New York (USA); La MaMa Galleria, New York (USA); le MoMA – Museum of Modern Art, New York (USA); la Sharjah Art Foundation, Sharjah (Émirats arabes unis); le MAM Rio – Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (Brésil); Nasher Museum of Art, Durham (USA); le Wassaic Project, Wassaic (USA) et la Manifattura delle Arti, Bologne (Italie); ainsi que dans des lieux de danse, tels que le American Dance Festival, Durham (USA) et la Dixon Place, New York (USA). Son travail a été soutenu par la Foundation for Contemporary Arts, New York (USA); la Film Society of Lincoln Center, New York (USA); la Dance Films Association, New York (USA); la Art Factory International, Bologne (Italie); le New York State Council of the Arts/Wave Farm (USA); le Rhode Island State Council of the Arts/National Endowment for the Arts (USA); Berlinale Talents, Berlin (Allemagne), où elle a été l'une des 10 scénaristes et réalisateurs sélectionnés pour le Script Station/Project Lab de 2017; et, plus récemment, par le Bronx Museum, New-York (USA), où elle a été AIM Emerging Artist Fellow en 2020. Elle est diplômée du département de la culture moderne et des médias de l'université Brown, Providence (USA), et a commencé sa carrière en assistant des cinéastes, notamment Steve McQueen, Mike S. Ryan et Kelly Reichardt. Elle a travaillé sur des projets de recherche et d'écriture en collaboration avec les théoriciens des médias Wendy Chun (sur le slut-shaming et les fuites dans les nouveaux médias) et Erin Brannigan (sur le corps dansant au cinéma), et collabore actuellement avec l'écrivaine, chercheuse et programmatrice Tess Takahashi sur les masses et l'incarnation. Elle a donné des workshops sur le film de danse et a été artiste invitée, notamment aux universités Brown, Providence (USA); Yale, New Haven (USA); Skidmore College, Saratoga Springs (USA); NYU Florence, Florence (Italie); Reed, Portland (USA); University of Utah, Salt Lake City (USA) et au centre UnionDocs, New York (USA).

Ce court-métrage clandestin nous transporte au travers des tensions qui règnent entre la mémoire de l?icône locale Ernesto « Che Guevara et la réalité quotidienne à Santa Clara (Cuba), faite de dictature, de pauvreté et de prostitution. Ce documentaire regroupe des monologues de citoyens de Santa Clara. Au travers de leurs témoignages reflétant leur acceptation passive de la dictature, on voit pourtant transparaître par des gestes, des attitudes ce qui ne peut être dit. Puis la fluidité du film est entrecoupée par des images fixes du « Che », de façon à proposer au spectateur un voyage dans la mémoire, le présent et l?idéal.

Yariv Friedman est né en Israël en 1971. Il vit en suisse depuis 1999. Licencié en droit et en économie de l?Université de Tel-Aviv, il travaille actuellement à Genève dans le cadre d?un programme de compensation des victimes de l?holocauste. Il a étudié la direction d?acteurs à Paris. En septembre 2004, il a réalisé Dona Juanita (fiction, 15?) qui depuis sa courte existence a été chaleureusement accueilli dans plusieurs festivals (Cardiff, Haïfa, Pskov). Cuba Libre est son deuxième film. Actuellement, il travaille sur « la rivière » (long-métrage documentaire, mars 2005) et Ecclésiaste (long-métrage fiction, novembre 2005)

?Cellular Performance? has been developing during residencies at ?SymbioticA ? Centre of Excellence in Biological Arts? in Perth, Australia and the ?Laboratory of Stem Cell Bioengineering? at the EPFL in Lausanne, Switzerland. Human skin cells have been maniulated to grow into predefined patterns and recorded via time-lapse imaging techniques. The cells are forming up to legible text fragments and disperse again over time?visualizing terms culled from the advertising language of care products industry. Verena will talk about the background of the project as well as her research and practical work in the field of ?cell patterning? and micro-engineering.

Verena Friedrich is an artist who develops concept-driven artworks in the form of installations, objects and robotics. Her work includes the use of electronics, digital and sculptural media as well as the use of biological material. Shown internationally, her work has for example been granted the International Media Art Award for Science and Art from ZKM Karlsruhe (Germany). Since 2009 she is developing her project ?Cellular Performance? in collaboration with several scientific partner institutions and funding bodies. Verena is currently based in Germany where she is working as a scientific research assistant at the Academy of Media Arts Cologne.

The film considers the question of the vision of the future and Utopia. In 1970, Cuban architect Ricardo Porro made a master plan of the tourist settlement in the shape of a human body. The design was elaborated by a group of international artists and architects but finally was not built. The main visual in the film is the model of this tourist settlement which was to synthesize architecture, sculpture, painting, and tourism. Image treatments with an oscilloscope, lying somewhere between analogue and digital worlds, introduce a new set of artifacts and looks. Apart from the film author made a VR installation and series of artworks in different media.

Since the late 1980s, the work of artist, curator and researcher Darko Fritz has revolved around a significant investigation into the use of technology in culture. He studied architecture in Zagreb and visual arts at Rijkakademie van beldende kunsten in Amsterdam. His work bridges the gap between contemporary art, media art and network culture, taking up topics such as glitch, error, and surveillance. He uses different media (graphic art, photography, film, video, internet, etc.). He is a critical observer of technology that changes society. His long-run project Imaginary Futures started with the film Zagreb Confidential was premiered in Oberhausen 2016 and the project continued with a series of artworks and other films. Fritz is the founder and programmer of the grey) (area – space for contemporary and media art since 2006.

A la base de l'animation informatique "VOLUME I" se trouve l' image d'archive d'un stock de 100000 photos commerciales. Le matériel brut de départ a été trié selon des critères formels comme la couleur, le contraste, la composition, et rassemblé en une animation d'images individuelles. Les changements d'image interviennent si rapidement que l'oeil ne peut pas suivre. La fréquence des changements d'image rappelle la vue de l'intérieur d'un train à grande vitesse, lorsque devant l'ordonnance du paysage formant décor des personnes, des arbres, des objets passent en une fraction de seconde pour diparaître aussitôt. Les images sont en fait la matière première de l'industrie publicitaire, qui les utilise pour des annonces et des brochures. Elles montrent le monde sous un angle idéalisé. Le contenu des images ont avant tout une charge positive et se distinguent par leur interchangeabilité sémantique. Les images relevant de tous les thèmes d'actualité importants ont été rassemblés afin de correspondre au caractère encyclopédique de ce travail. En amont du choix du matériel à inclure dans la réserve il y a eu une sélection en fonction de la pureté du contenu symbolique. VOLUME I crée une association avec des images de rêve. Une course folle à travers les images supposées être les dernières fait établir au récepteur une comparaison entre ce qu'il a vu ailleurs -consciemment ou inconsciemment- et le flot d'images. Le mouvement rapide de l'oeil est imité; les images bougent toutes seules. Les clichés cherchent leur contexte dans le monde des représentations du spectateur et s'émancipent ainsi du lien avec leur finalité originelle.

Fred Fröhlich, né en 1968 à Suhl (Thuringe), a étudié la photographie, a été élève de masterclasse et assistant à la Hochschule für Grafik und Buchkunst 'école supérieure de graphisme et des arts du livre) de Leipzig, il a effectué de nombreux séjours d'étude aux Etats-Unis, en Espagne, en Thaïlande, au Cambodge, en Russie et au Japon. Il a participé à des expositions collectives à l'étranger comme dans son propre pays et a réalisé des expositions individuelles et des projets liés aux médias dans l'espace public. Fred Fröhlich vit à Berlin.