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My short film ?syrrialism? is about a Syrian activist who took part of the protest and then arrested, to begin his trip with hallucinations and dreams caused by the subconscious mind of a man saw a large amount of crimes in a short time, but he did not give up hope and still sticking to his dream of free future. In this film I mixed some consequences of our revolution like pain, creating, starving, traveling, and souls meeting..

I own a furniture store in Damascus, began photography in 2003, mostly black & white, all developed and printed in my dark room. in 2011 I participated in the peaceful protests against the Syrian regime , then i utilized my art for the sake of Syrian revolution, via photography page on Facebook called Syrrialism (Syria+ Surrealism) always anonymous for my safety. In the end of 2012, I?ve been kidnapped and tortured by the FSA (free Syrian army) accused of being a leader of a pro Assad militia ! After being released and healed, I got other threat so i traveled with my family to Lebanon, and start making short films. My films are produced by small NGO with tiny budget, but it helps me expressing my vision as an artist and an activist, in order to continue my non-violent contribution and not living the destiny of Syria in the hands of the warlords

LIFE « Journal de bord post-catastrophe. Tout commence dans un garage. On avait imaginé qu’il n’y avait pas de voitures ici, seulement des planches de surf et du matériel de jardinage. À cause de l’explosion, on n’entendait plus rien. Juste une sorte d’acouphène permanent. Il fallait réapprendre à écouter. » Life est un récit qui se déroule après un effondrement mystérieux où tout est à réinventer. Ici, il n’y a plus besoin de travailler, on se partage des couvertures pour se réchauffer et un parking est transformé en terrain de jeu d’où la vie peut reprendre. Dans ce monde étrange, on cherche la vague métaphysique sous terre, et l’on écoute Marc Bolan toute la journée… UN FILM DE Noé Cottencin AVEC Milla Sikora, Xavier Warming, Simone Avalon, Morris Draijer, Noé Cottencin, Clément Gingreau, Katerina Lymar CAMÉRA Sam Broekman, Noé Cottencin MONTAGE Noé Cottencin Produit dans le cadre de SoundImageCulture 2023, avec le soutien de la Sabam for Culture, Stichting Stokroos et NL Film Fonds.

Noé Cottencin (FR, 1994) a étudié l’image en mouvement à l’Académie Gerrit Gerrit Rietveld et au Sandberg Institute. Son travail, à travers des récits qui prennent différentes formes (dessins, films, interventions, publications), s’intéresse principalement à la mise en commun des individualités. Il vit et travaille actuellement à Amsterdam. Il fait actuellement partie du programme SoundImageCulture 2023, permettant à de jeunes réalisateurs d’êtres suivi dans le développement d’un projet personnel. Il est suivi dans le cadre de son projet par Andrea Luka Zimmerman (Jarman Award) et Amir Borenstein (Moving Image Art Prize).

Un chien, une fille, des adolescents et d’autres créatures fantastiques font l’insurrection de leur vie quotidienne à travers des marches dans la ville, des détournements d’espaces et autres actions à travers lesquelles ils observent et transforment la réalité et le monde autour d’eux.

Noé Cottencin (France, 1994) a étudié l’image en mouvement à l’Académie Gerrit Rietveld et au Sandberg Institute. Son travail, à travers des récits qui prennent différentes formes (dessins, films, interventions, publications), s’intéresse principalement à la mise en commun des individualités. Il vit et travaille à Amsterdam et Los Angeles.

En quelques années, par la pratique du culturisme, Yukio Mishima, écrivain japonais, s’est métamorphosé, d’un créateur de mots, il devient « une créature des mots ». Charles Gaines, écrivain et journaliste américain compare le bodybuilder à un sculpteur de sa propre chair. Comment le travail, le sport, les normes culturelles et sexuelles définissent le corps et l’identité de chacun ? Par quels moyens définissons-nous notre propre image et par quels dilemmes passons-nous pour y parvenir ? « Double You Double You » reconstitue les étapes d’une compétition de bodybuilding. Jennifer Teuwen* est la seule athlète à concourir, et la caméra, son unique public. Le film met en scène la pulsion scopique – regarder-être regardé à l’infini – et propose une exploration visuelle et auditive, sensuelle et sensorielle du corps de Jennifer. * Jennifer est une bodybuildeuse professionnelle Belge, championne de sa catégorie « Women’s Physique », la plus musculeuse pour les femmes selon la IFBB (International Federation of Bodybuilding).

Laure Cottin Stefanelli est une artiste visuelle et une cinéaste qui vit et travaille entre Paris et Bruxelles. À travers ses films, ses photographies et ses installations, elle poursuit une recherche autour de récits centrés sur des personnages habités de tensions paradoxales – pulsions de vie, de mort, érotiques – celles qui résultent de la séparation entre l’esprit et le corps. Elle a exposé et participé à des festivals à travers la France et à l’étranger, dont États Généraux du Film Documentaire (Lussas, FR) ; KANAL – Centre Pompidou (Bruxelles, BE) ; Belo Horizonte International Short Film Festival (BR) ; Kasseler Dok Festival ( Kassel, DE) ; Moscow Biennale (RU), Art Brussels (BE) ; FIDMarseille (FR) entre autres. Son premier moyen-métrage, No blood in my body a reçu le prix du film court aux Écrans Documentaires d’Arceuil (FR). Elle a effectué plusieurs résidences à l’étranger dont le Hoger Instituut Voor Schone Kunsten, HISK (BE). Laure Cottin Stefanelli a étudié la littérature et le cinéma à l’Université Paris III et a été diplômée en Photo-Vidéo de l’École des Arts Décoratifs de Paris. Depuis 2018, elle enseigne à l’École d’Art de La Cambre à Bruxelles.

Portrait fictif de l?artiste flamand Jan Fabre, basé sur son journal intime et ses performances. Le film, conte de fées moderne, projette Jan Fabre dans son propre imaginaire et compose un personnage qui change sans cesse d?identité. Jan Fabre joue de multiples rôles sous les déguisements les plus variés ; derrière un masque, toujours un autre masque? Le personnage féminin, tel un ?démon du passage? empruntant différents visages, hante le personnage masculin et inspire ses métamorphoses, ad infinitum. Les concepts de l??uvre sont la répétition, le simulacre et la métamorphose, dans un rapport essentiel aussi bien avec l??uvre de Jan Fabre qu?avec mon ?uvre propre. La métamophose, c?est ici le passage d?une forme à une autre, d?un état intensif à un autre, d?une identité à une autre, d?un univers à un autre. Le film comme ?transposition? ? la forme ?performance? se change en forme cinématographique ? création nouvelle. ?L?existence simule, elle dissimule, et elle dissimule que, même dissimulant et jouant un rôle, elle continue d?être l?existence authentique, liant ainsi, par une malice presque indémêlable, le simulacre à la véritable authenticité.? Maurice Blanchot.

Cinéaste et plasticien. Vit à Paris. Pierre Coulibeuf développe un projet interdisciplinaire : il réalise des fictions expérimentales qui investissent savamment le champ de l?art, et où les changements d?identité affectent les univers et les artistes qui inspirent ses oeuvres. Ses films sont présentés aussi bien au cinéma que, recomposés, sous forme d?installations (vidéo-photo) dans les musées. Ses oeuvres font partie d?importantes collections. Les principaux concepts de ses ?uvres sont le dédoublement, le simulacre, la métamorphose, le labyrinthe, la réalité comme fiction ou projection mentale. Coulibeuf a eu des expositions personnelles dans le monde entier : en Allemagne, Deichtorhallen, Hambourg (2006) ; au Portugal, Museu Colecçào Berardo, Lisbonne (2010) ; en France, Musée d?Art Moderne de Saint-Etienne (2009) ; Musée d?Art Roger-Quilliot, Clermont-Ferrand (2013) ; au Brésil : Fondation Iberê Camargo (2009) ; en Russie, Musée d?Art Contemporain de Perm (2011) ; en Chine : MOCA, Musée d?Art contemporain de Chengdu (2012) ; Yuan Space, Pékin (2013), et des expositions collectives au Brésil, 5ème Biennale d?art du Mercosul (2005) ; en Russie : 1ère Biennale d?art contemporain de l?Oural (2010) ; en Allemagne, Haus der Kunst (2012)? En 2013, Coulibeuf est nominé au Prix Art China, dans la catégorie des artistes étrangers les plus influents en Chine (avec Warhol, Marcel Duchamp, Araki, Shirin Neshat).

La fiction du sujet / le sujet de la fiction. Autour de l`idée de "portrait" : le sujet en devenir, les fluctuations d`identité, la métamorphose, la dissolution du moi personnel ; l`entre-deux des images : glissement de l`image sociale, de l?identité d`artiste, aux images fictionnelles. « Nous sommes une pluralité qui s?est imaginée une unité » (Nietzsche). La question de la représentation : les images en tant que simulacres : interprétations : pures inventions. La transversalité : l`ambiguité ou l`indétermination des identités, mais aussi des codes artistiques. L?invention d?un lieu ?à la frontière? : entre le langage du cinéma et le langage de la vidéo.

Pierre Coulibeuf. Né à Elbeuf (France). Cinéaste et plasticien. Vit à Paris. La création contemporaine est le matériau du travail cinématographique et plastique de Pierre Coulibeuf. Dans un rapport transversal avec les genres du cinéma (fiction, expérimental...), ainsi qu?avec les modes de présentation de l?image en mouvement (projection 35mm, installation, vidéo, photographie), ses oeuvres inventent un lieu et un langage à la frontière des disciplines, critiquent les formes établies, questionnent les modes de représentation de la réalité. Une oeuvre hors normes, hors genres, hors limites. En 2006, plusieurs expositions personnelles en Allemagne, notamment aux Deichtorhallen-Haus der Photographie, à Hambourg. Pavillon international de la 5ème Biennale internationale d?art contemporain du Mercosul, Porto Alegre, Brésil, en 2005. Exposition d?ouverture du musée Berardo à Lisbonne, au Portugal en 2007.

Fiction parodique de Pierre Coulibeuf basée sur des actions chorégraphiques d?Angelin Preljocaj. Les sept personnages qui évoluent dans le bâtiment Pavillon Noir de Rudy Ricciotti dynamitent sans vergogne les codes de la chorégraphie et du cinéma : contamination, débordement, distance, - la fiction met la réalité à l?épreuve.

Né à Elbeuf (France). Vit à Paris. Cinéaste et plasticien. Doctorat de lettres modernes ? Thèse sur Pierre Klossowski et Leopold von Sacher Masoch. La création contemporaine est le matériau du travail cinématographique et plastique de Pierre Coulibeuf. Dans un rapport transversal avec les genres du cinéma (fiction, expérimental...), ainsi qu?avec les modes de présentation de l?image en mouvement (projection 35mm, installation vidéo, photographie), ses oeuvres inventent un lieu et un langage à la frontière des disciplines, critiquent les formes établies, questionnent les modes de représentation de la réalité. Depuis 1987, Pierre Coulibeuf a réalisé des courts et longs métrages d?après notamment Pierre Klossowski, Michelangelo Pistoletto, Marina Abramovic, Michel Butor, Jean-Marc Bustamante, Jan Fabre, Meg Stuart, Angelin Preljocaj, Benoît Lachambre. Ses films sont sélectionnés dans de nombreux festivals internationaux de cinéma. Une rétrospective de ses films, sous le titre ?Le démon du passage?, conçue par le Ministère des Affaires étrangères en 2004, circule actuellement dans le monde entier. Pierre Coulibeuf présente également ses oeuvres sous forme d?installations (vidéo/photo) dans le réseau de l?art contemporain. En 2006, plusieurs expositions personnelles ont eu lieu en Allemagne, notamment aux Deichtorhallen-Haus der Photographie, à Hambourg. En 2005, il a été invité dans le Pavillon international de la 5ème Biennale internationale d?art contemporain du Mercosul, à Porto Alegre, au Brésil. En 2007, il a fait partie de l?exposition d?ouverture du musée Berardo à Lisbonne, au Portugal. En 2008, la Fondation Iberê Camargo à Porto Alegre (Brésil), lui a commandé une ?uvre (film + installation vidéo), pour une exposition en juin 2009. Ses ?uvres font partie d?importantes collections en France et à l?étranger. (1993 : Lauréat de la Bourse Léonard de Vinci du ministère des Affaires étrangères pour l?Italie (Cinéma) /// 1995-1996 : Artiste en résidence au Domaine de Kerguéhennec, Centre d?art contemporain (France) /// 2000 : Chevalier de l?ordre des Arts et des Lettres).

Aujourd'hui, la réflexion sur le futur se meut généralement dans un contexte commercial ou d'économie mondiale. L'ampleur par laquelle différentes villes se présentent sur internet à une échelle innovante et mondialement compétitive via des présentations PowerPoint, sert à illustrer cette déclaration. Le point de départ dans "Insert the Name of the City Here" est le fait que chacun de ces PowerPoints consistent en les mêmes topiques et structures: un slogan placé sur un fond standard, accompagné d'un logo. La technique, apparemment naïve et ostensiblement didactique, devient encore plus douteuse, alors qu'une séquence vidéo montre ces pages une par une et que chaque PowerPoint se voit lu à voix-haute par un ensemble de touristes.

Yves Coussement (né en 1978 à Gand), a étudié l'ingénierie en architecture dans la département "Architecture et Urbanisme" à l'Université de Gand, en Belgique de 1996 à 2001. Après avoir travaillé un petit moment pour l'architecte Luc Deleu, il a décidé de se consacrer totalement à son oeuvre en tant que vidéaste. Son travail a récemment été présenté à des festivals vidéos comme l' "Image Forum Festival" (Tokyo) et le "Transmediale Festival" (Berlin) où sa vidéo "Insert the Name of the City Here" a reçu une mention honorable. Il travaille en ce moment sur deux nouvelles vidéos qu'il a récemment tourné à New York et à Mexico.

OH FAT BABY est un film-essai musical qui frappe des mains le rythme des inventions bouffonnes de notre époque et épingle le patriotisme civilisationnel et ses gros bébés cannibales. Au fil d’images empruntées, le film dresse le portrait d’une culture technologique dysfonctionnelle dont les caprices sont des farces mortelles.

Cindy Coutant est artiste et chercheuse. Son travail sonde le désir du vivant de se relier aux êtres et aux choses et la coévolution entre espèces ou techno-espèces. Ses installations, films et lectures augmentées s’appliquent à démembrer les récits technologiques occidentaux et à leur adjoindre un imaginaire manquant dans laquelle la technologie se révèle non-instrumentale, baveuse, érotique et indéterminée. Sa thèse de création établit une généalogie de la critique minoritaire de la technologie pour actualiser notre rapport au futur. Elle envisage l’inquiétude des corps et l’indétermination des affects comme des enjeux souterrains cruciaux pour l’industrie capitaliste, mais aussi comme fondement d’un autre récit technologique. Ses œuvres ont été exposées en Europe, en Amérique du Nord et en Asie, notamment: Ars Electronica, Linz; Mamco, Geneva; Queer Sicilia film festival, Palermo; Palais de Tokyo, Paris; SPOT, Taipei; Berlin Porn Film Festival; CPH:DOX, Copenhagen; The Living Art Museum, Reykjavik; La Maison de la Littérature, Québec; ont reçu le Prix CIC pour l’art Contemporain (2018), l’Award of Distinction (computer animation) à Ars Electronica (2019), une mention spéciale Révélation art numérique - ADAGP (2020). /////////// Théo Po?oga est un musicien électronique et un artiste sonore qui explore les notions d'affect, de temps et d’espace en mélangeant autant une matière sonore dite populaire que des méthodes de composition et de diffusion experimentales. Ses œuvres audiovisuelles ont été exposées à Berlin à Gr_und, à l'Institut Français, à la Haus Der Statistik ainsi qu’au sein du Center For Unfinished Business installé entre autres a l’exposition Transmediale 2020. Il a pu collaboré avec Cindy Coutant pour la création musicale et le design sonore de son film « Télédésir » en 2020 ainsi que pour des performances dites de "lectures augmentées » au Printemps de Septembre à Toulouse en 2018 et à la Gaieté Lyrique à Paris en 2022. Théo Po?oga est actuellement à l'Institute for Art in Context dans le cadre de l’UDK Berlin. Il est également co-fondateur du collectif W.E.L.T.

Passing Place (2009) is set at a remote crossroads in the North East of England. Scenes from six feature films, where significant moments occur at crossroads, are re-enacted by local people who live or work nearby and know the location well. Re-visited excerpts from Oedipus Rex, (Paolo Pasolini, 1967); Down By Law, (Jim Jarmusch 1986); Cool Hand Luke (Stuart Rosenberg, 1967); Castaway, (Robert Zemeckis 2000); Divine Horsemen: The Living Gods of Haiti, (Maya Deren, 1985) and The Discreet Charm of the Bourgeoisie, (Luis Buñuel, 1972) show people hiding from the law, getting shot, killing members of their own family, performing voodoo rituals; all in this one location. Crossroads are traditionally where life-changing decisions are made. Seen as unhallowed ground in most Western cultures, they represent a threshold between the worlds of the real and the imaginary, the living and the dead. Although familiar with the location, participants in Passing Place have a fragile relationship with the unrehearsed parts they are asked to play. The film exposes non-professional actors in the process of adopting roles, relating to the stories of others, intuitively presenting their own version of events.

Nicky Coutts (b. 1968) works primarily with film, video and photography, but also with sculpture and installation. Her work often contains elements of collage, or the reuse of materials such as film clips, paintings and photographs. Her work has been shown widely in the UK and internationally. She was awarded a six-month scholarship at Künstlerhaus Schloss Balmoral April-Oct 2010. Her work was also shown during 2010 at Ha Gamle Prestegard, Havegen, Naerbo, Norway; Doris, Stedefreund, Berlin; Es War Einmal Ein Papegei?, Künstlerhaus Schloß Balmoral, Germany and Multichannel, Artsway, UK. The solo show Millions Like Us at Danielle Arnaud Contemporary Art, London (Nov 5th- Dec 19th 2010) features film works and photographs made over the past 2 years. Her work often engages with the complicated perceptions one culture might have of another. ?A Tower in the Minds of Others?, commissioned for Tatton Park Biennial (2008), was a stack of three English garden sheds reminiscent of a pagoda, overlooking the Japanese Garden. In 2011 she returns to Japan for a 3 month residency to make a film at Youkobo Artspace, Tokyo. Coutts has an MA from Chelsea College of Art and a Phd from the Royal College of Art, London. www.nickycoutts.com

"Buried in the Rain" opens a minimalist sound space where the artist own voice unfolds, singing the possibility of memory and questioning our identity.

Daan Couzijn (Haarlem, 1994) is a multidisciplinary artist currently based in Amsterdam. After having studied singing at the Conservatory of Music in Rotterdam, he continued his studies at the Institute of Performative Arts in Maastricht where he graduated with a BA in Performance Art. Concluding his education, Couzijn graduated in June 2019 from a Post-Graduate program (Radical Cut-Up department) at the Sandberg Institute in Amsterdam, where he received the title of MA in Fine Art and Design. Couzijn is a creative all-rounder - musically skilled with a very strong eye for visual aesthetics who focuses on authenticity, existentialism and the way external influences (in particular digital influences such as social media) shape us. Often using the richness of the internet and the possibilities of technology as an inspiration for his works, Couzijn believes that every idea, every creation, is a combined effort of everything we?ve ever witnessed and experienced. Besides working as a professional actor/performance artist, he performs live with his own music under the pseudonym of Cousin. As Cousin, he creates minimalistic, electronic music combined with his own angelic vocals. More recently he also started exhibiting several audio/visual- ánd kinetic installation works, often using video and other digital media as an expressing tool.

Daan Couzijn (Haarlem, 1994) is a multidisciplinary artist currently based in Amsterdam. After having studied singing at the Conservatory of Music in Rotterdam, he continued his studies at the Institute of Performative Arts in Maastricht where he graduated with a BA in Performance Art. Concluding his education, Couzijn graduated in June 2019 from a Post-Graduate program (Radical Cut-Up department) at the Sandberg Institute in Amsterdam, where he received the title of MA in Fine Art and Design. Couzijn is a creative all-rounder - musically skilled with a very strong eye for visual aesthetics who focuses on authenticity, existentialism and the way external influences (in particular digital influences such as social media) shape us. Often using the richness of the internet and the possibilities of technology as an inspiration for his works, Couzijn believes that every idea, every creation, is a combined effort of everything we've ever witnessed and experienced. Besides working as a professional actor/performance artist, he performs live with his own music under the pseudonym of Cousin. As Cousin, he creates minimalistic, electronic music combined with his own angelic vocals. More recently he also started exhibiting several audio/visual- ánd kinetic installation works, often using video and other digital media as an expressing tool.

Sub Rosa est une installation audiovisuelle autour d’un film d’une durée de 12h en multi-channels, et d’un système sonore génératif. Le film montre des adolescents filmés au ralenti lorsque la lumière du jour décline et que le ciel se teinte des cou- leurs du coucher de soleil. Le film est tourné dans un seul endroit, l’Arco de la Victoria, sur une période de 3 ans. L’Arco de la Victoria est un arc de triomphe situé dans la partie nord-ouest de Madrid. Il a été construit dans les années 1950 à la demande de Francisco Franco pour commémorer sa victoire sur les troupes républicaines pendant la guerre civile espagnole. Cet arc de plus de 40 mètres de haut est encore aujourd’hui un symbole du fascisme espagnol. Situé en dehors des zones touristiques habituelles, au milieu d’un rond-point à plusieurs voies sur l’autoroute A6, il fait depuis longtemps partie des monuments oubliés de la ville, et est aujourd’hui plus une ruine qu’une marque historique. Et comme beaucoup de places publiques de la ville, c’est un point de rencontre pour les adolescents. L’œuvre est centrée sur les jeunes mais le territoire est visible, par fragments et flux. Le lieu est comme une île de béton, habitée par ces adolescents qui semblent en attente.

Sylvain Couzinet-Jacques (1983) est diplômé de l’École supérieure des beaux-arts de Marseille (2010) et de l’École nationale supérieure de la photographie d’Arles (2012). Son travail a été présenté lors d’expositions personnelles à Aperture Foundation à New York (2015) ou encore à C/O Berlin (2019). En 2012, il a reçu le prix Jeune Talent du BAL, puis entre 2015 et 2016 il été résident du Centre photographique d’Île-de- France et de la Cité internationale des arts à Paris. En 2015, il est lauréat du prix Immersion : une commande photographique franco-américaine, décerné par la Fondation d’entreprise Hermès, en alliance avec Aperture Foundation. Son premier livre Eden (1 000 pages de numérisations à la main d’une maison de la crise des subprimes dans une ville nommée Eden aux Etats-Unis) a été publié par Aperture en 2016. Entre 2017 et 2018, il est reçu com- me artiste membre de l’Académie de France à Madrid - Casa de Velázquez. En 2019 il est sélectionné pour l’exposition Foam Talents décerné par le Fotomuseum d’Amsterdam et il reçoit le prix C/O Berlin Talent Award qui a donné lieu à une exposition personnelle à C/O Berlin et à son second livre publié par Spector Books. Les enjeux globaux de la circulation immatérielle de données, de la propriété privée et de l’appropriation collective sont à la base d’une exploration visuelle et sculpturale dans son oeuvre qui emprunte des formes renou- velées à chacun de ses projets. A travers une une réflexion à mi-chemin entre le genre documentaire pour sa résonance avec le présent et les arts visuels, ses oeuvres toujours contextuelles et participatives racontent les crises de notre monde et les stratégies collectives de son ré-enchantement.

New Centuries Are Rare is a short film by the artist collective coyote (SWE/DK). The film explores the interlaced history of the former mining village Norberg in Sweden and the emblematic story of the electronic music scene at the turn of the last century. Sampling these intersections in time, New Centuries are Rare unfolds a journey through psychological, chemical and technological rhythms placed in close proximity to the grinding resistance present in the region’s past.

coyote is a multidisciplinary artist collective founded in 2017. Their collective practice is constantly in flux and moves between artistic and curatorial work. In addition to several self-produced exhibitions and projects, coyote have exhibited at Bizarro (DK), KØS - Museum of Art in Public Spaces (DK), Index - The Swedish Contemporary Art Foundation (SE), NSFW/SVILOVA (SE) and curated events at Filmform (SE), Moderna Museét (SE) and Bonamatic (DK) among others.

Un crâne, deux personnes, une question A qui appartient ce crâne ?

An encounter.

Jordan Crandall is a media artist and theorist based in Los Angeles. He is Associate Professor in the Visual Arts Department at University of California, San Diego. His video installations have been presented in numerous exhibitions worldwide, including recent group exhibitions at Tate Modern, San Francisco Museum of Modern Art, and the Walker Art Center. His most recent video installation, HOTEL, produced in advanced 4K high definition technology, probes into the realms of extreme intimacy, where techniques of control combine with techniques of the self. He writes and lectures regularly and is the founding editor of the new journal VERSION.

A la fin du film, l'écran de projection est devenu miroir . Entre-temps, deux acteurs exécutent un pas de deux élaboré. Ils se désirent, et pourtant leurs mouvements sont pleins de suspicion. Ils jaugent et trompent l'autre tout autant qu'eux-mêmes, en sollicitant aussi bien qu'en repoussant le contact érotique. Evoluant au sein d'un mélange efficace entre le divertissement moderne et la culture de la sécurité, ils personnifient les méchanismes interdépendants du plaisir et de la paranoïa. Au sein d'une culture de plus en plus militarisée, il y a une corrélation entre la façon dont les technologies de surveillance fonctionnent et la manière dont l'identité se métisse. "Homefront" propose une analyse du rôle du spectateur et des méchanismes de l'identification, renvoyant à une ère de médiatisation de la sécurité : une "sécurité inconsciente" s'est propulsée dans le langage cinématographique.

Jordan Crandall est un artiste visuel doublé d'un théoricien. Professeur agrégé, il enseigne dans le département pour les Arts visuels de l'université de Californie à San Diego. Son project de recherche artistique "Under Fire" traite de l'organisation et de la représentation de la violence politique, et a été inauguré en octobre 2006 lors de la Biennale internationale d'art contemporain de Séville. Jusqu'à présent, deux catalogues "Under Fire" ont été produits en 2004 puis en 2005, et publiés par le Centre d'art contemporain Witte de With à Rotterdam. Le troisième volume sera produit par la Biennale de Séville début 2007. Jordan Crandall vient de terminer une nouvelle installation vidéo intitulée "Homefront", combinant trois supports : fiction réelle, extraits de vidéo-surveillance et logiciels de surveillance militaires. Ce travail explore les effets de la nouvelle culture de la sécurité sur la subjectivité et l'identité. Il a été présenté lors de ses nombreuses expositions individuelles à travers le monde : le Musée d'art contemporain Kiasma à Helsinki, la Nouvelle Galerie du Joanneum Musée d´Etat Fédéral à Graz, l'ARTLAB à Tokyo, le Musée d'art Carillo Gil à Mexico City, le Centre d?Art Contemporain de Basse-Normandie à Caen, Kunst-Werke à Berlin, The Kitchen à New York, l'AGORA à Rio de Janeiro, l'Edith Russ Site für Medienkunst à Oldenburg, et le TENT Centrum Beeldende Kunst à Rotterdam. Son oeuvre a également été présentée lors d'expositions collectives dans des institutions aussi incontournables que le Whitney Museum à New York. Jordan Crandall écrit régulièrement sur la technologie et la culture. Une anthologie de ses projets et écrits critiques intitulée "Drive" a été publiée conjointement en 2002 par les éditions Hatje Cantz Verlag et le ZKM (Zentrum für Kunst und Medientechnologie) de Karlsruhe. Pour l'heure, Jordan Crandall termine un texte sur la culture de la surveillance abordant la surveillance à la fois en tant que technologie, discours et modalité de perception. Son essai le plus récent est intitulé "Precision+Guided+Seeing"(CTheory, 2006). Il a rédigé des articles sur les thèmes de la technologie et de la culture pour des revues telles que Artforum, Parachute, Framework, Cultural Politics, Journal of Visual Culture et TRANS>arts.cultures.media. Parmi ses autres ouvrages: "Trigger Projekt" (Frankfurt: Revolver, 2002); "Heatseeking" (Caen: Esac, 2002); "Suspension" (Kassel: Documenta X, 1997); et "Interaction: Artistic Practice in the Network" (New York: D.A.P., 2001). Les vidéos de Jordan Crandall ont été projetées lors de nombreux festivals internationaux du film et des médias : World Wide Video Festival à Amsterdam; le Transmediale International Media Art Festival à Berlin; le Montreal International Festival of New Cinema and New Media; le Video Archaeology Festival à Sofia, Bulgarie; le MIX Festival à New York City; la Biennale de Berlin; le European Media Art Festival à Osnabruck, Allemagne; ?Cine y Casi Cine? au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia à Madrid; le Festival du documentaire et de la vidéo à Kassel; et le Festival international du film de Rotterdam. Crandall travaille avec la vidéo, le cinéma et les nouvelles technologies propres à la culture militaire et à la culture de la surveillance. Parmi ses précédents travaux : une installation vidéo in-situ "Suspension" (1997), commandée par Documenta X à Kassel; une installation vidéo en sept parties "Drive" (1998-99); une installation vidéo en six parties intitulée "Heatseeking" (2000), et "Trigger" (2002), une installation vidéo (double canal).

Buried deep underground in an abandoned Russian broadcasting station located in the forest of Vilnius, Lithuania, an actor performs the role of a Red Army General to teach free-market values to a group of unemployed teenagers by subjecting them to an antagonistic history lesson on the Soviet occupation of the Baltic States.

Mike Crane is an artist raised in Bogotá, Colombia and currently based in New York. He is a graduate of the Cooper Union School of Art and studied at Hunter CUNY. Previous exhibitions include The Bass Museum of Art (Miami), Center for Contemporary Art Derry (Northern Ireland), FridayExit (Austria), Dublin City Gallery The Hugh Lane (Ireland), Chashama (New York), Carnegie International Lending Library of Transformazium (Pittsburg), The Banff Centre (Canada), and Silent Green Kulturquartier (Berlin). His work was most recently exhibited at the Bronx Museum Biennial, the Berlinale Forum Expanded and the Haus der Kulturen der Welt, Berlin. He was awarded the Brenda and Jamie Mackie Fellowship for Visual Arts at the Banff Centre, and the Foundation for Contemporary Arts Emergency Grant for his film installation at Chetham’s Library in Manchester, UK. In 2015, Crane was an artist in residence at the Triangle Arts Association in Brooklyn and the Rupert Centre in Vilnius, Lithuania. He is a recipient of a 2015 Creative Capital visual arts grant and is an artist in residence at the 2016-2017 Smack Mellon studio program in Brooklyn, NY.

What happens when you try to perform Shakespeare inside GTA Online, a game space notorious for its aggression and gratuitous violence? You might expect the other players in your server to respond with heavy weaponry, perhaps a mini SMG, or a compact grenade launcher. And indeed, this is often what happens. Yet occasionally you may come across someone who responds in an entirely unexpected manner. This work radically subverts and appropriates the notoriously violent world of GTA Online and reimagines it as a meditative space for live performance of Shakespeare. It challenges lazy assumptions about video games (that they are simply mindless entertainment or the nadir of violent youth culture) to reveal their inherent artistry and sophistication, and at the same time opens up the snobbish and elitist world of classical theatre to those who are excluded from it due to disability, financial concerns, geographical proximity or lack of familiarity with the theatrical ecosystem. By harnessing the technological capabilities and networked connectivity offered by contemporary video games, it also interrogates the concept of the audience: what it is, how it can be accessed, and how it can interact with live performance.

Sam Crane is an actor and video artist, critically acclaimed for his performances at the National Theatre, Shakespeare’s Globe, in The West End and on Broadway. He has collaborated with many of the most celebrated and influential theatre artists in the world including Mark Rylance, Katie Mitchell and Robert Icke in groundbreaking productions including Farinelli and The King, 1984 and ...some trace of her. In the guise of his alter ego Rustic Mascara, he attracted over 50 thousand views in two weeks to his radical attempts to perform Shakespeare inside GTA online and has had his films shown at contemporary art and film festivals worldwide (including London Short Film Festival, Slamdance and Athens Digital Arts Festival). He is also a prolific screen actor and has appeared in many the most loved and successful television shows of recent years including The Crown (Netflix), The Trial of Christine Keeler (BBC), COBRA (Sky), Poldark (BBC), Endeavour (ITV) and Call The Midwife (BBC). He has recently been selected as one of six emerging artistic researchers for Zurich University of the Arts PEERS programme, and was longlisted for the Aesthetica Art Prize 2022

Acid Rosa oh Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Return Son de Gintas K

João Cruz, alias Return (Porto). Il enseigne le Communication Design à la Faculté des Beaux-Arts, à l'Université de Porto. Il est titulaire d'un diplôme en Graphisme et d'une Maîtrise en Art-Multimédia. Chercheur Intermedia, il travaille avec des concepts de logiciels modulaires. C'est un militant "Audioimage". Il est artiste, présentateur de clips, monteur et membre fondateur de Crónica et Cronicaelectronica, un label média international basé à Porto, Portugal, et Beat Map, une coopérative de petits groupes musicaux audiovisuels.

Crónica est fiert de presenter : Crónica 020~2005 et Crónica 021~2005, notre seconde compilation et une en deux volume. Cette compilation comprend une sortie CD et DVD et étant donné qu?assembler simplement des pistes n?est pas très intéressant pour nous (qu?importe quel intérêt présente les pistes), ce que nous cherchions à faire c'était d?unifier une idée qui pourrait aider à créer une composition collective et cohérente, non seulement pour faire une vitrine d?artistes et de labels mais aussi donner à des ?uvres significatives la possibilté de créer. De bout en bout, le concept de cette parution particulière tourne toujours autour du média sonore, nous avons décidé de mettre l?accent sur la marque du label média un peu plus en sortant aussi des DVD complets. Le DVD présente une vitrine d??uvres spécialement produites pour cette compilation avec certains de nos artistes et des invités exceptionnels. Crónica 021~2005 DVD 01: Jan Robert Leegte/ Boca Raton: Along The Line 02: Nuno Tudela/ Pedro Tudela: Guandong Tuning Tone 03: Return/ Pita: Recoil Nets 04: Ran Slavin: Golden Twilight Moments 05: Ok.Suitcase: -sf 0905-04 06: Telco Systems/ Longina: Oidar 07: Lia/ @c: Radio_Int.14/37 08: Stephan Mathieu: Radiance 09: Isabel Abreu & Rita Barbosa/ Pal: 2ofmytime 10: Return/ Freiband: Staging Toon Echism 11: Tina Frank/ General Magic: Chronomops 12: Brigitta Bödenauer/ Miguel Carvalhais: Can I Have Two Minutes of Your Time? 13: Júlio Dolbeth/ Steinbrüchel: AM/FM 14: Karl Kliem/ Christine Fowler: 2 minutes 15: Maximilian Jänicke/ Random Industries: Media Corrosion 16: Sara Kolster/ Pawel Grabowski: Untitled 2:00 17: Nuno Tudela/ Pedro Tudela: Atmosfera Reduzida 18: Return/ Gintas K: Acid Rosa Oh 19: Marius Watz/ @c: Int.13/35 20: Jörg Piringer: Sig/b 21: Sumugan Sivanesan/ Durán Vázquez: Goebbels? Pupils 22: Antmanuv: Silent Haarp 23: Ran Slavin/ James Eck Rippie: Radio 24: Erich Berger/ Pure: Free Radio Azimuth 25: Paulo Raposo: Verbatim 26: Ran Slavin/ The Beautiful Schizophonic: A Radiophonic Fairytale 27: Horacio G/ Longina: Oidar 28: Meta: Iradia Design de la couverture par Miguel Carvalhais

"Recoil Nets" Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Return. Son par Pita.

João Cruz, alias Return (Porto). Il enseigne le Communication Design à la Faculté des Beaux-Arts, à l'Université de Porto. Il est titulaire d'un diplôme en Graphisme et d'une Maîtrise en Art-Multimédia. Chercheur Intermedia, il travaille avec des concepts de logiciels modulaires. C'est un militant "Audioimage". Il est artiste, présentateur de clips, monteur et membre fondateur de Crónica and Cronicælectronica, un label média international basé à Porto, Portugal, et Beat Map, une coopérative de petits groupes musicaux audiovisuels.

Staging Toon Echism Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Return Son de Freiband

João Cruz, alias Return (Porto). Il enseigne le Communication Design à la Faculté des Beaux-Arts, à l'Université de Porto. Il est titulaire d'un diplôme en Graphisme et d'une Maîtrise en Art-Multimédia. Chercheur Intermedia, il travaille avec des concepts de logiciels modulaires. C'est un militant "Audioimage". Il est artiste, présentateur de clips, monteur et membre fondateur de Crónica et Cronicaelectronica, un label média international basé à Porto, Portugal, et Beat Map, une coopérative de petits groupes musicaux audiovisuels.