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A restless daughter meets a spirit who gives her pure water. Her family devours the delicious water until they begin to suspect more than the origin of its taste. A traditional folktale retold entirely featuring a cast of nonactors from one family made of three generations

Shirley Bruno's films draw from her Haitian heritage preserving and radicalizing her ancestral traditions and mythology. She creates modern myths that expose the slippery spaces between the material and metaphysical world, between collective memory and history. In her work she explores the everyday, the Sacred, and the intimate violence in the things left unsaid that mark us generation after generation. Shirley holds a Masters with Distinction from London Film School and a Masters II with Mention from Le Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains where she was an artist fellow. She works alternately between New York, France, and Haiti.

Les Lois de Non-Conservation est un projet artistique et curatorial sur les questions de temporalité, d`émergence et d`obsolescence, dans le cadre des circuits de production-distribution-consommation du capitalisme de réseau. Il s`intéresse notamment aux processus de consommation de l`art sur différentes échelles de temps, des plus courtes aux plus longues, aux durées de vie des ?uvres, à leurs pannes, leur disparition, leur réincarnation... à l`intrication entre observabilité et usage, entre sacré et profane. Il scrute des phénomènes mal identifiés, qui sont dans un no man`s land entre la pérennité de l`objet et le caractère éphémère de la performance, entre la déchéance de l`aura et sa résurrection. http://www.cosmolalia.com/non-conservation-laws Le dispositif se développe parallèlement avec le projet ArtWar(e), collaboration entre Christophe Bruno et le philosophe Samuel Tronçon. Artwar(e) est une plate-forme de « gestion des risques artistiques » dont l`ambition est de reformuler l`histoire de l`art, les attitudes performatives et relationnelles, ainsi que les pratiques curatoriales, en utilisant des concepts récents issus du marketing, comme les « courbes de Hype ». Artwar(e) a été produit avec l`aide de LES CAPUCINS ? centre d?art contemporain (ville d?Embrun) www.lescapucins.org (direction artistique Caroline Engel) dans le cadre du projet européen SMIR (eSpaces Multimédia pour l?Innovation et la Recherche en production culturelle) / programme Alcotra. http://www.artwar-e.biz

Christophe Bruno vit et travaille à Paris. Son travail propose une réflexion critique sur les phénomènes de réseau et de globalisation dans les champs du langage et de l?image. Primé au Festival Ars Electronica en 2003 pour le Google Adwords Happening, une performance globale sur le « capitalisme sémantique », et au Share Festival à Turin pour Human Browser, il a aussi remporté le Prix ARCO nouveaux media 2007 de la Foire d?art contemporain de Madrid, avec son installation Internet Fascinum. Il est lauréat de deux aides du DICREAM (Ministère de la Culture et de la Communication - Centre National de la Cinématographie) en 2004 et 2006, pour ses projets Dreamlogs et Logo.Hallucination. A partir de mars 2011 il sera commissaire d`exposition pour l`espace virtuel du Jeu de Paume. Il partage son temps entre ses activités artistique et curatoriale, enseignement, conférences et publications. Ses ?uvres ont été présentées internationalement dans de nombreux festivals, musées, galeries et foires d?art contemporain : Jeu de Paume à Paris, ARCO Madrid, FIAC Paris, Biennale de Sydney, Palais de Tokyo à Paris, MOCA Taipei, Musée d?Art Moderne de la ville de Paris, New Museum of Contemporary Art à New-York, Rencontres Internationales Paris-Berlin-Madrid, Biennale d?Art Contemporain de Tirana, HMKV Dortmund, Diva Art Fair à New-York, ArtCologne, Share Festival à Turin, Transmediale à Berlin, Laboral Cyberspaces à Gijon, galerie Sollertis à Toulouse, Gallery West à La Haye, Vooruit Arts Center à Gent, ICC Tokyo, Nuit Blanche de Paris, File Festival à Sao Paulo, f.2004@shangai, ReJoyce Festival à Dublin, P0es1s.net à Berlin, Microwave Media Art Festival à Honk-Kong, Read_Me Festival à Dortmund et Aarhus, Vidarte Mexico City? http://www.christophebruno.com

Based on Xavier de Maistre’s “Voyage autour de ma chambre”, it has been entirely shot withing a single room working at its relation to the camera, seen as another enclosed space. Between the camera and the walls, between the lenses and the window, between the furniture and the room, between a rock and a hard place. Some of the texts printed on the film: "I hope that I have made a film, a method [procédé]. Blue is also a method. [...] Cinema? Yes, it's a method. Red is also a method." (Marcel Broodthaers, Cinéma, p. 66) « …a thousand agreeable visions float before my eyes. Yes, there is that mansion, that door, that staircase! I thrill with expectation. / In like manner the act of slicing a lemon gives you a foretaste that makes your mouth water. / Poor animal! Take care! » (Xavier de Maistre, A Journey Round my Room, chapter XLII, p. 152 )

Bruno Delgado Ramo (Sevilla, 1991) is an experimental filmmaker, researcher and architect. Both his artistic and academic work focuses mainly on the moving image. He describes his often interdisciplinary work as research that is grounded in artistic practice. Dealing with materialistic site-specific cinema and the spatial questions involved in it, he works from a wide understanding of cinematic language.

On the outskirts of the small town of Gommern, a heath garden has been inviting visitors for a walk since 1996. This was once the site of Ernst Reindel's rendering plant, who executed numerous people as an executioner during the Nazi era. The insistent camera view shows images in the here and now, while a stoic narrative voice recites original documents from Ernst Reindel's biography. What do we remember? How do we commemorate? What remains? The term "Begehung" is ambiguous in German. The title can be understood as "Begehung eines Ortes" (site visit) as well as a term from jurisprudence: "Begehung eines Verbrechens" (committing a crime). Since a corresponding translation in English seemed insufficient, we decided to keep the German title as the international title.

Thomas Brück was born in Zapopan (Mexico) in 1988. He studied time-based arts at the Burg Giebichenstein University of Art and Design in Halle and media art and cinematography at the Havana University of the Arts in Cuba in 2017. After graduating, he completed the Professional Media Master Class for artistic documentary shortfilm at the Werkleitz Gesellschaft in 2022 and was recipient of the Graduate Scholarship of the State of Saxony-Anhalt. In his artistic and cinematic work, he deals with concepts and constructions of reality and identity as well as the relationship between objectivity and aesthetic illusion. He is currently developing his first feature-length documentary film about historical and contemporary narratives of the appocalypse as a speculative vision of the upcoming end of the world. Thomas Brück lives and works in Halle and Leipzig.

Images de la sphère privée du world wide web. "The video has been removed due to its inappropriate nature". (Sat, 03. Mar 2007 14:06:25 -0800, YouTube | Broadcast Yourself?)

Né à Münster en Allemagne en 1959, Michael Brynntrup a etudié à Freiburg, Rome et Berlin. Il fait un Master à la School of Art en 1991. Fait des poemes experimentaux, textes, painture, photographie, photocopies, performances, installations et des expositions depuis 1977. Plus de 60 courts metrages experimentaux et videos depuis 1981 et quatre longs metrages. Art digital depuis 1995 (CD-ROM, DVD, et internet). Exposition de film au MoMA de New York (1987, 1992 et 1999). Plusieurs expositions internationales, et prix de films et de medias. Organisation de festivals avantguarde et gays pour des musés, des institutions et des festivals de films internationaux. Publications sur le super8 et les cinemas de Berlin OFF-OFF. plusieurs conferences, depuis 1990 il fait des ateliers, supervise des projets et conceil des apprentis au sujet de production medias et de films.( Beijing Normal University Zhuhai/Chine). Depuis 2006, il est professeur de film/vidéo a l'universire d'art de Braunschweig. Il continue à travailler.

"quinze Queer Crossover: on a demandé à des cinéastes lesbiennes de Berlin de tourner un court film de contribution sur leurs représentations de l'amour et du sexe entre gays - et à l'inverse, des cinéastes gays devaient tourner un film court sur la sexualité ou l'érotisme entre lesbiennes. "Dans sa contribution BLUE BOX BLUES, Michael Brynntrup montre clairement la différence entre le gestus illusionnant d'une photographie et de processus de fabrication de celle-ci." Au moyen de la reconstitution du processus de création d'une photographie qui montre un couple de lesbiennes tendrement enlacées et suggère la confiance et l'intimité, Michael Brynntrup réussit à démasquer les modèles stéréotypés de perceptions sur lesquels revient la mise en scène: le message contenu dans la photo est en éclatant contraste avec la mise en scène de l'image,banale et fastidieuse, réalisée par de nombreuses personnes dans l'atmosphère stérile d'un studio Blue Box . Ainsi, BLUE BOX BLUES devient le moyen de montrer, dans une optique de critique des médias, une structure de marché qui incorpore des ensembles de sentiments dans un processus industriel de dévalorisation.

"Né en 1959 à Münster (Allemagne). Etudes d?histoire de l?art et de philosophie à Fribourg-en-Brisgau et à Rome. Vit à Berlin depuis 1982, études de cinéma à l?Ecole des Beaux Arts de Brunswick entre 1987 et 1991, cours dans une classe de maître en 1991. Divers genres artistiques et CopyArt depuis 1977. Plus d?une cinquantaine de films et vidéos (dont deux longs métrages) depuis 1981. Arts numériques avec supports interactifs depuis 1995 (CD-ROM et Internet). « Film exhibition » au Museum of Modern Art de New York (1987, 1992 et 1999). Diverses rétrospectives, nombreux prix pour ses films, organisation et présentation de collections de films expérimentaux en Allemagne et à l?étranger. En 1993, obtention d?une bourse d?études du Kunstfonds (Fonds culturel) de Bonn. Publications sur le super 8 et les cinémas expérimentaux et marginaux de Berlin. Workshops, encadrement de projets et activité de formateur dans le domaine de la production médiatique depuis 1990. L?artiste poursuit actuellement son ?uvre créatrice." source: arte-tv.com

"Le monde est tout ce qu'est une démonstration." Vivre à l'ère de la mondialisation - une étude de cas. (librement adapté de la première phrase de Tractatus logico-philosophicus de Ludwig Wittgenstein) Les études de cas demandent une méthode de recherche particulière. Plutôt que de se baser sur de larges échantillons et de suivre un protocole rigide afin d'examiner un nombre lmité de variables, les méthodes de l'étude de cas requièrent un examen longitudinal, en profondeur d'un seul exemple ou événement : un cas. (wikipedia.org/wiki/Case-study, 2005)

Michael BRYNNTRUP est né en Allemagne en 1959; Il a fait ses études à Freibourg, Rome et Berlin. Il a obtenu un Master en beaux-arts à la Braunschweig School of Art en 1991. Il écrit des poèmes et des textes expérimentals, réalise également des peintures expérimentales, ainsi que des photographies, des photocopies, des performances, des installations et des expositions depuis 1977. Il a réalisé plus de 60 courts-métrages et vidéos expérimentaux depuis 1981 ainsi que quatre longs-métrages. Depuis 1995, il s'intéresse à l'art numérique et aux media interactifs tels que les CD-ROM, les DVD et Internet. Il a présenté ses films au Museum of Modern Art de New York en 1987, 1992 et 1999. Il a participé à de nombreuses expositions internationales et a reçu plusieurs récompense dans le domaine du cinéma et de l'art médiatique. Il a également organisé des événements cinématographiques gay et avant-gardistes pour des musées, des institutions et des festivals du film internationaux. Il a publié sur le super 8 et les Off-Off-Cinémas, il a également été invité à donner plusieurs cours à l'université et depuis 1990, il participe à des ateliers et divers projets afin de donner des conseils sur l'apprentissage dans le domaine de la production de media et du cinéma (par exemple à la Beijing Normal University Zhuhai en Chine. Depuis 2006 il est professeur à la Braunschweig Art School.

Just be glad it's not you combines texts sourced from various threads on the topic of narcissism from www.quora.com. Quora is an online forum for crowd sourcing answers to questions that vary vastly in subject matter and are often posted anonymously. Various self-proclaimed experts have listed accounts, definitions, and directives on the theme of narcissism. A selection of these texts are displayed in a synchronized installation across three screens, edited to appear in time to a specially commissioned hard techno track from sound designer Antoine Hureau, accompanied by an integrated LED light installation. This video, sound and light installation creates an environment of information overload that is reflective of the environment of information overload that we find ourselves in within digital culture, and within the wealth of language, accounts, opinions and stories that we find online. Walking a thin line between tragedy and comedy, the work contains an ironic sensibility, allowing complex and difficult issues to be addressed with a light touch.

Samuel Brzeski (1988, London) is an artist and writer living and working in Bergen, Norway. He studied English Literature at University of Sheffield, UK (BA) and Fine Art at Bergen Art Academy (MA), and participated in the Mountain School of Arts program in Los Angeles, USA. Recent exhibitions of note include Lydgalleriet, Bergen (2023), Bærum Kunsthall, Oslo (2023), bb15 Space for Contemporary Art, Linz (2022), Meta.Morf, Trondheim International biennale for art and technology (2022), Østre, Bergen (2022), Galleri Box, Gothenburg (2022), Chao Art Centre, Beijing (2021), and KRAFT, Bergen (2021). His work was included in the inaugural exhibition of the New Norwegian National Museum, Oslo (2022) and is in the collection of Haugland Museum, Norway. Samuel was a writer in residence with Contemporary Art Stavanger (2022), and with Lydgalleriet (2020-2021) and has published several artist books. He has co-run the Bergen-based art writing collective and publishing platform TEXST since it was established in 2016. Samuel works as a visiting tutor to Bergen Art Academy and Bergen Architecture School.

En 1978, lors d'un colloque sur le problème naissant du trafic de drogue en Colombie, Ernesto Samper lut un discours dans lequel il prédisait avec une clarté extraordinaire ce qui aller se passer dans le pays si l?on ne cassait pas le tabou construit autour de la légalisation. Samper, qui avait organisé le colloque en tant que président de l'Anif et avait invité l'ambassadeur des États-Unis de l'époque, entre autres participants, avait déclaré très clairement qu?essayer d'affronter le problème de la drogue comme s?il était une « guerre » était une cause perdue d?avance. Tous les arguments de ce discours lucide continuent d?être irréfutables aujourd?hui. Ce qui a réellement changé, c?est la progressive stigmatisation de la question. Les paradoxes de la vie ont fait que Samper a entraîné les effets de ce qu'il avait vu lui-même à l'horizon. Et comme dans la tragédie grecque, il est également probable que sa lucidité initiale est devenue la véritable cause de la tragédie.

François Bucher est un artiste originaire de Cali, en Colombie; il vit et travaille à New York. Son ?uvre a fait l`objet d`expositions internationales, collectives ou individuelles: Location One, New York, 2002; Empire/State, les artistes et la globalisation, Whitney Museum Independent Study Program exhibition, 2002; Speaking Truths, Intermedia Arts, Minneapolis, 2002. L`?uvre White Balance (to think is to forget differences), 2002; DVD; 30 min a été intégrée au programme spécial du Festival du Film d`Oberhausen en 2002, au 4ème Festival Indonésien du Film et de la Vidéo indépendantes en 2002, à l`Impakt Festival, 2002, Utrecht, au Media Arts Festival à Friesland, au New York Video Festival au Lincoln Center, et sera présentée à la Tate Gallery de Londres. Il travaille actuellement sur un nouveau film en collaboration avec Pedro Paixao, commandé par la Galerie Porta 33, à Maderia. De 1999 à 2000, Bucher a assisté au Whitney Museum Independent Study Program à New York. Il a reçu le prix de l`Alliance Française à Bogota, en Colombie, et est en résidence à la Cité des Arts à Paris, depuis 2003. Il a également reçu la bourse de la Fondation Jérôme, The New York City Media Arts Grant, en 2000. Bucher est co-rédacteur du Magazine "Valdez".

"Forever Live : The Case the of K. Gun" est basé sur la reconstitution de l'allégorie de Kafka "Before the law", interprété en direct et par téléphone par Katherine Gun. Traductrice du chinois vers l'anglais, Katherine Gun travaillait pour les services secrets britanniques, et décida de dévoiler des informations compromettant les chances des gouvernements américain et britannique de faire voter une résolution des Nations Unies pour envahir l'Irak. Elle a révélé leur intention de mettre illégalement sur écoute les délégations du Conseil de Sécurité pouvant peser dans le processus de décision des Nations Unies. Dès lors que le gouvernement britannique a réalisé qu'une action en justice deviendrait le procès de la légalité de la guerre, aucune poursuite n'a été engagée contre la traductrice. Katherine Gun ne connaissait pas le texte de Kafka avant l'enregistrement et l'a découvert en le traduisant directement depuis le Chinois vers le Français.

François Bucher est né à Cali, en Colombie. Il travaille actuellement entre Berlin et Bogota. Ses oeuvres ont été présentées dans le monde entier, notamment au Centre d'Art Contemporain de Glasgow (Ecosse) ; au Santa Monica Art Museum (USA) ; au Musée du Film de Bruxelles (Belgique); à l'Oberhausen Film Festival (Allemagne) ; à l'European Media Arts Festival d'Osnabrück (Allemagne) ; au Kassel Documentary Film Festival ; au Festival du Film de Rotterdam ; au Festival International du nouveau cinéma de Split (Croatie); au Festival International de Belo Horizonte (Brésil) ; au Transmediale (Berlin) ; aux Rencontres Internationales Paris/Berlin ; à l'Impakt Festival (Utrecht) ; et au VideoEx à Zurich (Suisse) où il a reçu le premier prix.

This video develops from a real event that took place during a theater seminar in the masters degree program at the University of Antioquia in Medellín, Columbia. The seminar occured uring one of the university`s worst periods of violence. Two students in charge of a presentation on the life and work of French author Jean Genet decided to play a hoax on their fellow students - a hoax that involved an armed kidnapping. Their idea was to perform the ethos of Genet`s work rather than to represent it in a conventional way...

François Bucher is an artist from Cali, Columbia, who lives and works in Berlin. He combines a variety of media and sources to consider power, violence, and geography. His work has been exhibited internationally in group and solo shows as installations and single-channel pieces. He also co-founded and co-edits Valdez magazine.

A Visitor, 2017, takes as a starting point the modernisation of a somewhat neglected memorial site at a former mass killing site in Germany. The video documents the replacement of older information panels and the changes to the landscape over an extended period of time. The video also draws on both a chance encounter with a beekeeper sent to contain and collect a “ stray ” swarm of honey bees at the site, and an archive interview conducted by historians at the nearby home of Maria Seidenberger. Seidenberger was a teenager at the time of the mass killings. She secretly helped concentration camp prisoners to smuggle and hide items that included clandestine photographs, letters, a heart and a death mask. The emerging portrait of the site exposes a multiplicity of narratives and reflects on themes such as subversion, guilt and remembrance. The persistence of material objects is questioned while resisting a linear view of history and memory.

Jamie Buckley is an artist who is originally from Kerry, Ireland but is now based in Munich, Germany. He completed an MFA at the University of Ulster, Belfast in 2012. Screenings and exhibitions include: LUX, London (2018); AMINI, Belfast (2017, 2015); Rencontres Internationales, Paris/Berlin (2014, 2012); Golden Thread Gallery, Belfast (2013); Bloomberg New Contemporaries, Institute of Contemporary Art, London and Liverpool Biennial, Liverpool (2012).

DORF is the second film in a continuing series that concentrates on the grounds of the 1972 Munich Olympic Games. It is informed by a practice that is rooted in contemporary visual art but which draws on documentary filmmaking strategies. The film points to the site a few months after the events of ’72. This was the transitional “ghost town” that existed before the more permanent residents moved in. The site is also shown at an unspecified but possibly contemporary time, when it is a place seemingly full of life. The film clips act as spacial and temporal coordinates that are assembled as a sequence of ordered pairs. Themes that interest me are evident, such as migration, residential space, and the absence of spectacle. A narrative is not explicitly dictated, instead it is allowed to be unpacked by the viewer. The persistence of material objects is brought into question.

Jamie Buckley (b.1980) is an Irish artist based in Munich. He completed an MFA in 2012 with First Class Honours at the University of Ulster, Belfast. In 2005 he completed a BA in Fine Art at the Limerick School of Art and Design with First Class Honours. His work was selected for “Bloomberg New Contemporaries 2012” and was then shown as part of the Liverpool Biennial and at the ICA in London. His work was shown at Rencontres Internationales in Paris in December 2012 and in Berlin in June 2013. His work was selected for the Aesthetica Short Film Festival and longlisted for the Aesthetica Art Prize.

"MUC 72" sits somewhere between lens based contemporary art and documentary film-making. Two temporal positions from one location are represented; one from the time of the Munich Olympics in 1972, the other a contemporary view of the ?Olympic Village?. The work explores the slippage between these different positions and points to issues regarding memory while refusing to represent the spectacular, the iconic.

Jamie Buckley (b.1980) is an Irish artist who lives and works in Munich. He completed a Master of Fine Art (MFA) in June 2012 with First Class Honours at the University of Ulster in Belfast. In 2005 he completed a BA in Fine Art at the Limerick School of Art and Design with First Class Honours. Buckley works predominantly in digital video. His works are often installed as single or multi-channel projections. Navigating significant historical locations and the memory attached to them, Buckley questions the position and formulation of their representation in terms of the hidden driving motives informed by political and social realities. He has exhibited both nationally and internationally; most recently his work was shown at Bloomberg New Contemporaries as part of the Liverpool Biennial 2012.

In Plato’s “ Ion ”, poets are portrayed as passive and irrational instruments of the Muses and their craft created in a state of frenzied ecstasy and madness. The Muse has entered them and taken possession of them, using them as a mouthpiece. The poet being a chain of influences, just as the Muse takes possession of the poet, so the poet causes the rhapsode who recites the poetry and also enters into a frenzied state and in turn the rhapsode will put the audience into a wild Bacchic state. Thus a chain of magnetic influence leading back to the Muse. The Muse is likened to a magnet, which has an attractive force on the poet, who has an attractive force on the rhapsode and so on down the chain to the audience. Therefore a chain of creativity is established, with creativity only occurring if the poet is found in a passive irrational state. During this chain of influences under a frenzied state, the poet does not comprehend what he/she utters within his/her craft and thus unable in understanding the nature of the poetry. One could apply Plato’s notion of the Muse’s magnetic force and coupled with effects upon the poet in a chain of influences, to that of social media. Wherein the subject is drawn to the magnetic forces at play through the interaction with technological devices in the palm of the beholder “ The Muse performs for the technological device, the technological device performs for the muse ”. Within our digital age of the 21st century, the notion of the Muse as magnetic force, becomes blurred through an opiate-like state of influence, through our interaction with the technological device. “ Estuary a la mode ” attempts to evoke Plato’s notion of the Muse set within the febricity of our digital age.

Born Essex, UK 1962 1990-95 Studied Kunstakademie-Düsseldorf, Germany. Studied under Nam June Paik/Nan Hoover 1996 Videokunst Preis Bremen 1997 Kunstfonds Stipendium, Bonn 2000 Artist Residency, Bemis Centre for Contemporary Arts, Nebraska, USA 2003 Arts Council England Artist Grant 2013 CCA Andraxt, Mallorca, Spain, Artist Residency 2014 Arts Council England Artist Grant 2016 18th St Arts, Santa Monica, CA, Artist Residency CCA Andraxt, Mallorca, Spain, Artist Residency Arts Council England Artist Grant Berlin Senate for Cultural Affairs, Artist- Research Grant 2018 Berlin Senat Artist Catalogue- Grant

In the garden 2012, DV HD, 07:57:00 The enclosed space of the Neue Nationalgalerie?s Sculpture garden is one that is off limits to us, not only physically but also mentally. This sombre terrain is reminiscent of a relic, one that had had experienced better days, though the absent viewer adds to its enchantment. Within its enclosure of grey granite stone, the sculptures that are found there seem to emit an ontological indifference to their habitat, like that of a cadaver is to its tomb. How ironic that Mies van der Rohe concluded in 1943, ?the first problem is to establish the museum as a centre for the enjoyment of art, not the interment of art?. We know from archival documents, that the conception of the building had certainly not an easy birth. A structure born out of a modernist spirit, of which had been ravaged by totalitarian politics of the past, no doubt such troubled history lends certain pathos to the Sculpture garden?s atmosphere. Within the oasis of calm, the sculptures seem to have an air of aloofness about them, some reflecting, whilst others absorbing their surroundings. They almost seem to gesture at an independence from the viewer?s gaze, a possible asset that seems to give the works added vigour. As Henry Bergson?s states in his major work ?Matter and Memory?, ?the same images can enter at the same time into two distinct systems, one belonging to science, wherein each image, related only to itself, possesses an absolute value; and the other, the world of consciousness, wherein all the images depend on a central image, our body, the variations of which they follow?. In this case the sculptures as images, seem to belong to that of the former, the system of science. ?In the garden?, takes the viewpoint of a floating spirit, with its drunken gait, roaming through the Sculpture garden with a gaze like that of a zombie, and in a manner of uncontrollable restlessness. This phantom is unable to truly reflect the nature of its surroundings. The unfolding images within the film reveal a faux romanticism, which is evident in the mocking artificial reflection and mimicry of the full moon in the sky above and its ambient sound borrowed from other sources. The spluttering fountain drinking from the pool that is its source, negates its present moment in time by striving to return to its place of origin. All of which suggests a phantasmagorical realm, wherein the enchanted garden has become the abode of the spectral.

Rick Buckley Born Southend-on Sea,Essex, UK 1990-95 Studied Kunstakademie Düsseldorf, Germany. Studied under Nam June Paik/Nan Hoover 1996 Videokunst Preis Bremen 1997 Kunstfonds Stipendium Bonn 2000 Artist Residency, Bemis Centre for Contemporary Arts, Nebraska, USA 2003 Arts Council England Artist Grant 2013 CCA Andraxt, Mallorca, Spain, Artist Residency Exhibitions (selected) 2014 Blackbile 84, Focal Point Gallery, UK (solo) 2013 Mass. En Masse. Mass Medium, CGP, London The Legend of the shelves, Autocenter, Berlin Caution: things may appear different than they are, AEG Halle, Nürnberg 2012 The Hard & The Fast, Book Launch, Motto, Berlin Chains, Horse, Berlin Jack?s Union, Autocenter, Berlin (solo) Thames Delta, Focal Point Gallery, Southend on Sea, Essex, UK Ins Blickfeld gerückt, Galerie de Multiples, Paris 2011 The Black Goddess, Autocenter, Berlin (Curated by Rick Buckley) Wilhelm Reich / Ayn Rand, Essays & Observations, Berlin Point it at Gran, Nationalmuseum, Berlin 2010 Magic Show, Pump House Gallery, London Hayward Gallery London, UK Touring Exhibition, Ins Blickfeld gerückt, Institut Francais, Berlin Haunted Tate, Essays & Observations, Berlin Blattspezial, publication, Berlin, The Watering Hole, Cussler, Berlin (Solo) The Indistinct Seeing, Infernoesque, Berlin 2009 Magic Show, Hayward Gallery London, UK Touring Exhibition, The Incomplete Man, book launch, Motto, Berlin WANT, Arratia/Beer, Berlin Bank of Eden, curated by A.Hopf & R.Buckley, Whitechapel Berlin The Incomplete Man, SOX Schaufenster, Berlin (Solo) Straylight Cavern, Cell-Project Space, London Freundliches Feuer, PR17, Berlin 2008 Facets of Reason, Union Gallery, London (Solo) King Fisher Tales, Union Gallery, London Group Show, Nationalmuseum, Berlin Free Dimensionality, Silver Shed, NYC 2007 Dark Mirror, Netherlands Media Art Institute, Amsterdam 2006 Everything Must Go, VTO Gallery, London Cow Shed / Blakean Shack, 7Hours, Haus 19, Humbolt University, Berlin (Solo) 2005 Scotty oder Madeline?, Center, Berlin 2004 Domestic Civil Wars, VTO Gallery, London (Solo) Whipping Wall & Window With Paint, Center, Berlin (Solo) Ideals, Uncertainties & Consequence, Galerie Mirko Mayer, Cologne (Solo) Works on Paper, SOUTHFIRST, Brooklyn, NYC Drawn By Reality / Encapsulated in Life, Wood St Galleries, Pittsburgh, PA, USA 2003 Entranced, VTO Gallery, London 2002 Multitude, Artist Space, NYC Majik, VTO, London Three Dimensional Disaster, Galerie Mirko Mayer, Cologne (Solo) 2001 10 jahre Bremer Videokunst Preis, GAK, Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen 2000 Certain Things Are Never Said / Said Things Are Never Certain, Galerie Mirko Mayer, Cologne, (Solo) Works on Paper, Martin Kudlek Galerie, Cologne, 1998 We Love You / We Love You Not, Neues Museum Weserberg, Bremen (Solo) Give & Take Again, Whitechapel Gallery, London, To call unto those who prey & beg, Artothek, Colonge, (Solo)

Le projet que développe Dorota Buczkowska ne se dévoile qu`à force d'attention ; la multiplicité des motifs et des traitements qui peuplent ce travail pourrait en brouiller l'appréhension. Volontiers physique, charnel, confinant parfois au morbide, il peut aussi se décliner en figures légères, minimales, images de brouillard ou de ballons s`évanouissant. Les traitements formels, essentiellement vidéos, gravures et dessins, n'appartiennent pas toujours au même univers, qu'ils soient des traits de gravure presque gauches, des dessins un peu épais, des lignes un peu trop appliquées sur leurs supports, ou des images à peine animées en plan fixe où le mouvement se fait imperceptible. La cohérence d`un tel projet échapperait alors aisément : cette dissolution apparente s`explique peut-être par le fait que le travail de Dorota Buczkowska se nourrit du réel, se développe selon lui, sans intention définie a priori, sans souci de réaliser une idée ou un projet de départ. Une profusion de figures et de sensations habite et anime ce travail. Quelques motifs y réapparaissent régulièrement : celui du corps, de l'organique, traité avec une liberté qui appartient peut-être un peu plus aux pays de l'Europe de l'Est dont l'artiste est originaire. Les circulations : celle des liquides corporels, mises en relation avec celles qui habitent les paysages ou quelques constructions hydrauliques. Des schémas faussement techniques, maladroits ou imaginaires. Comme un effort pour comprendre, ce qui se passerait là-dedans. Comme on jouerait à maîtriser les éléments, ou pour le moins, à en cultiver l`illusion. Des points rouges qui évoluent à l'intérieur d'une sorte de veine, s'agglutinent et disparaissent - recommencent. Le ballet incongru d`un homme qui vient de ramasser un rapace mort, aux ailes déployées pour plus rien. Il y a beaucoup de fragilité dans ces images, une grande vulnérabilité qui fait sans cesse surface, plus ou moins discrètement, avec plus ou moins de violence ou d'incarnation. S'il fallait désigner un dénominateur commun à ces images, ce serait cette fluidité qui les habite : signe de la vie, essence du mouvement, elle est aussi celle qui peut s'évanouir : facteur de la vie comme facteur d'absence, elle peut mener à la disparition des choses. Ces images semblent nous rappeler qu'il y a dans les êtres mêmes, un mouvement qui pourrait bien disparaître. Même constat dans les éléments naturels : le vent emporte, le brouillard efface, la glace fond. Dorota Buczkowska chercherait alors par l`image, à créer ce petit moment supplémentaire où l'on cultive l'illusion de maîtriser, de posséder, de comprendre. Le désir de s'approprier ou de fixer. Tout en en mesurant, mais comme avec les yeux fermés, la vanité. (texte de Corinne Cherpantier)

2003- 2004 Stagiaire / boursière, Centre National des Arts Plastiques Villa Arson, Nice 1999- 2003 Faculté de Sculpture de l`Académie des Beaux Arts de Varsovie 1998- 1999 Université de Varsovie, Gender Studies 1991-1997 Etudes supérieures de magistère a l`Académie des Beaux Arts de Varsovie 1997 Diplôme de dessin. Diplôme de restaurateur des oeuvres d`art, Beaux Arts de Varsovie FORMATION (sélection) 2005 Formation en dessin/performance/vidéo au Lycée de Chateaux-Salin (57), France 2005 Ateliers Artistiques (dessin/sculpture) en partenariat de Musée Réattu, Arles, France BOURSES, RESIDENCES D`ARTISTE, NOMINATIONS ( 2000-2005 ) 2005 Résidences d`artiste de trois mois à Lindre-Basse, France 2004 Nomination, TheOneminutes, Concours International d`art Vidéo, Amsterdam 2004 Résidence d`artiste de trois mois, Bundeskanzleramt, Vienne, Autriche 2004 Bourse du Gouvernement Français et du Ministère de la Culture Polonaise 2000 Médaille d`argent au IX-ième Biennale Internationale de la Dentelle- Art Contemporain de Bruxelles, Belgique EXPOSITIONS EN PREPARATION (2005) 2005-10 `Vienna Interantionl Apartment` peinture, vidéo, Turku, Finlande 2005-11 `Czarna Galerie`, exposition Pro Helvetia, Varsovie, Pologne 2006-02 lokal_30, projection vidéo, Varsovie, Pologne 2006-05 Area 53 Galerie, Vienne, Autriche EXPOSITIONS COLLECTIVES (sélection) 2005`But the Exciting Aspect is to?` AREA53 Gallerie, Vienne, Autriche 2005 `Forum de l`Image`, Musée d`Art Moderne et Contemporain Les Abattoirs de Toulouse 2005 `50e Salon Européen des jeunes Créateurs`, Montrouge, France 2005 ART Poznan, National Art Fair, Poznan, Pologne 2005 `CLABCUBE`, Centre d`Art Contemporain, Château Ujazdowski, Varsovie 2005 'Corps & Âmes`, Art Vidéo Polonais au Centre d`Art le Parvis, K.01, Pau, France 2004 'Affinités électives`, exposition collective dans le cadre de la Saison Polonaise en France Cimaise et portique, Centre départemental d`art contemporain, Albi 2004`Voisins aux Voisins`, L`événement artistique, L`atelier de Praga, Varsovie, Pologne 2004 `Circulations- sculpture et gravures, Maison des Artistes, Charenton-le-Pont, France 2003 `Je t`aime de loin`, l`installation Aorte, Institut Polonais, Paris, France 2002 Supermarché de l`art, l`installation, DAP Galerie, Varsovie, Pologne Lauréat du Concours Photographique `La Peau` Lutsine, l`Académie des Beaux Arts de Paris Novart, Bunkier Sztuki, Cracovie, Pologne 2001 Face to...Instalation de groupe à l`occasion du Rauma Festival, Rauma, Finlande Casting, Vidéo projection, Art new media Galerie, Varsovie, Pologne Supermarché de l`art, Galerie DAP, Varsovie, Pologne Mia-100 Kobiet, Festival d`Art, CDQ, Varsovie, Pologne Exposition des lauréats IXième Biennale de la Dentelle Contemp., Heidelberg, Allemagne 2000 Médaille d`argent, IXe Biennale Internationale d`Art Contemporain de la Dentelle, Bruxelles Supermarché de l`art, DAP Galerie, Varsovie, Pologne 1999 Atelier de performance, CSW Zamek Ujazdowski, Varsovie, Pologne 1998 VIIIe Biennale Internationale d`Art Contemporain de la Dentelle, Bruxelles, Belgique EXPOSITIONS PERSONNELLES (sélection) 2003 `Systèmes Organiques`, L`installation Aorte, Aux Falaises, Paris, France 2001 `Espace et Fragments`, Aux Falaises, Paris, France COLLECTIONS publiques et privées (1999-2004) 2004 Gravures dans la Collection d`Art Contemporain de la Ville de Vienne, Wien, Autriche 2004 Dessins, Collection privée, Vienne, Autriche 2002 Sculpture, Collection privée, Paris 2002 Instalation, Collection privée, Varsovie 2001 Sculpture, Collection privée, Paris 2000 Sculpture, Collection privée, Paris 2000 Dessin, Collection privée, Varsovie 1999 Sculpture, Collection privée, Bruxelles, Belgique

« Secta » est un docufiction qui révèle une société-culte secrète, dont l?identité se manifeste par le biais de comportements particuliers, et souvent très obscurs, dans des espaces publics. Le film expose « Secta » en open-source, réseau fluide, qui co-existe dans, entre, et avec, les lignes de la réalité sociale officielle. Les membres de Secta ne savent pas qu?ils appartiennent à celle-ci. Le projet a débuté en questionnant la façon dont les espaces publics et privés sont construits et expérimentés dans les villes occidentale, et en s?interrogeant sur les moyens potentiels de subvertir les règles implicites et les conventions qui la régissent.

EDUCATION 2006 - 2008 MA Piet Zwart Institute, Fine Art Department, Rotterdam 2004 ? 2006 BA Rietveld Academy, Audio Visual Department, Amsterdam 2000 - 2004 BA Vilnius Art Academy, Photography ? media arts, Vilnius, LT SELECTED PROJECTS, EXHIBITIONS 2008 FOYER: language and space at the border Contemporaty Art Centre, Vilnius, LT If We Can?t Get It Together Power Plant, Toronto, CA My Travels with Barry TENT, Rotterdam, NL Wilde Metaphysica Kunsthuis SYB, Beetsterzwaag, NL Explum Cultural Center, Murcia, ES Conspire Transmediale, Berlin, DE 2007 The Joy Is Not Mentioned Contemporary Art Center, Vilnius, LT In collaboration with G.Budvytyte and I.Miseviciute This is how it must feel to be there Pakhuismeestern, Rotterdam, NL Vilnius is burning Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, IT Collaborative project Whenever It Starts It Is The Right Time ? Strategies for a discontinuous future Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, DE 2006 Selfobjects Palace of Radvilai, Vilnius, LT Collaborative project 101.3KM: competition and cooperation Contemporary Art Centre, Vilnius, LT The Eye of the storm The Nordic Artists? Centre (nkd), Dale, NO Enthusiasts Contemporary Art Centre, Vilnius, LT In collaboration with G.Budvytyte 2005 Open gauge project International Culture house, Tbilisi, GE Art for sail Loods 6, Amsterdam, NL In collaboration with G.Budvytyte VIDEO, FILM SCREENINGS 2008 White night, Contemporary culture forum, Riga, LV 2007 Art in the New field of visibility, De Appel, Amsterdam and Platform Garanti, Istanbul, TR Migration Brewery Arts Center, Kendal, UK 2006 Live video perfornance together with sounds by Nathalie Bruys and Byungjun Kwon Smart Project Space, during the opening of Jaki Irvine show, Amsterdam, NL CATALOGUES, PUBLICATIONS 2008 Small Talk with the Janitor published by Piet Zwart Institute, Rotterdam, CAC INTERVIU ?the quarterly conversation about art? Contemporary Art Center, Vilnius, LT 2007 Notes on the catalog /Catalogue of moves part of the exhibition ?The Joy Is Not Mentioned?, Contemporary Art Center, Vilnius, LT Whenever It Starts It Is The Right Time ­? Strategien fur eine unstetige Zukunft Frankfurter Kunstverein, published by Revolver, DE Vilnius is blurring Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, IT 2006 101.3KM: competition and cooperation Kaunas and Vilnius artist exhibition Contemporary Art Center, Vilnius, LT AWARDS 2001 Fast Food, 1st prize, Vilnius, LT 2002 (Not)believe 1st prize, Vilnius, LT 2006 Sleipnir, travel grant, Nordic Council of Ministers 2007 Lithuanian Cultural Ministry Award for the young artists, LT

'Songs from the Compost: Mutating Bodies, Imploding Stars', shot in the pine forests and sand dunes of the Curonian Spit, is a hypnotic exploration of nonhuman forms of consciousness and different dimensions of symbiotic life: interdependence, surrender, death, and decay. The images gradually layer, alongside intimate lyrics of a song that channels the desires of an entity shapeshifting across different genders, voices, and beyond-human embodiments. Featuring a cast comprised of local youth, alongside performer and choreographer Mami Kang, the film unfolds through a specially conceived song, choreography and costumes. Horizontality in the choreography undoes the usual verticality of the human figure, unfurling her into the landscape.The performers’ bodies are sites of activity, though they’re often horizontal, pulled toward the earth and one another, moving through the forest, along the sand dunes and water. The song lyrics draw on the work and words of biologist Lynn Margulis, celebrating the role of bacteria in making life and the collaboration between the single-cell organisms possible, as well as concepts by the science-fiction author Octavia Butler, who employed tropes of symbiosis, mutation, and hybridity to challenge hierarchies and categorisation.

Egl? Budvytyt? (b. 1981, Lithuania) is an artist based in Amsterdam and Vilnius working at the intersection between visual and performing arts. She approaches movement and gesture as technologies for a possible subversion of normativity, gender and social roles and for dominant narratives governing public spaces. Her practice, spanning across songs, poetry, videos and performances, explores the persuasive power of collectivity, vulnerability and permeable relationships between bodies, audiences and the environment. Her work was shown amongst others at the 59th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia, Vleeshal, Middelburg, NL, Riga International Biennial of Contemporary art (RIBOCA); Renaissance Society, Chicago, Lofoten International Art festival; Block Universe festival, London; Art Dubai commissions; Liste, Art Basel; 19th Biennale of Sydney; De Appel Arts Centre; CAC in Vilnius, and Stedeljik Museum in Amsterdam. Egle was resident at Le Pavillon, Palais de Tokyo (Paris, FR, 2012) and at Wiels, Contemporary art centre, (Brussels, BE, 2013).

Giang visits her aunt Mười in the Mekong delta (Tien Giang) for the summer to give her mother personal space and time to sort things out. The slow rhythm of countryside life, children’s games, and close relationship within the neighborhood help Giang forget about her personal troubles and the hot Mekong sun. Seeing her 60-year-old aunt constantly busy with farm work, Giang decides to help out. The film develops through Giang’s perspective, weaving documentary foot- ages with a fictional storyline. Through Giang and aunt Mười’s developing relationship we get a sense of the slow and drawn-out rhythm of life in the rural South of Vietnam, the close contact between human and animals, the switch from traditional methods to reliance on industrial feed, concerns sur- rounding food safety, and the perception and interests of a typical farming household in the Mekong Delta. The film also introduces a new angle into the relationship between human and animals, and the inseparable ties be- tween life and death.

Born in Danang, Vietnam, 1985. She spent part of her childhood in Thailand before completing secondary and high school in Saigon, Vietnam. She has a B.A in East Asian Studies from Wesleyan University, USA and since 2009 has moved back to live and work in Saigon as a full-time visual artist. She is happy to tell stories using whatever medium available, from words, images, to sounds and space. She has exhibited in various museums and art spaces in Vietnam and abroad. Her experience with moving images started with video art works: Passage of the mass, 2014; The process of purifying, 2013, Where birds dance their last, two-channel installation, 2012. Flat Sunlight is her first film.

La cruelle réalité des enfants péruviens vivant dans les rues de Lima; ils mendient, volent, se droguent, se battent pour vivre. Lors du tournage de ce documentaire au milieu des bagarres, des descentes de police et des disputes, notre équipe devient également victime des brutalités physiques des gangs violents.

Marcelo Bukin est né à Buenos Aires, en Argentine et passa son diplôme avec les honneurs au Centre d´Etudes Cinématographiques de Catalunya, à Barcelone en Espagne, où il étudia la réalisation. Marcelo a exploré et filmé la vie quotidienne des gens de diverses cultures en Europe, Moyen-Orient, Arfique, Asie et Amérique Latine. Après avoir réalisé de nombeux courts-métrages en Espagne, il fut directeur de production sur "The Children Of Nepal", qui a remporté le Goya Award 2004 (Académie du film Espagnol) du meilleur documentaire et court-métrage. En 2003 il dirigea "Children´s Stories", un projet de film documentaire au Guatemala et au Pérou, qui a remporté le Prix du Public au FICDH 1st International Human Rights Film Festival d´Espagne. En 2005-2006 il dirigea une serie de documentaires dont "Bread", "Angel´s Fire" et "Lima´s Street" qui sont récompensés et projetés dans le monde entier, comme au Montréal FFF, Edinburgh, IDFA et IDA Awards à Los Angeles entre autres. Actuellement, Marcelo développe un documentaire sur le crise socio-économique dans son pays natal, l´Argentine, tout en produisant, dirigeant et jouant dans des publicités télévisées et des projets indépendants.

A nonlinear film examining U.S. artist Richard Serra`s enigmatic installation, "EAST-WEST/WEST-EAST", located in the Brouq Nature Reserve in Qatar. The film was shot on film with a Super 8 camera, with all edits executed in camera.

Gabriel Bullen is a Canadian filmmaker from Yellowknife, Northwest Territories, Canada. His filmography consists of short narrative, documentary, and animation. His fields of interest also include experimental film, storyboarding, and animation. He has shot with digital DSLR, Super 8 and Super 16mm, mobile phones and RED Epic Mysterium-X. He creates his own analogue VFX using old techniques with ink, milk, and a fish tank.

Ce film-installation, projeté en boucle sur deux écrans, présente une variation sur la vision paroptique (la possibilité de voir avec la peau, sans le concours des yeux), la télépathie, la théorie des couleurs et le thérémine. Les différentes séquences introduisent l’hypothèse d’un cinéma imaginaire. Le film est présenté comme une série de rushes suggérant un film inachevé, en puissance.

Érik Bullot est cinéaste et théoricien. Auteur de nombreux films à mi-chemin du documentaire et du cinéma expérimental, il a publié récemment L’Attrait des ventriloques (Yellow Now, 2022) et Apunts de cinema (Filmoteca de Catalunya, 2023). Il présente en 2025 une exposition personnelle Voyages en kaléidoscope au Centre d’art Les Tanneries, accompagnée d’une publication Cinéma vivant chez Macula. Il enseigne le cinéma à l’École nationale supérieure d’art de Bourges.

Un oiseau est-il un document ? Les réserves d’un musée de civilisation peuvent-elles être perçues comme un miroir aux alouettes ? S’agit-il d’oeuvrer à une libération du document, à l’instar de la libération animale ? Telles sont les questions posées par ce film visionnaire et poétique, tourné dans les réserves du Mucem à Marseille.

Erik Bullot est cinéaste et théoricien. Il réalise des films à mi-chemin du film d`artiste, du documentaire et du cinéma expérimental. Ses films explorent les puissances poétiques et formelles du cinéma. Sa filmographie compte une trentaine de titres. Son travail a été présenté dans de nombreux festivals et musées, en France et à l’étranger. Il a publié récemment “ Le Film et son double ” (Mamco, 2017) et coordonné l’ouvrage “ Du film performatif ” (it: éditions, 2018). Il enseigne actuellement le cinéma à l’école nationale supérieure d`art de Bourges (France).