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A collage of personal and public accounts, The Image Remains the Same contemplates water as an allegory of journeys shaped by desire, belonging, hope, and demise—stretching from the shores of the Pacific Ocean in Los Angeles to the Mediterranean Sea in Lebanon. The work specifically focuses on the El-Mina port, where I speak with locals about emigration from Tripoli’s shores to Europe. The camera moves from the Californian deserts to my hometown in the Southern Suburbs of Beirut (before its heavy destruction in the recent war) and to the North of Lebanon, tracing formal and historical ties as well as contrasts between these places.

Ali El-Darsa works across moving image, installation, performance, and sound. His practice examines structures of belonging in transnational contexts, foregrounding the specificity of time-based media in creating networked, mediated memories and cultural imaginaries. His interdisciplinary research in performance engages with the fields of text, word, sign, and language, questioning—often collaboratively—how language shapes movement, systems of thought, and, by extension, the discourse surrounding the interpretation of a work of art, both materially and metaphorically. His work approaches communication through its means, methods, and media—oral, written, or coded—examining the transmission of customary, historical, and contemporary narratives. El-Darsa lives and works in Berlin, and is a 2025–2026 fellow at the Akademie Schloss Solitude in Stuttgart, Germany.

Spacious landscapes, a cloudless sky decorate the walls surrounding the little zoo in Palestine: Screaming illusoric allegories of freedom. The humans feed the animals and speak to them. A usual day. If it were not for the Giraffe, which was shot dead by the Israeli military; or for the Lions who are only allowed to be imported sterilized. Timidly the workers start talking about what it means to live and work under occupation.

Pary El-Qalqili is a writer, director and curator, based in Berlin. She studied Directing at the University of Television and Film Munich. Her first feature documentary THE TURTLE`S RAGE was released in German cinema in 2012 and won several awards on international film festivals, such as the Dubai International Film Festival, Visions du Réel in Nyon and the Al Jazeera Documentary Festival. The short documentary „ZOOLAND“ is her Diplom movie. For her artistic work she got support and scholarships by the Academy of Arts in Berlin, the Robert-Bosch-Stiftung and Künstlerinnenförderung Film/Video of the City of Berlin.

A unique slideshow documenting two long-haired trans men falling madly in love. Over the course of one year, the artist couple Samira Elagoz & Z Walsh gathered photographs from real-life events such as their first kiss, meeting each other's parents, long-distance thirst traps, a beach wedding, and top surgery and its subsequent recovery. A sweet and steamy celebration of T4T love with life and art all tangled up.

Samira Elagoz is a Finnish/Egyptian transmasculine artist. He has toured in various international film, visual art, and performance contexts, and won several awards, including Silver Lion at the Venice Biennale Teatro in 2022. Elagoz combines performance art and film, creating his unique brand of “docu-fiction”. Z Walsh is a Brooklyn-based transmasculine artist focusing on photography. Z is known for his raw, intimate depictions of his subjects and himself. Throughout his work, Z is dedicated to elevating trans voices and combating transmasculine erasure.

In and around the historical ruins of Fustat in Old Cairo, tensions simmer between the site’s government-appointed guards and residents of a nearby informal settlement, al-Izba. The guards chase away looters and confiscate their equipment, while locals infuriate them by taking shortcuts through the site, occasionally stopping for a smoke. For the guards it would be easiest to keep the site closed until further notice.

Ahmed El Ghoneimy, born in 1986 in Alexandria, Egypt, is a filmmaker and artist currently living between Alexandria and Cairo. His work revolves around interpersonal tensions between the different protagonists presented in his films, such as sons and fathers (Tripoli Tide, 2018), victims and perpetrators (Bahari, 2011), bullies and friends (The Cave, 2013). Alternating between fiction and documentary, his films follow associations and use moments of collision as an opportunity to investigate notions like victimhood, power, and masculinity.

A character is passing time in a desolate beach town. Slowly, the loneliness and alienation she experiencesin theforeign town makes her enter into an uncanny delusional realm, that blurs the memory of her own experiences with that of female protagonists from film history.

Sara Eliassen (b 1977) is a filmmaker based between Oslo and San Francisco. Her film Still Birds premiered at the Venice Film Festival in 2009 and has later screened at several other international film festivals, amongst them Sundance 2010. Eliassen holds an MFA in filmmaking from San Francisco Art Institute and was a studio fellow at The Whitney Museum’s Independent Study Program in 2011.

An unexpected encounter on the staircase threw the young man out of his regular routine.

Was born in Tomsk, Siberia. Moved in Moscow in childhood. Studied phylology in "Russian State University for the Humanities", then stuied in "Moscow School of New Cinema" (editing department). Is living in Tel-Aviv since August 2022.

De 1884 à 1914, une étroite bande de terre située entre la colonie britannique de la Côte-de-l`Or et le Dahomey gouverné par la France faisait partie des possessions africaines de l`empire allemand. Le "Togoland" d`alors, qui comprenait le territoire du Togo et la partie orientale du Ghana d`aujourd`hui, a vu la première capitulation allemande de la Première Guerre mondiale. La présence européenne a durablement marqué les esprits et les souvenirs sont vifs, même plus d`un siècle après l`éviction forcée de l`un des principaux acteurs européens du "grand jeu colonial" et plus d`un demi-siècle après les indépendances africaines. Lomé - Adibo et Yendi (Ghana) - Kamina - Wahala : moments de quelques étapes au présent sur le chemin du passé... Langues originales : dagbani, anglais, ifè

1985-1997 : chroniqueur, auteur et producteur radio. 1995-2004 : chargé de programmes documentaires pour chaînes de télévision publiques et privées en France et Allemagne.

“Stretching and blurring the boundaries of video essay, experimental film and home movie, traces of a 1950s homemade melodrama by amateur filmmaker Joan Thurber Baldwin intermingle with a mournful homage to the author’s grandmother and her vacated home. A powerful mélange of cinematic and domestic spaces, past and present.”

Carl Elsaesser (1988, USA) graduated from Hampshire college and University of Iowa. He lives and works between midcoast and interior Maine and Brooklyn, NY. He has made several short films which have screened at festivals in New York, Berlin, Michigan, Amsterdam, Korea among others. In his work, Elsaesser mixes genres and materials to produce work that “critically investigates the overarching presence of the historical without losing sight of individual experiences of human connection.”

Despite the didactic promise of its title, Carl Elsaesser’s new film will not teach you how to complete this obscure action. The phrase itself, at once ridiculous and noble, is pleasure enough, and its tone fits perfectly on a work that walks a thin, dandyish path down the border of farce and elegy. Another pleasure: it isn’t about anything, though it’s of quite a lot. Of fathers (who might teach one how to run a trotline, or sit on a porch, or disappear); of other films (particularly a pair by adopted fathers Michael Snow and William E. Jones); of at least two kinds of cruising; of the winter in Maine and the streets in New York and the many kinds of light to be found in and around both (ranging from snowy diffusion to snare-hit clarity). But one needn’t know these films or Maine or New York, not any more than one need know what a trotline is, to be hooked by the ongoing oddness of Elsaesser’s rhythms, which move gently, languidly toward new raptures of illumination. (Text: Phil Coldiron)

Carl Elsaesser is an experimental filmmaker who mixes genres and materials to critically investigate the overarching presence of the historical without losing sight of individual experiences of human connection. His works have screened regularly at festivals including The Berlinale, The New York Film Festival, Cinema Du Reel, European Media Arts festival where he won the German Film Critics award for best film, and the Ann Arbor film festival where his debut film won the award for most promising emerging experimental video artist. He's had the honor of receiving grants and residencies throughout his career including a Minnesota Arts Council grant, a fellowship with Macdowell and residencies with the Ellis Beauregard Foundation, Hewnoaks and The Squeaky Wheel Media Center. His work has been written about in publications like the LA Review of Books, Millennium Film Journal and FilmExplorer by Kevin B. Lee.

Do-Mystic Uni-Verse: is a visual interpretation of the aftermath of the bomb that went off recently inside of me, It`s about hope and also showing the stagnant life we live. It`s a nine clips subtitled with nine vague, subtle, and desperate sentences "verses", about the dull life of mine, but in the same time there`s a sort of sarcasm in them? The motion mechanism is inspired by the motion of the solar system, performed with home worn out nick nacks. I emulate the solar system to represent infinity and continuation.

Walid elsawi, Egyptian visual artist, based and works in Alexandria. BFA in painting, Alexandria University, 2010. He works with different kinds of media, such as installation, video art and painting. He became interested in the concept of the alienation by the time he graduated, expressing his thoughts through oil paintings; he made a series of 14 oil paintings depicting his self-portrait. In 2011 he discovered the impact of the words and how strong they are, so he used texts and words as another form of showing his personality, he came up with three pieces concentrating on the subliminal messages and how tricky words can be In 2012 he made a piece entitled (a contemporary artist vs. a con artist) a dozen statements, taken from the artist?s ongoing interview project are written on glowing neon boxes, peppered around the space. The interview consists of responses he gives to the question ?are you an artist?? a means of exploring the current climate of contemporary art, and the cult of personality, with a tongue-in-cheek emphasis on certain stereotypes, perceived pre-requisites or trends. Alongside with that, In terms of the alienation concept, I decided to deal with it with a whole different form. I worked on manipulating personal domestic photos, because puzzling the viewer makes them think a little deeper, at the first glance they wouldn`t recognize, but when they take a closer look they would see the trick? Believing that the convincing image is the poor resolution one, the non-designed picture; this makes it more realistic by avoiding the aesthetics of photography, I don`t want to focus on a main item in the picture, I prefer to take raw pictures, to enhance the idea.

"I'll be you if you'll be me 4 - Love Hurts More", une oeuvre d'Åsa Elzén et Markus Wetzel Pendant trois mois en 2006, les artistes se sont isolés sur une petite île inhabitée de la mer Baltique où ils ont réalisé ensemble une série de cours métrages. Dans le même film, ils ont constamment échangé leur rôles, de réalisateur à acteur et inversement, et grâce à cette méthode, ont développé des récits sur un personnage androgyne fictif. Celui qui jouait portait un masque et devenait cet étrange personnage silencieux, seul sur son île, essayant de venir à bout de la nature aliénante, de la solitude, de la mort et de son désir d'amour. Ce "trans-personnage" au sexe toujours changeant habite également un espace entre les deux artistes. Le séjour réel sur l'île est ici une métaphore de l'isolation forcée dans laquelle un couple peut se mettre, mentalement ou physiquement. Cet état ambivalent entre sécurité et isolation a influencé la situation dans laquelle la collaboration a eu lieu. Les artistes s'intéressent aux notions d'hétéronormativité, de genre et de sexualité, et aux limites entre sujet et autre. Au début de "Love Hurts More" (10 mn), le personnage chante la chanson "Love Hurts" sur les rives rocheuses la nuit. Il/elle utilise un générateur pour faire fonctionner une lampe et chante en même temps que le bruit du générateur. Ensuite, il/elle se dirige vers le centre de l'île en s'aidant de la lampe et en traînant le lourd générateur. Il/elle arrive enfin à destination et trouve un cristal caché dans les branches d'un vieil arbre. De retour dans sa petite maison avec son trophée, notre héro/héroïne tente sans enthousiasme de soigner son manque d'amour par une étrange incantation.

Åsa Elzen a obtenu son MFA au Royal University College of Fine Art de Stockholm en 2002. Actuellement, elle suit le Whitney Independent Study Program de New York. Elle travaille sur les installations et l'art vidéo, traitant souvent de féminisme et de questions post-coloniales. Markus Wetzel a obtenu son MFA à la Hochschule fur Gestaltung und Kunst à Zurich. Actuellement, il travaille à New York et Zurich. Dans ses projets, il utilise l'idée de l'île à la fois comme forme réelle et comme forme fictive: ses images numériques, ses installations et ses projets d'extérieur, tout comme ses collaborations tendent vers les limites de la fiction, de l'espace fictif et du récit, vers ce moment où la fiction semble basculer dans la réalité. Depuis 2005, Elzén et Wetzel ont collaboré à trois projets.

The civil engineer and architect Freddy Mamani Silvestre (*1971), has designed more than 60 building projects in the Bolivian city of El Alto since 2008, which mock the norms of a formulaic modern architecture shaped and enforced with global aspirations by the Bauhaus. Mamani comes from a humble background and belongs to the Aymara people. His self-taught architecture is a counter-utopia that grew out of local usages and opens up a view of preferences other than sparseness and global stylistic adherence. The film shows many of the “cholets” he built with their magnificent ballrooms in their urban setting. Mamani became the founder of neo-Andean architecture.

Born in 1948 near Bremen in Germany, Heinz Emigholz trained first as a draftsman before studying philosophy and literature in Hamburg. He began filmmaking in 1968 and has worked since 1973 as a filmmaker, artist, writer and producer in Germany and the USA. In 1974 he started his encyclopaedic drawing series “The Basis of Make-Up”. He looks back on numerous exhibitions, retrospectives, lectures and publications. In 1984 he started his film series “Photography and beyond”. He had held a professorship in Experimental Filmmaking at the Universität der Künste Berlin 1993-2013, and co-founded the Institute for Time-based Media and the Art and Media program, there. In 2003 Filmgalerie 451 started an edition of all his films on DVD. Publications a.o.: Krieg der Augen, Kreuz der Sinne (War of Eyes, Cross of Senses), Seit Freud gesagt hat, der Künstler heile seine Neurose selbst, heilen die Künstler ihre Neurosen selbst (Since Freud Said That the Artist Heals His Neuroses Himself, Artists Have Been Healing Their Neuroses Themselves), Normalsatz – Siebzehn Filme (Ordinary Sentence – Seventeen Films) and Das schwarze Schamquadrat (The Black Sqare of Shame) (all four books were published at Verlag Martin Schmitz); “Die Basis des Make-Up (I) and (II)”, “Der Begnadete Meier”, “Kleine Enzyklopädie der Photographie” (Small Encyclopaedia of Photography) and “Die Basis des Make-Up (III)” (in Die Republik No. 68-71, 76-78, 89-91, 94-97 and 123-125); Sense of Architecture with more than 600 photographs. Heinz Emigholz is a member of the Academy of the Arts in Berlin.

Un archéologue et un concepteur d'armes, qui se sont connus dans une autre vie où l’un était cinéaste et l’autre psychanalyste, se rencontrent sur un site de fouilles dans le désert du Néguev, et entament une conversation sur l'amour et la guerre, qu'ils poursuivent dans la ville israélienne de Be'er Sheva. Puis, avec des acteurs changeants dans des rôles changeants, le film entame une ronde qui les mène à travers Athènes, Berlin, Hong Kong et São Paulo. Apparaissent: un vieil artiste qui rencontre le jeune homme qu’il était, une mère qui vit avec ses deux fils adultes - un prêtre et un policier, une Chinoise et une Japonaise, un curatrice et un cosmologiste. Leurs dialogues traitent de tabous sociaux devenus obsolètes, de conflits de générations, de culpabilité de guerre, et de cosmologies. Les architectures des cinq villes servent de troisième participant au dialogue des protagonistes, et complètent leurs parcours philosophiques et métaphysiques.

Heinz Emigholz est né en 1948 à Achim, près de Brême (Allemagne). Il a d'abord suivi une formation de dessinateur, avant d'étudier la philosophie et la littérature à Hambourg (Allemagne). Il a commencé à réaliser des films en 1968, et travaille depuis 1973 comme réalisateur, artiste, écrivain et producteur, en Allemagne et aux États-Unis. En 1974, il a commencé sa série de dessins encyclopédiques "The Basis of Make-Up". Il a de nombreuses expositions, rétrospectives, conférences et publications à son actif. En 1984, il a entamé sa série de films "Photography and beyond". Il a été professeur de cinéma expérimental à la Universität der Künste Berlin (Allemagne) de 1993 à 2013, et y a cofondé le Institute for Time-based Media et le programme Art and Media. En 2003, la Filmgalerie 451, Berlin (Allemagne), a lancé une édition de tous ses films sur DVD. Entre autres publications, citons: "Krieg der Augen, Kreuz der Sinne", "Seit Freud gesagt hat, der Künstler heile seine Neurose selbst, heilen die Künstler ihre Neurosen selbst", "Normalsatz - Siebzehn Filme", et "Das schwarze Schamquadrat" (ces quatre livres ont été publiés chez Verlag Martin Schmitz, Berlin [Allemagne]); "Die Basis des Make-Up (I) et (II)", "Der Begnadete Meier", "Kleine Enzyklopädie der Photographie" et "Die Basis des Make-Up (III)" (publiés dans "Die Republik" No. 68-71, 76-78, 89-91, 94-97 et 123-125); et "Sense of Architecture", avec plus de 600 photographies. Heinz Emigholz est membre de l'Académie des Arts de Berlin (Allemagne).

There are streets, paths, motorways, alleys, boulevards and promenades. And there are life paths, intersections and dead ends. Two men sit on the shady raised platform of a brick building somewhere in Montevideo. They are submerged in a conversational marathon that never ceases throughout the entire film. The younger of the two is an analyst; the older man his analysand. Their nationalities are unclear; they speak a simple, internationally understandable English. They talk about a childhood among the ruins and the traumatised people of Germany shortly after the Second World War, about fleeing, about an obsessive interest in architecture and about manic writing. And they speak about work with the film camera, which is a technical instrument for the young analyst, but a lifeline for the old film director. The starting point of the six-day marathon is the psychological and physical block that prevents the director from starting a last great film, the Streetscapes saga. The conversation, which in a slow process dissolves the director’s block, takes place in changing places in extreme architectures. The camera, which portrays them both and sets them in relation to the architecture, becomes a third partner. The camera repeatedly disengages from where they are and explores the surrounding streets and neighbourhoods before returning to the two protagonists. The shell constructions of the Uruguayan builder Eliado Dieste where they sojourn resemble gigantic braincases and thus provide a framework for the site and the theme of the project that emerges in the course of their talk: trauma and architecture.

Né en 1948, l’artiste allemand poursuit des études de philosophie et des études littéraires à Hambourg. Il fonde la société cinématographique Pym Films en 1978 et devient professeur de cinéma expérimental à l’Université des arts de Berlin de 1993 à 2013. Co-fondateur de l’Institut pour Time-Based Media, il lance son propre cours en ‘’arts et medias’’ au sein de l’Université. Artiste freelance depuis 1973, Emigholz est monteur, écrivain, scénariste,réalisateur et journaliste. Depuis quinze ans, l’artiste expérimental allemand se dédie à une série de documentaires ambitieuse qui se concentre sur le travail visionnaire des architectes du 20ème siècle. C’est à travers l’image et l’architecture que l’artiste s’exprime, car selon lui ‘’l’Architecture projette l’espace. Les œuvres cinématographiques traduisent cet espace en images projetées dans le temps. Le cinéma est ensuite utilisé sous une nouvelle forme : comme un espace offert pour réfléchir sur les immeubles’’. A travers son travail, il cherche à développer chez le spectateur une meilleure connaissance des moments critiques de l’histoire de l’architecture. Entremêlant photographie et architecture, Emigholz questionne la notion de temps, d’espace et de narration. Réalisateur internationalement reconnu, Heinz Emigholz a remporté de nombreux prix : prix du ‘’meilleur scénario’’ et ‘’meilleur film’’ au German Film Critics Association Awards 2017, déjà salué dans le même festival par le prix spécial en 2001, 2008 et 2009 et en 1983 pour le prix du meilleur film ; prix du meilleur documentaire au Festival de Berlin (1988). Le réalisateur a aussi été nommé dans un grand nombre de festivals : Festival International du Court Métrage d’Oberhausen (2013), meilleure photgraphie et meilleur montage au German Film Critics Award (2017). Son oeuvre video a aussi été montrée dans de nombreuses institutions berlinoises, mais aussi à la Biennale de l’architecture (Venise, 2008), et notamment à Kassel, Toronto, Tel Aviv, ou encore Vienne.

June 1971 - in a fluid landscape completely below sea level, a young biology student dies during the last year of his studies, leaving behind an unfinished scientific collection. More than fifty years later, a group of ecologists and volunteers are trying to understand and document the same environment as it is today.

Leon Emonds-Pool holds a degree as a Director of Photography from the International Filmschool Cologne and is currently studying at the Friedl Kubelka School for Independent Film in Vienna. After working for short films solely as a cinematographer, he is now also directing his own projects, mainly in the various fields between documentary and experimental filmmaking. In his films, which are often shot on analog Super 8 or 16mm material, he tries to explore the complex relationship of humans with the natural environment. He also works as an analog projectionist and is one of the founding members of the Cologne-based artist-run-filmlab and event series collective "Film auf Film". Emilia Auhagen-Kuoppamäki completed her master’s degree in North American Studies in 2024. In the course of her studies, she developed a growing interest in cultural ecology, particularly in film and literature. Her current research interest lies in exploring how artists generate change in human interaction with the non-human world through their artistic practice. Complementing her research, Emilia is engaged in creative projects in the visual arts. She is one of the five founding members of the Cologne-based artist-run-filmlab and event series collective "Film auf Film".

"Entrance and Exit of Mascha B." suit une jeune femme dans un processus de transformation numérique. Dans les locaux d'une grande entreprise de visualisation architecturale, des opérations délicates donnent naissance à un rendu photo-réaliste, destiné à promouvoir un futur bureau. La pièce virtuelle est meublé et habité par Mascha B. et ses collègues numériques. Le processus de rendu final est accompagné d’un air extrait de l'opéra fantastique "Les Contes d'Hoffmann" (1881), dans lequel le héros tombe désespérément amoureux d’Olympia, une marionnette mécanique.

Laura Engelhardt est née en 1988 à Brême (Allemagne). Elle est diplômée en en architecture et en beaux-arts, après des études à Londres (Royaume-Uni), à Stuttgart (Allemagne) et à Berlin (Allemagne), et suit actuellement un programme de troisième cycle en cinéma à la Kunsthochschule für Medien, Cologne (Allemagne). Son travail porte sur les architectures construites et imaginées, ainsi que sur les relations fragiles entre le corps humain et son environnement. Ses films sont présentés dans des festivals et des expositions à l'international. Elle écrit et développe actuellement son premier long métrage.

Présentation de l`oeuvre Coop Himmelblau est un collectif d?architectes fondé en 1968 par Wolf d. Prix et Helmut Swicinsky, qui a travaillé à de nombreux projets d?urbanisme, d?architecture et de désign partout dans le monde. Parmi les principales réalisations, on peut citer le maître plan de la ville de Melun-Sénart, l?Académie des Beaux-Arts de Munich, la transformations des anciens gazomètres en complexes d?habitation à Vienne, le Musée des confluences à Lyon, le Musée d?art d?Akron dans l?Ohio, l?aire centrale de la faculté de Los Angeles, l?opéra Guangzhou en Chine, le showroom BMW à Munich, la Banque Centrale Européenne à Francfort? En 1998, Marc Wigley analyse pour la première fois le déconstructivisme à l?occasion d?une exposition au MOMA. Sous ce nom, il rassemble les ?uvres de Franck Gehry, Daniel Libeskind, Rémi Coolhaas, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Bernard Tschumi et du collectif Coop Himmelb(l)au

Fils de Robert Enrico, réalisateur des Grandes gueules (1965) et du Vieux fusil (1975), Jérôme Enrico débute au cinéma en tant qu'acteur, avec un petit rôle dans Un peu, beaucoup, passionnément... que son père met en scène en 1971. C'est cependant au début de la décénnie suivante qu'il entame véritablement une double carrière, à la fois d'assistant-réalisateur - Clara et les chics types (1980 ; Jacques Monnet) ? et de metteur en scène, puisqu'il signe deux courts métrages, Le rat noir d'Amérique (1981) et La dernière image (1983), qui sont, l'un et l'autres, couronnés dans différents festivals. En tant qu'assistant, il travaille notamment avec Gérard Oury et, surtout, Robert Enrico, sur Au nom de tous les miens (1983), Zone rouge (1985) et Vent d'est (1991) - où il est, pour la première fois, premier assistant-réalisateur. Il le restera pour Prêt-à-porter (1994 ; Robert Altman) et La reine Margot (1993 ; Patrice Chereau), film sur lequel il assure également la direction de la seconde équipe. En 2000, Jérôme Enrico réalise son premier long métrage, L'origine du monde, avec Roschdy Zem et Angela Molina.

Revised synopsis Belfast Trio (Tea at Four O'Clock/The Hollow Ball/The Apprentice)is a sequence of three 3-minute films, which can be shown in different orders. Each film is a piece of a puzzle of which the three films form a whole. Taking their titles from classic mid-20th century novels of Belfast life, each film is at once a description of a film to be made, a conversation between characters in a love triangle, and a portrait of a city attempting to refashion itself for entry into a global economy. The films restage original interviews with professionals from the film and IT industry in Belfast, two industries through which the city hopes to attract investment and establish itsâ?? position within an international pecking order of knowledge economies and creative industries. Interwoven with these interviews are moments of melodrama and documentary explorations of redevelopment projects. The films were made with a crew drawn from Northern Irelandâ??s film industry, and allude to this image-making economy in which on the one hand local history has a market function, and on the other the city can stand-in for any number of other cities or time periods. Originally shown in three separate cinemas around Belfast before feature films, most of which were North American, the films hint at the promises and thwarted desires of mobility and economic participation at an international level that characterize the new economy.

Redmond Entwistle (b. London, 1977) is an artist-filmmaker currently living in New York. Entwistle employs documentary and abstract modes of film-making, often investigating histories of social displacement and creating portraits of cities anchored on the invisible or the implied. Recent works include Monuments (2009), a narrative exploration of the origins of Post-Minimalist art in the economic and spatial relationship between New York and New Jersey, Skein (2007), a video portrait of migration to the towns that spread out from New York, and Paterson ? Lódz (2006), a 16mm expanded film about two towns (Paterson, New Jersey, and Lódz, Poland) and their interrelated history of politics and migration in the early years of the 20th century. Redmond Entwistle studied at California Institute of the Arts and the Whitney Independent Study Program. He has presented projects at recent group shows at Miguel Abreu Gallery (NY), Nought to Sixty (ICA, London), a film performance at Gallery TPW (Toronto), and a recent solo exhibition at Belfast Exposed (UK).

A film exploring the role and value of art education today through the history of the seminal California Institute of the Arts. WALK-THROUGH revisits the history of pioneering Los Angeles art school, the California Institute of the Arts, to explore wider questions about the purpose and value of education today. This newly commissioned film by artist filmmaker Redmond Entwistle will premier at Tramway for the Glasgow International Festival on 20th April. It will then tour to Cubitt Gallery, London, and International Project Space, Birmingham, reaching a wide audience through out the UK, with plans to tour further in the US and Europe.

Redmond Entwistle (b. London, 1977) is an artist and filmmaker based in New York and London. Working across a range of film forms from expanded cinema to narrative, his work has shown in both galleries and film festivals internationally. In 2008 his film Paterson ? Lódz won Best International Film On-Screen at Images Festival. His films have been included in recent group shows Nought to Sixty (ICA, London) and Greater New York: Artists Cinema (PS1 MOMA). His last film Monuments had its gallery premiere at Art in General in 2010 and had its festival premiere in competition at the Rotterdam International Film Festival 2010 and has been shown in a number of festivals and curated programs internationally including the National Gallery of Art Washington, Viennale, FID Marseilles, Hors Pistes at the Centre Pompidou, Argos Center for Art and Media, Anthology Film Archives and the Walker Art Center. His work is distributed by Lux Artists Film and Video.

Défilent les façades de Brooklyn NY sur le trajet de l'aéroport. Au volant du taxi, Princess raconte son quotidien. Vis-à-vis / visage-à-visage / de corps de bâtiment à corps de bâtiment Fenêtres, bow-window, blocs, entrée, store, ventilateur de plafond, ONE WAY, bow-window, porche, CHINESE KITCHEN, fenêtre à guillotine, arbre, nuit, pluie, intérieure lumière jaune, guirlande, lumière rouge appartement, blanche, STOP, brique, bardage, bâche, bardage bois, fenêtre à guillotine, appuis de fenêtre, intérieur lumière jaune, linteau blanc, vitrine, escalier, GROCERY, DELI GROCERY, rideau, ampoules blanches…

Mélissa Epaminondi, née en 1977, travaille entre Paris et Oletta (Corse). Diplômée de l’Ecole d’Architecture de Marseille Luminy, architecte et artiste, elle poursuit sa pratique initiale et réalise des films, vidéos et installations. En 2009 elle co-fonde le collectif L140. Dans le prolongement des bâtiments qu’elle construit, ses films, vidéos et installations sont des architectures projectives révélant l’inconscient individuel ou collectif.

La place Castello est surmontée de l’une des transformations urbaines les plus discutées de la ville de Sassari, construite par Fernando Clemente en 1965. Ce bâtiment, baptisé “Il Grattacielo Nuovo”, a été le premier édifice d’architecture moderne en Sardaigne. Le gratte-ciel est visible de tous les points de la ville, et jusqu’en 1970 une étoile filante lumineuse était installée à son sommet pendant les fêtes de Noël. Dans le même période, entre 1965 et 1970 l’homme a rejoint la Lune. Le film est une évocation de la chute des utopies. Deux plans séquences se succèdent : l’un suit le mouvement vertical de la nacelle électrique suspendue à la façade est du gratte-ciel en cours de rénovation ; l’autre, vue du ciel, traverse horizontalement la ville de Sassari depuis la campagne périurbaine jusqu’au centre historique de la place Castello. Sous la forme d’un karaoké la lecture de ces images est accompagnée par la chanson I want to know dans laquelle Adriano Celentano critique la société, son mode de vie et son urbanisme. Ce titre sort en 1976 dans les premières années d`existence de cette tour symbole de modernité. Sur la place Castello j’ai installé une sculpture représentant une étoile filante en métal. Elle est posée à l’horizontale au centre de la place à même le sol. Elle a été réalisée selon le dessin de l’artiste sarde Leonardo Boscani, faisant appel à son souvenir d’enfant.

Née en 1977 à Bastia, Mélissa Epaminondi est architecte et artiste, elle vit et travaille entre la Corse et Paris. Elle s’est engagée dans un processus de travail établissant des liens entre l’art et l’architecture au travers de la notion de projection. Son approche architecturale lui permet d’appréhender l’installation et l’art vidéo d’une manière singulière, questionnant le rapport entre le corps, l’architecture et le cinéma. Elle s’attache particulièrement aux espaces en lien avec l’intime. Depuis 2008 elle mène également son activité au sein du collectif l 140 (bureau de conception de projets d’art et d’architecture). Depuis 2013 Mélissa Epaminondi est représentée par la société de production Stanley White au sein de laquelle le producteur et historien d’art Fabien Danesi accompagne ses projets cinématographiques.